1970年代中期のイタリアにおいて、プログレッシブ・ロックの隆盛が落ち着きを見せ始めると、卓越した演奏技巧を持つミュージシャンたちはより自由度の高いジャズ・ロックやフュージョンへと向かっていった。南イタリア・プーリア州のバーリおよび近郊のモノポリ出身であるフランチェスコ・ボッチュッツィ（Francesco Boccuzzi）とジョヴァンニ・ボッチュッツィ（Giovanni “Vanni” Boccuzzi）の兄弟も、そうした時代の潮流の中で新たな表現を模索したキーボード奏者たちだった。

兄弟は1973年にシンフォニック・ロック・バンド、フェスタ・モビーレ（Festa Mobile）のメンバーとして唯一作『Diario di viaggio della Festa Mobile』をRCAから発表したのち、拠点をローマへ移してベーシストのトーニオ・ナポレターノ（Tonio Napoletano）とともに新バンドを結成した。バンド名の「イル・バリチェントロ（Il Baricentro）」は、彼らの出身地である「バーリ」の名と物理用語の「重心」を掛け合わせたものだ。ドラマーにピエロ・マンジーニ（Piero Mangini）を迎え、ウェザー・リポート（Weather Report）やマハヴィシュヌ・オーケストラ（Mahavishnu Orchestra）に連なるインストゥルメンタル・ジャズロックを志向したデビュー作『Sconcerto』（1976年）を経て、1978年にEMI Italianaからリリースされたのがセカンド・アルバム『Trusciant』である。

地中海のリズムとゲスト・パーカッショニストの参画

『Trusciant』というアルバムタイトルは、プーリア地方の方言でロマの人々（放浪の旅人）を指す言葉に由来すると言われている。前作『Sconcerto』が英米のクロスオーバー／ジャズロックをストイックに追求したアンサンブルだったのに対し、本作では南イタリア特有の開放感や地中海沿岸の風土を感じさせる旋律、そしてアフロ・ラテン的なリズムが色濃く前面に打ち出されているのが大きな変化だろう。

その変化を決定づけているのが、新たに招聘された客演パーカッショニストの存在だ。とりわけアルゼンチン出身の名パーカッショニストであるルイス・アグード（Luis Agudo）が参加し、ビリンバウやクイーカ、アゴゴといった多彩な民族打楽器を導入している。さらにマックス・ロッチ（Max Rocci）がコンガで加勢したことにより、ピエロ・マンジーニのドラミングと強固に絡み合う立体的なポリリズムが形成された。録音およびミキシングはローマのソニック・レコーディング・スタジオ（Sonic Recording Studio）で行われ、エンジニアをフランコ・パトリニャーニとマルコ・ストレッチョーニ、プロデュースをピエルルイジ・ガルッツィが手掛けている。

ツイン・キーボードによる重層的なサウンドスケープ

イル・バリチェントロの最大の特徴は、ボッチュッツィ兄弟によるツイン・キーボードを中心としたインストゥルメンタル編成にある。専任ギタリストを置かず、フェンダー・ローズ・エレクトリックピアノ、アコースティック・ピアノ、クラヴィネット、モーグ・シンセサイザーなどを幾重にもレイヤーすることで、厚みのある音響空間を構築している。一部の楽曲ではフランチェスコ・ボッチュッツィがエレクトリック・ギターやアコースティック・ギターを兼任してアクセントをつけているものの、楽曲の主導権はあくまで鍵盤同士の緻密なポリフォニーが握っている。

兄弟はお互いのパートを過度に競い合わせるのではなく、一方がファンキーなクラヴィネットやエレピでリズミカルなバッキングを刻み、もう一方がジャズ由来のテンション・コードや流麗なシンセのリードを重ねるなど、役割分担を明確にしながら絶妙なアンサンブルを紡ぎ出している。変拍子や急展開を多用しながらも、プログレ特有の重苦しさに傾かず、どこか都会的で洗練された軽快さを失わないのは、この鍵盤主体の音作りがもたらす効果かもしれない。

躍動するアンサンブルと静謐な叙情の対比

アルバムは、軽快なパーカッションと跳ねるクラヴィネットが心地よい「Karwan」で幕を開ける。地中海の明るい光を連想させるようなキャッチーなリフとファンキーなベースラインが交錯し、本作が前作とは異なるフェーズに入ったことを明瞭に告げるオープニング・ナンバーだ。

続く表題曲「Trusciant」では、静謐なピアノのアルペジオによる叙情的なイントロから一転、タイトなリズムセクションとシンセサイザーが加わり、ウェザー・リポート的なスリリングな構築美へと展開していく。哀愁を帯びたメロディとテクニカルな変拍子が見事に噛み合った本作屈指のナンバーといえるだろう。「Falò」では民族的なパーカッションの乱舞とファンク・ビートが融合し、「Akua」では一転してエレクトリック・ピアノの柔らかな響きが水面の揺らめきを想起させるようなメロウで静かな佇まいを見せる。

アナログB面に入ると、トーニオ・ナポレターノの推進力あるベースが疾走する「Flox」、そして7分半を超える大作「Font’amara (Part 1 & Part 2)」へと続く。「Font’amara」はフェスタ・モビーレ時代を彷彿とさせるシンフォニックな構成力とジャズ・フュージョンの緊張感が結実した楽曲で、緩急自在なリズムチェンジとドラマチックなシンセのテーマが印象的だ。ラストの「Vivo」ではツイン・キーボードの緻密な掛け合いと力強いボトムが一体となり、華やかな余韻を残して作品を締めくくる。

短命に終わった活動とその後の展開

意欲的なアプローチを見せた本作だったが、グループとしてのフルアルバムはこれが最後となった。アルバムと同年の1978年には、「Flox」をB面に配したシングル『Endless Man』を発表。このインストゥルメンタル曲はアレッサンドロ・ブラゼッティ監督によるRAIのSFテレビドラマ『I racconti di fantascienza』のテーマ曲に起用され、一定の知名度を得ることとなった。

その後バンドは解散状態となるが、1980年代初頭にはトリオ編成で一時的に活動を再開し、1983年にはイタロ・ディスコ／ファンク路線のシングル『Tittle Tattle』をリリースして欧州のディスコ・シーンで話題を集めた。ボッチュッツィ兄弟はその後もスタジオ・ミュージシャンや舞台音楽の作曲家として活動を続け、1989年にはロック・オペラ『Androidi』の劇伴を手掛けるなど、音楽シーンの裏方として確かな足跡を残している。

1970年代後半のイタリアン・ロックは、商業的な変容やパンク／ニューウェイヴの台頭の狭間で大きな転換期を迎えていた。その中にあって、プログレッシブ・ロックの構築美とジャズ・ファンクのグルーヴ、そして地中海の風土感を高次元で融合させた『Trusciant』は、イタリアン・クロスオーバーの成熟期を静かに物語る一作といえそうだ。

フルート奏者兼ボーカリストのトゥルク・アーダーム（Ádám Török）率いるハンガリーのプログレッシブ／ジャズ・ロック・グループ、ミニ（Mini）が1980年に国営レーベルのペピタ（Pepita）からリリースした初の公式ライブ・アルバム『Koncert』。スタジオ録音の2作『Vissza a városba』（1978年）、『Úton a Föld felé』（1979年）に続いて制作された本作は、1970年代の東欧ハンガリーにおけるジャズ・ロック／プログレッシブ・シーンの熱気を生々しくパッケージした実況録音盤である。

聖地の事故と急遽の会場変更──1980年6月8日ペシュトセントロリンツの記録

本作のレコーディングは、ハンガリーのロック史に残る不慮の事故と直面する中で行われた。当初、バンドはブダペストの若者文化と野外コンサートの象徴的存在だった「ブダ青年公園（Budai Ifjúsági Park）」での実況録音を予定していた。しかし録音予定日の直前である1980年5月27日、同会場で開催されたハードロック・バンド、エッダ（Edda Művek）の公演で、老朽化と観客の圧力によって石造りの手すり壁が15メートル以上にわたって崩壊し、負傷者が出る事故が発生。これを受けてブダ青年公園は即座に無期限閉鎖の処分が下された。

ライブ盤制作の計画が頓挫しかける中、代替の舞台として選ばれたのがブダペスト第18区の「ペシュトセントロリンツ青年公園（Pestszentlőrinci Ifjúsági Park、通称LIP）」であった。事故からわずか12日後の1980年6月8日、会場を移して決行されたステージの模様が、本作のマスターテープとして記録されることとなった。

盟友ザーヴォディ・ヤーノシュの帰還とステージの編成

この日のステージは、トゥルク・アーダームに加え、ネーメト・カーロイ（Károly Németh）のフェンダー・ローズ（エレクトリック・ピアノ）およびシンセサイザー、クヌ・ラースロー（László Kunu）のベース、バログ・イェネー（Jenő Balogh）のドラムスという、当時のレギュラー・カルテットが中核を担った。

特筆すべきは、ゲスト・ギタリストとしてクレジットされているザーヴォディ・ヤーノシュ（János Závodi）の参加である。ザーヴォディは1969年から1973年まで初期ミニのギタリストを務めた創設メンバーのひとりであり、脱退後はメガ・バンドであるピラミス（Piramis）のエース・ギタリストとして東欧屈指のスタジアム・ロックスターに上り詰めていた。古巣の重要なライブ盤制作にあたり、盟友のザーヴォディがステージに復帰したことで、キーボード主体のメロウなフュージョン・アンサンブルに鋭角なロック・ギターのドライヴ感が加わることとなった。

初期のブルース・ロックからジャズ・ファンクへ至る選曲

セットリストは、1970年代初頭の初期レパートリーから当時の最新曲まで、ミニの足跡を総括するような構成となっている。オープニングを飾る「Fekete Gép」や初期の名曲「Kereszteslovag（十字軍の騎士）」、ブルージーな情感を残す「Gőzhajó（蒸気船）」などでは、ジェスロ・タルからの影響を独自に昇華したトゥルク・アーダームの過熱したフルート奏法とパーカッション、荒々しいスキャットが前面に出ている。

