DISQ - Vinyl records review

Skin Alley – Two Quid Deal ? (1972)

Skin Alley『Two Quid Deal ?』について

Skin Alleyは、1968年にロンドンで結成されたイギリスのプログレッシブ・ロック・バンドだ。ロック、ジャズ、フォーク、ブルースの要素を混ぜた演奏で知られ、代表曲としては「Living in Sin」がよく挙げられる。

『Two Quid Deal ?』は、そのSkin Alleyの3作目にあたるアルバムで、オリジナルは1972年作。ここで紹介するUS盤は1973年リリースで、のちにアメリカ市場向けに出た版になる。英国発のプログレ・バンドが、USのソウル系名門Staxの目に留まり、ライセンスされて出たという流れも、この作品の位置づけを示している。

作品の位置づけ

バンドはCBSから離れたあと、1971年から72年にかけて新しい契約を得てこの作品を発表した。前2作よりも活動の継続と再出発の意味合いが強い時期の録音で、Skin Alleyのキャリアでは中盤の節目にあたるアルバムだ。

メンバーは、Nick Graham、Thomas Crimble、Tony Knight、Giles Pope、Krzysztof Juskiewicz、Alvin Pope、Bob Jamesといった面々。結成時から複数回の編成変化を経てきたバンドで、この時期は演奏の組み立てにもその蓄積が出ている。

サウンドの印象

『Two Quid Deal ?』は、プログレッシブ・ロックを土台にしながら、ジャズ寄りの展開やブルースの感触、ファンク寄りのリズム感が見える1枚だ。初期の英国プログレの中でも、YesやGenesisのような大仰な構築美より、もっと地に足のついたバンド感が前に出るタイプとして語られることが多い。

Skin Alleyの持ち味は、歌と器楽の切り替え、木管やキーボードを含む音色の扱い、そしてリズムの動きにある。『Two Quid Deal ?』でもその方向性は保たれていて、曲ごとの表情の変化がはっきりしている。

代表曲・バンド史との関係

Skin Alleyの代表曲としては「Living in Sin」が知られているが、『Two Quid Deal ?』はその1曲だけで押し切るタイプのアルバムではない。むしろ、バンド全体の演奏と曲の並びで聴かせる作品だ。

このアルバムのあと、Skin Alleyはアメリカでのライセンス展開やライブ活動につながり、さらに1973年にはよりファンキーで商業性を意識した『Skintight』へ進んでいく。そう考えると、『Two Quid Deal ?』は、初期の英国プログレ色と後期のグルーヴ指向のあいだにある作品として見えてくる。

US盤について

ここでのUS盤は1973年リリース。オリジナルの1972年盤から少し時間を置いてアメリカで出た版で、Skin AlleyがStaxのカタログに入ったことを示す資料的な意味も持つ。英国のプログレ・バンドがStaxから出るという組み合わせ自体、当時のクロスオーバー感をよく表している。

収録内容そのものよりも、バンドの来歴や当時のレーベル事情まで含めて見ると、このレコードの輪郭がはっきりする。1972年時点のSkin Alleyの立ち位置を、そのまま切り取った1枚だ。

補足

アーティスト: Skin Alley
タイトル: Two Quid Deal ?
オリジナル・リリース年: 1972年
US盤リリース年: 1973年
ジャンル: Rock
スタイル: Prog Rock

クレジットには「Produced/Engineered for Boggle Productions.」および「A Transatlantic Records Ltd. Production」とある。Skin Alleyの1970年代前半の動きと、英国プログレの流れをたどるうえで外せない作品のひとつだ。

トラックリスト

A1 – Bad Words And Evil People (5:15)
A2 – So Many People (5:58)
A3 – A Final Coat (5:07)
A4 – Graveyard Shuffle (4:43)
B1 – Nick’s Seven (5:02)
B2 – Skin Valley Serenade (3:40)
B3 – So Glad (5:23)
B4 – The Demagogue (5:54)
B5 – Sun Music (4:58)

Catharsis – 32 Mars (1972)

Catharsis『32 Mars』（1972年、フランス）

フランスのサイケデリック・ロック・バンド、Catharsisによる1972年作。バンドは1960年代末から1970年代半ばにかけて活動し、主にインストゥルメンタル寄りの作品で知られるグループだ。本作はその3作目にあたり、70年代フランスのロックが持っていた録音感と、シングル・ヒットをアルバムへ組み込む構成がはっきり出た一枚になっている。

作品の位置づけ

『32 Mars』は、Catharsisの当時の最新ヒット曲を軸にまとめられたアルバムだ。A面には拡張版の「32 Mars」を収録し、B面には彼らの3つのヒット曲のシングル・ヴァージョンを置く構成。アルバム全体としてはかなり短く、1970年代のLPとしてもかなりコンパクトな部類に入る。

バンドの中心人物であるRoland Bocquetは、その後ソロ活動やライブラリー音楽、サウンドトラックへ進んでいく流れが知られていて、この時期のCatharsisは、後年の作家性につながる入口のようにも見える。バンドとしてのまとまりと、曲単位での訴求力が同居した時期の記録という印象が強い。

収録内容と聴きどころ

この作品の核は、やはり「32 Mars」。A面で聴ける拡張版は、シングルとは別の尺で曲の展開を味わえる作りになっている。B面にはシングル・ヴァージョンが並び、ヒット曲をそのままの形で確認できる構成。アルバムというより、当時の代表曲をまとめて追うための設計に近い。

録音は主に1971年12月のStudio Davout、B1のみ1971年3月のStudio ETAで記録され、ミックスは1972年11月にStudio ETAで行われている。録音時期の違いがあるぶん、曲ごとの質感にも差が出ていそうな内容だ。

同時代の文脈

フランスのロックが英米の影響を受けながら独自の色を強めていた時期の作品として見ると、Catharsisはサイケデリック・ロックとプログレッシブ・ロックの接点にいるバンドのひとつだ。演奏主体の長い展開と、ラジオ向けのシングル感覚が同じ作品内に並ぶところに、この時代らしさがある。

同時代のフランス産ロックに見られる、曲構成の変化や録音物としての編集感も、本作では確認しやすい。アルバム単位での統一感を前面に出すというより、ヒット曲の存在を軸にした編集盤的な性格が強い。

メンバー

Roland Bocquet
Charles Eddi
Claude Pavi
Yves De Roubaix
Patrick Moulia
Alain Geoffroy
Niles Brown
Charlotte Boutillier
Michel Borderieux

まとめ

『32 Mars』は、Catharsisの3作目として、当時のヒット曲とアルバム用の拡張版を並べた一枚。70年代フランスのサイケデリック／プログレッシブ・ロックの中で、バンドの代表曲をまとまって確認できる作品として位置づけられる。短めの尺、シングルとアルバム版の併置、録音時期の異なる曲の混在など、作品の作りそのものがはっきりしている。

トラックリスト

A1 – 32 Mars (11:30)
B1 – Masq (4:10)
B2 – Les Chevrons (4:30)
B3 – 32 Mars (3:06)

The Guess Who – Wheatfield Soul (1969)

The Guess Who『Wheatfield Soul』について

The Guess Whoは、カナダ・ウィニペグ出身のロック・バンドだ。1960年代のカナダ・ロックを代表する存在で、バンド名を変えながら活動を重ね、1965年にThe Guess Whoとして定着した。『Wheatfield Soul』は1969年に発表された作品で、バンドがより広く知られる流れの中にある重要な一枚として位置づけられる。

この時期のThe Guess Whoは、Randy BachmanとBurton Cummingsを中心にした編成で知られ、のちの代表作につながる土台を作っている。アメリカ市場でも存在感を強めていく前段階の作品として、バンドの輪郭がはっきり見える時期の録音だ。

作品の内容と聴きどころ

『Wheatfield Soul』は、オリジナルのリリース年が1969年のロック作品で、グループの持つメロディ感と演奏のまとまりが前面に出ている。サイケデリック・ロックの要素を含みながらも、単に音響的な実験に寄り切らず、曲の形をきちんと保っている印象がある。

この時代のThe Guess Whoは、同時代のThe Beatles後期やThe Byrds、あるいはアメリカ西海岸のロックと比べられることがあるが、そこにカナダのバンドらしい硬さと、バンド・サウンドの押し出しが乗っているのが特徴だ。派手な技巧だけで押すのではなく、歌と演奏のバランスで聴かせるタイプの作品といえる。

代表曲・シングル

『Wheatfield Soul』からは、のちにThe Guess Whoの代表曲として語られる「These Eyes」が知られている。ピアノを軸にした構成と、Burton Cummingsの歌が前に出る作りで、このバンドのメロディ面をよく示す一曲だ。シングルとしても重要な位置を占め、バンド名を広めるきっかけのひとつになった。

また、「Laughing」もこの時期を代表する曲として挙げられることが多い。こちらも、のちのハード寄りのイメージとは少し違う、当時のバンドの柔らかい側面を感じさせる。

バンドの中での位置づけ

The Guess Whoは、1960年代後半から1970年代前半にかけてヒットを重ねていくが、『Wheatfield Soul』はその流れの初期を支えるアルバムだ。後年の「American Woman」や「No Time」のような強いロック色が前面に出る以前の作品として聴くと、バンドがどのように形を整えていったかが見えやすい。

つまり、グループの名前が広く知られる前後の橋渡しにある盤だ。The Guess Whoの初期から中期への移行を確認できる一枚として、ディスコグラフィーの中でも意味を持つ。

日本盤について

今回の盤は日本リリースのものだ。オリジナルは1969年の作品で、日本盤としては後年に流通した可能性があるが、ここでは作品自体の初出年を基準に見るのが自然だろう。日本盤ならではの帯や解説の有無、表記の違いが付くことはあっても、音源の核はこの1969年作にある。

まとめ

『Wheatfield Soul』は、The Guess Whoが1960年代末に築いていたロック・バンドとしての輪郭を示す作品だ。「These Eyes」を含む時期のアルバムとして、メロディの強さとバンド演奏のまとまりが印象に残る。カナダ・ロックの流れをたどるうえでも、The Guess Whoのキャリアを追ううえでも、ひとつの節目に置かれる盤といえる。

トラックリスト

A1 – These Eyes (3:45)
A2 – Pink Wine Sparkles In The Glass (2:13)
A3 – I Found Her In A Star (2:36)
A4 – Friends Of Mine (10:03)
B1 – When You Touch Me (3:38)
B2 – A Wednesday In Your Garden (3:20)
B3 – Lightfoot (3:07)
B4 – Love And A Yellow Rose (5:05)
B5 – Maple Fudge (1:52)
B6 – We’re Coming To Dinner (2:43)

The Isley Brothers – Grand Slam (1981)

The Isley Brothers『Grand Slam』について

The Isley Brothersは、1950年代初頭にオハイオ州シンシナティで結成されたR&B／ソウル・グループである。初期の「Shout!」で知られ、その後は自前のT-Neckレーベルを軸に活動を続けてきた。1960年代後半以降はロナルド・アイズレーを中心に、ファンク、ディスコ、R&B、ソウルを行き来する作品を重ね、1980年代初頭まで継続してヒットを出していた。

