Craft『Craft』について

Craftは、UKのインストゥルメンタル・プログレッシブ・ロック・トリオによる1984年作。メンバーはWilliam Gilmour（キーボード）、Martin Russell（ベース）、Grant McKay Gilmour（ドラム）の3人で、元Gryphon周辺の流れをくむ人物たちによるプロジェクトとして知られている。バンド名と同じタイトルを付けたこの1枚が、彼らの名義では中心的な作品になっている。

作品の位置づけ

1980年代前半の英国プログレは、70年代の大作志向とは少し距離を置きながらも、シンフォニックな構成やクラシック由来のフレーズを保った作品が残っていた時期。Craftのこのアルバムも、その流れの中にある1枚として整理しやすい。演奏主体の作品で、歌ものではなく、楽器のレイヤーと展開で聴かせるタイプの作品である。

サウンドの特徴

このアルバムでは、ギター的な音色がAria S.B. 900のベースギターとカスタム・ペダルボードで作られている点が面白い。通常のギター編成とは少し違う発想で音を組み立てているため、弦の鳴り方や音の厚みが独特に感じられる。キーボード主体のシンフォニックな進行の中に、ベース由来の音が前に出てくる場面があり、編成の少なさを音色の工夫で補っている印象がある。

実際に聴くと、派手なリフで押すよりも、フレーズの積み重ねや和声の移り変わりで曲を進める作りが目につく。テンポ感も極端に速いわけではなく、各楽器の音が整理されているため、構成の変化を追いやすいタイプの作品である。

同時代の文脈

同時代の英国シンフォニック・ロックと比べると、70年代の大編成バンドほどの豪華さはない一方で、室内楽的なまとまりがある。キーボードの使い方や展開の作り方には、Genesis系の組み立てや、英国プログレの伝統に通じる部分がある。ただし、演奏人数が少ないぶん、音の配置はよりコンパクトで、トリオならではの密度になっている。

ジャケットと初期盤の仕様

ジャケットには、The Twelve Signs of the Zodiac の6つの図像を参照したアートが使われている。1984年当時のオリジナル盤は、マットなややバフ色の単色寄りのスリーブで、汚れが付きやすい仕様だったという。初回には片面12インチのインサートと、Shanghai/Butt Recordsのカタログ入り内袋が付属していた。後発プレスでは、光沢のあるカバーになり、インサートなしの仕様が確認されている。

代表曲について

収録曲の中では、アルバム全体の流れの中で印象を残す曲が中心になるタイプで、単独で大きくヒットしたシングル曲が前面に出る作品ではない。曲ごとの派手な分かりやすさより、通して聴いたときの組み立てに意味があるアルバムとして捉えやすい。

まとめ

Craftの『Craft』は、少人数編成でシンフォニックなプログレを組み立てた1984年の英国作。キーボードとベース、ドラムを軸にしながら、ギター的な音色の作り方に工夫があるのが特徴で、80年代プログレの中でも編成と音作りの発想が見えやすい一枚である。

トラックリスト

• A1 – Aries (5:52)
• A2 – Taurus (3:44)
• A3 – Gemini (7:00)
• B1 – Cancer (6:52)
• B2 – Leo (8:29)
• B3 – Virgo (2:24)

関連動画

• Craft Aries.wmv
• Craft Taurus The Enid
• CRAFT 1984 [full album]
• CRAFT – Leo (1984) Progressive Rock

King Crimson『USA』について

『USA』は、King Crimsonが1975年に発表したライヴ・アルバム。録音は1974年6月のアメリカ公演で、ニュージャージー州アズベリー・パークのCasinoでの演奏が中心になっている。King Crimsonといえば、1960年代末からプログレッシブ・ロックの流れを形づくってきた重要バンドで、この作品は1972年以降の重さと緊張感を含んだ編成のライヴ記録として位置づけられる。

この時期のKing Crimsonは、ロバート・フリップ、ジョン・ウェットン、ビル・ブルフォードらを軸にしたラインナップで、スタジオ盤とは少し違う、演奏の切迫感や即興性が前に出る時期だった。『USA』はその空気をそのまま切り取った作品で、同時代のプログレの中でも、YesやGenesisのような構築的な側面とは別に、より硬質で鋭い演奏感を持つ記録として聴かれている。

収録内容と録音の背景

マスターノートによると、アルバムの大部分は1974年6月28日にニュージャージー州アズベリー・パークのCasinoで録音されている。さらに「21st Century Schizoid Man」は、1974年6月30日にロードアイランド州プロヴィデンスのPalace Theatreで録音されたもの。ライブ音源をつなぎ合わせた形だが、当時のバンドの演奏をまとめて追える構成になっている。

録音はRecord Plant N.Y.C.で行われ、ミックスはロンドンのOlympic Studios。クレジットには1975年のAtlantic Recording Corporation表記がある。盤面のランオフには手書き刻印がある仕様で、初期プレスの資料性を重視する人には気になるポイントになりそうだ。

聴きどころ

この作品でまず目立つのは、ライヴならではの音の前進感。会場のノイズが針を落とす前から入り込み、B面にはロックした溝にまで観客のざわめきが続くという記載があり、単なる演奏記録というより、当日の会場の空気を含めたパッケージになっている。

King Crimsonのライヴは、スタジオ盤での緻密な構成に対して、ステージ上ではさらに緊張感が増すことが多いが、『USA』もその性格がはっきりした作品。特に「21st Century Schizoid Man」は、バンドの初期代表曲として知られる曲で、70年代中盤の編成で改めて演奏されることで、オリジナルとは別の硬さと推進力が見えてくる。

King Crimsonの中での位置づけ

King Crimsonは結成以来、メンバー交代を重ねながら、時期ごとに音楽性を変えてきたバンド。『USA』は、その変遷の中でも、70年代前半の重厚なプログレ路線を示すライヴ資料として見やすい一枚。スタジオ盤の『Larks’ Tongues in Aspic』や『Starless and Bible Black』周辺の流れを、観客のいる空間で確認できる内容になっている。

同時代のプログレ勢と比べると、演奏の整然さよりも、音のぶつかり方や即興の張り詰め方が前に出る印象がある。ジャズ・ロック寄りの感触や、フリーな展開を含む場面もあり、King Crimsonらしい実験性がライヴの形で出ている作品といえる。

作品の要点

• 1975年発表のKing Crimsonのライヴ・アルバム
• 1974年6月のアメリカ公演を収録
• 中心はアズベリー・パークのCasinoでの録音
• 「21st Century Schizoid Man」を含む構成
• 1970年代中盤のKing Crimsonの演奏感を伝える記録

『USA』は、曲そのものの完成度だけでなく、当時のKing Crimsonがステージ上でどう鳴っていたかを知る手がかりになる一枚。録音時期、会場、編成の条件が重なって、バンドの持つ緊張感がそのまま残っている作品だといえる。

トラックリスト

• A1 – Larks’ Tongues In Aspic Part II (6:45)
• A2 – Lament (4:05)
• A3 – Exiles (7:04)
• B1 – Asbury Park (6:50)
• B2 – Easy Money (6:32)
• B3 – 21st Century Schizoid Man (7:32)

関連動画

• Walk On – No Pussyfooting – Live
• Larks’ Tongues In Aspic Part II – Live
• Lament – Live
• Exiles – Live
• Asbury Park – Live
• Easy Money – Live
• Fracture – Live
• 21st Century Schizoid Man – Live
• Starless – Live

Peter Murphy『Love Hysteria』

Peter Murphyの『Love Hysteria』は、1988年にUKでリリースされたソロ2作目のアルバムである。元Bauhausのヴォーカリストとして知られるMurphyが、バンド解散後の活動をさらに押し進めた時期の作品で、ソロ名義ならではの作曲とサウンドの輪郭が見えやすい一枚になっている。ジャンル表記としてはRockに加え、Alternative Rock、Art Rockが付いている。

作品の位置づけ

Peter Murphyは、Bauhausの中心人物としてポストパンク、ゴシック・ロックの文脈で語られることが多いが、ソロではその枠に収まりきらない音作りを展開している。『Love Hysteria』は、その流れの中で、前作に続いてバンド時代のイメージを引きずりつつも、よりソロ・アーティストとしての表現を前に出した作品といえる。1988年という時期を考えると、当時のUKロックがより広いオルタナティヴの方向へ開いていく中で出てきたアルバムでもある。

録音と制作

レコーディングはJacob StudiosとAbbey Roadで行われ、ミックスもAbbey Roadでまとめられている。クレジット上では、Beggars Banquet Music Ltd、Momentum Music Ltd、さらに一部楽曲でEMI Music LtdやVirgin Music (Publishers) Ltdが関わっている。インナー・スリーブには歌詞とクレジットが印刷されており、イングランド製の盤として流通している。

また、Howard HughesがE.G. Records提供でクレジットされているのも、この時代のUKロック作品らしい情報の一つである。制作面の記録が比較的はっきり残っている盤で、スタジオ作としての性格が見えやすい。

サウンドの印象

実際に聴くと、Murphyの低く伸びる声がまず前面に出る。バンドの勢いで押すタイプというより、声の存在感を軸に曲を組み立てていく印象が強い。ギターやリズム隊は、前に出すぎず後ろに引きすぎず、楽曲ごとの緊張感を保つ役割を担っている。

Bauhaus時代の鋭さを連想させる場面はあるが、ここではそのまま再現するのではなく、より整えられた構成の中で鳴っている。音の置き方に余白があり、ヴォーカルの抑揚やフレーズの間がそのまま楽曲の表情になっているのがわかる。

同時代の文脈

1980年代後半のUKでは、ポストパンク以後の表現が、アートロックやオルタナティヴ・ロックの形で再編されていく流れがあった。『Love Hysteria』も、その周辺に位置づけやすい作品である。Bauhausのような出自を持つアーティストが、バンドの看板を離れてどこまで自分の声を保てるか、その試みの一つとして見ることができる。

比較の対象としては、同時代のUKのダークな質感を持つ作品群や、ポストパンク由来のソロ作品が思い浮かぶ。とはいえ、このアルバムは単純に暗さを売りにするのではなく、曲の作り込みと歌の主導性で聴かせるタイプである。

代表曲について

本作からは「All Night Long」がシングルとして知られている。アルバム全体の中でも比較的耳に残りやすい曲で、Murphyのソロ活動を追う入口として触れられることが多い。ほかにも、曲ごとにテンポや質感を変えながら、アルバム単位で流れを作っている印象がある。

まとめ

『Love Hysteria』は、Peter MurphyがBauhausのフロントマンという出自を持ちながら、ソロ・アーティストとして自分の歌と構成を前に出した1988年の作品である。Abbey Roadでの録音・ミックス、UK盤らしいクレジットや製造情報も含めて、当時の英国ロックの文脈が濃く出ている一枚である。

トラックリスト

• A1 – All Night Long
• A2 – His Circle And Hers Meet
• A3 – Dragnet Drag
• A4 – Socrates The Python
• B1 – Indigo Eyes
• B2 – Time Has Got Nothing To Do With It
• B3 – Blind Sublime
• B4 – My Last Two Weeks
• B5 – Fun Time

関連動画

• Peter Murphy – All Night Long
• His Circle and Hers Meet
• Peter Murphy – Dragnet Drag
• Socrates The Python
• Peter Murphy Indigo Eyes Happy Birthday!
• Time Has Got Nothing to Do with It
• Blind Sublime
• My Last Two Weeks
• Funtime (Demo)
• I’ve Got a Miniature Secret Camera

The Moody Blues『Octave』について

The Moody Bluesは、1964年に英国バーミンガムで結成されたロック・グループだ。メロトロンを軸にしたサウンドで知られ、1960年代後半から1970年代にかけて、プログレッシブ・ロック周辺でもよく語られる存在になった。1980年代以降の大きな変化を前にした1978年の『Octave』は、バンドにとって節目の1枚として位置づけられる作品だ。