一方で、ファースト・アルバムのタイトル曲でもある「Vissza A Városba（街へ帰ろう）」や「Kell A Barátság!」などでは、ネーメト・カーロイのエレクトリック・ピアノが滑らかなテンション・コードを刻み、1970年代後半のウェザー・リポートやリターン・トゥ・フォーエヴァーを意識したジャズ・ファンク的な展開を聴かせる。クラシカルなプログレッシブ・ロックとアメリカン・フュージョンの語法が野外ステージの音響の中で混ざり合い、東欧特有の哀愁を帯びたメロディへと着地していく。

黄金期の節目を刻んだライブ・ドキュメント

1980年代に入ると、ニュー・ウェイヴの台頭やメンバーの変遷に伴い、1970年代型プログレッシブ／ジャズ・ロックの勢力図は急速に変化していった。結果として本作は、ミニが誇ったアンサンブルの頂点と、ブダペストの青年公園文化が揺れ動いた時代の過渡期を捉えた貴重なドキュメントとなっている。

デンマーク出身のフォーク／サイケデリック・ロック・デュオ、スティグ＆スティーン（Stig & Steen）が1973年12月にソネット（Sonet）から発表したセカンド・アルバム『Forchromede Dage』。スティグ・クロイツフェルト（Stig Kreutzfeldt）とスティーン・トフト・アンデルセン（Steen Toft Andersen）の2人からなるこのユニットが残した本作は、プレス枚数が300枚から500枚程度にとどまったとされ、北欧プログレッシブ・ロック／サイケ・フォークのコレクターズ・ピースとしても知られている。

共作から個の作家性へ──変化した制作アプローチ

1972年にイヴァ・ローゼンバーグのスタジオで録音されたデビュー作『Da Solen Kom』では、レノン＝マッカートニーに倣って大半の楽曲が二人の連名クレジットとなっていた。しかし本作ではそれぞれが持ち寄った曲の作家性がより明確に分かれ、各自の志向が色濃く出ている。例えば「Forårsvise」は、スティグ・クロイツフェルトが外部のテキストを見つけてきてメロディを付けたナンバーであり、アコースティックな叙情性をシンプルに押し出した仕上がりを持つ。

ローゼンバーグ・スタジオでの音響実験

レコーディングはコペンハーゲンのローゼンバーグ・スタジオ（Rosenberg Studio）で行われ、エンジニア兼共同プロデューサーとしてフレディ・ハンソン（Freddy Hansson）が関与した。ドラムにはカルペパーズ・オーチャードやヤング・フラワーズなどの名グループを渡り歩いたデンマーク屈指のドラマー、ケン・グドマン（Ken Gudman）が起用されている。

スタジオワークでは、設備の制約や偶然の要素を逆手に取った多彩なギミックが試みられた。タイトルトラック「Forchromede Dage」では、スティーンが吹くブルースハープの録音テープをスティグが手動で急停止させることで、サイレンが鳴り響くようなピッチの変調を生み出している。また、6分を超える「Natten Over Stranden」のイントロでは、スティーンが弾くメロトロンの持続音に重ねて、スティグがシロフォンを叩いたテイクをテープの回転数を落としてスローダウン再生する手法が用いられた。スティグはさらにガラス片を用いたスライド奏法でフェンダー・ストラトキャスターを鳴らし、スタジオのドアの隙間から吹き込む隙間風の音さえも、夜の海辺を想起させる環境音としてそのまま録音に取り込んだという。

王立管弦楽団の弦とメロトロンの交差

アコースティック・ギターやメロトロン、シンセサイザーのレイヤーに加え、本作のサウンドを印象づけているのがストリングスのアレンジメントだ。ライフ・ペーターセン（Leif Petersen）が編曲を手掛け、デンマーク王立管弦楽団（Det Kongelige Kapel）から8名の弦楽器奏者がスタジオに招かれた。フォーク・ロックの素朴な佇まいに対して本格的なオーケストレーションが持ち込まれたことについては、当時のプレスから「大仰すぎる」といった賛否両論の反応も寄せられたようだが、メロトロンの浮遊感と生の弦の響きが交錯する音像は、北欧シンフォニック・ロックの萌芽を思わせる独特の空気感を生み出している。

デュオの終焉とそれぞれの歩み

野心的なアレンジを施したものの商業的な成功には恵まれず、デュオとしてのアルバム制作は本作をもって幕を閉じた。スティグ・クロイツフェルトはその後、ソングライター／スタジオ・ミュージシャンとしての頭角を現し、1970年代末にはルグステッド＆クロイツフェルト（Rugsted & Kreutzfeldt）を結成してデンマークのポップス／AORシーンで数々のヒットを飛ばすプロデューサーへと成長していく。そうしたキャリアの出発点において、限られたトラック数の中で自由奔放に音響を組み立てていた若き日の試行錯誤が刻まれた一枚といえる。

のちに1980年代半ばのジャーマン・ヘヴィメタル・シーンで活動したグレイヴストーン（Gravestone）が、その前身となるプログレッシブ・ロック／クラウトロック期に残した1979年のデビュー・アルバム。南ドイツのバイエルン州イラーティッセン近郊で結成されたバンドが、自主レーベル（AVC Studio Production）から極少部数のみプレスした自主制作盤だ。

メタル期前夜、ダークなヘヴィ・プログレの時代

1980年代半ばには『Victim of Chains』などに代表される正統派パワーメタル／スピードメタル・バンドへと変貌を遂げたグレイヴストーンだが、1977年の結成当初は初期UFOのスペース・ロック路線やブラック・サバス、ユーライア・ヒープらの影響を色濃く受けたヘヴィ・プログレッシブ・ロックを志向していた。全曲の作曲を手掛けたリードギタリストのヴォルフガング・リットナー（Wolfgang Rittner）を中心に、暗鬱なハモンド・オルガンと長尺のツインギター・インタープレイを軸とした楽曲群が練り上げられた。

録音は1979年2月、AVCスタジオにて行われた。ボーカルとベースを兼ねるベルティ・マイダン（Berti Majdan）、リズムギターのルディ・ドルナー、オルガン奏者のアンディ・ミュラーに加え、ドラマーのマイク・シュミットがパーカッションとジャケットのイラストレーション・グラフィックを一手に手掛けている。

長尺のジャムと陰影に富んだアンサンブル

アルバムはヘヴィなギターリフとオルガンのユニゾンが印象的な表題曲「Doomsday」で幕を開ける。「Life In The Coffin」は8分近くに及ぶ楽曲で、ドゥーミーなテンポの重厚なアンサンブルから中盤以降の長尺ギターソロへと展開していく構成を持つ。

B面の中心をなす10分超の大曲「Corinne」では、叙情的なギターのアルペジオと哀愁を帯びたハモンド・オルガンの響きが静謐なトーンを作り出し、後半にかけてドラマチックな高揚を見せる。一方でラストの「Summer 1978」では、アコースティック・ギターを中心としたメロウな小品が配置され、アルバム全体の緊張感を解くような陰影のアクセントとなっている。

自主制作盤の希少性と再発による再評価

オリジナルLPはプライベート・プレスとしてごく少数のみ流通したため、長年にわたりクラウトロックやアンダーグラウンド・プログレのコレクターズ・アイテムとして扱われてきた。バンドは次作『War』（1980年）を経て急速にヘヴィメタル路線へと舵を切ったため、この初期のプログレ路線は本作と次作のみに限られている。2004年にはドイツのクラウトロック復刻専門レーベル「Garden of Delights」が、バンドのルーツを示すUFOのカバー曲「Flying」の未発表録音を追加して正規CD再発を行い、1970年代末期ドイツの知られざるハード・プログレ作品として認知が広がった。

ポーランドのプログレッシブ・ロック／ジャズ・ロックを代表するトリオ、SBB（ユーゼフ・スクシェク、アポストリス・アンティモス、イェジー・ピョトロフスキ）が、1978年にチェコスロバキアの国営レーベルSupraphonから発表したスタジオ・アルバム。LPの両面にそれぞれ約19分台の大作を1曲ずつ配した構成で、A面曲のタイトルから『Wołanie O Brzęk Szkła（ガラスの鳴る音を求めて）』の通称や、オレンジ色を基調としたアートワークから「オレンジ・アルバム」の愛称でも親しまれている。

プラハ・モザルテウム・スタジオでの集中セッション

1970年代半ばから東欧各国で精力的なツアーを展開し、チェコスロバキア国内でも熱狂的な支持を集めていたSBBは、同国の主要青年雑誌『ムラディー・スヴィエト（Mladý svět）』の音楽企画「Diskotéka Mladého světa」と連動する形で本作の制作に乗り出した。録音は1977年4月12日から22日にかけて、プラハの名門スタジオ「モザルテウム（Studio Mozarteum）」にて実施。チェコ側のプロデューサーとして実力派音楽家のヤン・スパレニー（Jan Spálený）とクヴェトスラフ・ロフレデルが監修にあたり、エンジニアのフランチシェク・ジェジーチェクらとともに濃密なレコーディングが進められた。

両面を占める2編の長大シンフォニック組曲

本作には短い楽曲は一切なく、A面とB面に長大な組曲が各1編のみ収められている。ジャケットには各曲のポーランド語原題とチェコ語訳題が併記された。

A面を占める「Wołanie O Brzęk Szkła（チェコ語題：Touha Po Zvonění Střepů）」は、詩人ユリアン・マテイ（Julian Matej）の詩をテクストに用いた約19分の大曲。ユーゼフ・スクシェクが駆使するミニモーグ・シンセサイザー、フェンダー・ローズ、クラビネットの多彩なレイヤーと、ギリシャ系ギタリストのアポストリス・アンティモスによる鋭利なギターワークが緻密に組み合わされている。