『Grand Slam』は1981年の作品として知られるアルバムで、日本盤は1983年にリリースされた盤である。80年代前半のアイズレー・ブラザーズらしい、ソウルを基盤にしたグルーヴ重視の時期の1枚として位置づけられる。メンバーにはRonald Isley、Ernie Isley、Chris Jasper、Marvin Isley、Rudolph Isley、O’Kelly Isleyがクレジットされている。

作品の位置づけ

この時期のThe Isley Brothersは、70年代の「For the Love of You」や「Choosey Lover」、さらに後の「Between the Sheets」に連なる流れの中にある。バンド編成での演奏感と、R&Bチャートを意識した整ったプロダクションが同居する時代で、ファンク寄りのリズムと滑らかなボーカルの組み合わせが基本になっている。

特に70年代後半から80年代初頭にかけてのアイズレーは、同時代のR&Bグループの中でも、オハイオ発のファンク／ソウルの文脈で語られることが多い。Earth, Wind & FireやLakesideのような洗練されたファンクと比べられることもありつつ、ロナルドの歌声を軸にした歌ものとしての強さが前面に出るグループである。

日本盤としてのポイント

今回の盤は日本リリースの1983年盤で、オリジナルの1981年盤から時間をおいて流通したものになる。日本盤は当時の国内流通向けに出されたもので、コレクション上はオリジナル盤とは別扱いになる。ジャケットや表記、帯や解説の有無など、国内盤らしい要素が付くことが多いが、内容面の中心は1981年作品としての『Grand Slam』にある。

聴きどころ

The Isley Brothersのこの時期の作品に共通するのは、リズムの組み立てがきっちりしている点である。ベースライン、ギターの刻み、鍵盤の和音、ボーカルの掛け合いが、過度に派手にならずに積み上がっていく。ディスコの時代感を受けつつも、単純なダンス志向だけでは終わらないのがこのグループの持ち味だ。

また、アイズレー・ブラザーズはヒット曲の存在感が大きいグループでもある。「Shout!」「This Old Heart Of Mine」「It’s Your Thing」など初期の代表曲から、70年代以降の「For the Love of You」「Choosey Lover」「Between the Sheets」へと続く流れがはっきりしている。『Grand Slam』も、その後期の流れの中に置くと分かりやすい作品である。

アーティストとしての背景

The Isley Brothersは1950年代に活動を開始し、1959年の「Shout!」で広く知られるようになった。1960年代にはモータウンでも活動し、1969年にはT-Neckレーベルを再始動させて「It’s Your Thing」を発表。1973年以降はErnie Isley、Marvin Isley、Chris Jasperが加わり、バンド色の強い編成で80年代初頭まで作品を出し続けた。

1981年の『Grand Slam』は、そうした長い活動の中で、70年代後半から80年代前半の成熟したR&Bサウンドを示す時期の作品として見ることができる。グループの歴史を追う上でも、ディスコ以後のソウル／ファンクの形を確認する1枚になっている。

トラックリスト

A1 – Tonight Is The Night (If I Had You) (4:56)
A2 – I Once Had Your Love (And I Can’t Let Go) (4:41)
A3 – Hurry Up And Wait (3:53)
B1 – Young Girls (5:00)
B2 – Party Night (4:08)
B3 – Don’t Let Up (5:04)
B4 – Who Said? (4:18)

Panacea – Panacea (1980)

Panacea / Panacea（1980）

ドイツのロック・バンド、Panaceaが1980年に発表した同名アルバム。バンド名と作品名がそのまま一致する1枚で、クレジット上はドイツ制作、ドイツ発売のオリジナル盤となっている。プロフィールでは、当時のアメリカのいわゆる“pomp rock”勢、KansasやStyxに近い軽快なシンフォニック寄りロックとして紹介されるバンドだ。

バンドの輪郭

Panaceaのメンバーは、Mike Maier、Thommy Schuster、Ulrich Streber、Till Maurer、Kosmas Schütz、Tommy Müllerの6人編成。ギター、キーボード、コーラスを軸にした、70年代末から80年代初頭らしいバンド編成が見える。ドイツのプログレッシブ・ロック文脈の中では、重厚一辺倒ではなく、メロディを前に出した作りのグループとして位置づけられるようだ。

作品の立ち位置

1980年という時期は、プログレッシブ・ロックが70年代前半のような大きな勢いを失い、よりコンパクトな楽曲やポップ寄りの感触を取り入れる流れが強まっていた頃。Panaceaも、その空気の中で鳴っている作品として捉えやすい。シンフォニックな色合いを残しつつ、曲調は比較的軽やかで、同時代の“ポンプ”系バンドに通じる整理された響きがある。

サウンドの印象

実際の演奏面では、派手さを競うより、メロディの流れとアンサンブルのまとまりを見せるタイプのアルバムとして受け取られる。ギターとキーボードの掛け合い、コーラスの重なり、リズムの推進力が軸になりやすい構成で、KansasやStyxを引き合いに出されるのもそのあたりの感触によるものだろう。ドイツ産らしい整った演奏感と、英米勢に近い親しみやすさが同居する1枚という印象。

ジャケットとクレジット

裏ジャケットには、カバーデザインがGerald “Gerry” Wetzel（FFM）、カバーアートとロゴがMauser!、Art Centouri、アートワークが「Galactic Gas」、写真がJörg Cassel（Wsbdn.）と記されている。ビジュアル面でも、当時のロック作品らしい制作チームの分業が見える。盤面のランアウトはエッチング刻印となっている。

同時代とのつながり

この時期のドイツのロックは、より硬質で実験的な方向に進むものもあれば、メロディ重視で聴きやすさを保つものもあった。Panaceaは後者の流れに置きやすく、シンフォニック・ロックとポップ・ロックのあいだを行くような立ち位置にある。大仰な長尺組曲で押すというより、楽曲単位のまとまりで聴かせるタイプとして見てよさそうだ。

まとめ

Panaceaの『Panacea』は、1980年のドイツ産ロックとして、メロディの明快さとシンフォニックな装いを両立させた作品。KansasやStyxを思わせる比較がされるのも納得しやすい、整った演奏とバンド・アンサンブルの1枚だ。ドイツのプログレ周辺を掘るとき、当時の空気感をつかむうえで手がかりになりやすいアルバムといえる。

トラックリスト

A1 – Better Be A Cageling
A2 – Glad To Hear Your Voice
A3 – I Wanna Be Like You
A4 – Now I’m Sitting Here
B1 – Tonight At Ten Past Ten
B2 – Funky Girl
B3 – You’re Living Easy
B4 – Raving

2026.09.11

Tiger Moth – Howling Moth (1988)

Folk, World, & Country

Tiger Moth / Howling Moth（1988）

「Howling Moth」は、UKのデュオ、Tiger Mothによる1988年作。メンバーはMaggie HollandとIan A. Andersonで、編成はかなりシンプルだが、そのぶん歌と演奏の輪郭がはっきり出るタイプの作品だ。ジャンル表記はFolk, World, & Country。UKフォークの流れの中で、伝統曲の扱いとアコースティックな歌の手触りが前に出る一枚として捉えやすい。

作品の輪郭

タイトルからもわかる通り、アルバム全体はTiger Mothというユニットの名前を前面に出した作品で、個々の曲を積み重ねながらデュオとしての表現をまとめている印象がある。Maggie Hollandの歌と、Ian A. Andersonのギターやマンドリン系の弦楽器が、歌ものとしての芯を作る構成。派手な音作りよりも、言葉と旋律、そして弦の鳴りの関係が中心にある。

1988年という時代の位置

1980年代後半の英国フォークは、伝統曲の再解釈やアコースティック主体の小編成が継続していた時期でもある。「Howling Moth」も、その文脈で自然に置ける作品だ。トラッドの重みを残しつつ、録音年代らしい明瞭さを持った仕上がりとして受け取れる。フォーク・リヴァイヴァルの大きな潮流というより、シーンの内部で丁寧に作られたアルバムという印象。

演奏と歌の印象

この作品では、歌の語り口と弦楽器の刻み方が重要になる。Maggie Hollandのボーカルは、装飾を多くつけるよりも、歌詞の流れをそのまま届けるタイプに見える。Ian A. Andersonは、ギターを中心にした伴奏で場面を支えつつ、曲によっては音の隙間を活かす。デュオ作品らしく、2人の役割分担がそのまま作品の骨格になっている。

アーティストの中での位置づけ

Tiger Mothは、Maggie HollandとIan A. Andersonの組み合わせによるユニットとして理解しやすい。「Howling Moth」は、その活動のなかで作品としてまとまった一枚で、2人の歌と演奏の相性を確認できるアルバムになっている。Ian A. Andersonは英国フォーク周辺で長く活動してきた人物として知られ、Maggie Hollandもシンガーとしての存在感が強い。そうした背景を踏まえると、この盤は“個人の技巧を見せる作品”というより、“2人の音楽的な会話”を記録した作品に近い。

曲目について

収録曲の中で広く知られたヒット曲が前面にあるタイプではなく、アルバム全体の流れで聴く性格が強い。いわゆる代表曲を一曲だけ切り出して語るより、曲ごとの歌い回しや編曲の差を追うほうが、この作品の輪郭は見えやすい。

まとめ

「Howling Moth」は、1988年のUKフォークの空気を映したデュオ作品。Maggie Hollandの歌とIan A. Andersonの弦楽器が、過不足のない形で並ぶ一枚だ。大きな話題性よりも、歌と演奏の距離感、そして2人の組み合わせそのものに耳が向く作品として受け取れる。

トラックリスト

A1 – Sloe Benga (2:59)
A2 – Sumolleh? (3:20)
A3 – Polka Volta (2:49)
A4 – Olympia (3:23)
A5 – Conquer Your Glasses (3:37)
A6 – The First Wife (3:16)
B1 – La Bastringue (3:21)
B2 – Gone With The Lind (3:19)
B3 – Flor Marchita (3:19)
B4 – Mustapha’s Home Schottische (3:16)
B5 – Moth To California (3:27)
B6 – Sestrina (3:37)

Pavlov’s Dog – Pampered Menial (1975)

Pavlov’s Dog『Pampered Menial』について

『Pampered Menial』は、米ミズーリ州セントルイス出身のプログレッシブ・ロック・バンド、Pavlov’s Dogが1975年に発表した1作目のアルバムです。David Surkampの個性的な歌声で知られるグループで、この作品でもその声が最初に耳に残る要素になっている。アメリカ産のプログレッシブ・ロックの中でも、かなり印象の強いデビュー作として語られることが多い一枚です。

作品の位置づけ

本作はバンドの初期像をそのまま示すアルバムで、のちの活動を知るうえでも重要な位置にある。Pavlov’s Dogは、同時代の英国系プログレッシブ・ロックと近い感触を持ちながら、アメリカのバンドらしい素朴さと、David Surkampの独特なヴォーカルを前面に出している。結果として、演奏の緻密さと歌の個性が同時に立つ作品になっている。