本作は1978年のオリジナル・リリース。日本盤も同年の発売で、ジャケットやクレジットに「Made in Japan」とある。アルバムとしては9作目のスタジオ作にあたり、長くバンドの中核を担ってきたMike Pinderがこの作品を最後に離れ、Patrick Morazがキーボードで参加した最初期の時期にあたる。

作品の位置づけ

『Octave』は、70年代前半までのThe Moody Bluesを象徴するメロトロン中心の展開から、より1978年当時のロック／ポップの感触へ移っていく流れの中にある。Justin HaywardとJohn Lodgeの作曲、歌、演奏が前面に出る構成で、バンドの看板であるハーモニー感は保ちながらも、時代に合わせた整理された音像になっている。

前作『Seventh Sojourn』から数年を置いての復帰作でもあり、グループの活動再開後に出たアルバムとしても重要だ。長い活動歴のあるバンドらしく、過去の作風をそのままなぞるのではなく、編成の変化を反映した内容になっている。

収録曲と聴きどころ

冒頭を飾る「Steppin’ in a Slide Zone」は、アルバムの中でも比較的勢いのある曲として知られる。続く「Driftwood」や「Survival」は、The Moody Bluesらしいメロディを軸にした構成で、歌とアンサンブルのバランスがはっきりしている。

本作からよく挙げられる曲としては「Steppin’ in a Slide Zone」がある。シングルとしても知られ、アルバムの入口として印象を残す1曲だ。ほかにも「The Day We Meet Again」「Isn’t Life Strange」など、ハーモニーと鍵盤の使い方に耳が向く曲が並ぶ。

全体を通すと、演奏の密度で押すというより、曲ごとの輪郭をきちんと見せる作りだ。The Moody Bluesの作品としては、壮大さよりも整った進行やメロディの明瞭さに目が向くアルバム、といった受け止め方になりやすい。

バンドの文脈で見る『Octave』

The Moody Bluesは、Denny LaineやClint Warwickが在籍した初期のR&B色の強い時代から、Justin Hayward、John Lodge加入後のアルバム期へ移行し、1960年代後半には独自のシンフォニックなロック像を作った。『Octave』は、その長い流れの後半に置かれた作品で、70年代の終盤らしい音作りと、バンドの持ち味の両方が見える。

同時代の英国ロックでは、YesやGenesisのようなプログレッシブ・ロック勢、あるいはELOのようにオーケストラ感をロックに持ち込んだバンドと比較して語られることもある。The Moody Bluesの場合は、より早い段階から鍵盤主体の広がりを持っていた点が特徴だ。

日本盤について

この日本盤は1978年のオリジナル・リリースに当たる。後年の再発盤ではなく、当時の日本向けプレスとして流通したものだ。日本盤ならではの「Made in Japan」表記が確認できる点も、コレクション面ではわかりやすい。

『Octave』は、The Moody Bluesの中でも、グループの転換点をそのまま記録したようなアルバムだ。長年のファンにとっては編成の変化を含めて気になる1枚であり、バンドの70年代末の現在地が見える作品として扱える。

トラックリスト

• A1 – Steppin’ In A Slide Zone (5:28)
• A2 – Under Moonshine (5:00)
• A3 – Had To Fall In Love (3:38)
• A4 – I’ll Be Level With You (3:47)
• A5 – Driftwood (5:02)
• B1 – Top Rank Suite (3:40)
• B2 – I’m Your Man (4:20)
• B3 – Survival (4:09)
• B4 – One Step Into The Light (4:28)
• B5 – The Day We Meet Again (6:18)

関連動画

• The Moody Blues – Steppin´a Slide Zone
• Under Moonshine
• THE MOODY BLUES Octave 03 had to fall in love
• I’ll Be Level With You
• Driftwood
• Top Rank Suite
• I’m Your Man
• Survival
• One Step Into The Light
• The Day We Meet Again

Vangelis『L’Apocalypse Des Animaux』について

『L’Apocalypse Des Animaux』は、Vangelisが1973年に発表した作品で、もともとはフランスのテレビ番組用に書かれた音楽として知られている。Vangelisは、電子音楽、オーケストラ、映画音楽の領域を横断して活動したギリシャ出身の作曲家で、この時期からすでに独自の鍵盤サウンドと映像的な構成感を持っていたことがうかがえる。のちの代表作につながる、初期の重要な一枚として位置づけられる作品。

作品の性格

本作は、いわゆる歌もののアルバムではなく、映像作品に寄り添うためのインストゥルメンタル中心の内容。タイトルの通り、動物と自然を思わせる場面が、曲ごとの短いスケッチのように並ぶ構成である。Vangelisらしいシンセサイザーの響きに、ピアノ、オルガン、打楽器、アコースティックな要素が重なり、場面転換のある映像音楽らしい流れになっている。

この時期のVangelisは、のちの大規模な映画音楽やソロ作で強く印象づけられる前段階にあたり、音の置き方や余白の作り方にすでに個性が見える。プログレッシブ・ロック周辺の耳で聴くと、同時代の電子音楽やシンフォニックな作風ともつながるが、単純なバンド演奏よりも、空間の作り方に重心がある印象。

聴きどころ

この作品でまず目立つのは、メロディのはっきりした主題と、音の輪郭がくっきりした鍵盤の使い方。過度に音数を増やさず、短いフレーズを繰り返しながら場面を組み立てるため、曲ごとの変化が追いやすい。映像用音楽らしく、派手な展開よりも、静かな移ろいや緊張の持続が中心になっている。

実際に聴くと、ひとつひとつの曲が単独で完結するというより、連なりの中で印象が積み上がっていくタイプのアルバム。電子音が前面に出る場面もあれば、ピアノや弦のような響きが前に出る場面もあり、その切り替えで映像の情景を想像しやすい作りになっている。

アーティストとしての位置づけ

Vangelisは、Aphrodite’s Childでの活動を経て、1970年代前半からソロの作曲家として活動を広げていく。本作は、その初期ソロ期の流れの中にあり、後年の『Blade Runner』や『Chariots of Fire』のような大きな成功作の前に、映像音楽と電子音楽を結びつける手つきを示している。大作志向というより、テーマの断片を音で組む感覚が前に出た作品といえる。

同時代の電子音楽やシンフォニックなサウンドを思わせつつも、Vangelisの曲は打ち込みの精密さだけで押すタイプではなく、演奏の流れや即興性の気配も残している。そのため、クラシック寄りの整った構成と、ロック以後の自由な音の扱いが同居しているように聴こえる。

リリース盤について

ここでの盤は1973年の日本盤。赤いPolydorラベル、片面のみの日本語ライナー、モノクロ仕様、厚手のマットな紙ジャケットという案内がある。日本盤としての体裁がしっかりした一枚で、当時の国内リリースらしい作りになっている。

オリジナル年と同年のリリースなので、再発盤ならではの音質差や収録差を比較するタイプではない。作品そのものの初出時の姿をそのまま追ううえで、1973年盤として押さえておく意味がある。

まとめ

『L’Apocalypse Des Animaux』は、Vangelisの初期における映像音楽の重要作。テレビ用音楽として生まれた背景を持ちながら、のちのソロ活動につながる鍵盤中心の音作りや、情景を描く構成感がはっきり出ている。電子音楽、モダン・クラシカル、ステージ／スクリーン音楽の接点にある作品として、1973年の時点ですでにVangelisの方向性が見える内容。

トラックリスト

• A1 – Apocalypse des Animaux – Générique
• A2 – La Petite Fille de la Mer
• A3 – Le Singe Bleu
• A4 – La Mort Du Loup
• A5 – L’Ours Musicien
• B1 – Création Du Monde
• B2 – La Mer Recommencée

関連動画

• Apocalypse des animaux – Générique (Remastered)
• La petite fille de la mer (Remastered)
• La mer recommencée (Remastered)
• Vangelis – L’Apocalypse Des Animaux [1973 / Full Album]

Rikard Sjöblom’s Gungfly『On Her Journey To The Sun』

Rikard Sjöblom’s Gungflyによる『On Her Journey To The Sun』は、2017年にリリースされた作品。スウェーデンのプログレッシブ・ロック界で存在感を持つRikard Sjöblomが、自身の名義を冠して展開するプロジェクトで、1人の作曲家・演奏家としての色がはっきり出たアルバムとして捉えやすい内容になっている。

Rikard Sjöblomは、Beardfishのボーカル／キーボード奏者として知られ、Big Big Trainのメンバーとしても活動してきた人物。このGungflyは、そうしたバンド活動とは別に、自身の感覚をより前面に出したソロ的な取り組みとして位置づけられる。グループ名義ではあるが、クレジット上のメンバーはRikard Sjöblomのみで、作品全体の中心に本人がいる形だ。

制作とリリース

本作は、2016年9月から2017年1月にかけて、スウェーデンのGävleにあるSound Society Studiosと、SandvikenのGungfly Productionsを中心に制作された。盤としてもオリジナルは2017年のリリースで、ジャケットはゲートフォールド仕様。リリース国はドイツとなっている。

音楽性と聴きどころ

ジャンル表記はRock、スタイルはProg Rock。Rikard Sjöblomの関わってきたBeardfishやBig Big Trainの文脈を踏まえると、演奏の密度や構成の組み立てに耳が向きやすい作品だ。実際、プログレッシブ・ロックの中でも、楽曲ごとの展開や鍵盤の動き、歌の存在感が前に出るタイプとして聴き取りやすい。

この作品では、派手な技巧の見せ場だけで押すというより、曲の流れの中でパートが切り替わっていく作りが印象に残る。Rikard Sjöblomの歌声とキーボードが軸になり、曲全体の輪郭を作っていくところが、この名義ならではの聴きどころと言える。

アーティストの位置づけ

Gungflyは、Rikard Sjöblomにとって「バンドの一員」としての表現とは少し違う、より個人に近い場所の作品。Beardfishで評価されてきたボーカルとキーボードの資質を、自分の名前に近い形でまとめたものとして見ると、流れがつかみやすい。Big Big Trainでの活動ともあわせて、2010年代のプログレ・シーンの中で、彼がどの位置にいる人物かがわかる一枚でもある。

まとめ

『On Her Journey To The Sun』は、2017年時点のRikard Sjöblomの表現を、ソロ的な視点で切り取ったプログレッシブ・ロック作品。Gungfly名義でありながら、実質的には本人の作家性が強く出たアルバムとして整理しやすい。BeardfishやBig Big Trainで彼を知った人にとっても、その延長線上で手がかりを与えてくれる内容になっている。

トラックリスト

• LP-A1 – Of The Orb (10:45)
• LP-A2 – On Her Journey To The Sun (5:04)
• LP-A3 – He Held An Axe (4:52)
• LP-B1 – My Hero (7:46)
• LP-B2 – If You Fall Part 1 (3:11)
• LP-B3 – Polymixia (11:41)
• LP-C1 – Over My Eyes (4:43)
• LP-C2 – Old Demons Die Hard (6:59)
• LP-C3 – Keith (The Son Of Sun) (5:35)
• The River Of Sadness (12:02)
• LP-D2 – All A Dream (2:18)
• CD-1 – Of The Orb (10:44)
• CD-2 – On Her Journey To The Sun (5:01)
• CD-3 – He Held An Axe (4:50)
• CD-4 – My Hero (7:46)
• CD-5 – If You Fall Part 1 (3:09)
• CD-6 – Polymixia (11:39)
• CD-7 – Over My Eyes (4:40)
• CD-8 – Old Demons Die Hard (6:56)
• CD-9 – Keith (The Son Of Sun) (5:33)
• The River Of Sadness (12:02)
• CD-11 – All A Dream (2:18)

関連動画

• RIKARD SJÖBLOMS GUNGFLY – Old Demons Die Hard (Lyric Video)