B面の「Odejście（チェコ語題：Odchod）」も19分を超える大作で、スクシェクのメロディアスなボーカルとミニモーグの抒情的なリード、イェジー・ピョトロフスキのダイナミックなドラミングがアンサンブルを牽引する。ジャズ・ロック的な鋭いインプロヴィゼーションと、東欧特有の哀愁を帯びたシンフォニック・ロックの質感が高度に融合した展開を見せる。

西側輸出盤『Slovenian Girls』への展開

Supraphonから発売されたオリジナル盤はチェコスロバキア市場向けにプレスされたものだったが、本作の録音マスターテープは翌1979年に西ドイツの独立系レーベルOmnibusへライセンス提供された。西ドイツ盤ではチェコの著名写真家ヤン・サウデク（Jan Saudek）による写真を採用した別ジャケットに刷新され、アルバム名も『Slovenian Girls』へと改題されてリリースされた。東側体制下の国境を越えた制作体制と、その後の西側流通という多面的な背景を持つ作品となっている。

アルゼンチン・ロックの先駆者ルイス・アルベルト・スピネッタが、トリオ編成のバンド「インビシブレ（Invisible）」を解散させた直後の1977年に発表したソロ通算3作目（バンド時代を含めると通算10作目）のアルバム。ジョン・マクラフリン率いるマハヴィシュヌ・オーケストラやマイルス・デイヴィスらのジャズ・ロック／エレクトリック・ジャズに深く傾倒し、洗練されたフュージョン・サウンドを全面に展開した作品だ。

ディエゴ・ラポポルトとの出会いとカルテットの結成

1976年12月、ルナ・パークでの大舞台を最後にインビシブレを解散させたスピネッタは、新たな音楽的探求としてジャズの語法を採り入れたアンサンブルを構想し始める。翌1977年3月、ジャズの素養を持つキーボード奏者ディエゴ・ラポポルトがスピネッタの自宅を訪問。2人でセッションを重ねるうちに強い手応えを得たスピネッタは、インビシブレの盟友ベーシストであるカルロス・アルベルト・“マチ”・ルフィーノに「フェンダー（ジャズベース）を持ってこい」と声をかけて呼び寄せた。

当初はドラマー不在のままラポポルトの簡易的なリズムボックス等を併用してツアーを回っていたが、やがて腕利きのジャズドラマー、オズワルド・アドリアン・ロペスが加入。これにより、のちに「バンダ・スピネッタ」とも呼ばれる精鋭カルテットが完成する。なお、アルバム冒頭を飾る「Viento Del Azur」のみ、スピネッタの実弟であるグスタボ・スピネッタがドラムスを、マルセロ・ビダルがベースを担当している。

宇宙的なタイトルに隠された「10分の計算違い」

原題の『A 18′ Del Sol（太陽から18分）』は、「太陽から放たれた光が地球に到達するまでの所要時間」を意味するタイトルとして構想された。しかし実際の天文学上、太陽光が地球に届くまでの時間は約8分強（約8分19秒）であり、約10分の計算誤差・勘違いが生じていたことが判明する。それでもスピネッタとその制作陣は、この天文学的な誤りを知った後も、タイトルの持つ詩的でコズミックな響きを気に入り、変更することなくそのまま作品名として採用した。

精緻なジャズ・アンサンブルと過去の旋律

全曲の作詞・作曲とアレンジはスピネッタ自身が手掛けている。ディエゴ・ラポポルトの奏でるフェンダー・ローズの柔らかな和音と、マチ・ルフィーノのタイトなベースライン、オズワルド・ロペスの細やかなシンバルワークが織りなす「Telgopor」や表題曲「A Dieciocho Minutos Del Sol」は、当時の南米プログレッシブ／ジャズ・ロックでも屈指の緊密なインタープレイを誇る。

一方で、アコースティック・ギターを中心とした「Canción Para Los Días De La Vida」のような静謐な楽曲も収録されている。この曲は本作のために新たに書き下ろされたものではなく、1970年代初頭のアルメンドラ時代に構想されながら頓挫した幻のロック・オペラ『Señor de las latas』のために書かれていた古い楽曲をサルベージしたものだ。

初演時の戸惑いとスピネッタ自身の誇り

1977年10月、ブエノスアイレスのテアトロ・コリセオで行われた本作の発表コンサートでは、これまでのハードなロックや「Muchacha (Ojos de papel)」に代表される素朴なフォーク調の歌を期待していた観客から野次が飛ぶ一幕もあった。軍事独裁政権下の閉塞した社会情勢も相まって、複雑で先鋭的なインストゥルメンタル主体のジャズ・フュージョン路線は、当時の一般的なロックファンには即座に受け入れられず、セールス面でも苦戦を強いられることになる。

しかしスピネッタ自身はこの作品の完成度に終生揺るぎない自信を持っていた。後年のインタビューでも「生涯で最高の録音を残すことができた」と振り返っており、南米音楽史におけるプログレッシブ・ジャズ・ロックの重要作として今なお語り継がれている。

西ベルリンのアンダーグラウンド・シーンから生まれたアシ・ラ・テンペル（Ash Ra Tempel）が、1971年にドイツの新興レーベルOhr（オール）から発表した記念すべきデビューアルバムが本作だ。ギタリストのマニュエル・ゲッチング（Manuel Göttsching）とベーシストのハルトムート・エンケ（Hartmut Enke）、そしてタンジェリン・ドリーム（Tangerine Dream）の1stアルバム『Electronic Meditation』に参加した直後だったドラマーのクラウス・シュルツェ（Klaus Schulze）の3人によって結成された。

ハンブルクでの1日セッションとコニー・プランクの手腕

もともとゲッチングとエンケは、1960年代末からスティープル・チェイス・ブルースバンドなどのビート／ブルース・グループで腕を磨いていた。1970年にシュルツェと合流した彼らは、ベルリンのアート拠点「ゾディアック・フリー・アーツ・ラボ（Zodiak Free Arts Lab）」などを舞台に、定型的な楽曲構成を捨て去り、30分を超える長尺のフリーフォームな即興演奏へと傾倒していく。

彼らのライブパフォーマンスに着目したOhrレーベルの主宰者ロルフ＝ウルリッヒ・カイザーの計らいにより、1971年3月11日、バンドはハンブルクのスター・スタジオ（Star-Musikproduktion Studio）に入った。当時ベルリンには実験的な大音量セッションを十全に録音できるエンジニアが少なかったため、カイザーの紹介で白羽の矢が立ったのが、後にクラウトロックの名作群を一手に手掛けることになる音響エンジニア、コニー・プランク（Conny Plank）だった。

プランクは彼らの生々しいインプロビゼーションのダイナミクスを損なうことなく、テープエコーやリバーブを巧みに操りながら、わずか1日のスタジオセッションで本作の録音を完了させている。オーバーダブを極力排し、スタジオライブに近い一発録りのテンションを記録したエンジニアリングの手腕が、バンドの初期衝動をそのまま盤面に刻み込んでいる。

「動」と「静」が対をなす2つの長尺インプロビゼーション

本作の構成は極めて明快で、レコードの各面に1曲ずつ、それぞれ約20分と約25分の長大なインストゥルメンタルが収められている。「動」と「静」、「陽」と「陰」の対比を明確に意識したこのコンセプチュアルな構成は、その後のバンドの作品群にも受け継がれていく基本フォーマットとなった。

A面を占める「Amboss」（金床の意、19分40秒）は、重厚なスペースロックの嵐のようなトラック。静かなシンバルレガートとエコーを伴うギターのつま弾きから徐々に熱を帯び、シュルツェの力強いドラミングとエンケのうねるベースラインが疾走感を加速させていく。その上をゲッチングのファズが歪んだリードギターが切り裂き、後半にかけて音の壁となって雪崩れ込む展開は、当時のトリオ編成ならではの推進力に満ちている。

対するB面の「Traummaschine」（夢の機械、25分24秒）は、打って変わってビートを排した静謐なコズミック・ドローン。揺らぐギターの持続音、電子音、控えめなパーカッション、そして微かなボーカルの響きが霧のように漂う。ブライアン・イーノらが「アンビエント」という言葉を定義するより数年早く、空間そのものを音で満たすような実験が試みられている。

ピラミッド型の特殊見開きジャケットとその後

音楽内容とともに初期盤の大きな特徴となっているのが、ベルンハルト・ベンディヒ（Bernhard Bendig）がデザインを手掛けた凝ったパッケージングだ。オリジナルLP（カタログ番号 56 013）は中央から左右に開く観音開き（ダブルフォールドアウト）の変形仕様となっており、展開するとピラミッドや寺院、天体を描いた幻想的なアートワークと、各曲のテーマを記した詩的なテキストが現れる仕掛けになっていた。

録音終了後、ドラマーのクラウス・シュルツェはバンドを離れ、自身のソロ活動へと移行（1972年に1stソロ作『Irrlicht』を発表）。残されたゲッチングとエンケはゲストメンバーを招き入れながら『Schwingungen』やティモシー・リアリーとの共作『Seven Up』を制作していくことになる（シュルツェは1973年の『Join Inn』で一時的に復帰）。クラウトロック黎明期のベルリンが生んだ、エレクトロニクスとサイケデリックジャムの交差点を示す記録として位置づけられる作品だ。

アイスランドの初期ロックシーンを牽引したスーパーグループ、トゥルーヴロート（Trúbrot）が1972年に発表した通算4作目にして最後のスタジオアルバムが本作『Mandala』だ。国内の人気ビートグループであったフリョウマル（Hljómar）とフラワーズ（Flowers）の主要メンバーが集結して1969年に結成された彼らは、本国で確固たる人気を誇りながら、サイケデリックロックやプログレッシブロックの潮流を取り入れた実験的な音作りを推し進めていった。

コペンハーゲン録音と自主レーベル設立の経緯

ロンドンのモーガン・スタジオで録音された前作『Lifun』（1971年）は、アイスランド初のトータルコンセプトアルバムとして高い評価を獲得した。その後、1972年初頭に入るとバンドは公の場でのライブ活動を一旦休止し、新たな楽曲制作へと専念する期間を設けている。曲が出揃った段階で彼らが録音場所に選んだのは、デンマークのコペンハーゲンだった。