収録曲とよく知られた曲

このアルバムでは、バンドの代表曲として「Julia」が特によく知られている。ピアノとヴォーカルを軸にした導入部から始まり、曲が進むにつれて展開が変わっていく構成で、Pavlov’s Dogらしさを端的に示す楽曲として扱われることが多い。ほかにも、曲ごとにアレンジの変化がはっきりしていて、長めの構成や楽器の切り替えがアルバム全体の流れを形作っている。

音の印象

実際に聴くと、まずDavid Surkampの声の存在感が際立つ。高めで、少し切迫した響きがあり、メロディの動きと一緒に曲の印象を強く決めている。そこにピアノ、ギター、ヴァイオリン系の音色が重なり、ロックの枠内に収まりつつも、一般的なハードロックとは違う質感が出ている。演奏は派手さだけを狙うものではなく、歌を支える形で組み立てられている印象。

アメリカのプログレッシブ・ロックという文脈では、KansasやStarcastleのようなメロディ重視の流れと並べて語られることもある一方で、Pavlov’s Dogはもっと歌の癖が強い。英国のプログレッシブ・ロックに近い構成感を持ちながら、声で個性を出している点が、この作品のはっきりした特徴になっている。

ジャケットと盤について

今回の盤はギリシャ盤で、赤いColumbiaラベルの再発盤。クレジットには「P 1975 CBS Inc.」とあり、ギリシャでDISKI CBS AEBE向けに製造されたもの。オリジナルの1975年作を別市場向けに再プレスした盤で、同じ作品でも流通地域が異なる版という位置づけになる。

こうした再発盤は、国ごとのレーベル仕様や表記が異なることがあり、コレクション面でも見どころがある。内容自体は1975年のオリジナル作品を踏襲しているが、盤面のデザインやラベル表記にその国ならではの違いが出ることがある。

まとめ

『Pampered Menial』は、Pavlov’s Dogの出発点として聴かれるアルバムであり、David Surkampの声を軸にしたプログレッシブ・ロック作品として記憶されている一枚。代表曲「Julia」を含み、アメリカ産プログレの中でもかなり個性がはっきりした作品だと言えそうです。

トラックリスト

A1 – Julia (3:12)
A2 – Late November (3:13)
A3 – Song Dance (5:01)
A4 – Fast Gun (3:04)
A5 – Natchez Trace (3:43)
B1 – Theme From Subway Sue (4:25)
B2 – Episode (4:08)
B3 – Preludin (1:37)
B4 – Of Once And Future Kings (5:32)

Garolou – Garolou (1978)

Garolou『Garolou』(1978)

Garolouは、1975年に結成されたフランス系カナダのフォークロック・グループ。この1978年作『Garolou』は、グループ名を冠したタイトル作で、同年リリースのオリジナル盤として位置づけられる作品だ。ケベックの伝統歌、フランス語圏の伝承曲を土台にしながら、ロックの編成でまとめ上げたバンドの代表的な一枚として知られている。

作品の輪郭

収録曲はフランス語圏の伝統曲をベースにしていることが特徴で、民謡的なメロディーとバンド演奏が前面に出る構成。ジャンル表記はRock、Pop、Folk、World、& Countryで、スタイルとしてはFolk Rock、Prog Rock、Chansonが挙げられている。伝統曲の素材をそのまま保存するのではなく、ロックバンドとしてのアレンジで再解釈している点が、この時代のGarolouらしいところだ。

録音は1978年2月から3月にかけて、ケベック州モーリンハイツのスタジオで行われ、ミックスはニューヨークのStudio Media Soundとモーリンハイツの両方で仕上げられている。カナダ国内の音源制作と、アメリカ側のスタジオ作業が組み合わさっている点も、この作品の制作背景として見えてくる。

Garolouというバンドの位置づけ

Garolouは、もともとLougarou名義で活動を始めたが、名称変更を経てGarolouとして知られるようになった。フランス系カナダの伝統歌をロックに落とし込むスタイルで、ケベックだけでなくカナダ全体で支持を広げたバンドだ。

この1978年の『Garolou』は、バンドにとって重要な位置づけの作品といえる。のちにADISQ GalaのFelix賞を受賞したアルバムのひとつでもあり、さらにゴールド認定も記録している。商業的にも評価面でも、初期の代表作として扱われることが多い。

同時代の文脈

1970年代後半のカナダでは、英語圏のロックとは別に、フランス語圏の音楽文化を軸にした動きが強まっていた。Garolouは、その中で伝統曲をロック編成に乗せるアプローチを打ち出したグループとして見ておくとわかりやすい。フランス語圏のシャンソン的な語感と、フォークロック、さらにプログレッシブな展開をつなげている点に、当時の時代感がある。

同系統の文脈では、伝統音楽を現代的に再構成するフォークロックやケルト系ロックの流れと並べて語られることもありそうだが、Garolouの場合はケベックのフランス語圏の素材が中心にあるところがはっきりしている。

代表曲や聴きどころ

この作品について、特定のヒット曲が広く知られているというよりは、アルバム全体でGarolouの持ち味を示すタイプの一枚として理解されている。伝統曲の旋律を軸にしながら、バンドの演奏が前に出る場面と、歌の語り口が残る場面が行き来する構成。ロックの推進力と、フランス語の歌が持つフレーズ感が、そのまま作品の骨格になっている。

まとめ

『Garolou』は、フランス系カナダの伝統歌をロックバンドとして再構築したGarolouの初期代表作。1978年という時点で、すでにバンドの方向性がはっきりしていて、のちの評価や受賞にもつながる基盤がここで固まっている。カナダのケベック文化圏の音楽をたどるうえでも、Garolouの入口として見ておきたいアルバムだ。

トラックリスト

A1 – Aux Illinois (3:42)
A2 – La Complainte Du Maréchal Biron (5:24)
A3 – Le Départ Pour Les États (5:32)
A4 – Je Me Suis Habillé En Plumes (3:46)
A5 – Alouette (2:06)
B1 – Victoria (2:55)
B2 – La Retraite De Bonaparte (2:44)
B3 – Wing-Tra-La (4:27)
B4 – Germaine (10:30)

Fairport Convention – Full House (1970)

Fairport Convention『Full House』について

Fairport Conventionの『Full House』は、1970年にオリジナル・リリースされたアルバムです。英国のフォーク・ロック・バンドとして知られる彼らが、バンドとしてのまとまりを強めながら制作した作品で、伝統曲と新しい楽曲が同じ流れの中に置かれているのが特徴です。Fairport Conventionの作品群の中でも、いわゆる“バンドとしてのフォーク・ロック”が前に出た時期の記録として見ておきたい一枚です。

作品の位置づけ

この時期のFairport Conventionは、アコースティックな英国伝承曲を土台にしながら、エレクトリック・バンドとしての演奏力を強く押し出していた。『Full House』はその流れをよく示す内容で、リチャード・トンプソンのギター、デイヴ・スウォーブリックのフィドル、デイヴ・ペッグのベース、デイヴ・マタックスのドラミングが、曲ごとにしっかり役割を持って進む構成になっている。

フェアポート・コンヴェンションは、同時代の英国フォーク・ロックの中でも、伝統曲の扱い方が比較的明確なバンドとして語られることが多い。バッファロー・スプリングフィールド的なアメリカ西海岸の流れよりも、英国の民謡や古いバラッドに根を置いた演奏が中心で、そこにロックのリズムと音量を重ねていくタイプだ。『Full House』は、その方向性がかなりはっきり出たアルバムと言える。

収録曲と内容

アルバムは、冒頭の「Walk Awhile」から勢いよく始まる。「Dirty Linen」「Sloth」と続く流れも含めて、演奏の切り替えが多く、バンドのアンサンブルを前に出した構成になっている。B面には「Sir Patrick Spens」や「Doctor Of Physick」など、伝承曲の要素を感じさせる曲が並び、Fairport Conventionらしい選曲の感触がある。

中でも「Walk Awhile」は、アルバムの入口として印象を作る曲で、バンドの音がひとまとまりになって進む感じが出ている。リズム隊の安定感と、トンプソン、スウォーブリック両名のフレーズが重なっていく進行は、この時期のFairport Conventionの強みをそのまま示している。「Flatback Caper」や「Flowers Of The Desert」も含め、曲ごとの色は違うが、全体としては演奏中心のアルバムという印象が残る。

音の作りと盤の特徴

このUK盤は、テクスチャーのある折り返しジャケット仕様で、ピンクの縁取りのあるセンター・レーベルを備えている。スカイブルーのインナー・スリーブにはピンクの“i”ロゴとアドレス表記があり、サウンド・テクニークスでエンジニアリングされた旨も記されている。盤はスタンパー刻印のある仕様。

なお、センター・レーベルに記された曲の長さには実際と異なる表記がある。こうした点も、当時のプレスや印刷物を確認するうえでの特徴のひとつになっている。

聴きどころ

リチャード・トンプソンのギターの切れ味
デイヴ・スウォーブリックのフィドルが前に出る展開
伝承曲と新曲が自然に並ぶ曲順
演奏のまとまりと、各パートの役割の明確さ

『Full House』は、Fairport Conventionが英国フォーク・ロックの文脈で何をしていたかを、そのまま示すようなアルバムだ。派手な説明よりも、曲の進み方と演奏の組み立てに耳を向けたくなる内容で、1970年という時代の空気もそのまま閉じ込めている。

トラックリスト

A1 – Walk Awhile (3:57)
A2 – Dirty Linen (4:12)
A3 – Sloth (9:13)
B1 – Sir Patrick Spens (3:27)
B2 – Flatback Caper (6:18)
B3 – Doctor Of Physick (3:30)
B4 – Flowers Of The Forest (4:00)

Speed, Glue & Shinki – Speed, Glue & Shinki (1972)

Speed, Glue & Shinki『Speed, Glue & Shinki』について

Speed, Glue & Shinki は、1970年にギタリストのShinki ChenとIkuzo Oritaを中心に結成された、日本のサイケデリック・ロック・パワートリオである。1972年に解散しており、活動期間は長くないが、70年代初頭の日本のロック史を語るうえで名前の挙がるグループのひとつとして知られている。

この『Speed, Glue & Shinki』は1972年に発表された作品で、バンド名をそのまま冠したアルバム。メンバー表記にはMasayoshi Kabe、Mike Hanopol、Joey Smith、Shinki Chenが並ぶ。ブルースの骨格を持ったロックに、当時らしい音の揺れや長めの展開が重なるタイプの内容で、英米のハード・ロックやブルース・ロックの流れを日本で受け止めた一枚として位置づけられる。

作品の位置づけ

Speed, Glue & Shinki は、日本の初期ロックの中でも、演奏力と音の強さで存在感を残したグループとして扱われることが多い。Shinki Chen のギターを軸にしたバンドの色が強く、同時代の日本のアーティストの中では、ブルース・ロック寄りの重さと、サイケデリックな展開が目立つ部類に入る。

海外の同時代バンドと並べて語られることもあり、英米のハード・ロックやブルース・ロックの文脈を意識しながら聴かれることが多い作品でもある。日本語圏のロックとして見ると、70年代初頭の空気感がそのまま出ている録音としても興味深い。