My Brother The Wind『Once There Was A Time When Time And Space Were One』について

My Brother The Windは、2009年にスウェーデンのヴェストラ・イェータランド地方、Åmålで結成されたサイケデリック／スペースロック・バンドである。中心にあるのは、長尺のインストゥルメンタルを軸にした演奏主体の音作りで、2014年の『Once There Was A Time When Time And Space Were One』も、その方向性をはっきり示す1枚になっている。

作品タイトルからして時間と空間の一体感を思わせるが、実際の音もそのイメージに沿ったもの。明確な歌ものというより、リフ、反復、展開、響きの重なりで進んでいくタイプの作品で、70年代由来のサイケデリック・ロックやスペースロックの流れを、現代の録音で捉えた内容といえる。

作品の位置づけ

2014年オリジナルの本作は、My Brother The Windの活動初期を代表するアルバムのひとつとして見られている。バンドは結成からまだ数年の段階で、すでに演奏力と即興性を前面に出した音像を固めていた時期にあたる。メンバーにはSamuel Hellberg、Daniel Fridlund Brandt、Nicklas Barker、Mathias Danielsson、Ronny Eriksson、Tomas Erikssonが名を連ねている。

Nicklas Barkerは、スウェーデンのプログレッシブ／サイケ文脈で知られる人物でもあり、この作品にもそうした周辺シーンとの接点が感じられる。とはいえ、ここで中心にあるのは個々の楽曲というより、バンド全体の演奏が生む流れそのものだ。

サウンドの特徴

このアルバムは、ギターの反復、リズムの持続、空間を広く使うエフェクト処理が印象に残る構成。派手な歌メロで引っ張るのではなく、演奏のうねりで引き込んでいく作りで、スペースロックらしい開放感と、サイケデリック・ロックらしい粘りが同居している。

同時代の北欧サイケや、より広い文脈では、Hawkwind系のスペースロック、あるいは長尺志向のジャム的なサイケデリック作品と並べて語られることが多いタイプの音である。とはいえ、My Brother The Windは単なる模倣ではなく、曲ごとの推進力と細かな展開で聴かせるバンドだ。

音源としての仕立て

2014年盤は、ラッカー盤のカットがThe Mastering Labで行われ、Doug Saxの弟子として知られるEric Boulangerが担当している。メッキはMastercraft、プレスはチェコ共和国のGZによるもの。オールドスクールなティップオン仕様のスリーブに収められ、世界500枚限定という案内がある。

こうした物理的な仕立ては、このバンドの音楽性とも相性がよい。音の広がりやロングトラックの持続感を、アナログ盤らしいまとまりで受け止める作りになっている。

聴きどころ

この作品でまず目に入るのは、いわゆる「代表曲」を前面に出すタイプではないこと。シングルヒットのような曲よりも、アルバム全体の流れで聴く性格が強い。したがって、特定の1曲を切り出すより、トラック間のテンポ感や音の密度の変化に耳を向けると、この作品の輪郭がつかみやすい。

実際に聴くと、音の重なりが前へ前へと進むだけでなく、ところどころで引いたり、空間を残したりする場面がある。そこで一気に「空」の側へ広がる感触が出るのが、このバンドらしいところだ。

まとめ

『Once There Was A Time When Time And Space Were One』は、My Brother The Windのサイケデリック／スペースロック志向を、2014年時点でしっかり示したアルバムである。北欧らしい端正さを持ちながら、演奏の推進力と空間感覚で引っ張る内容。限定プレスのアナログ盤という点も含め、作品としてのまとまりがはっきりした1枚になっている。

トラックリスト

• A1 – Prologue (1:04)
• A2 – Song Of Innocence Pt. 1 (7:35)
• A3 – Song Of Innocence Pt. 2 (4:04)
• A4 – Into The Cosmic Halo (6:40)
• A5 – Misty Mountainside (3:19)
• B1 – Garden Of Delights (11:59)
• B2 – Thomas Mera Gartz (2:14)
• B3 – Once There Was A Time When Time And Space Were One (3:18)
• B4 – Epilogue (4:19)

関連動画

• Prologue
• Song of Innocence part 1
• Song of Innocence part 2
• Into The Cosmic Halo
• Misty Mountainside
• Garden Of Delights
• Thomas Mera Gartz
• Once There Was a Time When Time and Space Were One
• Epilogue
• MY BROTHER THE WIND “Song Of Innocence” Official Video (Free Electric Sound / The Laser’s Edge)

The Eyes『My Degeneration』について

The Eyesは、1960年代半ばのイングランドで活動したバンドだ。ベースのBarry Allchin、ドラムのBrian Corcoran、ギターのPhil Heatley、リード・ギターのChris Lovegrove、ボーカルのTerry Nolderという編成で知られている。『My Degeneration』は、彼らのシングル盤とEP収録曲をまとめた編集盤で、バンドの録音を通して時期の流れを追いやすい内容になっている。

収録曲は、ロックンロールを土台にした初期の曲調から、モッズ寄りの推進力を持つ曲、さらにサイケデリック・ロックの色合いが見える曲まで幅がある。60年代中盤のイギリス・ロックらしい、短い演奏時間の中で曲の輪郭をはっきり出す作りが中心で、シングル単位での強さが前に出る作品集という印象だ。

作品の位置づけ

この盤は、The Eyesのオリジナル作品をまとめて確認できる資料的な性格が強い。アルバムとしての統一感を狙ったものというより、当時のシングルやEPに残された音源を並べて、バンドの活動記録をひとまとまりで聴ける構成になっている。The Eyesの全体像をつかむには都合のよい内容だ。

バンドの活動時期は1960年代半ばに集中しており、同時代の英国バンド群の中でも、モッズ周辺の空気と、ポップ寄りのフックを持つロックの間を行き来するタイプとして見やすい。名前が挙がりやすい同時代の流れでいえば、The Who周辺のモッズ文化や、初期のサイケデリックへ向かう英国勢との接点が感じられる。

聴きどころとして見える点

この種の編集盤では、各曲の性格がはっきり分かれやすい。The Eyesの場合も、シングル向けのまとまりのよさ、演奏の直進性、当時の英国ロックらしい乾いた質感が軸になっている。ボーカルとギターの前に出る作りが目立ち、曲の展開は比較的コンパクトだ。

代表曲としては、タイトルにも入っている「My Degeneration」がまず目に入る。バンド名義の中でも印象に残りやすい曲として扱われることが多く、The Eyesを語るうえでの入口になりやすい。

まとめ

『My Degeneration』は、The EyesのシングルとEPの音源をまとめたコンパイル盤だ。1960年代イングランドのロック、モッズ、初期サイケデリックの周辺で鳴っていたバンドの姿を、断片ではなくまとまりとして聴けるところに意味がある。曲ごとの輪郭がはっきりしていて、当時のシングル文化らしい性格が見えやすい編集盤になっている。

トラックリスト

• A1 – I’m Rowed Out
• A2 – Route 66
• A3 – Good Day Sunshine
• A4 – Man With Money
• A5 – I Wanna Be Your Man
• A6 – The Immediate Pleasure
• A7 – It’s All Over Now
• A8 – My Degeneration
• B1 – When The Night Falls
• B2 – As Tears Go By
• B3 – Shakin’ All Over
• B4 – You’re Too Much
• B5 – 19th Nervous Breakdown
• B6 – Get Off My Cloud
• B7 – Please Dont Cry
• B8 – (I Can’t Get No) Satisfaction

頭脳警察『頭脳警察 3』について

頭脳警察の『頭脳警察 3』は、1975年に発表された3作目のスタジオ・アルバムとして位置づけられる作品だ。録音は1972年7月、8月にVICTOR Studioで行われている。アーティスト名の通り、頭脳警察はPANTAと石塚俊明を中心に結成された日本のロック・バンドで、過激な言葉遣いと強い政治性で早くから注目を集めたグループとして知られる。

この作品は、初期頭脳警察の流れをそのまま追ううえで重要な一枚だと思える。ハード・ロック、プログレッシブ・ロック、フォーク、アコースティックといった要素が同居していて、バンドの持つ粗さと構成の変化が同時に見える内容になっている。単純に激しいだけの作品ではなく、曲ごとに表情が切り替わる構成が印象に残る。

作品の位置づけ

頭脳警察は1975年にいったん解散しているため、この時期の作品は初期活動の終盤を示すものでもある。『頭脳警察 3』は、その中でバンドの手触りを濃く残したアルバムとして受け取られている。1970年代前半の日本のロックが、海外のハード・ロックやプログレッシブ・ロックを参照しながら、フォークや土着的な感触も取り込んでいった流れの中で聴くと、位置がつかみやすい。

同時代の日本ロックでは、はっぴいえんど周辺の流れや、外来のロックを日本語で鳴らす試みが進んでいたが、頭脳警察はその中でもより直接的で、言葉の強度が前に出るグループだった。曲調の変化よりも、演奏と発語の切迫感が作品全体を支えている。

録音と盤の情報

録音は1972年の夏、VICTOR Studioで実施されている。1975年のオリジナル発表とは別に、手元の盤は2nd pressingで、初回盤は¥2,000の価格設定だったとされる。したがって、この盤は作品の初出時期そのものよりも、後年の流通盤として見るほうが自然だ。

再発盤とオリジナル盤の間で音圧や帯・表記の違いが出ることはあるが、この情報だけでは細部までは断定しない。少なくとも、内容面では1972年録音のアルバムとしての性格が強い。

聴きどころ

頭脳警察の作品は、歌詞のメッセージ性が注目されやすい一方で、演奏面でも見どころがある。『頭脳警察 3』でも、電気的なバンド演奏と、フォーク寄りの弾き語り的な感触が並ぶ場面があり、曲の温度差がそのままアルバムの輪郭になっている。PANTAの歌は、抑えた語り口と切り込むような発声の振れ幅があり、石塚俊明のドラミングも曲の緊張感を支えている。

頭脳警察といえば、代表曲としては「銃をとれ」や「ふざけるんじゃねえよ」がまず挙がることが多い。『頭脳警察 3』がその系譜の中でどこに置かれるかを考えると、初期の過激さを引き継ぎながら、バンドの編成感や曲の作りをより多面的に見せる段階にある作品と言えそうだ。

同時代性と比較

1970年代前半の日本のロックには、英米ロックの影響を強く受けながらも、日本語の扱い方や社会的な視点で独自の表現を探る動きがあった。頭脳警察はその中でも、フォークの語り口とハード・ロックの強度を同じテーブルに乗せた存在として語られることが多い。海外の文脈では、プロテスト・ソングの系譜や、初期ハード・ロックのラフな推進力に近い面もある。

ただし、このアルバムの面白さは、そうしたジャンルの足し算だけで説明しきれないところにある。演奏の荒さ、言葉の直截さ、録音年代の空気感がそのまま残っていて、1970年代初頭の日本ロックの実例として見えてくる。

まとめ

『頭脳警察 3』は、頭脳警察の初期活動を追ううえで外せない一枚だ。1972年録音、1975年発表という時間差も含めて、バンドが持っていた緊張感と試行錯誤の両方が感じ取れる。ハード・ロック、プログレッシブ・ロック、フォーク、アコースティックの要素が同居する作品として、初期日本ロックの輪郭を知る手がかりになるアルバムである。

トラックリスト

• A1 – ふざけるんじゃねえよ
• A2 – 嵐が待っている (5:51)
• A3 – 時々吠えることがある (4:52)
• A4 – 滅び得た者の伝説 (3:03)
• A5 – 少年は南へ (3:40)
• A6 – 前衛劇団〝モータープール〟 (3:29)
• B1 – 歴史から飛びだせ (2:31)
• B2 – 無知な奴らが舞い踊る
• B3 – 桃源郷 (8:16)
• B4 – 指名手配された犯人は殺人許可証を持っていた (0:14)
• B5 – パラシュート革命 (3:13)
• B6 – 光輝く少女よ (5:23)