このセッションには、グンナル・ソールザルソン（Gunnar Þórðarson / ギター、フルート、ボーカル）、ルーナル・ユーリウスソン（Rúnar Júlíusson / ベース、ボーカル）、マグヌース・キャルタンソン（Magnús Kjartansson / ピアノ、オルガン、ボーカル）、グンナル・ヨクル・ハーコナルソン（Gunnar Jökull Hákonarson / ドラムス）の4名が参加した。さらに現地のスタジオミュージシャンを起用し、ストリングスやブラスセクションをふんだんに導入した豪華なアレンジが施されている。

ところが、海外での長期スタジオワークと管弦セクションの起用により制作費が大幅に膨らんでしまい、アイスランド国内の既存レーベルが提示額に難色を示したようだ。そのためバンドは自ら自主レーベル「Trúbrot」（カタログ番号 TR 1）を立ち上げ、自主制作・自主流通の形でレコードを世に送り出す決断を下す。オリジナルLPの見開きジャケット裏面に、当時アイスランド航空（Flugfélag Íslands）の広告が大きく刷り込まれていたのも、遠征やレコーディングに関わる多額の費用を支援・協賛で補うための苦肉の策だったと伝えられている。

洗練された楽曲構造と多彩なアンサンブル

大作志向や組曲構成が前面に出ていた前作『Lifun』と比較すると、本作『Mandala』は3分前後のコンパクトな楽曲を中心に構成されている。全編英語詞で歌われ、サイケデリックロックの浮遊感とプログレッシブロック的な緻密さに加え、後期ビートルズやバッドフィンガーを思わせるポップなソングライティングの巧みさが際立つ。

アルバムの冒頭を飾るタイトル曲「Mandala」は、グンナル・ソールザルソンのフルートとハモンドオルガンが絡み合うイントロから始まり、変拍子を交えたリズム隊のドライブ感と哀愁を帯びたメロディが同居するナンバー。続く「My Friend & I」や「Down By The Water」では、ホーンセクションとコーラスワークが重なり、スワンプやブラスロックのテイストも顔を覗かせる。

A面ラストの「Drifting」は、フェイザーのかかったエレクトリックピアノとアコースティックギター、そしてフルートが漂うメロウなサイケバラード。一方、B面でもオルガンのリフが牽引する「Rise & Shine」や、流麗なギターソロとボーカルの掛け合いが印象的な「All I Wanna Do」、短いインストゥルメンタル「Scezio Pan」に至るまで、多重録音された鍵盤群とブラスが各曲の輪郭をくっきりと描き出している。

バンドの終焉と後年の再評価

多彩な音楽性を凝縮した『Mandala』を完成させたものの、制作過程での財政的な負担や方向性の変化も重なり、トゥルーヴロートは翌1973年に活動に終止符を打った。解散後、ベーシストのルーナル・ユーリウスソンは自らレコードレーベル「Geimsteinn」を設立して数多くの国内作品を手掛け、ギタリストのグンナル・ソールザルソンはソロ活動や映画音楽、作編曲家としてアイスランド音楽界の重鎮となっていった。

自主プレスだったオリジナルのTR 1盤は流通枚数が限られていたため、長らくサイケ／プログレコレクターの間で幻の一枚とされていたが、1996年にGeimsteinnからCD化され、2000年代以降にはドイツのShadoks Musicなどからもアナログ再発が行われた。アイスランドのロック黎明期において、海外の最新プロダクションに挑んだ彼らのスタジオワークの記録として、興味深い足跡を残している。

スイス・バーゼル出身のシンフォニック／プログレッシブ・ロック・バンド、サーカス（Circus）。彼らが1978年にスイスのインディ・レーベル「ツィトグロッゲ（Zytglogge）」から発表したライブ・アルバムが、この『Live』（通称『All Stars Live』）だ。1978年1月にチューリッヒとベルンで開催された特別公演の記録であり、バンドの枠を越えてスイス国内のポップ、ロック、フォーク勢が合流した「サーカス・オール・スター・バンド（Circus All Star Band）」名義で制作された。

スイス・シーンの連帯とメゾン・ルージュ移動スタジオでの実況録音

1972年に結成されたサーカスは、専任キーボード奏者を置かず、マルコ・チェルレッティ（Marco Cerletti）の12弦ギターやベース・ペダル、ローランド・フライ（Roland Frei）のアコースティック・ギターとサックス、アンドレアス・グリーダー（Andreas Grieder）のフルート、そして後に現代音楽／即興打楽器奏者として世界的に名を馳せるフリッツ・ハウザー（Fritz Hauser）のパーカッションを軸にした緻密な室内楽的プログレで名を馳せていた。

本作が企画された背景には、言語圏やジャンルによって分断されがちだったスイス国内のポップ、ロック、フォークのミュージシャン同士の交流を深めるという明確な意図があった。ロンドンから名門「メゾン・ルージュ（Maison Rouge）」移動スタジオを招聘し、1978年1月26日のチューリッヒ「フォルクスハウス（Volkshaus）」および翌27日のベルン「ホテル・ナショナル」での熱狂的なステージをピーター・J・マクタガート（Peter J. MacTaggart）がマルチ録音。ベルンのシナス・スタジオ（Sinus Studio）でミックスが施された。

ゲスト陣には、スイス・ロック界の重鎮ポロ・ホファー（Polo Hofer / ルンペルシュティルツ）をはじめ、キーボードのシュテファン・アンマン（Stephan Ammann）、ホーン隊のテオドール・ヨーストやアラン・ソロモン、女性シンガーのコリーナ・クルシェラスらが名を連ね、総勢10名を超える大所帯でサーカスのレパートリーが拡張されている。

ブラスとヴィブラフォンが躍動する大曲「アウグスタ・ラウリカ」

A面では、ホーン・セクションとパーカッションが一体となって疾走するファンキーなプログレ・ジャム「Eight Miles On A Highway」で幕を開け、ルーツ・ロック調の「Drivin’ Wheel」、そしてクラシカルな構成美を見せる「Andante Maestoso / Rondo Furioso」へと流れる。

圧巻は、B面全体（約19分）を占める組曲「Augusta Rauricorum」だ。バーゼル近郊にある古代ローマ都市遺跡（アウグスタ・ラウリカ）を題材にしたこの大曲は、チェルレッティの12弦ギターとグリーダーのフルートによる叙情的な序奏から、フリッツ・ハウザーの精緻なドラミングとヴィブラフォンがポリリズムを刻むジャズ・ロック・パートへと雪崩れ込む。ホーン隊によるスリリングなユニゾンと、女性コーラスを交えた変拍子のアンサンブルがダイナミックに交錯し、スタジオ盤の繊細さにライブならではの祝祭的な熱量が加わっている。

スイス・プログレッシブ・ロック史の記念碑

キング・クリムゾンやジェントル・ジャイアントからの影響を咀嚼しながら、卓越したアコースティック演奏力とブラス・アンサンブルを融合させた本作は、スイスのロック・ミュージシャンたちが一堂に会して生み出した類まれな実況録音盤として、ヨーロッパのプログレッシブ・ロック史に深く刻まれている。

英国ジャズ・ロックの雄コロシアム（Colosseum）の解散後、稀代の名ドラマーであるジョン・ハイズマン（Jon Hiseman）とベーシストのマーク・クラーク（Mark Clarke）が中心となって1972年に結成したTempest（テンペスト）。1973年に名門Bronze Recordsから発表されたセルフタイトルのデビュー作『Tempest』は、プログレッシブ・ロックとハードロックが超絶技巧の火花を散らすブリティッシュ・ロックの歴史的快作だ。

初期アラン・ホールズワースの神懸かり的な閃光

本作の最大のハイライトとして語り継がれているのが、若きアラン・ホールズワース（Allan Holdsworth）の存在だ。イアン・カー率いるニュークリアス（Nucleus）の『Belladonna』などでジャズ界隈の注目を集めつつあったホールズワースが、ハードロックのフォーマットでその異次元のレガート奏法と予測不能なスケール展開を全開にした、極めて貴重な初期のスタジオ記録である。

フロントには元ジューシー・ルーシー（Juicy Lucy）の力強いヴォーカリスト、ポール・ウィリアムス（Paul Williams）を配し、ハイズマン自らのプロデュースのもと、1972年10月から11月にかけてロンドンのAIR Studiosで録音。エンジニアにはデニー・ブリッジスとジョン・パンターが名を連ねている。

複雑怪奇なリフとポリリズムが渦巻くアンサンブル

アルバムの幕を開ける「Gorgon」からして凄まじい。ヘヴィで複雑な変拍子リフの合間を、ジョン・ハイズマンの怒涛のシンバルワークとポリリズミックなドラミングが埋め尽くし、中間部ではホールズワースの流麗極まりないギターソロが火を噴く。ハードロックの重量感とジャズ・ロックのスリリングな展開が完璧に同居した名演だ。

「Foyers Of Fun」や「Dark House」で見せる変拍子の切れ味、クラークのうねるベースラインとホールズワースの不協和音スライドの絡み合いも聴き手を圧倒する。さらにアルバムを締めくくる6分超の大曲「Upon Tomorrow」は、ハイズマンとコロシアム時代の盟友デイヴ・クレム・クレムプソン（Dave Clempson）の共作によるナンバー。アコースティック・ギターの叙情的な導入から、ホールズワースがエレクトリック・ヴァイオリンとギターの双方で哀愁あふれる劇的なソロを紡ぎ出していく。

奇跡のラインナップが遺した一瞬の結晶

本作のリリース後、バンドにはパットー（Patto）の怪腕ギタリストであるオリー・ハルソール（Ollie Halsall）が加入し、一時的にツインギター編成となるものの、ギターの役割分担を好まなかったホールズワースとウィリアムスが脱退。バンドはセカンド・アルバム『Living in Fear』（1974年）をハルソールとのトリオ編成で制作したのち解散に至る。