収録曲について

代表曲としては、アルバム収録曲の中でタイトル曲や長尺の曲が注目されやすい。具体的には、演奏の流れの中でギターが前に出る場面や、リズムが粘る場面が印象に残りやすい構成で、曲単位というよりアルバム全体の流れで聴かれる作品といえる。

この時代のロック作品らしく、派手なヒット曲を前面に置くよりも、バンドの音をまとめて提示する作りになっている。曲名だけで印象を断定できるタイプではなく、実際には通して聴いたときの一体感が重要な盤だ。

2019年盤について

2019年盤は日本盤の再発で、外装に大判の帯が付き、ダブル・シングル・スリーブ仕様。見開き一体型ではなく、別々のスリーブを重ねる形になっている。黄色い12インチのインサートが2枚入り、歌詞、クレジット、小さな写真が収録されている。外装のビニールにはQRコードステッカーが貼られている。

帯には価格表記や日付、Printed in Japan、Disc made in the EU の記載があり、レーベル面は Made in the EU 表記。インサートには 2019 HMV Records Shop Analog Project のクレジットが入っている。オリジナル盤と比べると、現行の入手性を意識した再発仕様で、付属物の情報量が増えている点が目につく。

音の印象

実際に聴くと、ギターの歪みが前に出る場面が多く、ベースとドラムがその下を支える形がはっきりしている。サイケデリックといっても音響的な実験だけに寄るわけではなく、ブルース由来のフレーズやリフが曲の芯になっている。演奏の勢いがそのまま盤の性格になっている印象だ。

また、70年代初頭の録音らしい空気があり、音の輪郭はきっちりしつつも、少しざらついた質感が残る。そうした点も含めて、当時の日本のロックがどのように海外のロックを吸収していたかを示す資料的な面を持つ作品だと言える。

まとめ

Speed, Glue & Shinki の『Speed, Glue & Shinki』は、1972年の日本のロックを代表する一枚として語られることのあるアルバム。Shinki Chen を中心にした演奏の強さ、ブルース・ロックを土台にした構成、そしてサイケデリックな広がりが同居している。2019年再発盤では、帯やインサートを含めて資料性の高い仕様になっているのも特徴だ。

トラックリスト

A1 – Sniffin’ & Snortin’ Pt.1 (Vitamine C)
A2 – Run And Hide
A3 – Bad Woman
A4 – Red Doll
B1 – Flat Fret Swing
B2 – Snifin’ & Snortin’ Pt.2 (Vitamine C)
B3 – Don’t Say No
B4 – Calm Down
C1 – Doodle Song
C2 – Search For Love
C3 – Chuppy
C4 – Wanna Take You Home
D1 – Sun – Planets – Life – Moon
D2 – Song For An Angel

Deep Purple – Shades Of Deep Purple (1968)

Deep Purple『Shades Of Deep Purple』について

Deep Purpleの『Shades Of Deep Purple』は、バンドのデビュー・スタジオ・アルバムとして1968年に登場した作品だ。イングランド出身のハードロック・バンドとして知られるDeep Purpleだが、この時点ではまだ初期編成のMark Iで、のちの爆発的なヘヴィさよりも、サイケデリック・ロック寄りの空気が前面に出ている。

日本盤としては1973年リリースの1枚で、オリジナル発売から少し時間を置いての登場になる。オビ付き、邦題の解説シート、英語歌詞入りという当時の日本盤らしい仕様も特徴だ。

作品の位置づけ

Deep Purpleは、Led ZeppelinやBlack Sabbathと並んでヘヴィメタル、モダン・ハードロックの先駆けとして語られることが多いバンドだが、その出発点にあたるのがこのアルバムになる。のちの『In Rock』以降に比べると、ここではジョン・ロードのオルガンとリッチー・ブラックモアのギターが、まだ60年代後半のロックの文脈の中で鳴っている印象が強い。

バンドの初期3作は、録音時のメンバーもほぼ共通している。このアルバムも、ロッド・エヴァンスのボーカル、リッチー・ブラックモアのギター、ニック・シンパーのベース、ジョン・ロードのオルガン、イアン・ペイスのドラムという編成で作られている。

収録曲と代表曲

収録曲の中で特によく知られているのが「Hush」だ。シングルとしても出た曲で、アルバムの中でも存在感が大きい。原曲はジョー・サウス作で、Deep Purple版はオルガンのリフと軽快なグルーヴが前に出た仕上がりになっている。

そのほか、「Mandrake Root」や「Hey Joe」なども、この時期のバンドの輪郭を示す曲として重要だ。後年の重厚なイメージだけで聴くと、かなり違う手触りに感じられるはずだ。

「Hush」: シングル曲として知られる代表曲
「Mandrake Root」: 初期Deep Purpleらしい長めの展開を持つ曲
「Hey Joe」: 当時のロック・シーンとの接点が見えるカバー曲

サウンドの印象

このアルバムは、ギターとオルガンの役割分担がはっきりしていて、60年代後半の英ロックらしい録音感がある。リッチー・ブラックモアのギターはすでに輪郭が鋭いが、まだ後年のハードロック的な攻撃性よりも、曲の中で色を付ける動きが中心だ。ジョン・ロードのオルガンは曲全体を支えるだけでなく、音の密度を作る役割を担っている。

演奏面では、のちのDeep Purpleに通じる「各パートが前に出る」感覚はすでに見える。とはいえ、作品全体としてはまだ実験性が残り、サイケデリック・ロックの時代性もよく出ている。60年代末の英米ロックを聴き比べると、同時期のCreamやThe Jimi Hendrix Experience、さらには初期のLed Zeppelinに近い文脈で捉えやすい。

日本盤について

今回の日本盤は1973年のリリースで、ジャケット裏とオビに2,000円の価格表記がある。Warner-Pioneer製で、Warner Bros. Records表記のクレジットが入っているのも当時の国内盤らしい要素だ。オビと解説シートが付くことで、英米盤とはまた違った所有感のある仕様になっている。

まとめ

『Shades Of Deep Purple』は、Deep Purpleがまだ「ハードロックの巨大バンド」になる前の姿を記録したアルバムだ。のちの代表作とはかなり色合いが違うが、ロッド・エヴァンス期の初期形として、そして「Hush」を含むデビュー作として、バンドの出発点を確認できる1枚になっている。

Deep Purpleの歴史をMark Iからたどるなら、まずここから入るのが自然だろう。

トラックリスト

A1 – And The Address
A2 – Hush
A3 – One More Rainy Day
A4(a) – Prelude: Happiness
A4(b) – I’m So Glad
B1 – Mandrake Root
B2 – Help
B3 – Love Help Me
B4 – Hey Joe

Jordi Sabates – Ocells Del Més Enllà (1975)

Jordi Sabatés『Ocells Del Més Enllà』について

Jordi Sabatésは、バルセロナ出身のジャズ・ピアニスト、作曲家。1960年代のポップ・バンドPic-Nicから活動を始め、その後はToti Solerとの共演や、ジャズ・アンサンブルJarkaでの仕事など、カタルーニャ音楽圏の中で幅広く動いてきた人物だ。『Ocells Del Més Enllà』は1975年に録音・発表された作品で、Sabatésのソロ活動を語るうえで外せない時期の1枚といえる。

作品の位置づけ

1970年代半ばのJordi Sabatésは、ジャズの語法を軸にしながら、ロックやラテン系の要素も取り込んだ音作りを進めていた時期にあたる。本作もその流れの中にある作品で、いわゆる純粋なピアノ・ジャズだけではなく、当時のスペインのモダンなインストゥルメンタル作品として捉えられる内容だ。

録音は1975年、バルセロナのGema Studiosで行われている。地元の音楽シーンと密接につながった制作環境がうかがえる点も、この時代のSabatésらしいところだ。

サウンドの印象

実際に聴くと、ピアノを中心にした楽器の動きがはっきりしていて、フレーズの組み立てにジャズらしい即興性がある。そこにエレクトリックな質感やラテン寄りのリズム感が加わり、ひとつのジャンルに収まりきらない構成になっている。ジャズ・ロックやコンテンポラリー・ジャズの枠内で語られることが多いのも納得しやすい。

メロディは短い単位で進み、装飾を重ねるよりも、音の間やリズムの変化で展開していくタイプに近い。派手な見せ場を前面に出すというより、曲ごとの構造を追っていく楽しさがある作品だ。

同時代の文脈

1970年代のスペイン、とくにカタルーニャ周辺では、ジャズ、ロック、フォーク、現代音楽が交差する動きが見られた。Sabatésはその中心のひとりで、Toti SolerやPau Ribaらとの関係も含めて、単独のジャズ・ピアニストというより、シーン横断型の音楽家として見たほうがわかりやすい。

同時代のヨーロッパ・ジャズやジャズ・ロックの文脈で見ると、即興を前面に出しつつも、曲の輪郭を崩しすぎない点が特徴として立つ。ローカルな音楽文化と、当時の国際的なジャズ感覚が同居している作品群のひとつだ。

再発盤について

2003年盤はオリジナルの1975年盤から見れば再発にあたる。作品そのものは1975年の録音・発表を基準に理解するのが自然だが、再発盤では入手しやすさの面で現在のリスナーに届きやすくなっている。録音年の明確さもあり、1970年代スペインのジャズ作品として整理しやすい1枚だ。

まとめ

『Ocells Del Més Enllà』は、Jordi Sabatésのソロ作の中でも、1970年代半ばの活動を示す記録として位置づけやすい作品だ。ピアノを軸にしたジャズの感触、ロックやラテンの要素、バルセロナの音楽シーンとの接点が、ひとつのアルバムの中でまとまっている。

派手なヒット曲を前面に押し出すタイプではなく、アルバム全体の流れで聴くタイプの作品。Sabatésという音楽家の経歴を踏まえると、ここには彼の持つ横断性がそのまま表れているように見える。

トラックリスト

Ocells Del Més Enllà (15:35)
A1.1 – Part I – Andante
A1.2 – Part II – Allegro
A1.3 – Part III – Allegro Ma Non Presto
–
A2 – Children’s Song (1:10)
B1 – Tryada (7:20)
B2 – Acuario (3:20)
B3 – Gingers (4:32)
B4 – Tema Para El Richmond’s (1:44)

Alpha III – Agartha (1986)

Alpha III『Agartha』について

Brazil出身のマルチ奏者、Amir Cantusio Jr.によるプロジェクト、Alpha IIIのアルバムが『Agartha』。1986年作で、電子音楽とロックを土台にしたインストゥルメンタル作品として位置づけられる一枚だ。アーティスト名義はグループ表記だが、クレジット上ではCantusio Jr.本人が中心となって制作しているのが見える。

作品の輪郭

本作では、Farfisa Organ、Bass Guitar、Bass Pedals、Yamaha Poly-PSR/70、Yamaha CS-30 L、Moog Synthesizer、Elka Strings、Percussion、Effects、Synthesizer Programationまで、かなり広い範囲をAmir Cantusio Jr.が担っている。鍵盤とシンセを軸にしながら、ベースやペダル、打楽器も含めて一人で組み上げる構成で、いわゆるバンド録音というより、個人の設計図をそのまま音にしたタイプの作品に近い。