関連動画

• 頭脳警察 – 滅び得たものの伝説
• Fuzakerunja Neyo
• Zunou Keisatsu – Jyuu wo Tore

Portishead『Dummy』について

Portisheadの『Dummy』は、1994年に発表されたデビュー・アルバムで、イングランド・ブリストル出身のこの3人組にとって最初の本格的な作品になる。メンバーは Geoff Barrow、Beth Gibbons、Adrian Utley。トリップホップという呼び名が定着していく流れの中で、同時代の重要作として扱われてきた1枚でもある。

このアルバムは1995年のMercury Music Prizeを受賞している。Portisheadの作品の中でも、グループの方向性を最初に明確に示した作品として位置づけられるアルバムだ。

作品の印象

『Dummy』は、打ち込みのビートと、サンプルを使った構成、Beth Gibbonsの歌声が前面に出た作り。音の数は多くないのに、各曲の空気感はかなりはっきりしている。ヒップホップ由来のループ感、映画音楽のようなコード感、ソウルやジャズの断片が、アルバム全体でつながっている印象がある。

聴きどころとしては、曲ごとの輪郭がくっきりしている点。たとえば「Mysterons」の導入、「Sour Times」のリズムの置き方、「Glory Box」の終盤に向かう流れなど、いわゆる“雰囲気”だけで進む作品ではなく、各曲の構成がはっきりしている。耳に残るのは、歌の旋律よりも、反復するフレーズや音の間の取り方という場面も多い。

代表曲とアルバム内での役割

代表曲としてまず挙がるのは「Sour Times」と「Glory Box」だろう。「Sour Times」はPortisheadの名前を広く知らしめた曲の一つで、アルバムの入口として機能している。「Glory Box」はアルバム後半の中心的な曲で、サンプルとヴォーカルの組み合わせがはっきり出た1曲。後年まで語られることの多い定番曲になっている。

マスターノートによると、「Glory Box」では多くのブックレットがIsaac Hayesの「Ikes Rap III」をサンプル源としてクレジットしているが、実際に使われているのは「Ikes Rap II」とされている。こうしたサンプルの扱いも、このアルバムを語るうえで重要な要素だ。

同時代との関係

『Dummy』が出た1994年は、UKの音楽シーンでブリストル周辺の動きが注目されていた時期でもある。Massive AttackやTrickyと並べて語られることが多く、Portisheadはその中でも、よりジャズや映画音楽の感触を前に出したグループとして見られてきた。電子音楽とサンプル文化を使いながら、ロックやソウルの文脈にも接続している点が特徴になる。

ただし、『Dummy』は単にジャンルの代表作というより、Beth Gibbonsの声とサウンドの配置が強く記憶に残る作品として受け止められている印象がある。派手な展開を重ねるタイプではないが、曲間を含めたアルバム全体の流れがよく組まれている。

収録曲まわりの補足

マスターノートには各曲のサンプル元も記されている。たとえば「Sour Times」にはLalo Schifrinの「Danube Incident」とSmokey Brooksの「Spin-It Jig」、「Pedestal」にはWeather Reportの「Elegant People」、「Roads」にはEric Burdon & Warの「Magic Mountain」、「Strangers」にはJohnnie Rayの「I’ll Never Fall In Love Again」、「Glory Box」にはIsaac Hayesの「Ike’s Rap II」が含まれているとされる。サンプルの切り貼りというより、素材の質感をそのまま残したまま曲に組み込んでいる点が、この作品の特徴になっている。

2017年盤について

今回の2017年盤は、オリジナル盤とはいくつか仕様が異なる。シングルポケットのスリーブで、ゲートフォールドではない。ジャケット裏面の背景は白〜クリーム系で、背面のSide Bクレジットでは「Dave McDonald」の表記が「McDonald」とつながっている。さらに、裏面に「Made in Germany」のステッカーはない。

また、マトリクスにはMILESによるカッティングの記載があり、これは盤面の音源制作に関わる情報として確認できる。再発盤としては、初期の仕様と比べてジャケットや表記に差がある版になっている。

まとめ

『Dummy』は、Portisheadの出発点であり、同時にトリップホップという言葉と強く結びついてきたアルバムでもある。1994年のオリジナル発表から時間が経っても、曲ごとのサンプル選択、ビートの置き方、Beth Gibbonsの歌声の扱いがはっきりしていて、作品全体の構造が見えやすい。

代表曲の「Sour Times」や「Glory Box」を軸に聴いても、アルバム全体で通して聴いても、構成の丁寧さが目立つ1枚だ。

トラックリスト

• A1 – Mysterons
• A2 – Sour Times
• A3 – Strangers
• A4 – It Could Be Sweet
• A5 – Wandering Star
• B1 – Numb
• B2 – Roads
• B3 – Pedestal
• B4 – Biscuit
• B5 – Glory Box

関連動画

• Mysterons
• Portishead – Sour Times
• Strangers
• It Could Be Sweet
• Wandering Star
• It’s A Fire
• Portishead – Numb (Official Video)
• Roads
• Pedestal
• Biscuit

Heatwave『Current』について

Heatwaveの『Current』は、1982年に発表された作品。ディスコ期の熱量を引き継ぎながら、80年代初頭のR&B、ファンク寄りの感触へと寄せた時期のアルバムとして位置づけられる。Heatwaveは、アメリカ軍人だったJohnnie Wilder Jr.が西ドイツ駐留中に活動を始め、その後イギリスでRod Tempertonと出会って形になった国際的なディスコ・ファンク・グループ。ヨーロッパ発のバンドとして出発し、のちにUKディスコ、USのR&Bチャートの両方で存在感を示したのが特徴。

この『Current』は、そうしたバンドの流れの中では終盤の時期にあたる。70年代後半に「Boogie Nights」「Always and Forever」「The Groove Line」といった代表曲を出したあとで、1980年には「Gangsters Of The Groove」もヒットしている。つまり、本作は“全盛期の延長”というより、グループの歴史を背負った時期の1枚という見方がしやすい。

Heatwaveというバンドの文脈

Heatwaveの中心には、Johnnie Wilder Jr.の歌と、Rod Tempertonのソングライティングがあった。Tempertonは後年、Michael Jacksonの楽曲を書いたことでも知られる人物で、Heatwaveの初期からメロディとリズムの設計に強く関わっている。バンドの代表曲は、ディスコの高揚感が前面に出た「Boogie Nights」、スロー寄りでR&B色の濃い「Always and Forever」、そしてファンクの推進力が強い「The Groove Line」と、曲ごとに輪郭がはっきりしている。

一方で、バンドは不幸も多かった。Mario Manteseの事件、Johnnie Wilder Jr.の事故による活動制限など、創作や演奏の環境が大きく揺れた時期でもある。そうした事情を踏まえると、『Current』は単なるディスコ・ファンク盤ではなく、メンバーの入れ替わりや状況の変化の中で作られた作品として見えてくる。

サウンドの印象

実際に聴くと、Heatwaveらしいリズムの組み立てがまず耳に入る。ベースとドラムが前に出て、そこにキーボードやギターが細かく絡む作り。70年代の華やかなディスコ感だけで押し切るのではなく、80年代らしい少し整理された音像に寄っている印象がある。派手に盛り上げるというより、グルーヴを保ったまま曲を運ぶタイプの演奏。

Johnnie Wilder Jr.の歌声に関しては、絶対的なパワーで押すというより、曲の芯をまっすぐ通す感覚が持ち味。コーラスの重なり方も含めて、Heatwaveの楽曲は一人のボーカルだけで引っ張るというより、バンド全体のアンサンブルで聴かせる場面が多い。そこが同時代のディスコ・ファンクの中でも、派手なストリングス主体の作品とは少し違うところ。

同時代とのつながり

Heatwaveは、同じくダンス志向のR&Bやファンクを鳴らしたグループと並べて語られることが多い。たとえば、Earth, Wind & Fireほどの大編成の華やかさではなく、よりコンパクトな編成感でリズムを組み立てるタイプ。Chicのようなストイックなディスコ・ファンクとも少し違い、UK的な洗練とUSのソウル感が交わるところに持ち味がある。

『Current』の時期になると、70年代ディスコの勢いが落ち着いたあとで、ファンクとR&Bの要素をどう保つかが見えやすい。そういう意味では、バンドのキャリアの中で“踊れるHeatwave”をまだ保っている時期の記録として読める。

代表曲との関係

Heatwaveを語るうえで外しにくいのは、やはり「Boogie Nights」と「Always and Forever」。前者はディスコ・アンセムとして知られ、後者はR&Bの定番曲として長く残っている。そして「The Groove Line」も、ファンク寄りの代表曲として重要。本作『Current』を聴くと、そうした過去のヒット曲に通じる要素が、別の形で整理されているように感じられる。

つまり、このアルバムは“ヒット曲集の延長”ではなく、Heatwaveが持っていたグルーヴの設計を、当時の時代に合わせて鳴らした1枚という見方ができる。1982年という年を踏まえると、ディスコ全盛期の勢いとは少し違うが、ファンク／ソウルの骨格はしっかり残っている作品。

日本盤について

今回の盤は日本リリースの1982年盤。オリジナルの年と同じく1982年の作品として扱える。CBS Inc.のクレジットがあり、当時の国内流通盤として出たもの。再発盤ではなく、作品の初出年のリリースとして見るのが自然。

まとめ

『Current』は、Heatwaveのディスコ・ファンク史の中で、代表曲の時代を踏まえつつ80年代初頭の空気を映したアルバム。バンドの名前を知る人なら、あのグルーヴの感覚がどのように続いていたかを確認できる1枚でもある。派手な説明を必要としない、リズムとアンサンブルの記録という印象。

トラックリスト

• A1 – Lettin’ It Loose (4:20)
• A2 – State To State (4:57)
• A3 – Look After Love (5:33)
• A4 – Naturally (4:34)
• B1 – The Big Guns (5:12)
• B2 – Find It In Your Heart (4:38)
• B3 – Hold On To The One (5:58)
• B4 – Mind What You Find (6:14)

関連動画

• Heatwave – Current (1982) – A1 – Lettin’ It Loose
• Heatwave – Current (1982) – A2 – State To State
• Heatwave – Current (1982) – A3 – Look After Love
• Heatwave – Current (1982) – A4 – Naturally
• Heatwave – Current (1982) – B1 – The Big Guns
• Heatwave – Current (1982) – B2 – Find It In Your Heart
• Heatwave – Current (1982) – B3 – Hold On To The One
• Heatwave – Current (1982) – B4 – Mind What You Find
• heatwave lettin’ it loose
• heatwave state to state

Pink Floyd『Ummagumma』について

Pink Floydの『Ummagumma』は、1969年にリリースされた作品で、バンドにとってHarvest Recordsからの初リリースでもある。ロンドン出身のこのバンドは、初期のサイケデリックな実験性から出発し、その後はプログレッシブ・ロックの代表的存在として認識されるようになったが、この時期の作品には、そうした変化の途中にある空気がはっきり残っている。

作品としては、スタジオ録音とライヴ録音を組み合わせた構成で知られている。1969年当時のPink Floydの姿を、そのまま二つの側面から切り取ったような内容で、バンドの持つ即興性と、曲作りの方向性の両方が見えるタイトルになっている。

作品の位置づけ

『Ummagumma』は、Syd Barrett脱退後の体制が固まりつつある時期の記録でもある。David Gilmour加入後の編成で制作されており、Roger Waters、Nick Mason、Richard Wright、David Gilmourの4人を軸にした時代の入口にあたる。のちの大きな成功作群に比べると、まだ整理されきっていない要素もあるが、それが逆に当時のバンドの試行錯誤を伝える。