後にソフト・マシーン（Soft Machine）やゴング（Gong）、トニー・ウィリアムス・ライフタイム、そしてU.K.へと駆け上がっていくホールズワースの驚異的なギターワークと、ジョン・ハイズマンの強靭なビートが正面からぶつかり合った本作。70年代英国プログレッシブ・ハードロックの最高峰として、いまなお色褪せない熱量を放っている。

スウェーデンの都市カルマルで結成され、北欧プログレッシブ・ロック屈指の牧歌的インストゥルメンタルを聴かせたRagnarök（ラグナロク）。1976年のデビュー作『Ragnarök』は、アコースティック・ギターやフルートが織りなす静謐で美しいフォーク・プログレとして名高いが、それから3年の空白を経て1979年に名門Silence Recordsからリリースされたセカンド・アルバム『Fjärilar I Magen』は、前作のイメージを鮮やかに裏切るダイナミックな進化を遂げた一枚だ。

カルマルの人形劇団「Byteatern」との濃密な舞台音楽

タイトルの『Fjärilar I Magen』は、スウェーデン語で直訳すると「お腹の中の蝶」。英語の慣用句「butterflies in my stomach」と同様に、本番前の緊張や興奮で胸がざわめく感覚を指す言葉だ。このタイトルが示す通り、本作に収められた楽曲群は、バンドの同郷カルマルを拠点に活動していた先鋭的な児童劇団・人形劇団「Byteatern」の同名舞台作品のために作曲・演奏された音楽が母体となっている。

Ragnarökは1970年代を通じて一般のコンサート会場だけでなく、学校や刑務所、地方のコミュニティを巡回し、Byteaternの舞台公演と密接に連動した演奏活動を重ねていた。舞台での実演を経て練り上げられた楽曲群は、1979年の夏、ストックホルムのスタジオ・デシベル（Studio Decibel）で録音され、本作としてレコード化された。

パーソネルにはバンドの中心人物であるピーター・ブリンゲルソン（Peter Bryngelsson / ベース、ギター）をはじめ、後にTwice a Manを結成するダン・セーデルクヴィスト（Dan Söderqvist / エレクトリック・ギター）、ペーデル・ネイボ（Peder Nabo / ピアノ、フルート）、トーマス・ヴィーゲルト（Thomas Wiegert / ドラムス）が名を連ね、ゲストとしてシェル・カールグレン（Kjell Karlgren）のサックスも加わっている。

歪んだギターの衝撃から叙情美への飛翔

針を落としてまず度肝を抜かれるのが、オープニングを飾る「Adrenalin」だ。1分40秒という短さのなかに、ファズの効いた歪んだエレクトリック・ギターが猛烈なリフを叩きつけるヘヴィなプログレッシブ・ロック。前作のアコースティックで穏やかなフォーク路線を期待して聴いた当時のリスナーは、文字通りアドレナリンが噴き出すような衝撃を受けただろう。

しかしアルバムの本質は、決して粗暴なハードロックへの転向ではない。続く大曲「Första ön（最初の島）」では、ブリンゲルソンの流麗なギターとネイボのフルート、リリカルなピアノのタッチが北欧特有の冷涼な空気感を描き出し、ジャズ・ロック的なリズムセクションの推進力とともに緊張感あふれるアンサンブルを構築していく。

「Östen är röd」や「Var glad var dag!」で見せる軽やかなジャズ・フュージョンの手触りや、舞台劇の場面転換を想起させる表情豊かな曲展開も聴き応え十分だ。B面冒頭の8分超におよぶ「Blåmolnsfolket」では、静寂とエレクトリックなダイナミズムが鮮烈なコントラストを描き、北欧トラッドの旋律がほのかに香る「Brushanespel」を経て、澄み切ったサウンドスケープが広がるラストの「Vattenytor（水面）」へと至る構成は見事というほかない。

北欧ジャズロックと演劇的空間の稀有な結実

1970年代末のスウェーデンにおけるプログ（Progg）運動は、政治的・社会的なメッセージを前面に出した歌モノが主流を占めていた。そのなかでインストゥルメンタルの演奏力と音楽的探求に軸足を置き、さらに演劇集団とのコラボレーションによって物語性や空間的な広がりを獲得したRagnarökの試みは、極めて特異で貴重な足跡を残している。

1stアルバムの pastoral な美しさと、プログ・ジャズロックとしての構築美、そしてエレクトリックの衝動が絶妙なバランスで結実した『Fjärilar I Magen』。北欧プログレッシブ・ロックの奥深さを知るうえで、避けては通れない名作だ。

1969年にアメリカからイギリスへ渡ってきたバンド、Daddy Longlegsの2枚目のアルバム。1971年、ヴァーティゴの“大渦巻き”ラベルから出た一枚で、ジャケットのデザインはヒプノシス。ヴァーティゴといえばプログレやハード・ロックのイメージが強いけれど、ここで鳴っているのはカントリーやブルースの色が濃いロック。レーベルのカタログの中ではかなり毛色の違う存在だ。

イギリスに渡ったアメリカ人バンド

結成は1968年のアメリカ。ギター/ボーカルのSteve Hayton、ドラムのClif Carrison、ベースとクラリネットのKurt Palomakiの3人が母体で、1969年にイギリスへ拠点を移している。ワーナー・ブラザースと契約し、ボーカルにMoe Armstrongを迎えてシングル「High Again」とデビュー・アルバム『Daddy Longlegs』を発表。1969年12月にはアイルズベリーの名物クラブ、Friarsのステージにも立っている。

ただ、このラインナップは長続きしない。ArmstrongとHaytonが抜け、残ったCarrisonとPalomakiは、オーストリア生まれのピアニスト/ボーカリストPeter Arnesenと、アメリカ出身のギタリストGary ‘Norton’ Holdermanを迎えて再出発。この新しい4人で契約したのがヴァーティゴで、ヴァーティゴと契約した最初期のアメリカ人アクトのひとつとされる。

サウンド・テクニクスでの録音

録音は1971年1月、ロンドン・チェルシーのサウンド・テクニクス。ニック・ドレイクやフェアポート・コンヴェンション、ジョン・マーティンらが録音したことで知られるスタジオで、エンジニアはJerry Boys。アビー・ロードでキャリアを始め、のちにブエナ・ビスタ・ソシアル・クラブの録音を手がける人物だ。

プロデューサーはTod Lloyd。エグゼクティヴ・プロデューサーにはバンドのマネージャーだったTim Sharmanの名前があり、制作はBeppo Productions名義。曲の出版も、ワーナー系の3曲を除いてBeppo Musicになっている。

3人のシンガーが分け合う12曲

全12曲で、リード・ボーカルが曲ごとに入れ替わるのが特徴。A面の「Rubber Tyre」「Please Believe Me」「Lonely Way」「Sweet Louise」はArnesenが歌い、いずれもArnesenとLarry Dean Spearmanの共作。「Double Decker」はPalomakiの作詞作曲で、本人が歌っている。

A面ラストの「Wheeling & Dealing」からB面の「Clara Bell」までは、Holdermanが自作曲中心にリードを取る流れ。「Rusty Door」はCarrison、Holderman、Palomakiの3人の共作だ。B面後半はCarrisonの「Night Shift」とArnesenの「Moog」が切れ目なく続き、盤面では5曲に見えて実は6曲という構成。締めの「Boogie」はトラディショナルをHoldermanがアレンジしたもの。4人全員がソングライターとしてクレジットされている。

ヴァーティゴの中の異色作

見開きの未ラミネート・ジャケットに大渦巻きラベルという、いかにも初期ヴァーティゴらしい装い。それでいて中身はアメリカ南部の匂いのするカントリー・ロックなので、レーベルの流れで聴くと意外に感じるかもしれない。ヴァーティゴ作品を振り返るレビューでも、カタログの中では浮いたカントリー寄りの一枚として扱われている。一方で、オリジナル盤はコレクターズ・アイテムとして長く探されてきた。1993年にはRepertoireからCD化もされている。

その後のDaddy Longlegs

メンバーの出入りはこの後も続く。Arnesenはアルバムのあとほどなく脱退し、元GraciousのベーシストTim Wheatleyと、よりポップ寄りのバンドTaggettを結成。残ったHoldermanとPalomaki、Carrisonの3人はポリドールに移り、1972年に『The Three Musicians』を発表した。続く『Shifting Sands』の時点ではPalomakiも抜けていて、度重なるメンバーチェンジの末にバンドは幕を閉じている。Arnesen、Holderman、Palomaki、Carrisonの4人で残したアルバムは、この『Oakdown Farm』1枚きり。

Rick Van Der Linden『Variations』について

Rick Van Der Lindenの『Variations』は、1979年に発表された作品で、1981年に日本盤がリリースされたアルバムだ。ジャンル表記はJazz、Rock、スタイルはJazz-Rock、Prog Rockとなっている。Rick Van Der Lindenは、オランダのシンフォニック・ロックを代表するキーボーディスト、作曲家として知られ、Ekseptionの中心人物として特に知られている。

彼は幼少期からピアノを学び、のちにハーレムの音楽院で教会オルガンを修め、1967年にはハーグ王立音楽院を優秀な成績で修了している。ピアノ、教会オルガン、和声法、対位法を学んだ経歴を持ち、クラシックの素養を土台にしながら、ジャズ、バレエ、キャバレー、映画音楽、ポップスへも活動の幅を広げた人物だ。オランダで早くからシンセサイザーを扱った演奏家としても知られている。

作品の位置づけ

Rick Van Der Lindenのキャリア全体で見ると、『Variations』は、Ekseptionで築いたクラシック指向のロック・アプローチを個人名義で整理したような位置にある。彼はEkseptionのほか、Trace、Cum Laude、Mistralでも活動しており、編成や現場が変わっても、鍵盤を軸にクラシックの語法をロックやジャズに接続する姿勢は一貫している。

1970年代後半から1980年代初頭のヨーロッパのプログレ周辺では、シンフォニック・ロックの語法が細分化し、クラシックの引用やオルガン主体のアレンジが、より洗練された形で残っていた時期でもある。Rick Van Der Lindenの作品も、その流れの中で理解しやすい。