タイトル曲「Agartha」を冠したアルバムで、楽曲面では歌詞付きのインサートが付属している。とはいえ、作品全体としてはインストゥルメンタル色が強く、演奏と音色の組み合わせで進む内容。プログレッシブ・ロックの文脈に置きながら、当時の電子楽器の使い方が前面に出る作りだ。

1986年ブラジルの文脈

1980年代半ばのブラジルでは、ロックと電子音楽の接点を探る動きがいくつも見られた時期。『Agartha』もその中に置いて聴くと、派手な歌ものよりも、鍵盤のレイヤーやシンセの音色変化、反復するパターンで曲を進める志向がはっきりしている。国産プログレやシンセ中心のインスト作品に通じる感触があり、同時代の電子寄りプログレを追う耳にはつながりが見えやすい。

聴きどころ

Farfisa OrganとMoog Synthesizerの併用による、オルガン寄りの質感とシンセの分離感
Bass Pedalsを含む低音の作り込みによる、単独制作らしい厚み
Yamaha CS-30 Lなど、アナログ系シンセの操作感が出やすい音作り
EffectsとSynthesizer Programationを含む、演奏とプログラミングの両面からの構成

アルバムの位置づけ

Alpha IIIは、Amir Cantusio Jr.のグループ／ソロ双方にまたがる多重録音的な活動の一部として捉えやすい。本作『Agartha』は、その中でも電子楽器の比重が高く、作曲と音色設計の両方を前面に出した作品として見えてくる。バンドの一体感よりも、ひとりの演奏者が複数の役割を引き受けることで成立するアルバムだ。

まとめ

『Agartha』は、1986年のブラジルで生まれた、電子音響とロックの接点にあるプログレッシブなインスト作品。Amir Cantusio Jr.の多重的な演奏が中心で、オルガン、シンセ、ベース、エフェクトが組み合わさる構成が特徴だ。派手なヒット曲を軸にした作品ではなく、音色と構成をじっくり追うタイプのアルバムとして残る一枚。

トラックリスト

A1 – Sanctuarius
A2 – Sakhra
A3 – Sothis
B1 – Tokyo
B2 – Agartha
B3 – Lamenth
B4 – Luxor
B5 – Hiper Boreus

Yes – Going For The One (1977)

Yes『Going For The One』について

1970年代のプログレッシブ・ロックを代表するバンド、Yesが1977年に発表したアルバムが『Going For The One』。長尺の組曲や複雑な構成で知られてきたバンドが、この作品では比較的短めの楽曲を中心にまとめているのが大きな特徴だ。オリジナル編成の流れを引き継ぎながらも、鍵盤のRick Wakemanが復帰している点も重要で、バンドの音に再び厚みが戻った時期の作品として位置づけられる。

Yesは、英国出身のロック・バンドとして知られ、プログレッシブ・ロックの中心的存在のひとつ。緻密な演奏、長い曲、神秘的な歌詞、大掛かりなアルバム・アートやステージ演出まで含めて語られることが多い。この『Going For The One』も、その流れの中にある一枚だが、同時に70年代後半の時代感に合わせて、曲のまとまりや分かりやすさが前に出ている印象がある。

アルバムの位置づけ

この作品は、Yesにとって転機の一枚と見られることが多い。前作までの大作志向をそのまま引きずるのではなく、楽曲の尺を抑えつつ、演奏と構成の密度で聴かせる作りになっている。プログレの文脈でいうと、同時代のGenesisやELPと並べて語られることのある時期だが、Yesの場合はとくにメロディとアンサンブルの緊張感が前面に出やすい。

アルバムはイギリスのチャートで1位を記録し、アメリカのBillboard 200でも8位を記録している。バンドの中でも商業的な成功を収めた作品のひとつであり、1970年代Yesの代表作として扱われることが多い。

収録曲と聴きどころ

収録曲の中では、シングルとしても知られる「Wonderous Stories」と「Going for the One」がよく挙げられる。「Wonderous Stories」は、Yesの楽曲の中でも比較的コンパクトで、旋律の流れが素直に耳に残るタイプの曲。「Going for the One」は、アルバム表題曲らしく、バンドの推進力が前に出る。

一方で、長尺曲として配置された「Awaken」は、このアルバムの核にあたる存在だ。宗教的・精神的なイメージを含む歌詞、展開の多い構成、オルガンの響きが印象に残る。録音にはスイス・モントルーのMountain Studiosが使われ、教会オルガンはヴヴェイのSt. Martin’s Churchで録られている。こうした制作環境も、曲の音像に直接つながっている。

実際に聴くと、Rick Wakemanのキーボードが戻ったことで、音の層が明確に増しているのが分かる。Steve Howeのギター、Chris Squireのベース、Alan Whiteのドラム、Jon Andersonの歌が、それぞれ前に出過ぎずに絡むバランスもこの時期のYesらしいところ。派手さだけで押し切るのではなく、細かいパートの積み重ねで曲が進む感触がある。

サウンドと制作面

このUS盤は1977年のオリジナル・リリースで、ゲートフォールド仕様のロールフォールド・スリーブ、歌詞入りのダストバッグ付きというパッケージ。ランアウトには手書き刻印とSRCロゴのスタンプがある。録音はMountain Studiosを中心に行われ、B2のみEglise des Planchesで録音されている。さらに教会オルガンは別の教会で収録されており、アルバム全体に独特の空間感を与えている。

プログレッシブ・ロックというと大作主義や技巧面が注目されやすいが、この作品では、そうした要素に加えて、曲単位の輪郭が少しはっきりしている。70年代中盤までのYesに比べると、聴き手の入口が少し広くなった時期の記録とも言えそうだ。

まとめ

『Going For The One』は、Yesが持っていた複雑な構成力と演奏の精密さを保ちながら、より短い楽曲の中でその持ち味を整理した作品。Rick Wakemanの復帰、代表曲「Wonderous Stories」「Going for the One」、そして長尺の「Awaken」という並びで、1977年のYesの姿がはっきり見える一枚だ。プログレッシブ・ロックの黄金期を語るうえで外しにくいアルバムのひとつ。

トラックリスト

A1 – Going For The One (5:30)
A2 – Turn Of The Century (7:58)
A3 – Parallels (5:52)
B1 – Wonderous Stories (3:45)
B2 – Awaken (15:38)

Evangelos Papathanassiou – Earth (1973)

Evangelos Papathanassiou「Earth」について

Evangelos Papathanassiou名義の「Earth」は、1973年に発表された作品として扱われる1枚だ。アーティスト名からもわかる通り、のちにVangelisとして広く知られるギリシャ出身の作曲家、編曲家による初期の作品群に連なるタイトルである。電子音楽やプログレッシブ・ロックで知られる前夜の時期にあたり、のちの壮大なシンセサイザー作品とは少し違う、バンド寄りの質感を残した時代の記録として見るとわかりやすい。

作品の位置づけ

Vangelisは後年、映像音楽やシンセサイザー主体の作品で国際的に評価を高めるが、「Earth」はそのキャリア初期にあたる。ここではフォーク・ロックとプログ・ロックの要素が前面に出ていて、同時代のギリシャやヨーロッパのプログレ作品に通じる流れが感じられる。大編成のオーケストラ・サウンドへ進む前の、土の匂いが残るような作りのアルバムとして捉えられる。

Vangelis名義の後年作と比べると、音の中心はかなり異なる。シンセのイメージだけで入ると意外に感じるかもしれないが、メロディの組み立てや曲の運びには、すでに彼らしさの芽が見える。フレーズの置き方や展開の作り方に、作曲家としての視点が出ているタイプの作品だ。

1973年という時代感

1973年は、プログレッシブ・ロックが大きく広がっていた時期でもある。イギリスではGenesis、Yes、Pink Floydなどが強い存在感を持ち、ヨーロッパ各地でもクラシカルな構成や長尺曲を取り入れた作品が増えていた。その流れの中で見ると、「Earth」はロックの文脈にいながら、民謡的な要素や地中海圏らしい旋律感を含む初期プログレ作品の一つとして位置づけやすい。

同系統の耳で聴くと、ギリシャのロック／プログレ史の中でVangelisがどのような立ち位置にいたのかも見えやすい。バンドの熱量だけで押すのではなく、曲の構成や音の配置で聴かせる方向性は、この時期からすでに明確だ。

盤のリリース年について

今回の盤は1979年リリースのものだが、作品そのものは1973年の発表として扱うのが自然だ。したがって、内容面では1973年の作品として聴くのが合っている。盤年が後ろにずれているため、オリジナル盤よりも後年の流通盤、あるいは再発盤として流通した可能性があるが、いずれにしても作品の本体は初期Vangelisの時代に属する。

まとめ

「Earth」は、Vangelisが巨大なシンセサイザー作品へ向かう前の姿を確認できる初期作の一つだ。フォーク・ロックとプログ・ロックの要素を持ちながら、作曲家としての骨格も見える。後年の代表作とは音像が違うが、キャリア全体をたどるうえでは重要な位置にある作品と言えそうだ。

トラックリスト

A1 – Come On (2:09)
A2 – We Are All Uprooted (6:48)
A3 – Sunny Earth (6:38)
A4 – He-O (4:09)
B1 – Ritual (2:45)
B2 – Let It Happen (4:20)
B3 – The City (1:17)
B4 – My Face In The Rain (4:19)
B5 – Watch Out (2:50)
B6 – A Song (3:32)

Orange Juice – In A Nutshell (1985)

Orange Juice『In A Nutshell』について

Orange Juiceの『In A Nutshell』は、1985年にUKで出た作品。スコットランド、グラスゴー周辺のポストパンク／インディー・ロックの流れから出てきたバンドの、80年代中盤の姿をそのまま切り取ったような一枚だ。中心人物のEdwyn Collinsを軸に、Zeke Manyika、Malcolm Ross、David McClymont、Steven Daly、Clare Kenny、James Kirk、Johnny Brittonらが関わっている。

バンドの流れの中で見る位置

Orange Juiceは、1970年代後半にBearsden, Glasgowで始まり、1979年にOrange Juiceへ改名したバンド。Alan HorneのPostcard Recordsと結びつき、最初期の「Falling and Laughing」がレーベルの最初のリリースだったことでも知られている。そうした初期のインディー・シーンの印象が強いバンドだが、『In A Nutshell』はその後の活動を経た時期の作品で、初期の勢いだけではない、より整ったバンド像が見えやすい時期の記録といえる。

1985年という年を考えると、UKのインディー・ロックはすでにPostcard系の軽快さや、ギター主体のポップ感覚を土台にしつつ、より広いレンジへ向かっていた時期でもある。Orange Juiceもその文脈の中で、同時代のThe SmithsやAztec Cameraと並べて語られやすい存在だ。

作品の聴こえ方

この時期のOrange Juiceは、いわゆる荒いパンクの手触りよりも、ギターのリフやリズムの運び、Edwyn Collinsの歌の置き方に耳が行くタイプのバンドだ。『In A Nutshell』も、その方向性が前に出る作品として受け取られやすい。演奏の隙間や、音の抜き差しがはっきりしていて、バンドの輪郭が見えやすい作りになっている。