Pink Floydのディスコグラフィーの中では、いわば実験精神が前面に出た時期の作品。スタジオ盤の側では各メンバーが個別に楽曲やアイデアを展開しており、バンド全体で一つの完成形へ向かうというより、個々の感覚をそのまま置いていく印象がある。ここには、後年の大規模なコンセプト作品とは違う、断片の集積としての面白さがある。

収録内容と聴きどころ

ライヴ盤のパートでは、当時のPink Floydの演奏力がそのまま出ている。特に長尺の展開や音の重ね方に、このバンドらしい緊張感がある。スタジオ録音のパートでは、楽曲のまとまりよりも、断片的なアイデア、音響処理、反復、静けさの扱いが目立つ。

代表曲としては、ライヴ版で収録される「Astronomy Domine」や「Set the Controls for the Heart of the Sun」がよく知られている。どちらも初期Pink Floydを語るうえで重要な曲で、サイケデリックな響きと宇宙的なイメージ、リズムの持続が印象に残る。特に「Set the Controls for the Heart of the Sun」は、当時のバンドが持っていたミニマルな推進力を感じやすい曲だ。

スタジオ側では、各メンバーの個性が分かれた形で現れる。Richard Wrightの鍵盤、Roger Watersの構成感、Nick Masonのリズム、Gilmourのギター、それぞれが別の方向を向きながら、Pink Floydという枠の中に収まっているのがこの作品らしいところだ。

同時代との関係

1969年という時代を考えると、『Ummagumma』は、サイケデリック・ロックの流れと、後のプログレッシブ・ロックの間にある作品として見えてくる。同時代の英国ロックには、長尺化、音響実験、アルバム単位での構成を重視する動きが広がっていたが、Pink Floydはその中でも特に音の空間処理やライブ演奏の構築に特徴がある。King Crimsonなどと並べて語られることは多いが、アプローチはかなり異なり、Pink Floydはより音像や雰囲気の積み上げに比重がある。

このUS盤について

このレコードはUS盤で、1969年のオリジナルリリース時のプレスにあたる。US盤では、輸入盤に見られるフロントカバー上部の「GIGI」のジャケット表示が取り除かれている点が特徴として知られている。さらに、EMIロゴのないフロントカバーと、ピンクのHarvest Recordsステッカーが付く仕様になっている。ゲートフォールド袖の右上には「388」の刻印がある。

プレス工場はバージニア州ウィンチェスターで、アメリカ市場向けの初期プレスとして流通した一枚になる。イギリスやヨーロッパ系の輸入盤と比べると、ジャケットの見た目に差があるのが、この作品のコレクション面での分かりやすいポイントだ。

まとめ

『Ummagumma』は、Pink Floydがサイケデリック期から次の段階へ移っていく途中の姿を、ライヴとスタジオの両面から残した1969年の作品だ。完成度だけで語るよりも、当時のバンドの方向感覚、演奏の緊張、音響の試みを確認できるアルバムとして見ると、位置づけがつかみやすい。

のちの大作志向に直結するというより、その前段階の空気を濃く持った記録盤という印象が強い。Pink Floydの歴史の中でも、実験性が前面に出た一枚として記憶される作品だ。

トラックリスト

• Live Album
• A1 – Astronomy Domine (8:25)
• A2 – Careful With That Axe, Eugene (8:47)
• B1 – Set The Controls For The Heart Of The Sun (9:21)
• A Saucerful Of Secrets (12:51)
• Studio Album
• Sysyphus
• C5 – Grantchester Meadows (7:23)
• C6 – Several Species Of Small Furry Animals Gathered Together In A Cave And Grooving With A Pict (4:47)
• D1 – The Narrow Way – Parts I, II & III (12:14)
• The Grand Vizier’s Garden Party (8:55)

関連動画

• P̲i̲nk̲ ̲F̲lo̲y̲d ̲-̲ ̲U̲mma̲g̲u̲mma̲ (Full Album)

Siouxsie & The Banshees『The Scream』について

Siouxsie & The Bansheesのデビュー・スタジオ・アルバム『The Scream』は、1978年11月にオリジナル盤がPolydorから発売された作品である。ここで取り上げる日本盤は1979年リリース。ロンドンで録音され、RAK Studiosでレコーディング、De Lane Lea Studiosでミックスされた。

バンドは1976年にロンドンで結成され、Siouxsie Siouxの声、Steven Severinのベース、そしてこの時期の編成ではKenny Morrisのドラム、John McKayのギターが核になっている。後年の広がりのある音作りよりも、初期ならではの緊張感と硬質さが前面に出た時期の記録として位置づけられる作品だ。

作品の位置づけ

『The Scream』は、Siouxsie & The Bansheesの出発点にあたるアルバムである。ポストパンクの流れの中でも、特にゴシック・ロックの輪郭が見え始める時期の重要作として語られることが多い。後の作品で聴ける構築性やメロディの明確さに比べると、このアルバムはリズム、間、ギターの刺さるような音がまず印象に残る。

同時代のバンドと比べると、Sex Pistolsのような直情的なパンクとも、The Cureのように後年メロディ志向を強める方向とも少し異なる。The Bansheesは、冷えた空気感と不穏な配置で独自の立ち位置を作っていく。その最初の輪郭が見える1枚といえる。

収録曲と代表曲

このアルバムには、シングルとしても知られる「Hong Kong Garden」が収録されている。1978年8月に先行シングルとして出た曲で、バンド初期を代表する1曲として扱われることが多い。短い曲の中に鋭いギターと推進力のあるリズムがあり、アルバム全体の性格をつかみやすい。

また、後にアルバムから別のシングルも出されており、作品単位としての見え方がその後も保たれていったことがわかる。なお、国によっては収録内容やミックスに違いがある版も存在する。

音の印象

実際に聴くと、音数を詰め込むよりも、隙間を残した編成が先に立つ。ベースは太く、ドラムは硬く、ギターは旋律を弾くというより線を引くように鳴る。Siouxsie Siouxのヴォーカルは、その上で感情を大きく揺らすというより、言葉の輪郭を保ったまま前へ出てくる印象だ。

アルバム全体としては、のちのゴシック・ロックに通じる要素がすでに見える一方で、まだパンクの切れ味も強い。ジャンルの名前で整理するより、1978年の空気をそのまま閉じ込めたような手触りがある。

日本盤について

この日本盤は帯と4ページの歌詞・解説インサート付きの仕様である。日本盤ならではの付属物が揃った形で、当時の国内流通盤としてのまとまりがある。オリジナル盤と比べると、こうした帯や解説付きの体裁がコレクション面での特徴になっている。

まとめ

『The Scream』は、Siouxsie & The Bansheesの始まりを示すアルバムであり、後の活動へつながる基礎がすでに見える作品である。1978年という時点で、パンクの速度感とゴシック・ロックの陰影が同居している点が重要だろう。特に「Hong Kong Garden」を入口にすると、バンドがこの時点で何を持っていたかが掴みやすい。

トラックリスト

• A1 – Hong Kong Garden (2:55)
• A2 – Jigsaw Feeling (4:37)
• A3 – Overground (3:47)
• A4 – Carcass (3:49)
• A5 – Helter Skelter (3:45)
• B1 – Mirage (2:47)
• B2 – Metal Postcard (Mittageisen) (4:12)
• B3 – Nicotine Stain (2:56)
• B4 – Suburban Relapse (4:10)
• B5 – Switch (6:46)
• B6 – Pure (1:50)

関連動画

• Pure
• Jigsaw Feeling
• Overground
• Carcass
• Helter Skelter
• Mirage
• Metal Postcard (Mittageisen)
• Nicotine Stain
• Suburban Relapse
• Switch

Mushroom「Early One Morning」について

「Early One Morning」は、1970年代のアイルランド系フォーク・ロック・バンド、Mushroomによる1973年の作品である。アーティストはヨーロッパ圏のフォーク・シーンに属し、録音の中心にはアイルランドの伝承曲や英語圏のフォークの流れを思わせる素地がある。バンド名のMushroomは目立つが、音の中身は派手さよりも、アンサンブルと歌の運びで聴かせるタイプのグループとして捉えやすい。

作品の位置づけ

1970年代前半のブリティッシュ／アイリッシュ・フォーク・ロックは、伝統曲を土台にしながらロック寄りのリズムや編成を持ち込む動きが広がっていた時期である。Mushroomもその文脈の中に置けるバンドで、フォークの語り口とバンド演奏のまとまりを前面に出した存在として整理できる。メンバーには Pat Collins、Cam Lynch、Alan Brown、Michael Power、Aonghus McAnally の名が並ぶ。

同時代の流れで見ると、Fairport Convention や Steeleye Span のような英国内のフォーク・ロック、あるいはアイルランドの伝承を色濃く引き継ぐグループと近い視点で語られることが多い。Mushroomは、その中でもアイリッシュ・フォークの感触をバンド形態で鳴らす立ち位置にある作品群として見やすい。

サウンドの印象

実際に耳を通すと、歌が中心にあり、その周囲をギターやリズム隊がきっちり支える作りが印象に残るタイプである。音数を詰め込みすぎず、曲の輪郭を崩さないまま進むため、フォークの素朴さとバンド演奏の厚みが同居している。メロディは耳に残りやすく、旋律を追う楽しさがある一方で、演奏はあくまで曲そのものに寄り添う姿勢が強い。

派手な技巧を前に出すというより、曲調の切り替えやコーラスの重なりで聴かせる場面が目立つ。フォーク・ロックらしい落ち着いた推進力があり、じっくり聴くと編成のまとまりが見えてくる作品である。

タイトル曲について

タイトルの「Early One Morning」は、英語圏のフォークで親しまれてきた題名でもあり、この作品でも曲名が持つ素朴な響きがそのまま音の方向性につながっている。明確なヒット曲として語られるより、アルバム全体の空気を代表する題として受け取られている印象が強い。

1973年という時代感

1973年は、フォークが単なる伝統再現ではなく、ロックの編成や録音感覚と交差していく時期である。Mushroomのこの作品も、そうした時代の空気を反映した一枚として見える。アコースティックな響きとバンドの一体感が共存し、同時代のフォーク・ロック作品の中でも、過度に大きな装飾へ向かわないところに特徴がある。

まとめ

Mushroomの「Early One Morning」は、1973年のアイリッシュ・フォーク・ロックを、歌とアンサンブル中心の形で示した作品である。伝統曲の雰囲気を引き継ぎながら、バンドとしてのまとまりで聴かせる内容で、1970年代フォークの流れを追ううえで押さえておきたい一枚として位置づけられる。

トラックリスト

• A1 – Early One Morning
• A2 – The Liathdan
• A3 – Crying
• A4 – Unborn Child
• A5 – Johnny The Jumper
• B1 – Potters Wheel
• B2 – Standing Alone
• B3 – Devil Among The Tailors
• B4 – Tenpenny Piece
• B5 – Drowsey Maggie
• B6 – King Of Alba

関連動画

• Early One Morning
• The Liathdan
• Crying
• Unborn Child
• Johnny the Jumper
• Potters Wheel
• Standing Alone
• Devil Among the Tailors
• Tenpenny Piece
• Drowsey Maggie

The Grodeck Whipperjenny『The Grodeck Whipperjenny』

1971年にUSでリリースされた、The Grodeck Whipperjenny名義の唯一作。ロックとファンク／ソウルのあいだに置かれる作品で、サイケデリックな感触とファンクの推進力が同居する1枚だ。クレジット上は、Jimmy Madison、Michael Moore、Kenny Poole、Dave Matthews、Mary Ellen Bellが参加している。

作品の位置づけ

このアルバムは、同じく1971年にKingから出た関連作と並んで語られることが多い。とくにDavid Matthewsが大きく関わった作品として知られ、両作はオハイオ州シンシナティのStarday-King Studiosで、約1か月違いで録音されたとされる。The Grodeck Whipperjennyは、その周辺で生まれた一作として見ると流れがつかみやすい。