日本盤としての体裁

この日本盤は、シングル・スリーブで帯とインサート付き。前帯とインサートには「European 5 Rock Collection 2200」のロゴが入り、裏帯には「European Rock Collection 2200 Part V」として、このシリーズに含まれる8枚のアルバムが紹介されている。日本盤ならではのシリーズ展開が見える仕様だ。

Rick Van Der Lindenらしさ

Rick Van Der Lindenの音楽の核は、教会オルガン由来の響きと、ロックのビート、ジャズ寄りの運び方の組み合わせにある。Ekseption時代から続くその作法は、ソロ作でも大きく変わらない印象だ。演奏の中心にあるのは鍵盤で、旋律の組み立て方や和声の進め方に、クラシック教育を受けた奏者らしい整理された感触がある。

代表曲や大きなヒット曲で語られるタイプの作品というより、彼の鍵盤スタイルや作曲感覚を確認するための一枚として見たほうが分かりやすい。オルガン、ピアノ、シンセサイザーを使い分ける彼の持ち味を、1970年代末の空気の中で味わえるアルバムと言える。

同時代の文脈

同じオランダのプログレ／シンフォニック・ロックの文脈では、EkseptionやTraceといったバンドの動きがまず思い浮かぶ。Rick Van Der Lindenは、その中心にいたプレイヤーとして、クラシックの引用を前面に出す欧州型のロック・キーボード文化を体現した人物だ。

また、ジャズ・ロックという面では、リズムの切り替えやアンサンブルの運びが重視されるが、彼の場合はそこにオルガンやピアノの古典的な響きが重なる。ロックの枠の中で、鍵盤楽器の表現を広げた存在として捉えやすい。

まとめ

『Variations』は、Rick Van Der Lindenの音楽的背景がそのまま出やすい作品だ。クラシック教育を受けた鍵盤奏者としての基盤、Ekseptionで培ったシンフォニック・ロックの感覚、そしてジャズやポップスへの接点が、ひとつのまとまりとして見える。1981年の日本盤は、そうしたヨーロッパの鍵盤ロックを日本のリスナー向けに届けた一枚としても興味深い。

Genesis『Selling England By The Pound』について

1973年にUKでリリースされた、Genesisの4作目のアルバム。ピーター・ガブリエル在籍期の代表作としてよく挙げられる1枚で、プログレッシブ・ロックの中でも、組曲的な構成、細かく組み立てられた展開、語り口のある歌詞がまとまっている作品として知られている。Genesisの初期らしい複雑な楽曲作りと、当時の英国的な風景や感覚が前面に出たアルバムでもある。

バンドとしては、デビュー以来の実験性を保ちながらも、楽曲の輪郭がよりはっきりしてきた時期の作品。のちにピーター・ガブリエル脱退後、フィル・コリンズを中心にポップ色を強めていくGenesisとは、かなり違う面を見せている。そうした意味では、バンドの初期像をつかむうえで重要な位置づけのアルバムといえる。

作品の特徴

このアルバムは、長尺曲と短めの曲が混在している構成で、曲ごとの表情の切り替えがはっきりしている。冒頭の「Dancing with the Moonlit Knight」は、アルバム全体の入り口として印象が強く、細かく場面が変わる展開がGenesisらしい。続く「I Know What I Like (In Your Wardrobe)」は、比較的覚えやすいメロディを持ち、バンドの代表曲のひとつとして扱われることが多い。

また、「Firth of Fifth」もよく知られた曲で、ピアノとギターの展開がこの時期のGenesisを象徴する1曲として語られやすい。特にスティーヴ・ハケットのギター・ソロは、このアルバムの聴きどころとして挙げられることが多い。派手な速弾きというより、フレーズの流れで聴かせるタイプの演奏で、曲の組み立てと一体になっている。

全体としては、フォーク寄りの感触、英国的な皮肉や言葉遊び、シアトリカルな歌唱が混ざった内容。キャメルやイエス、ピンク・フロイドなど同時代の英国プログレと並べて語られることもあるが、Genesisはその中でも、歌詞の語り口と演劇的な表現が前に出ている印象がある。

バンドにとっての位置づけ

Genesisは1967年にチャーターハウス・スクールで結成されたUKバンドで、初期はピーター・ガブリエルの歌唱とステージ上での演出が大きな特徴だった。『Selling England By The Pound』は、その初期Genesisの特徴がかなり濃く出た時期の作品で、のちの商業的な成功期とは別の顔を見せるアルバムでもある。

この時期のメンバーは、ピーター・ガブリエル、トニー・バンクス、マイク・ラザフォード、スティーヴ・ハケット、そしてドラムはフィル・コリンズ。バンドの後年を知っていると、ここでの音の密度や構成の細かさは、かなり異なる方向に聴こえるはずだ。

1973年UKオリジナル盤について

この盤は1973年のUK初回プレスで、Mad Hatterラベルの初期仕様。ダークグリーンの厚手のカード製インナー・スリーブが付く仕様で、歌詞入りのバッグ型インナーという点も初期盤らしい特徴になっている。ラベル表記は「Manufactured And Distributed By B&C Records Ltd.」、スリーブには「Marketed by B&C Records, 37 Soho Square, London, W1. Printed & made by the E.J. Day Group, London & Bedford」とある。

レコードとしては、オリジナル時代のUKプレスらしい作り込みのある仕様で、作品の内容だけでなく当時のパッケージングも含めて資料性が高い1枚。Genesisの初期を追ううえでは、音楽面と同じくらい、こうした初回盤の細部も見どころになっている。

まとめ

『Selling England By The Pound』は、Genesisのプログレッシブ・ロック期を代表するアルバムのひとつ。構成の細かさ、物語性のある歌詞、ピーター・ガブリエル時代の演劇的な空気がまとまっていて、バンドの初期像をそのまま切り取ったような作品だ。代表曲としては「I Know What I Like (In Your Wardrobe)」や「Firth of Fifth」がよく挙げられる。1973年のUKオリジナル盤は、Mad Hatterラベルと初期インナーを含む仕様で、当時のリリース形態を知るうえでも興味深い。

Cactus『’Ot ‘N’ Sweaty』について

Cactusの『’Ot ‘N’ Sweaty』は、1972年に登場した作品で、バンドのライブとスタジオ録音をひとつにまとめた内容になっている。USハードロック／ブルースロック・バンドとして知られるCactusの、活動初期の勢いがそのまま出た時期のアルバムだ。

この作品では、ライブの熱量とスタジオでのまとまりが同居している。Side Oneは1972年4月3日、プエルトリコのMar Y Sol Festivalでのライヴ録音。Side TwoはニューヨークのMedia Sound、Electric Lady Studios、Atlantic Recording Studios、Advantage Soundでの録音をもとに構成されている。

作品の位置づけ

Cactusは1969年に結成され、1972年までの活動期にいくつかのアルバムを残している。この『’Ot ‘N’ Sweaty』は、その初期活動期の終盤に出た一作で、バンドのライヴ面とレコーディング面の両方を見せる内容になっている。スタジオ作に比べると、演奏の生々しさや会場の空気が前に出るタイプのレコードだ。

メンバーにはCarmine Appice、Tim Bogert、Rusty Day、Duane Hitchingsらが関わっている。Cactusは後年、ハードロック史の中で語られることが多いが、この時期の演奏は、より直接的なリズム感とブルース由来のフレーズが前面に出ている印象がある。

収録内容と聴きどころ

この盤は、ライブ録音とスタジオ録音の切り替わりがはっきりしている。Side Oneのライヴは、演奏の勢いと観客の空気感がそのまま残る構成。Wally Heider Remote Unitによる録音で、フェスティバル会場の大きなスケール感が伝わる。

Side Twoでは、Media SoundやElectric Lady Studiosでの録音曲が並び、ライヴ面とは違う整理された音像が聴ける。さらにAtlantic Recording StudiosやAdvantage Soundでの追加録音、Electric Lady Studiosでのリミックスも行われており、荒さだけで押すのではなく、音の輪郭を整えた作りになっている。

曲ごとの細かな印象は、ライブ曲でのドラムとベースの推進力、スタジオ曲でのギターとヴォーカルの密度に出やすい。Cactusらしい、直線的なロックのノリが中心の作品だ。

同時代の文脈

1972年前後のアメリカン・ハードロックには、演奏の長さや音量だけでなく、ブルースの語法をどう残すかが重要な要素としてあった。Cactusもその流れの中で、より硬質なロックの側に立ちながら、ルーツ感を保ったバンドとして見られることが多い。Deep PurpleやGrand Funk Railroadのような同時代の重量感のあるロックと並べて語られることもあるが、Cactusはより土臭い演奏のまとまりが特徴として挙げられやすい。

オリジナル盤とこの盤の情報

今回の盤はヨーロッパ盤で、ジャケットはグロッシーなゲートフォールド仕様、白いポリライナー付きの内袋。背面右下にはデボス加工のWarnerロゴが入っている。ラベル表記ではATCO RECORDSのクレジットがあり、ジャケットには1972年の著作権表記が見える。ドイツ製で、GEMA/BIEMの表記がある点もヨーロッパ流通盤らしいポイントだ。

カタログ番号は複数あり、ラベルには「ATC 50013」、スパインには「50 013 B」、スリーヴには「50 013」、裏面には「7011」が併記されている。こうした表記の違いも、再発盤や流通用の仕様を示す要素になっている。

まとめ

『’Ot ‘N’ Sweaty』は、Cactusのライブの熱量とスタジオでの硬さを一枚に収めたアルバムだ。Mar Y Sol Festivalでの演奏を含む構成が、バンドの当時の勢いをそのまま伝えている。1972年という時期のアメリカン・ハードロックの空気を、かなりストレートに感じられる作品として位置づけられる。