聴きどころとしては、Edwyn Collinsのボーカルの語り口と、メロディの運び。派手に押し切るというより、言葉のリズムとギターのフレーズを噛み合わせて進む感触が強い。Orange Juiceらしい、ポストパンク由来の軽さと、ポップソングとしての明快さが同居している一枚、という見方ができる。

代表曲や知られた曲とのつながり

Orange Juiceを語るときは、「Rip It Up」や「Blue Boy」のような楽曲がしばしば挙がる。バンドの代表曲として知られるこれらの曲は、鋭いリズム感と、少しひねったポップの感覚を持っている。『In A Nutshell』も、そうしたOrange Juiceの核にある要素を追ううえで触れやすい作品だ。

ただし、この作品単体を“ヒット曲集”として見るより、バンドが80年代にどう鳴っていたかを示す記録として見るほうが自然だろう。初期のPostcard時代のラフさとはまた違う、バンド編成のまとまりが見える時期の一枚、という印象である。

同時代との比較

同じUKのインディー・ロックでも、Orange Juiceはメロディの明るさや、演奏の軽やかさが前に出やすい。The Smithsのような言葉の感触とは別の、もう少しリズム重視のポップ感覚があるし、Aztec Cameraのようなギター・ポップとの近さも感じやすい。とはいえ、Orange Juiceの持ち味は、そうした比較の中でも、Postcard Records由来のシンプルな立ち上がりと、少し肩の力が抜けた演奏のバランスにある。

まとめ

『In A Nutshell』は、Orange Juiceが初期のインディー・バンドから、80年代半ばのUKロックの中で独自の立ち位置を持つグループへと移っていく流れの中で捉えやすい作品だ。Edwyn Collinsを中心としたバンドの手つき、ポップとポストパンクの間を行く感覚、そして同時代のUKインディー・シーンとのつながりが見えやすい。Orange Juiceというバンドの輪郭を確認するうえで、ひとつの目印になるタイトルといえる。

トラックリスト

A1 – Falling And Laughing
A2 – Poor Old Soul (Live Version)
A3 – L.O.V.E
A4 – In A Nutshell
A5 – Felicity
A6 – I Can’t Help Myself
A7 – Hokoyo
B1 – Rip It Up
B2 – Flesh Of My Flesh
B3 – A Place In My Heart
B4 – Bridge
B5 – Out For The Count
B6 – The Artisans
B7 – What Presence?!

2026.09.09

Shogun – Rotation = ローテーション (1979)

SHŌGUN『Rotation = ローテーション』について

SHŌGUNの『Rotation = ローテーション』は、1979年に日本で発表された作品で、バンドの初期を代表する1枚として位置づけられる。アーティスト名はSHŌGUN、活動開始も1979年とされており、まさに出発点のタイミングでこの作品が出ている。日本のロックを土台にしながら、ジャズ、ファンク、ディスコ、シティポップの要素が重なる内容で、当時の都会的なポップスの空気を強く持つ作品として扱われることが多い。

バンドの輪郭

SHŌGUNは日本のロック・バンドで、メンバーにはKazuo Ohtani、Michio Nagaoka、Hideo Yamamoto、Fujimaru Yoshino、Casey Rankin、Osamu Nakajima、Eric Zay、Atsuo Okamotoの名前が挙がる。編成の厚みもあって、単なるギターロックというより、鍵盤やリズムのニュアンスを含んだアンサンブルで聴かせるタイプのグループとして見えてくる。

当時の日本の音楽シーンでいうと、ロック、ソウル、ディスコ、シティポップが互いに影響し合っていた時代の一角にある。山下達郎や大貫妙子周辺の都会的なポップ感、あるいは角松敏生がのちに深めていく洗練されたグルーヴの流れとも地続きの空気感がある。

『Rotation = ローテーション』の内容

本作は、タイトルの通り回転や循環を思わせるイメージを持つが、音の面でもリズムが前に出る構成が印象に残る。シンセサイザーやファンキーなベース、跳ねるドラム、歌を支えるコーラスの重なりが目立つタイプで、ロックの骨格にディスコ的な推進力が入っている。

収録曲のうち、A面1曲目とB面3曲目は曲名変更がある。盤によって表記が異なる場合があるため、曲目を確認するときはその点を押さえておくと見通しがよい。

実際に通して聴くと、派手さだけで押すのではなく、各パートの抜き差しで曲を立てる作りが見えてくる。ギターが前に出る場面でも、鍵盤やベースが空間を埋めすぎず、全体のグルーヴを保つ方向に働く。歌メロも、ロック寄りの押し出しとポップスの分かりやすさの間に置かれている印象。

同時代の文脈

1979年という年は、日本でも洋楽ディスコやAOR、シンセを使ったポップスが広がっていた時期。『Rotation = ローテーション』は、その流れを日本語のポップスとロックの枠内で整理したような立ち位置にある。ファンクのビート感、ポップロックの構成、シティポップ的な都会感が同居していて、ジャンルの境界をまたぐ作りがこの時代らしい。

比較の軸としては、ロックバンドでありながらブラック・ミュージック由来のリズムを取り入れた日本のグループ群や、スタジオ志向の強いポップロック作品が思い浮かぶ。SHŌGUNの場合は、その中でもバンドとしてのまとまりを保ちながら、踊れるビートを前面に置いている点が特徴になっている。

作品の位置づけ

SHŌGUNにとって『Rotation = ローテーション』は、バンド始動の年に出た初期作であり、グループの方向性を示す最初期の記録として見やすい。のちの活動を知る入口としてだけでなく、1979年の日本のロック／ポップスの空気をそのまま閉じ込めた作品としても読める。

ヒット曲や代表曲を一曲だけ強く押し出すタイプのアルバムというより、アルバム全体でグルーヴや質感を聴かせる性格が強い。曲名変更がある点も含めて、盤ごとの表記を追いながら聴くと、当時の作品管理や流通の事情も少し見えてくる。

まとめ

『Rotation = ローテーション』は、SHŌGUNの出発点に置かれる1979年作で、日本のロックを基盤に、ディスコ、ファンク、シティポップの要素を自然に織り込んだ1枚。派手な記号よりも、演奏のまとまりとリズムの運びで聴かせる内容になっている。1970年代末の日本のポップミュージックの交差点、その一角を担う作品として捉えやすい。

トラックリスト

A1 – As Easy As You Make It (4:19)
A2 – Imagination (4:45)
A3 – Sailor-Sailor (4:10)
A4 – Yesterday, Today And Tomorrow (4:14)
B1 – Margarita (3:51)
B2 – Bad City (3:53)
B3 – The Tourist (3:39)
B4 – I Should Have Known Better (4:10)
B5 – Lonely Man (4:09)

Various – Nuggets Volume Four: Pop Part Two (1984)

Various『Nuggets Volume Four: Pop Part Two』（1984）

『Nuggets』シリーズの第4弾にあたるコンピレーションで、1984年にRhino RecordsからUS盤としてリリースされた1枚です。タイトルどおり、60年代のポップ・サイドを中心にした選曲で、ガレージ・ロックやサイケデリック・ロックの文脈にある楽曲を、コンパイル作品としてまとめた内容になっています。Various名義の作品なので、単独アーティストのアルバムというより、時代の空気を切り取った編集盤として捉えるのが自然です。

作品の位置づけ

『Nuggets』は、単なる懐古的なベスト盤ではなく、60年代のアメリカン・ロックの周縁にあった音源を掘り起こして提示するシリーズとして知られています。この第4巻『Pop Part Two』も、その流れの中にある編集盤で、ポップ・ロックの形式の中に、当時の録音やアレンジの癖がはっきり出ている曲が並びます。Rhinoがこうした再評価を積極的に進めていた時期の代表的なタイトルのひとつと言える内容です。

収録内容とクレジット

ライナーノートの記載によると、本作にはオリジナル・テープが失われていた曲もあり、可能な範囲で最良の元盤から再構成して収録したとされています。この点は、80年代のコンピレーションらしい実務的な特徴で、単に曲を並べるだけでなく、資料盤としての性格も強い1枚です。

A1、A5はA&M Recordsからのライセンス
A2はCapitol Recordsの提供
A3はLaurie Recordsからのライセンス
A4はEverest Recordsの提供
A6はAVI Recordsからのライセンス
B1はFour Star Recordsからのライセンス

Special Thanksには、Jac Holzman、Lenny Kaye、Fred Patterson、Flo & Eddie、Sandy Benjamin、Greg Shaw、Bill Inglotの名が並びます。60年代の掘り起こしと再評価に関わった人物が多く、編集盤としての背景が見えやすい構成です。

音の印象

実際に聴くと、いわゆる“ヒット曲集”というより、当時のラジオやシングル盤の感触をそのまま束ねたようなまとまりがあるタイプです。曲ごとに録音の質感が違い、モノラルっぽい密度の高い音像や、軽い歪みを含んだギター、前に出るコーラスなど、60年代ポップの録音様式がそのまま残っています。編集盤なのでアルバムとしての統一感より、1曲ごとの個性が立つ作りです。

また、オリジナル・テープを失った楽曲の再構成があるため、音の揃い方にはばらつきが出やすい盤でもあります。ただ、その差異も含めて資料性の高いコンピレーションとして成立している印象です。

同時代・ジャンルとの関係

この種の編集盤は、60年代のガレージ・ロックやサイケデリック・ロックの再評価が進んだ80年代の空気とつながっています。『Nuggets』シリーズは、後のネオ・ガレージやインディ・ロックの文脈でも参照されやすく、The Monkees、The Sonics、Paul Revere & the Raiders、The Standellsのような“60年代のポップ／ロックの側面”を見直す流れの中に置けるタイトルです。

盤の特徴

1984年のUS盤は、イエロー・ラベル仕様で、Rhino Recordsの住所表記が入っています。プラスチック製のRhino Records社内袋が付属し、袋はカナダ印刷となっています。こうした仕様は、当時のRhinoのコンピレーション盤によく見られる実用的なつくりです。

まとめ

『Nuggets Volume Four: Pop Part Two』は、60年代ポップ・ロックのシングル文化を、80年代の編集盤として再提示した作品です。単発の名盤というより、シリーズの中で資料性と聴きどころを両立させた1枚。ヒット曲の再配置というより、当時の音の手触りや録音の違いを追う楽しみが前に出る内容です。

トラックリスト

A1 – Live
A2 – Lost In My World
A3 – Baby Let’s Wait
A4 – We Can’t Go On This Way
A5 – She Sleeps Alone
A6 – Put The Clock Back On The Wall
A7 – Falling Sugar
B1 – One Track Mind
B2 – She’s The One
B3 – All Night Long
B4 – Follow Me
B5 – 1, 2, 3 And I Fell
B6 – Without Her
B7 – Yellow Balloon

Ange – Au-delà Du Délire = 新ノア記 (1974)

Ange『Au-delà Du Délire = 新ノア記』について

フランスのプログレッシブ・ロック・バンド、Angeによる4作目のアルバムが、1978年に日本盤として出た1枚です。オリジナルは1974年作で、邦題は「新ノア記」。日本ではNippon Phonogramから発売され、歌詞のフランス語原文と日本語訳を両面に収めたインサート付きという仕様になっています。