サウンドの特徴

ロックの編成感を土台にしつつ、リズムの粘りや反復が前に出るタイプの内容。ファンク寄りのビートに、当時らしい歪みや揺れのあるギター、鍵盤、ボーカルが重なっていく。サイケデリックという言葉どおり、曲の輪郭をくっきり塗り分けるというより、音の層を重ねて進む場面が印象に残る。

James Brownの名をジャケットに掲げたプロダクション表記も、この作品の立ち位置をよく示している。ファンクの文脈に置いて聴かれることが多いのも自然なところだ。

同時代の文脈

1971年のUSファンク／ロック周辺には、ソウルの強いグルーヴを取り込みながら、サイケデリック・ロックの感触も残す作品が少なくない。このアルバムもそうした流れの中にある。バンドのまとまりで押すというより、スタジオ作品としての色合いが強い印象だ。

リリースに関するメモ

• オリジナルは1971年のUS盤
• カナダでもColumbiaから同じカタログ番号でリリース
• 一部にはフロントカバー右上に「Promo Sample Not For Sale」ステッカー付きのものがある

まとめ

The Grodeck Whipperjenny『The Grodeck Whipperjenny』は、1971年のロック／ファンクの交点にあるアルバム。関連作とあわせて追うと、当時のスタジオ録音の空気や、David Matthews周辺の動きが見えやすい1枚だ。派手なヒット曲で押すタイプではなく、作品全体の流れで聴かれるタイプのアルバムとして知られている。

トラックリスト

• A1 – Sitting Here On A Tongue (2:50)
• A2 – Wonder If (2:55)
• A3 – Why Can’t I Go Back (3:40)
• A4 – Conclusions (4:33)
• A5 – You’re Too Young (1:48)
• B1 – Put Your Thing On Me (4:40)
• B2 – Inside Or Outside (1:00)
• B3 – Evidence For The Existance Of The Unconscious (10:28)

関連動画

• The Grodeck WhipperJenny – Conclusions
• The Grodeck Whipperjenny – Wonder If (The Grodeck Whipperjenny)
• Sitting Here On A Tongue
• Wonder If
• Why Can’t I Go Back
• Conclusions
• You’re Too Young
• Put Your Thing On Me
• Inside Or Outside
• Evidence for the Existance of the Unconscious

Deep Purple『Live In Japan』について

Deep Purpleの『Live In Japan』は、1972年8月に日本で行われたライヴを収めた作品で、ハードロック史の中でもよく知られたライヴ盤のひとつだ。収録内容は、オリジナルのスタジオ作品とは違って、その時期の演奏力とバンドの緊張感がそのまま出やすい形になっている。Deep Purpleは1968年結成のイングランドのバンドで、Led ZeppelinやBlack Sabbathと並んでヘヴィメタルとモダン・ハードロックの先駆けとして語られることが多い。

作品の位置づけ

この作品が記録しているのは、いわゆるMark II編成のDeep Purpleだ。Ian Gillan、Ritchie Blackmore、Roger Glover、Jon Lord、Ian Paiceという布陣で、バンドの代表的な時期にあたる。スタジオ盤で築いた音を、ライヴ会場の大音量と即興性の中でどう鳴らすか、という意味で重要な記録になっている。

1972年の録音でありながら、リリースは日本盤が1974年。日本での発売という点でも特別な扱いを受けた作品で、帯付き仕様や日本語ライナーなど、当時の国内盤らしい作りが見られる。

収録と録音について

収録は日本公演の複数会場から成り、東京・武道館での演奏も含まれている。オリジナル盤のクレジットでは、オーディエンスの熱気が伝わる会場録音としてまとめられており、曲ごとに日程と会場が明記されている。ライヴ盤としては、単一公演の記録というより、数夜のベストテイクを組み合わせた構成だ。

• A1、A2：大阪公演 1972年8月16日
• B1：大阪公演 1972年8月15日
• B2、C2：東京公演 1972年8月17日
• C1、D：大阪公演 1972年8月16日

こうした構成のため、1枚のライヴ盤として聴くと、各会場の反応や演奏の勢いが連続して立ち上がる。日本公演ならではの集中した空気感がある作品だ。

聴きどころ

この時期のDeep Purpleは、Ritchie Blackmoreのギター、Jon Lordのオルガン、Ian Paiceのドラムが強く前に出る。Ian Gillanのヴォーカルは高音域の張りがあり、Roger Gloverのベースがその下を支える。ライヴ盤なので、スタジオ盤よりも各メンバーのフレーズの伸びや掛け合いがわかりやすい。

代表曲としては、「Smoke on the Water」が同時代のDeep Purpleを象徴する楽曲として広く知られている。このライヴ盤にも、当時のバンドの定番レパートリーとして受け止められる曲が並び、観客の反応込みで楽曲の輪郭が見えやすい。

当時のハードロック文脈で見ると

1970年代前半のハードロックは、演奏の音量、即興、リフの強さが重要な要素だった。Deep Purpleはその中でも、Led Zeppelinのブルース感、Black Sabbathの重さとは別の方向で、オルガンを含む編成と、ギターとキーボードのせめぎ合いで存在感を作っていたバンドだ。このライヴ盤は、その特徴がはっきり出る記録として位置づけられる。

日本盤の仕様

今回の日本盤は、Purple obi付き。ジャケット裏には¥3,800の表記があり、発売元はワーナー・パイオニア株式会社。日本語ライナーも付属している。ランアウトには、A面がPORKY、B面がDELTA PORK、C面がPECKOと刻まれている。

まとめ

『Live In Japan』は、Deep Purpleの代表期をそのまま切り取ったライヴ記録だ。1972年の日本公演という条件、Mark II編成の演奏、そしてライヴならではの推進力が重なって、バンドの輪郭が見えやすい作品になっている。Deep Purpleの歴史の中でも、スタジオ作品とは違う形で存在感を持つ1枚だ。

トラックリスト

• A1 – Highway Star (6:47)
• A2 – Child In Time (12:19)
• B1 – Smoke On The Water (7:27)
• B2 – The Mule (9:43)
• C1 – Strange Kind Of Woman (9:30)
• C2 – Lazy (10:39)
• D – Space Truckin’ (19:50)

Mantis『Turn Onto Music』について

『Turn Onto Music』は、フィジー出身のロック・バンド、Mantisによる1枚。オリジナルは1973年の作品で、のちに1998年に盤として再発されている。バンドは1970年代にThe Dragon Swingers名義で活動し、スバのクラブ「The Golden Dragon」のハウス・バンドを務めたあと、Mantisへ改名してニュージーランドでこのアルバムを録音した、という経歴を持つ。

メンバーはReuben Davui、Ronnie Sammuel、Joe Heritage、Waisea Vatuwaga、Paul Steven。編成を見ると、当時のライブ・バンドらしいまとまりのある形が想像できる。作品としては、Rockを軸にFunk / Soulの要素を含み、スタイル面ではFunkとProg Rockが並ぶ。70年代前半の空気をそのまま閉じ込めたような、バンドの個性が出やすい時期の録音として捉えやすい。

バンドの位置づけ

Mantisは、The Dragon Swingersとしてクラブのハウス・バンドを務めた流れから、録音作品ではMantis名義に移っている。つまりこのアルバムは、バンドが地元の演奏現場で鍛えた感覚を、ニュージーランドで作品としてまとめたもの、と見るのが自然だろう。アーティストの歩みの中では、バンド名を変えて初めて形にした1枚という位置づけになる。

聴きどころの印象

実際の音像は、ファンク寄りのリズム感と、プログレッシブ・ロック由来の展開の長さが同居するタイプとして受け取りやすい。ロック・バンドの骨格に、ソウル・ミュージックのグルーヴが差し込まれる構図で、演奏主体のアルバムらしいまとまりがある。派手なヒット曲で引っ張るというより、バンド全体の演奏と曲の流れで聴かせる内容と考えやすい。

1998年盤は、1973年のオリジナル作品を後年に盤化したものとして扱うのがよさそうだ。70年代当時の制作背景をそのまま伝える資料的な意味も持つリリースで、当時の南太平洋地域のロック・バンドがどんな形で作品を残したかを知るうえでも興味深い。

同時代の文脈

1973年という時期を踏まえると、ロックにファンクやソウルの要素を混ぜる流れは珍しくない。そのなかでMantisは、フィジーのクラブ・バンドとして育った経歴を背景に、演奏の現場感をそのまま作品へ持ち込んでいる点が見えやすい。ニュージーランドでの録音という点も含め、地域をまたいで作られた70年代バンド作品として見ると輪郭がつかみやすい。

まとめ

『Turn Onto Music』は、The Dragon SwingersからMantisへと名を変えたバンドが残した、1973年のロック／ファンク系アルバム。クラブ・バンドとしての経歴、ニュージーランドでの録音、そして1998年の再発という流れまで含めると、作品そのものだけでなくバンドの歩みも合わせて追える1枚になっている。

トラックリスト

• A1 – Day & Night
• A2 – In The Midnight Hour
• A3 – You Don’t Love Me
• A4 – Mississippi Queen
• A5 – Shake That Fat
• B1 – Turn Onto Music
• Island Suite

関連動画

• Mantis – You Don’t Love Me [1973 Hard Rock. Fiji / New Zealand]
• Mantis – Turn Onto Music (1973) [Full Album]
• Mantis – Shake That Fat
• Mantis (Fiji) turn onto music 1973
• Mantis – In The Midnight Hour
• Turn Onto Music – MANTIS
• MANTIS – Island Suite
• The Midnight Hour – MANTIS

Iconoclasta『Iconoclasta』について

メキシコのプログレッシブ・ロック・バンド、Iconoclastaが1983年に発表した自己タイトル作。録音とミックスはメキシコで行われ、作品全体としてはフュージョンの要素を含みながら、当時のメキシコ産プログレらしい構成感のある演奏が前面に出る一枚だ。

バンドの輪郭

Iconoclastaはメキシコのプログレッシブ・ロック・バンドとして知られる。メンバーにはRicardo Ortegón、Victor Baldovinos、Ricardo Moreno、Rosa Moreno、Nohemi D’Rubin、Alfredo Raigosa、Héctor Hernándezが並ぶ。編成から見ても、複数のプレイヤーが役割を分担しながら曲を組み立てるタイプの作品と考えやすい。

1983年という時期は、プログレッシブ・ロックが主流の座からは外れていた時代だが、ラテンアメリカでは独自の解釈でこのスタイルを続けるバンドが各地にいた。Iconoclastaもその流れの中に置ける存在で、英米の大作志向のプログレだけでなく、より硬質なロック感や、演奏の密度を重視する方向性が見えやすい。

作品の位置づけ

本作『Iconoclasta』は、バンド名をそのまま冠した最初期の代表作として見られる一枚。1983年のオリジナル発表で、バンドの基本的なサウンドや編成感を示す役割を持つ作品といえる。自己紹介的な意味合いが強く、以後の活動を追ううえでも起点になりやすいアルバムだ。

音の印象

演奏は、ロックの骨格を保ちながら、曲の中で展開を作っていくタイプ。ギター、ベース、ドラムを軸にしつつ、鍵盤や複数メンバーの参加で厚みを作る構成が想像しやすい。フュージョンの要素が入ることで、単純なリフの反復だけではなく、リズムの動きやフレーズの切り替えに重点が置かれているはずの内容だ。

プログレッシブ・ロックの文脈で見ると、YESやKing Crimsonのような英米の定番と直接並べるというより、南米圏のバンドに見られる、ロックと技巧的な演奏の接点を探るような作りに近い印象を持ちやすい。とくに1980年代初頭の作品らしく、70年代型の長大な組曲一辺倒というより、より締まった構成へ向かっている可能性が高い。