トラックリスト

• A1 – Swim (4:40)
• A2 – Bad Mother Boogie (4:55)
• A3 – Our Lil Rock-N-Roll Thing (6:25)
• B1 – Bad Stuff (3:08)
• B2 – Bringing Me Down (5:27)
• B3 – Bedroom Mazurka (4:33)
• B4 – Telling You (5:10)
• B5 – Underneath The Arches (0:30)

関連動画

• CACTUS……’OT ‘N’ SWEATY

Venus In Furs『Real Moral Fibre』について

Venus In Fursは、イングランド・サセックスを拠点に始まったグループで、Timesを中心に展開してきたプロジェクト色の強いバンドだ。1986年の『Real Moral Fibre』は、その流れの中で出た作品で、UKのBacksから刊行された。レーベル表記や流通情報も含め、当時のインディー流通圏にある一枚という位置づけが見える。

アーティストのプロフィールを見ると、Venus In Fursは編成を変えながら活動しており、初期の4人編成期を経て、1984年以降はTimesとSkot Lucyのデュオ体制で動いていた。その後もTimesを軸に作品が続いていくので、『Real Moral Fibre』は、そうした流れの中で出た時期の記録として捉えやすい。

作品の輪郭

本作のクレジットには、メンバーとしてPeter Guellard、Times、Skot Lucyの名が並ぶ。ジャンル表記はElectronic、Rock、スタイルはNew Wave、Art Rock、Synth-pop、Indie Rock。実際の音像も、この時代のUKインディーらしい電子楽器の使い方と、ロック寄りの構成感が同居するタイプとして整理できる。

『Real Moral Fibre』というタイトル自体も、80年代半ばの英インディー／ニューウェイブ周辺らしい、やや硬質な響きを持つ。レーベルはBacks、出版はBacks/Chrysalis Music、配給はBacks/Cartel。カタログ番号はラベル面が「NCH LP12」、裏ジャケットと背表紙が「NCH LP 12 Deluxe」となっている。LPサイズのインレイシート付きという仕様も確認できる。

当時の文脈

1986年のUKでは、シンセや打ち込みを取り入れたインディー作品が珍しくない時期で、ニューウェイブ以後の電子化とギター・バンドの感覚が重なる場面が多かった。Venus In Fursもその中に置くと理解しやすい。単なるシンセポップというより、アート寄りの構成やロックの骨格を残しながら電子音を組み合わせる作りの作品群として見える。

同時代の比較対象を挙げるなら、UKインディーの中で電子音とバンド感を行き来していた諸作、あるいはニューウェイブ後半の実験的なロック作品群が近い文脈に入る。ただし、Venus In Fursは活動の仕方自体がかなり独自で、Timesを中心とする変則的な編成変化も特徴になっている。

バンドにとっての位置づけ

プロフィール上では、『Real Moral Fibre』は『Platonic Love』『Strip』の後、Times主体で進む流れの中にある作品として扱える。つまり、初期のバンド編成から、デュオ期、そしてTimesのソロ的な運用へと移っていく途中の記録という見方ができる。Venus In Furs全体の中では、活動の変化がそのまま作品にも反映された時期の一枚と言えそうだ。

まとめ

『Real Moral Fibre』は、1986年のUKインディー圏で生まれた、電子音とロックの要素を合わせたVenus In Fursの作品。Backsからのオリジナル盤で、インディー流通の空気をまとった仕様も含めて、当時の英国シーンの一断面を伝える一枚だ。

Venus In Fursの活動史を追ううえでは、編成の変化とTimes中心の制作体制がどう作品に出ているかを見る手がかりにもなる。

トラックリスト

• A1 – Love Lies (6:12)
• A2 – Your Lover Just Called … (1:36)
• A3 – Verve (2:19)
• A4 – Mishima’s Sepukko (7:10)
• B1 – New Terrorists (7:04)
• B2 – Wunderkind (2:31)
• B3 – The Hand That Squeezed The Heart (12:56)

関連動画

• Venus in Furs – Love Lies
• Venus in Furs – Memento Mori .wmv
• Venus In Furs – New Terrorists (1986) (Audio)
• Venus In Furs – Love Lies (1986) (Audio)
• Venus In Furs – Mishima’s Sepukko

Caldera『A Moog Mass』について

Calderaの『A Moog Mass』は、1970年にアメリカで出た作品で、Malcolm CecilとRobert Margouleffが関わった初期の電子音楽記録として知られる。メンバー表記はRobert Margouleff、Malcolm Cecil、John Atkins。タイトルどおり、Moogシンセサイザーを軸にした作品で、電子音響と宗教的な曲構成を結びつけた内容になっている。

作品の位置づけ

この作品は、のちにTonto’s Expanding Head Bandへつながっていく流れの出発点として見られることが多い。Malcolm CecilとRobert Margouleffは、70年代以降の電子音楽やポップ・プロダクションでも重要な存在になっていくが、その前段階にあるのがこの『A Moog Mass』という位置づけだろう。電子音楽の実験性と、クラシックや宗教音楽の形式を近づけた点が、この時代ならではの記録になっている。

音の印象

実際に聴くと、シンセサイザーの音色を前面に置きながら、旋律や和声の運びはかなり組曲的で、曲のつながりもひと続きの儀式のように進む。リズムで押すというより、持続音や音の重なりで場面を作っていくタイプの作品。電子音の冷たさだけでなく、ミサ曲的な構成の手つきが残っているところに、この作品の特徴がある。

同時代との関わり

1970年前後のMoogを使った作品には、電子音楽の実験として作られたものだけでなく、ロックや前衛音楽の文脈に入るものも多い。『A Moog Mass』はその中でも、クラシック寄りの形式感と電子音の新しさがそのまま接続している例として見やすい。Wendy CarlosのようなMoog作品や、当時の実験音楽の流れと並べて語られることがありそうだが、この作品はより儀礼的で、宗教音楽の枠組みを意識した作りが目立つ。

作品の表記について

盤面やジャケットでは表記ゆれがあり、フロントカバーと背表紙では「CALDERA」、バックカバーとレーベルでは「CALDARA」となっている。資料を追ううえでは、この表記の違いが確認ポイントになる。

まとめ

『A Moog Mass』は、Malcolm CecilとRobert Margouleffの初期活動を知るうえで重要な一枚であり、電子音楽とクラシック、さらに中世的な様式感をつなげた1970年の作品として位置づけられる。のちのTonto’s Expanding Head Bandへ至る前史として見ると、彼らの音づくりの出発点が見えやすいアルバムだ。

トラックリスト

• Stabat Mater
• A1 – The Mother Stood “Stabat Mater”
• A2 – Who Is The Man “Quis Est Homo”
• A3 – Share With Me The Pain “Tui Nati Vulnerati”
• B1 – Virgin Of Virgins “Virgo Virginum”
• B2 – Make Me Carry The Death Of Christ “Fac Ut Portem Christi Mortem”
• B3 – In Flames May I Not Be Burned “Flammis Ne Urar Succensus”
• B4 – Christ, When I Leave This Life “Christe, Cum Sit Hinc Exire”

関連動画

• Caldara – Stabat Mater: A Moog Mass (1970) [Full Album]
• Caldara – Stabat Mater A Moog Mass

East Of Eden『Snafu』について

East Of Edenは、1960年代後半の英国プログレッシブ・ロック／アート・ロック周辺で活動したバンドで、Dave Arbusのヴァイオリンやサックスを軸にした編成が大きな特徴だ。『Snafu』は1970年に発表されたアルバムで、同時代のロック・バンドの中でも、管楽器やヴァイオリンを前面に出した構成がよく見える作品として位置づけられる。日本盤は1976年リリース。

バンドの流れの中での位置

East Of Edenは、初期に複数回のメンバー交代を経ながら活動を続けたバンドで、『Mercator Projected』の翌作として『Snafu』を発表している。アーカイブ的に見ても、この時期の音源はバンドの個性がまとまって出ている時期で、のちの編成変更の前段階にあたる。The NiceやSoft Machine、Captain Beefheartが並んだ当時の前衛的な音楽シーンとも近い空気を共有している。

内容の特徴

『Snafu』では、ロックの基本編成に加えて、Dave Arbusのヴァイオリン、Ron Cainesのアルトサックスが音の輪郭を作る。ギター、ベース、ドラムの上に、旋律楽器が線を引いていく作りで、英国のプログレッシブ・ロックらしい組み立てがはっきりしている。曲調の切り替えや演奏の展開を重視したタイプの作品で、バンド名義のまとまりが強いアルバムだ。

この時期のEast Of Edenは、単なるギター・ロックではなく、ジャズ寄りの響きやフォーク的な旋律感も混じるのが特徴。とくにヴァイオリンの存在が大きく、同時代のバンドの中でも音色の識別がしやすい。比較対象としては、管弦楽的な発想を持つThe Niceや、即興性を含んだSoft Machineの一部の作品を思わせる場面がある。

代表曲として知られる楽曲

East Of Edenを語るうえで外せないのは「Jig-a-Jig」だが、これは『Snafu』ではなく、後年にシングルとして大きく広まった楽曲として知られる。『Snafu』本体の文脈では、バンドのアルバム表現がより前面に出ている。もう一つ、グループの英国盤アルバムとしてはチャート面で一定の成果を残した時期でもあり、この作品はその流れの中心にある。

1976年の日本盤として見ると

オリジナルは1970年だが、日本盤は1976年のリリース。つまり、当時の日本でこの作品に触れた人は、オリジナル発表から少し時間が経った段階で、East Of Edenの主要作にアクセスしていたことになる。こうした再登場のタイミングでは、プログレ系の再評価や輸入盤需要の高まりと重なることが多く、英国ロックの文脈で聴かれる機会も増えやすい。

盤の違いとしては、レーベルやジャケット表記、帯や解説の有無が日本盤ならではの要素になる。作品そのものは1970年のアルバムとして捉えるのが自然だが、日本盤で聴くと当時の国内流通の雰囲気も含めて楽しめる一枚だ。