Angeは1970年にクリスチャン・デカンプスとフランシス・デカンプスの兄弟を中心に結成されたグループで、フランスの70年代プログレを語るうえで外せない存在です。演劇的な歌唱、組曲的な構成、キーボードを前面に出した展開で知られ、この作品もその個性がはっきり出た時期の代表的なタイトルとして扱われています。

作品の位置づけ

『Au-delà Du Délire』は、Angeの初期を代表するアルバムのひとつです。1974年という時期は、フランスのプログレが独自色を強めていた頃で、イタリア系のシンフォニック・ロックやイギリスの大作志向とは少し違う、語り口の強い作風が目立ちます。Angeもその流れの中で、フランス語の歌詞を軸にしたドラマ性のある音作りを展開しているバンドです。

このアルバムでは、クリスチャン・デカンプスの歌と、フランシス・デカンプスの鍵盤まわりの仕事が軸になっている印象です。メンバー表を見ると複数の演奏者がクレジットされており、作品ごとに編成が動くバンドらしさも感じさせます。

音の印象

実際に聴くと、まず目立つのはフランス語の発声と、芝居がかった歌い回しです。英語圏のプログレとは違う緊張感があり、楽器の合間に声が前へ出てくる場面が多いです。曲のつなぎや展開も細かく、静かな部分から一気に持っていくような構成が印象に残ります。

ギター、オルガン、シンセ、リズム隊がそれぞれを押し出しすぎず、全体でひとつの物語を進めるような作りです。派手な技巧だけを見せるタイプではなく、曲ごとの場面転換で聴かせるアルバムという印象が強いです。

日本盤ならではの点

この1978年日本盤は、ジャケット表記に「新ノア記」とあり、フランス語タイトルをそのまま置く形ではなく、邦題を添えた発売です。歌詞インサートが付属していて、フランス語原文と日本語訳を見比べられる点は、当時の輸入プログレ盤としてはうれしい仕様です。国内流通盤として丁寧に作られた印象があります。

盤面には「Manufactured and Distributed by Nippon Phonogram Co., Ltd., Tokyo」「Printed in Japan」「JASRAC」といった表記があり、日本での流通盤としての性格がはっきりしています。オリジナルの1974年盤に対して、1978年盤は日本のリスナー向けに情報面を補った再登場という見方ができそうです。

同時代の文脈

同時代のフランス・プログレでは、Magmaのような独自言語とリズムの強さを前面に出すバンド、Atollのように叙情性を持ち込むバンドなどが並びます。Angeはその中でも、演劇的な歌、物語性のある構成、フランス語の響きを強く押し出す側の代表格です。イギリスのGenesisやYesの影響を感じさせつつも、表現の重心はかなりフランス寄りです。

代表曲について

このアルバムはタイトル曲を含めて組曲的な流れで聴かれることが多く、単独のヒット曲を前面に出すタイプではないです。代表作としてはアルバム全体の完成度で語られることが多く、Angeの初期像を知るうえで重要な1枚という位置づけです。

まとめ

『Au-delà Du Délire = 新ノア記』は、Angeの70年代プログレらしい語り口と構成力がまとまったアルバムです。1974年のオリジナル作を、1978年の日本盤として受け取れる点も含めて、フランス・プログレの空気を日本語訳付きでたどれる資料性の高い1枚といえます。

トラックリスト

A1 – Godevin Le Vilain (2:57)
A2 – Les Longues Nuits D’Isaac (4:10)
A3 – Si J’étais Le Messie (3:00)
A4 – Ballade Pour Une Orgie (3:22)
A5 – Exode (5:00)
B1 – La Bataille Du Sucre (Inclus: “La Colère Des Dieux”) (6:30)
B2 – Fils De Lumière (3:20)
B3 – Au Delà Du Délire (8:20)

Kalaban – Don’t Panic (1986)

Kalaban『Don’t Panic』について

Kalabanは、1975年に米国ユタ州プロボで結成されたシンフォニック寄りのプログレッシブ・ロック・バンドだ。ここで取り上げる『Don’t Panic』は1986年の作品として知られ、今回の日本盤は1990年にMarquee Inc.から出たリリースになる。アメリカ発のバンド作品が、日本向けにオビ付きで流通した一枚という位置づけ。

バンドの編成はGary Stout、Randy Graves、Michael Stout、David Thomas。AllMusic、ProgArchives、Spotify、YouTubeなどでもアーティスト情報が確認できる。80年代の米国プログレという文脈では、英国勢の流れをそのままなぞるというより、メロディ重視の展開やシンフォニックな構成を前面に出すタイプとして見られることが多い。

作品の立ち位置

Kalabanは1998年にいったん活動を終え、その後2007年に再始動している。『Don’t Panic』は、そうしたバンド史の中では活動期の中盤に置かれる作品で、初期の実験性と後年の整理された作曲のあいだをつなぐような時期の録音として捉えやすい。少なくとも、バンドの主要なディスコグラフィーを追ううえでは外しにくいタイトルだ。

音の印象

この作品は、ジャンル表記どおりプログ・ロックとシンフォニック・ロックの要素が中心になる。リフで押し切るハードロック的な組み立てよりも、鍵盤やギターのレイヤーを重ねながら曲を進めるタイプの作りが想定しやすい。曲展開に余白を持たせつつ、メロディをはっきり聴かせる方向性の作品として受け取られやすいだろう。

同時代の米国プログレの中では、Kansas、Starcastle、あるいはUK系の影響を感じるバンド群と並べて語られることがある系統だ。派手な技巧を前面に出すというより、曲単位の流れとアンサンブルのまとまりに比重があるタイプ、と整理できる。

日本盤について

この日本盤は、単一ジャケットにオビ、4ページ冊子、さらに2ページの追加インサートを付けた仕様になっている。Marquee Inc.による日本市場向けの体裁で、海外オリジナル盤とはパッケージ面の印象が少し変わる。コレクションとしては、国内流通仕様ならではの付属物が目を引く一枚だ。

また、盤のリリース年は1990年だが、作品そのもののオリジナルは1986年。したがって、1980年代中盤のプログレ作品として見るのが自然だ。日本盤の発売時点では、アメリカ本国のオリジナルから少し時間が経っていることになる。

まとめ

『Don’t Panic』は、アメリカのシンフォニック・プログレ・バンドKalabanの1986年作品を、日本向けに1990年仕様で出したレコードだ。バンドの活動史の中では中核的な時期に置かれ、80年代米国プログレの流れを確認するうえで扱いやすいタイトル。オビ付きの日本盤仕様も含めて、作品と流通の両面から見どころのある一枚だ。

トラックリスト

A1 – Intro
A2 – Between The Lines
A3 – Grayslayer
A4 – Procyon’s Demise
B1 – Mutants Over Miami
B2 – Midnight Comet Dreams

Alberto Camerini – Comici Cosmetici (1978)

Alberto Camerini / Comici Cosmetici (1978)

Alberto Cameriniの1978年作Comici Cosmeticiは、イタリアのロックとポップの流れの中に、後のシンセ・ポップへつながる感触を早い段階で持ち込んだ作品として知られている。Cameriniは1951年生まれ、ブラジル・サンパウロ出身のイタリア系アーティストで、ソングライター、ギタリスト、そしてイタリア演劇の現場でも活動してきた人物。のちに〈Tanz Bambolina〉や〈Rock ‘n’ Roll Robot〉といった曲で広く知られるが、その前段階にあるこのアルバムでは、彼の作家性と時代の空気がより生々しく見える。

作品の位置づけ

Comici Cosmeticiは、Alberto Cameriniのキャリアの中でも初期の重要作という位置づけで語られることが多い。1970年代末のイタリアでは、ロック、パンク、新しい電子音楽の要素が少しずつ混ざり始めていた時期で、この作品もその文脈の中にある。ギター主体のロック感覚を土台にしながら、のちの彼らしい機械的なリズムや軽快な言葉遊びへ向かう入口のような一枚、という見方ができる。

サウンドと聴きどころ

ジャンル表記はRock、Pop、スタイルはAlternative Rock、Punk、Synth-pop。実際の内容も、単純にロックだけに寄せた作品というより、当時のニューウェーブ的な手触りや、パンキッシュな推進力、シンセを含むモダンな質感が重なるタイプのアルバムとして捉えられる。Cameriniの作品は後年になるほどポップな輪郭がはっきりしていくが、この時期はまだ粗さや実験性が前に出やすい時代背景もあり、そこが面白いところ。

彼の代表曲としてよく挙がる〈Tanz Bambolina〉や〈Rock ‘n’ Roll Robot〉はこの後の時代の曲だが、そこに通じる“イタリア語のリズム感”と“ロックの軽さ”の原型を、このアルバムでも感じ取れる。大げさなドラマよりも、言葉の運びと音の切り替えで押していく作りが目立つ。

録音と盤の情報

クレジットには「Sala Archi: Ricordi Studio 6」とある。制作はMemoria spa、表記は℗ 1978、イタリア製。ランアウトはスタンプ刻印とのこと。リリース国もイタリアで、オリジナルの1978年盤として流通した作品。

クレジットまわり

ライナーにはAlex Peroniへの謝辞があり、さらに「Comici Cosmetici」に関わる名前としてAnna、Nanà、Meraviglia、Boriccina、Cecilia、Thelma、Mario、John、Antonio Peticov、Stefania-Marina-Michela（la streghe di Canale 96）、Bar Magentaの“ひとりの謎めいた酔っ払い”、そして“ひとりのブラジル人の女の子”への言及が並ぶ。こうした記述からは、作品がかなり個人的な人間関係や当時の周辺文化と結びついていたことがうかがえる。

同時代の文脈

1978年という時点で見ると、イタリアのロックはプログレやシンガーソングライター路線だけでなく、パンクやニューウェーブの影響を受け始めていた。Alberto Cameriniはその中で、のちにイタリアン・シンセポップの先駆者として語られる立ち位置へつながっていく。英米のニューウェーブ勢と比べても、彼の作品はロックの骨格を保ちながら、イタリア語の感触や演劇的な身振りが残るところが特徴になっている。

Comici Cosmeticiは、そうしたCameriniの出発点のひとつとして、初期の素材感をそのまま伝える1978年の記録。後年の代表曲で知られる前の段階をたどるうえで、押さえておきたい作品になっている。

トラックリスト

1ª Parte
A1 – Rock Show (Io Per Te) (3:50)
A2 – Neurox (4:15)
A3 – Sciocka (3:50)
A4 – Divo Divo (1:45)
A5 – Comici Cosmetici (6:15)
2ª Parte
B1 – Amore Che Felicità (Anna) (3:08)
B2 – Macondo (4:51)
B3 – Poliziotto Per Favore (3:02)
B4 – Siamo Tanti! (2:51)
B5 – Ho Bisogno Di Cercarti (4:50)

The Fugs – Golden Filth (1970)

The Fugs『Golden Filth』（1970）

『Golden Filth』は、ニューヨークで結成されたThe Fugsが1970年に発表したライブ盤。録音は1968年6月1日、ニューヨークのFillmore Eastで行われたもので、60年代後半のバンドの空気をそのまま閉じ込めた1枚になっている。The Fugsは、政治的な風刺、露骨な言葉づかい、ユーモア、そしてロックを同じテーブルに載せてきたグループで、この作品もその性格がはっきり出ている。