ジャケットと盤の情報

この盤は1983年メキシコ盤で、バック・カバーとB面ラベルの両方に特定レーベルのロゴが入っている仕様。録音とミックスもメキシコで行われており、作品の制作背景が国内完結型であることがわかる。ローカルな環境で作られたプログレ作品として、その土地の空気を感じさせる仕上がりになっている可能性がある。

同時代の文脈

1983年のプログレは、既成の大きな潮流というより、地域ごとの継続と変形が目立つ時期。イギリスやアメリカのメジャーなロック市場では別の音が主流になっていた一方で、メキシコでは独自のバンドが演奏性の高いロックを追求していた。Iconoclastaもその一角として、ラテンアメリカのプログレ史の中で押さえておきたい存在だ。

まとめ

『Iconoclasta』は、メキシコのプログレッシブ・ロック・バンドIconoclastaが1983年に残した自己タイトル作。フュージョンの感触を交えつつ、演奏主体のロック作品としてまとまっている。バンドの出発点を示す一枚として、当時のメキシコ産プログレの輪郭を知るうえでも重要な記録だ。

トラックリスト

• A1 – Cuentos De Arquicia
• A2 – Dorian
• A3 – Manantial
• A4 – Memorias De Un Hechicero
• B1 – Estudio VI
• B2 – Origen Cúspide Y Muerte
• B3 – Fuera De Casa

Terraced Garden「Braille」について

Terraced Gardenの「Braille」は、1984年にカナダで出たプログレッシブ・ロック作品である。バンドはトロントを拠点にしたグループで、マルチ奏者のCarl Tafelを中心に活動した。1980年代に3枚のアルバムを残したことでも知られる。

本作は、同時代の北米プログレに見られる、演奏の切り替えや曲展開を重視した作りの一枚として捉えやすい。シンフォニック・ロックの要素も含むので、単に硬質なロックというより、構成の流れや音の重なりを意識した作品という印象につながる。

作品の基本情報

• アーティスト: Terraced Garden
• タイトル: Braille
• オリジナル・リリース年: 1984年
• リリース国: カナダ
• ジャンル: Rock
• スタイル: Prog Rock, Symphonic Rock

盤としての特徴

この盤には歌詞入りのインナー・スリーヴが付属する。レーベル表記は「Melody & Menace Records」となっている。1984年当時のカナダ盤としてまとまった形で出たリリースで、作品の初出盤として扱える一枚である。

音の方向性

Terraced Gardenは、トロントのプログレ・バンドらしく、演奏の細かい切り替えと曲の組み立てで聴かせるタイプのグループとして見られる。Carl Tafelのマルチインストゥルメンタルな手つきが前面にあるバンドなので、各パートの役割がはっきりしたアレンジが想像しやすい。

プログレッシブ・ロックやシンフォニック・ロックの文脈では、同時代のカナダ勢や英国勢と並べて語られることがあるタイプの作品である。大作志向や展開の多さを持つ作品群の中に置くと、Terraced Gardenの個性も見えやすい。

位置づけ

「Braille」は、Terraced Gardenの1980年代の活動を追ううえでの基点になりやすいアルバムである。バンドが3枚のアルバムを残したというプロフィールの中でも、最初期の作品として、グループの方向性を示す役割を持つ一枚といえる。

代表曲やシングル的なヒット曲については、この情報からは確認できない。アルバム全体の構成で聴かれるタイプの作品として扱うのが自然である。

まとめ

Terraced Garden「Braille」は、1984年のカナダ産プログレッシブ・ロック作品。トロントのバンドが残した初期作として、シンフォニックな要素を含む構成重視のアルバムである。歌詞入りインナー付きのオリジナル盤という点も含め、1980年代カナダ・プログレの一角を示す記録になっている。

トラックリスト

• A1 – Silent Disarray (2:34)
• A2 – Gentlemen Of Leisure (4:40)
• A3 – Versailles (3:42)
• A4 – Delusions Of Grandeur (4:33)
• A5 – Structural Damage (5:46)
• B1 – Internment (3:10)
• B2 – Winter (4:03)
• B3 – Fallen Honour (1:55)
• B4 – Blobo (5:00)
• B5 – Empty Beach (6:33)

Various『Psychotic Reactions – Early American Rock Groups』について

『Psychotic Reactions – Early American Rock Groups』は、Various名義で1986年にUKで出たコンピレーション盤で、初期アメリカン・ロック・グループの楽曲をまとめた作品だ。ガレージ・ロック、ポップ・ロック、サイケデリック・ロック、クラシック・ロックの流れがひとつの盤の中で見える内容になっている。

タイトルからも分かる通り、1960年代アメリカのロックを軸にした編集盤で、当時のシングル曲や代表的な録音を集めた構成と見られる。手元の情報ではアーティスト個人ではなくVarious名義での発売なので、特定のバンド作品というより、時代の空気をまとめて聴くための一枚という位置づけになる。

収録内容と録音について

リリースノートによると、A2からB5までの曲はレーベル表記上は“原アーティストによる再録音”となっている。一方で、スリーブノートではCount FiveとCastawaysの曲はオリジナル録音だと記されている。こうした違いは、編集盤ではよく見られるポイントで、同じ曲でもどの録音が使われているかを確認したくなるところだ。

この盤では、タイトル曲の『Psychotic Reaction』がまず目を引く。Count Fiveの代表曲として知られる楽曲で、ガレージ・ロックとサイケデリックの境目にあるような、粗さのある演奏と反復の強い展開が特徴だ。編集盤全体の核として置かれている印象がある。

Castawaysの『Liar, Liar』も、この種のコンピレーションでは重要な1曲だ。短い尺の中で勢いを押し出すタイプの曲で、60年代の米国ローカル・ヒットやティーン向けロックの感触をそのまま伝える代表例といえる。

作品の位置づけ

1986年という時点で、こうした初期アメリカン・ロックを改めてまとめる動きは、オリジナルの録音を再評価する流れと重なる。ガレージ・ロックやサイケデリック・ロックが後年のロック・リスナーにとって再発見されていく中で、この手の編集盤は入口として機能していたはずだ。

同時代の文脈で見ると、The Seeds、The Standells、Count Five、The Castawaysのような、全米チャートの中心だけではなく地域色の強いバンド群を思わせる内容だ。ヒット曲だけを並べるというより、アメリカの60年代ロックが持っていた荒さや、シングル文化の勢いをそのまま残した選曲に見える。

聴きどころ

• 『Psychotic Reaction』の、リフとノイズ感のある展開
• 『Liar, Liar』の、短く鋭い曲運び
• 編集盤ならではの、曲ごとの録音年代や質感の違い
• 60年代ガレージ・ロックの即効性

まとめ

『Psychotic Reactions – Early American Rock Groups』は、初期アメリカン・ロックの代表曲や周辺曲を、1986年のUK盤としてまとめたコンピレーションだ。Count FiveやCastawaysの曲が含まれ、ガレージ・ロックからサイケデリック・ロックへつながる流れを、編集盤らしいかたちで確認できる一枚になっている。

トラックリスト

• A1 – Psychotic Reaction
• A2 – Bend Me Shape Me
• A3 – Kind Of A Drag
• A4 – Time Won’t Let Me
• A5 – Like To Get To Know You
• A6 – One Toke Over The Line
• B1 – In A Gadda Da Vida
• B2 – Liar Liar
• B3 – Mercy Mercy Mercy
• B4 – Let It All Hang Out
• B5 – Incense & Peppermints
• B6 – They’re Gonna Get You

関連動画

• Psychotic Reaction
• NEW * Bend Me Shape Me – The American Breed {Stereo}
• Kind of a Drag – The Buckinghams
• The Outsiders – Time Won´t Let Me (1966)

Trikolon「Cluster」について

Trikolonは、ドイツ北西部オスナブリュック出身のサイケデリック・ロック・バンドで、1967年に結成されたグループである。のちにキーボード奏者Hendrik Schaperを中心とする流れの中で、Tetragonへとつながっていく系譜に位置づけられている。その初期段階を示す作品が、1969年にRaumpool Acousticから発表された「Cluster」だ。

今回の盤は2004年の再発盤で、オリジナルは1969年リリース。バンドの初期ドキュメントとして扱われる内容で、ジャーマン・ロックがプログレッシブ・ロックへ接近していく前夜の空気を伝える1枚といえる。

作品の位置づけ

Trikolonは、Hendrik Schaper、Ralf Schmieding、Rolf Rettbergの3名を中心とした編成で知られる。オスナブリュック周辺のローカルな音楽シーンから出てきたバンドで、後年のTetragonへと連なる前史としても重要な存在だ。そうした経緯を踏まえると、「Cluster」は単独の作品というより、のちの活動へつながる入口として聴かれることが多いはずだ。

ジャンル表記はRock、スタイルはProg Rock。とはいえ、1969年という時期を考えると、完全に定型化されたプログレというより、サイケデリック・ロックの延長線上にある演奏感や構成意識が見えてくるタイプの作品として捉えやすい。ドイツの同時代バンド群、たとえばクラウトロック以前の実験性を持つグループや、のちに展開するプログレ勢との接点を意識しながら聴くと、年代らしさがつかみやすい。

再発盤について

2004年盤には写真のインサートが付属する。オリジナル盤との大きな違いとしてまず挙げられるのは、その付録面である。音源そのものは1969年のオリジナル録音に基づくもので、再発盤は当時の記録を現在に伝える役割が中心になる。

レーベル表記やランアウトには、刻印と手書きの両方が使われている。細部まで含めて、アーカイブ的な再発盤としての性格がはっきりしている。

サウンドの印象

実際の演奏内容は、キーボードを軸にした構成が想像しやすい。Hendrik Schaperが後年まで名前を残す人物であることを考えると、鍵盤の役割が作品の輪郭を作っている可能性は高い。ギター、ベース、ドラムの基本編成に、当時らしい音色や展開を重ねた作りとして聴かれることになるだろう。

1969年のドイツ産ロックらしく、英米のロックをなぞるだけではない、独特の間の取り方や曲の組み立てが見えてくることがある。派手なヒット曲を前提にした作品ではなく、アルバム全体で雰囲気と流れを追うタイプの記録として扱われている。

まとめ

「Cluster」は、Trikolonの初期活動を伝える1969年作品であり、のちのTetragonへとつながる流れを知るうえでも手がかりになる1枚だ。2004年再発盤は写真インサート付きで、オリジナル録音を現在の形でたどれる仕様になっている。ジャーマン・ロック／プログレの初期文脈に触れる資料としても、位置づけがはっきりした作品である。

トラックリスト

• A1 – In Search Of The Sun (14:31)
• A2 – Trumpet For Example (7:22)
• B1 – Hendrik’s Easy Groove (11:05)
• B2 – Blue Rondo (10:30)

関連動画

• Trikolon = Cluster – 1969 – (Full Album)

Corey Hart『First Offense』について

カナダ出身のシンガーソングライター、Corey Hartの初期作にあたるアルバムが『First Offense』である。オリジナルは1983年の作品で、ここでの盤は1984年に日本で出たもの。のちに「Sunglasses at Night」で広く知られる前の時期の作品で、80年代前半のシンセ・ポップ、ニュー・ウェイヴ、ポップ・ロックの流れの中に置ける内容になっている。

作品の位置づけ

Corey Hartは、メロディを前に出したポップな書き方と、当時らしい電子音の使い方で知られるアーティストである。『First Offense』は、その後の代表曲につながる初期の輪郭を確認できる一枚という印象が強い。デビュー期のアルバムらしく、歌そのものの推し出しと、1980年代初頭の空気感が前面に出た作りである。

日本盤はタイトル表記が『ファースト・オフェンス』となっており、当時の洋楽紹介の文脈でも受け取りやすい形で出ている。1983年のオリジナル発表から間を置かず、1984年に国内流通した盤という位置づけになる。

サウンドと聴きどころ

この時期のCorey Hartは、後年の大ヒット曲で知られる印象よりも、より端正なポップ・ソングライターとしての側面が見えやすい。シンセの使い方は当時のニュー・ウェイヴ系作品に通じるものがありつつ、曲の芯にはロック寄りの推進力も残っている。電子音に寄せすぎず、歌を中心に置いたバランス感が特徴的である。

実際に聴くと、音像は80年代前半の作品らしく少し硬質で、ドラムやシンセの輪郭がはっきりしている。そこにCorey Hartのやや張りのある歌声が乗る形で、派手さよりも曲単位のフックで聴かせる場面が多い。のちの「Sunglasses at Night」のような強いアイコン性を持つ楽曲へ向かう前段階として、メロディ重視の作風が見える内容である。

同時代とのつながり

ジャンルの並びとしては、当時のシンセ・ポップやニュー・ウェイヴの流れにあり、ポップ・ロックの骨格を持つ点では、80年代初頭のラジオ向けロックとも近い。アーティスト像としては、同時代のカナダ勢や、メロディ重視の英米ポップ・ロックと並べて語られやすいタイプである。

ただし、ここでは実験性よりも曲の分かりやすさが前に出る。リズムや鍵盤の処理に80年代初頭の空気がありながら、歌の書き方は比較的ストレートで、アルバム全体としても聴き手を選びにくい設計に見える。

クレジットと日本盤情報

盤面のリリースノートには、Mavis Brodey、EMI America Records、Keith Brown、Aquarius Records、Deane Cameron、Donna、Robbie、Stephen、Aniへの謝辞が記されている。さらに、Erikaへの特別な謝辞もある。こうした記載からも、当時の制作・流通の周辺を支えた人々への意識がうかがえる。

日本盤としての『ファースト・オフェンス』は、1983年オリジナルの内容を1984年に国内で受け取る形の一枚である。80年代前半のポップ・ロックの空気、そしてCorey Hartの初期像を知るうえで、基本となるタイトルと言える。

トラックリスト

• A1 – Sunglasses At Night = サングラス・アット・ナイト
• A2 – Peruvian Lady = ペルビアン・レディー
• A3 – Lamp At Midnite = 真夜中の灯
• A4 – She Got The Radio = 孤独なレディオ・ガール
• A5 – It Ain’t Enough = イット・エイント・イナフ
• B1 – Does She Love You = ダズ・シー・ラブ・ユー
• B2 – Cheatin’ In School = チーティン・イン・スクール
• B3 – The World Is Fire = ザ・ワールド・イズ・ファイヤー
• B4 – At The Dance = アット・ザ・ダンス
• B5 – Jenny Fey = 愛しのジェニー・フェイ

関連動画

• CoreyHart – 1984 LP Album /
• Corey Hart – Sunglasses At Night
• Corey Hart – Sunglasses At Night (Official Music Video)
• Corey Hart | Sunglasses at Night 😎 (HQ)

Eagles『On The Border』について

Eaglesの『On The Border』は、1974年に発表された3作目のスタジオ・アルバムだ。アメリカのロック・バンドとして知られるEaglesが、カントリー寄りのサウンドから、より硬質なロックへと軸足を移していく途中に置かれた作品である。

この時期のEaglesは、Glenn Frey、Don Henley、Randy Meisner、Bernie Leadonを中心に活動しており、本作では制作途中でプロデューサーがGlyn JohnsからBill Szymczykへ交代したこともよく知られている。バンドの方向性をめぐる動きが、そのまま作品の輪郭に出ているアルバムと言える。

作品の位置づけ

『On The Border』は、Eaglesが初期に持っていたカントリー・ロックの要素を残しながら、よりロック色を強めていった段階の作品だ。ここでギター・サウンドの存在感が増し、後の大きな成功につながる流れが見えてくる。

このアルバム制作中、Freyの提案でDon Felderが「Good Day in Hell」にスライド・ギターを加え、その演奏が評価されて正式加入につながった。クレジット上では遅れて参加したメンバーとして扱われているが、バンドの編成変化を示す重要な出来事になっている。

収録曲と代表曲

シングルは3曲で、特に「Best of My Love」はEaglesにとって初の全米1位シングルになった。のちの5曲のチャート首位曲の出発点という意味でも、バンド史ではかなり重要な1曲だ。

ほかに「Already Gone」は全米32位、「James Dean」は全米77位を記録している。アルバム全体としては、シングルの印象だけでなく、曲ごとに演奏の密度が少しずつ違うところも聴きどころになっている。

また、イギリス盤のみで「My Man」もシングルとして出ており、地域ごとの扱いの違いもある作品だ。

音の印象

実際に聴くと、カントリー・ロックの軽さだけでなく、リズムの押し出しやギターの輪郭が前面に出ている。前作までの流れを引き継ぎつつも、バンドがより大きなロック・バンドの形へ寄っていく途中段階の手触りがある。

「Best of My Love」はメロディの流れがはっきりしていて、コーラスの運びもわかりやすい。一方で、アルバム全体では少しラフな温度も残っていて、整いすぎていないところが当時の制作事情を感じさせる。

同時代の文脈

1970年代前半のアメリカン・ロックでは、カントリー、フォーク、ロックをまたぐバンドが多く、Eaglesもその中心にいた。The Flying Burrito BrothersやLoggins & Messinaなどと並べて語られることのある領域だが、Eaglesはそこからさらにポップ性と大衆性を強めていった印象がある。

『On The Border』は、その移行の途中にある作品として見やすい。完全にハードロックへ振り切る前でありながら、従来のカントリー色だけでも終わらない、ちょうど境目のアルバムだ。

オリジナル盤の仕様

このUS盤は1974年リリースで、Columbia Records Pressing Plant, Santa Mariaプレスとされる個体があり、ランアウトには「S」「CSM」の刻印が見られる。ジャケットはテクスチャーのあるマット仕様で、両面印刷の折り込みカラー・ポスターが付属している。

ラベル表記には、Asylum Records名義とElektra/Asylum/Nonesuch Recordsの製造表記が入るタイプがあり、同じカタログ番号でも表記違いのバリエーションが存在する。US盤内でも細かな差があるタイトルだ。

まとめ

『On The Border』は、Eaglesが初期のカントリー・ロックから、より広いロック・バンドへと進んでいく過程を示す1974年のアルバムだ。制作体制の変化、新メンバーの参加、そして「Best of My Love」の全米1位という成果が重なり、バンドの次の段階をはっきり見せている。

曲単位でもアルバム単位でも、Eaglesの初期像を知るうえで外せない1枚だ。

トラックリスト

• A1 – Already Gone (4:13)
• A2 – You Never Cry Like A Lover (4:02)
• A3 – Midnight Flyer (3:58)
• A4 – My Man (3:30)
• A5 – On The Border (4:28)
• B1 – James Dean (3:36)
• B2 – Ol’ ’55 (4:22)
• B3 – Is It True? (3:14)
• B4 – Good Day In Hell (4:27)
• B5 – Best Of My Love (4:35)

3『… To The Power Of Three』

『… To The Power Of Three』は、1988年に登場した3の唯一のアルバムである。3は、エマーソン・レイク・アンド・パーマー（ELP）周辺の流れから生まれたトリオで、Keith Emerson、Carl Palmer、Robert Berryの3人で構成された。プログレッシブ・ロックの流れを引き継ぎつつ、80年代のUSロック寄りの手触りを持つ作品として位置づけられる一枚だ。

バンドの成り立ちとこの作品の位置づけ

この作品は、ELPのKeith EmersonとCarl Palmerが中心となり、そこにRobert Berryが加わって成立した。前身のEmerson, Lake & PowellではCozy Powellが参加していたが、その後Carl Palmerが戻り、Greg Lakeはこのプロジェクトには参加していない。結果として、ELPの文脈を引き継ぎながらも、Greg Lakeの役割をRobert Berryが担う形になったのが、このアルバムの大きな特徴である。

3はのちにKeith EmersonとRobert Berryのデュオへとつながっていくため、このアルバムはその最初の到達点とも言える位置にある。Keith Emersonの鍵盤、Carl Palmerのドラム、Robert Berryのボーカルとベースという編成は、ELPの派生形でありながら、80年代のメインストリーム寄りのロック作品としてまとまっている。

音の印象

収録曲は、プログレッシブ・ロックの構成感を残しつつ、当時のポップ・ロックやアリーナ・ロックの文法に寄った作りである。演奏面では、Emersonのキーボードが前面に出る場面があり、Palmerのタイトなドラミングも存在感がある。一方で、全体の輪郭は70年代の長尺志向というより、80年代らしいコンパクトさを持つ。

実際に聴くと、楽曲ごとの起伏ははっきりしていて、シンセのレイヤーとリズム隊の押し出しが要になる印象だ。Robert Berryの歌が入ることで、ELP本来の器楽的な重心とは少し違う、歌ものとしてのまとまりが生まれている。

収録曲と見どころ

このアルバムには、The Byrdsのサイケデリック・クラシック「Eight Miles High」のカバーが含まれている。原曲はよく知られた楽曲だが、3の版ではキーボード主体のアプローチが前に出るため、オリジナルとは別の角度で聴ける構成になっている。

また、シングルとして切られた楽曲もあり、この作品がアルバム単体で完結するだけでなく、当時のリリース戦略の中でも動いていたことがわかる。

同時代の文脈

1988年という時期は、プログレッシブ・ロックの第一世代が再編成や再接続を行っていた時代でもある。3はその中で、単なる懐古ではなく、80年代の録音感覚に合わせてELP的な要素を組み替えた作品として見える。シンセを使ったロックが広く浸透していた時期だけに、同時代のハードロックやアリーナ・ロックとも地続きの印象がある。

その意味で、3のこのアルバムは、ELPそのものの延長線というより、ELPの要素を持ちながら80年代のロック・フォーマットに収めた作品として聴かれることが多そうだ。

US盤の仕様メモ

US盤はSpecialty Records Corporationのプレスが示されており、ランアウトにはSRCロゴが入る。個体によってはサイド2のラベルにエンボスの「E A S T」が見られるものもある。内袋には写真と歌詞が印刷されていた仕様で、当時のGeffen/Warner系リリースらしい体裁である。

まとめ

『… To The Power Of Three』は、Keith EmersonとCarl PalmerというELPの核に、Robert Berryを迎えて作られた1988年のアルバムである。プログレッシブ・ロックの文脈を背負いながらも、80年代のポップ・ロック、アリーナ・ロックの感触を持つ、3にとっての唯一のアルバム。カバー曲「Eight Miles High」も含め、バンドの立ち位置がはっきり見える作品だ。

トラックリスト

• A1 – Talkin’ Bout (4:00)
• A2 – Lover To Lover (4:12)
• A3 – Chains (3:42)
• Desde La Vida (7:06)
• B1 – Eight Miles High (4:08)
• B2 – Runaway (4:42)
• B3 – You Do Or You Don’t (5:02)
• B4 – On My Way Home (4:46)

関連動画

• 3 – Talkin’ bout [lyrics] (HQ Sound) (AOR/Melodic Rock)
• 3 – Lover to lover [lyrics] (HQ Sound) (AOR/Melodic Rock)
• 3 – Chains [lyrics] (HQ Sound) (AOR/Melodic Rock)
• 3 – Desde la vida [lyrics] (HQ Sound) (AOR/Melodic Rock)
• 3 – Eight miles high [lyrics] (HQ Sound) (AOR/Melodic Rock)
• 3 – Runaway [lyrics] (HQ Sound) (AOR/Melodic Rock)
• 3 – You do or you don’t [lyrics] (HQ Sound) (AOR/Melodic Rock)
• 3 – On my way home [lyrics] (HQ Sound) (AOR/Melodic Rock)
• 3 – Talkin’ bout
• 3 – Lover To Lover