バンドの立ち位置

The Fugsは1964年にエド・サンダースとトゥリ・カプファーバーグを中心に結成された。反戦運動やカウンターカルチャーと強く結びつき、セックス、ドラッグ、政治をそのまま歌詞に持ち込んだことで知られる。60年代のアメリカン・ロックの中でも、Dylan以後のフォーク、ガレージ、サイケデリック、そしてパンク的な荒さが早い段階で混ざった存在として見られることが多い。

この『Golden Filth』は、そうしたThe Fugsの性格をスタジオ作品ではなく、ライブの場で記録したもの。観客の反応や会場の空気も含めて、バンドの持ち味が出やすい形式だと言える。

録音と内容

収録はFillmore Eastでの1968年6月1日公演。ニューヨークの重要なライブ会場での記録であり、当時のアンダーグラウンド・ロックの現場感がある。演奏はラフで、整ったバランスを狙うタイプではない。音の荒さ、歌の言葉数の多さ、茶化しと攻撃性が同時に前へ出る構成になっている。

The Fugsの代表的な持ち味である、時事ネタを含んだ風刺、過激なユーモア、ポエトリー・リーディング寄りの語り口が、ライブではより直接的に伝わる。スタジオ盤で見せる編集感よりも、場の勢いがそのまま残る作品という印象だ。

同時代の文脈

1968年のアメリカでは、反戦運動とロックが密接につながっていた時期で、The Fugsはその最前線にいたバンドの一つといえる。一般的なヒッピー・ロックよりもさらに露骨で、サイケデリック・ロックの拡張感と、ガレージ・ロックの粗さ、そして後年のパンクにも通じる言葉の強さを持っていた。

同時代の音楽で比べるなら、The Velvet Undergroundのような都市的な冷たさとはまた違い、The Fugsはもっと露骨に笑いと怒りを混ぜ込むタイプ。Folk Rockやプロテスト・ソングの文脈とも重なるが、真面目さだけで押し切らないところが特徴的だ。

代表曲との関係

The Fugsは「Kill for Peace」や「I Couldn’t Get High」といった曲で知られるほか、文学作品の翻案も行ってきた。「Dover Beach」のようなポエムを下敷きにした楽曲もあり、ロックと詩の距離をかなり近づけたバンドだった。『Golden Filth』でも、そうした語りと演奏の混ざり方が軸になっている。

作品の位置づけ

1970年発表の本作は、The Fugsの60年代的な活動をライブの形でまとめた記録として見ることができる。1968年録音なので、バンドが最も政治性とアンダーグラウンド性を強く帯びていた時期の空気が残る。スタジオで磨き上げた作品というより、当時の現場の温度をそのまま残した資料性の高いアルバムという印象だ。

まとめ

The Fugs『Golden Filth』は、反戦運動とカウンターカルチャーの只中にいたバンドのライブ記録。ガレージ・ロック、サイケデリック・ロック、コメディ、フォーク、そしてパンクにつながる荒さが、Fillmore Eastでの演奏にそのまま出ている。The Fugsの持つ風刺性と即興性を知るうえで、重要な位置にある1枚だ。

トラックリスト

A1 – Slum Goddess
A2 – CCD
A3 – How Sweet I Roamed
A4 – I Couldn’t Get High
A5 – Saran Wrap
B1 – I Want To Know
B2 – Homeade
B3 – Nothing
B4 – Supergirl

Then Jerico – The Big Area (1989)

Then Jerico「The Big Area」について

「The Big Area」は、UKのポップロック・バンド、Then Jericoが1989年に発表したアルバムである。バンドは1983年に結成され、1989年当時はメジャー・シーン寄りの英国ロック／ポップの文脈で活動していた。オリジナル盤はUKリリースで、レーベルはFFRR Records。1988年に書かれ、録音された楽曲を収めた作品として案内されている。

Then Jericoは、Mark Shawを中心に知られるグループで、1980年代後半のUKで展開したギター主体のポップロック・サウンドの一角にある。1980年代の英国ロックでは、シンセやダンスの要素を取り入れたバンドも多かったが、Then Jericoは比較的ストレートなバンド・サウンドと歌を前面に出したタイプとして語られることが多い。

作品の位置づけ

「The Big Area」は、Then Jericoにとって1989年時点のまとまった成果物という位置づけのアルバムである。バンドは1990年にいったん解散するため、結果的にオリジナル活動期の末期に出た作品でもある。その意味では、80年代後半のバンドの到達点を確認する一枚として見られることが多い。

タイトルはスリーブの背やインナー・スリーブでは「The Big Area (Outside)」と表記されている。印刷インナーには全曲の歌詞とクレジットが収録されており、当時のLPらしい作りになっている。

収録曲と知られた楽曲

リリースノートでは、収録曲「Big Area」が映画「Slipstream」に使われたことが明記されている。作品タイトルにも通じるこの曲は、アルバムの中でも特に目に留まりやすい存在で、Then Jericoを代表する楽曲のひとつとして扱われることがある。

曲の長さはこの盤では記載されておらず、クレジット上のタイムはストップウォッチ計測によるものとされている。こうした点も、当時のアナログ盤らしい情報の扱いである。

音の印象

実際に聴くと、ギターを軸にしたロック・バンドの骨格がはっきりしていて、そこにポップ・ソングとしての整理された構成が乗るタイプの作品である。派手な音色を重ねるというより、ボーカル、リフ、リズムの役割分担がわかりやすい作りで、1980年代後半のUKポップロックらしい整え方がある。

同時代の英国バンドの中では、やや都会的な硬さを持つ流れとも、ラジオ向けのポップロックとも接点がある。The CultやThe Alarmのようなギター・バンド、あるいは当時のUKチャート周辺の洗練されたロックと並べて語られることはありそうだが、Then Jericoはその中でも歌の存在感が前に出る印象である。

盤としての特徴

1989年のUK盤
Made in England表記
FFRR Records Ltd. のクレジット
印刷インナー付き
歌詞とクレジットを掲載

オリジナル盤としては、タイトル表記やインナーの作りを含めて、1989年当時の英国盤LPの仕様がそのまま反映された内容である。再発盤にありがちな追加情報や別ミックスの案内は、この盤の説明上では確認されていない。

まとめ

「The Big Area」は、Then Jericoのオリジナル活動期を代表する1989年のアルバムであり、映画でも使われた「Big Area」を含む一枚である。1980年代後半のUKポップロックの空気を持ちつつ、バンドの輪郭がはっきり出る作品として残っている。

トラックリスト

A1 – Big Area (4:46)
A2 – What Does It Take? (3:46)
A3 – You Ought To Know (4:10)
A4 – Song For The Brokenhearted (4:26)
A5 – Darkest Hour (4:28)
B1 – Reeling (5:36)
B2 – Where You Lie (4:52)
B3 – Sugar Box (3:42)
B4 – Helpless (4:05)

Fripp & Eno – Evening Star (1975)

Fripp & Eno『Evening Star』について

Fripp & Enoの『Evening Star』は、Robert FrippとBrian Enoによる共作で、1975年に発表された作品だ。FrippのギターとFrippertronics、Enoのキーボードとトリートメントを軸にした、電子音楽とアンビエントの接点にある1枚として知られている。

FrippはKing Crimsonの中心人物として知られ、EnoはRoxy Musicの元メンバーであり、その後は実験音楽、アンビエント、プロデュースの分野で広く活動した人物だ。この2人の組み合わせは、ロックの演奏感とスタジオ・ワーク、持続音、反復、音響処理を結びつけた点に特徴がある。

作品の位置づけ

『Evening Star』は、Fripp & Enoの活動の中でも重要なタイトルとして扱われることが多い。Frippertronicsの長い残響とレイヤー、Enoによる音色の配置が前面に出ていて、曲というよりも音の状態を追う感覚に寄った内容だ。

1970年代半ばの時点で、こうした長尺の反復や空間処理を中心にした作品は、ロックの文脈だけでは収まりにくいものだった。同時代の実験音楽や、後のアンビエント作品群につながる流れの中で語られることがある。

収録曲と構成

この盤は全5曲構成。A面に4曲、B面に1曲という配分だ。

A1: Evening Star
A2: Winds on Water
A3: Evensong
A4: Wind on Wind
B1: An Index of Metals

「An Index of Metals」はB面全体を使った長尺曲で、この作品の核のひとつに置かれている。短い曲が並ぶA面と比べると、B面ではより持続的な音の流れがはっきりする構成だ。

録音メモから見える制作

クレジットによると、A1はThe Olympia, ParisとOlympic Studios, Londonでライヴ録音とされ、A2はIslandとAir Studios、A3はOlympic Studios、A4とB1はEno’s Studioで録音されている。複数のスタジオとライヴ要素が組み合わされている点が、この作品の制作背景を示している。

また、Special thanksとしてNick BellとMalcolm le Griceの名が記されている。作品の周辺に、音響や映像、実験的な表現の文脈があることをうかがわせる記載だ。

音の印象

実際に聴くと、音数が多いわけではないが、細いギターの線と残響が何層も重なっていく感触がある。前に出るメロディを追うより、音が消えていく途中の輪郭を聴くタイプの内容だ。

Enoの処理は、音を派手に変形するというより、配置と距離感を整える方向に働いているように聴こえる。Frippのギターは、フレーズの反復によって時間の感覚を引き延ばす役割を担っている。結果として、静けさそのものより、静けさの中で音が移動する様子が残る。

同時代との関係

1970年代の電子音楽や実験音楽の中でも、『Evening Star』はロックの演奏者がスタジオ技法を使って音響作品へ踏み込んだ例として見られることが多い。Enoの後のアンビエント作品、FrippのFrippertronicsを用いた活動の双方にとって、ひとつの要点になるアルバムだ。

同じ時代の作品と比べると、即興性と構成の両方があり、完全な抽象音響にも、通常の楽曲集にも寄り切らない。その中間の置き方が、この盤の個性になっている。

1981年盤について

この盤は1981年リリースのUS盤として流通している。レーベル表記には1975年のクレジットがあり、作品自体は1975年発表のものとして扱われる。したがって、1981年盤はオリジナル発表後のプレスとして見るのが自然だ。

まとめ

『Evening Star』は、FrippとEnoの役割分担がはっきり出た作品だ。Frippの持続するギターと、Enoの音響処理が、曲としての起伏を抑えながら、音の重なりと残響を前面に出している。

1970年代半ばの実験的な電子音楽の流れの中で、ロック由来の演奏感とアンビエント的な時間感覚をつないだ1枚。Fripp & Enoの関係をたどる上でも、外せないタイトルと言えそうだ。

トラックリスト

A1 – Wind On Water (5:35)
A2 – Evening Star (7:41)
A3 – Evensong (2:47)
A4 – Wind On Wind (3:04)
B – An Index Of Metals (27:55)

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サウンドの印象

代表曲・バンド史との関係

US盤について

補足

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メンバー

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日本盤としてのポイント

聴きどころ

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作品の立ち位置

サウンドの印象

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