まとめ

『Snafu』は、East Of Edenの持つヴァイオリン入りロックの個性がはっきり出た、1970年の英国プログレ作品だ。派手なヒット曲で押すタイプではなく、編成と音の運びで印象を残すアルバム。バンドの初期から中期にかけての流れをたどるうえで、重要な位置にある作品として見てよさそうだ。

トラックリスト

• A1 – Have To Whack It Up (2:20)
• A2a – Leaping Beauties For Rudy
• A2b – Marcus Junior
• A3a – Xhorkom
• A3b – Ramadhan
• A3c – In The Snow For A Blow (Medley) Part I
• A3d – Better Git It In Your Soul
• A3e – In The Snow For A Blow (Medley) Part III
• A4 – Uno Transito Clapori (2:53)
• B1a – Gum Arabic
• B1b – Confucius
• B2 – Nymphenburger (5:46)
• B3a – Habibi Baby
• B3b – Boehm Constrictor
• B3c – Beast Of Sweden
• B4 – Traditional: Arranged By East Of Eden (1:33)

関連動画

• East Of Eden ► Marcus Junior [HQ Audio] Snafu 1970
• Have To Whack It Up
• Leaping Beauties For Ruby, Marcus
• Xhorkom, Ramadhan, In The Snow Fo
• Uno Transito Clapori
• Gum Arabic, Confucius
• Nymphenburger
• Habibi Baby, Beast Of Sweden, Boe
• Traditional- Arranged By East Of

David Bowie『Station To Station』について

David Bowieの10作目のスタジオ・アルバム『Station To Station』は、1976年1月に発表された作品だ。ここでは、アメリカ的なリズム感と西ヨーロッパ的な和声感が交差し、Bowie自身はこの時期に「Thin White Duke」という別人格をまとっていた。作品全体の空気感は、前作までの流れを受けつつも、より都会的で、冷たさのある方向へ進んでいる。

日本盤は1976年の初回リリースで、RVC Corporationによる製造。帯付きで、折り込みインサートが付属し、日本語ライナーと英語歌詞を収録している。レーベル表記はRCA Recordsの1976年表記で、盤面の製造リングには3行の刻印が入る仕様だ。

作品の位置づけ

『Station To Station』は、Bowieのキャリアの中でも転換点として語られることが多いアルバムだ。グラム・ロック期の派手さから一歩離れ、ファンクやソウルの要素を取り込みながら、より硬質なロック作品へと寄っていく。のちのベルリン三部作につながる前段階として見られることもある。

制作時期のBowieは、すでに大きな変化の只中にあった。タイトル曲では長尺の構成が採られ、静かな導入からバンド全体が立ち上がっていく流れが印象的だ。アルバムの冒頭を飾るこの曲が、その後の展開を引っ張る役割を担っている。

収録曲と聴きどころ

このアルバムでまず挙がるのは、やはりタイトル曲「Station to Station」だろう。10分を超える楽曲で、リズムの組み立て、ギターの鋭さ、ボーカルの緊張感がはっきりしている。Bowieの作品の中でも、展開の読みづらさと推進力の両方が目立つ1曲だ。

続く「Golden Years」は、この時期の代表曲として知られる。ファンク色の強いビートと、引っかかりのあるメロディが前面に出た曲で、アルバムの中では比較的シングル曲らしい輪郭がある。ラジオでも耳にしやすい部類の楽曲だ。

「TVC 15」や「Stay」も、この作品の性格をよく示す曲だ。前者は軽快さがありつつも不穏さを含み、後者はグルーヴを軸にしたロック寄りの構成になっている。A面とB面で温度差があり、その揺れがアルバム全体の流れを作っている。

同時代の文脈

1976年という時代で見ると、『Station To Station』はロック、ファンク、ソウルの境目に立つ作品として聴ける。Bowieはこの頃、単にロックの枠の中に収まる存在ではなく、R&Bや黒人音楽の要素を自分の文脈に組み込んでいた。そこには、同時代のファンク勢や、より実験的な方向へ進んでいたアーティストたちとの接点も感じられる。

ただし、この作品はジャンルの混交だけで終わらない。構成の作り方、音の隙間、ボーカルの置き方に、Bowie独特の距離感がある。派手な装飾に寄らず、必要な音だけを残すような感触が、アルバム全体を貫いている。

日本盤の特徴

日本初回盤は、帯と折り込みインサートが付く点がまず目立つ。日本語ライナーが入るので、当時の国内リスナー向けの情報に触れやすい仕様だ。英語歌詞も載っており、作品の世界を追いやすい作りになっている。

盤としては1976年のオリジナル期のリリースなので、後年のリマスター盤や再発盤とは音質や収録内容が異なる場合がある。ここで扱うのは、その最初期の日本盤という位置づけになる。

まとめ

『Station To Station』は、David Bowieの中期から後期へ向かう流れの中で重要なアルバムだ。ファンク、ソウル、ロックの要素がまとまり、Thin White Dukeという人物像も含めて、作品の輪郭が強く残る。代表曲「Golden Years」を含みつつ、タイトル曲の長大な構成がアルバム全体の軸になっている。

1976年のBowieを知るうえで、かなり重要な1枚という印象だ。

トラックリスト

• A1 – Station To Station (10:10)
• A2 – Golden Years (3:58)
• A3 – Word On A Wing (5:56)
• B1 – TVC 15 (5:28)
• B2 – Stay (6:09)
• B3 – Wild Is The Wind (5:59)

関連動画

• David Bowie ~ Stay (Dinah Shore Show 1976)
• David Bowie – Station to Station Full Album

Missing Persons『Spring Session M』について

Missing Personsの『Spring Session M』は、1982年に発表されたデビュー作で、カリフォルニアのニューウェイヴ／シンセポップを代表する作品のひとつとして知られている。中心にいるのは、Dale Bozzioの特徴的な歌声と、Terry Bozzioのドラミング、Warren Cuccurulloのギター／ソングライティング。電子的な質感とロックの骨格が同居した、当時の西海岸ニューウェイヴらしいアルバムだ。

バンドの輪郭

Missing Personsは1980年に結成されたカリフォルニアのバンドで、のちにソロや他バンドでも活動するメンバーが集まっていた点でも注目される。アルバムで知られる楽曲としては「Destination Unknown」「Walking in L.A.」「Words」「Right Now」などがあり、この時期のバンドの個性をそのまま示す代表曲になっている。

作品としての位置づけ

『Spring Session M』は、バンドにとって最初期のまとまった作品であり、後の代表曲をまとめて確認できるアルバムでもある。ニューウェイヴの中でも、ファンク寄りのリズム感やシンセの使い方が目立つ一方で、演奏の輪郭ははっきりしている。特にDale Bozzioのボーカルは、同時代の他のニューウェイヴ・アクトと比べてもかなり前に出た存在感がある。

収録曲の印象

このアルバムでまず挙がるのは「Words」だろう。シングルとして広く知られ、Missing Personsの名前を大きく押し上げた曲として扱われることが多い。続く「Destination Unknown」や「Walking in L.A.」も、当時の都市的な空気感と、機械的すぎないバンド演奏のバランスが見える代表曲になっている。耳に残るフックが強く、アルバム全体の印象を決めている。

同時代とのつながり

80年代前半のアメリカ西海岸では、XTCやThe Cars、B-52’s、Blondie周辺とは別の形で、ニューウェイヴやシンセポップが広がっていた。Missing Personsは、その中でもロックバンドとしての演奏力を前面に出しつつ、電子的な音色を重ねるタイプのグループとして位置づけられる。Terry Bozzioのタイトなドラムと、Warren Cuccurulloのギターの切れ味は、この時代のニューウェイヴ作品の中でも分かりやすい特徴になっている。

日本盤の仕様

この日本盤は帯付きで、4ページの白黒ゲートフォールド・インサートが付属する。内容は写真、日本語ライナーノーツ、英語と日本語の歌詞で、さらにDaleのライヴショットを使った折りたたみポスターも封入されている。1982年当時の国内盤らしく、作品の情報を補う紙ものがまとまっている構成だ。

まとめ

『Spring Session M』は、Missing Personsの初期像をそのまま示すアルバムで、代表曲の多さも含めてバンドの出発点として見やすい一枚だ。ニューウェイヴの枠組みの中で、シンセの使い方、演奏の硬さ、Dale Bozzioのボーカルがはっきり印象を残す作品となっている。

トラックリスト

• A1 – Noticeable One (3:21)
• A2 – Windows (4:58)
• A3 – It Ain’t None Of Your Business (2:55)
• A4 – Destination Unknown (3:33)
• A5 – Walking In L.A. (3:58)
• A6 – U.S. Drag (3:37)
• B1 – Tears (4:21)
• B2 – Here And Now (3:26)
• B3 – Words (4:22)
• B4 – Bad Streets (3:40)
• B5 – Rock And Roll Suspension (2:36)
• B6 – No Way Out (2:45)

関連動画

• Missing Persons – Walking In L.A. (Spring Session M) (1982 Japanese Vinyl)
• Missing Persons – Destination Unknown
• Missing Persons – Mental Hopscotch
• Missing Persons – Words
• Words – Missing Persons 1982
• Florida Finders Records: Missing Persons- Spring Session M Album
• Vinyl Unboxing: MISSING PERSONS – Spring Session M (Rubellan Remasters, 2022)

The Flower Kings『Waiting For Miracles』について

スウェーデンのシンフォニック・プログレッシブ・ロック・バンド、The Flower Kingsによる『Waiting For Miracles』は、2019年に登場した作品。バンドは1993年、Roine Stoltが自身のソロ作『The Flower King』を支えるツアー・バンドとして立ち上げたもので、その後は北欧プログレを代表する存在のひとつとして活動を続けてきた。長い編成変化を経ながらも、Roine Stoltを軸にした作曲性と大きなスケール感を保ってきたバンドである。

作品の位置づけ

『Waiting For Miracles』は、The Flower Kingsのディスコグラフィーの中でも、2010年代後半の流れに置かれる1枚。現行メンバーとしては、Hasse Fröberg、Roine Stolt、Lalle Larsson、Michael Stolt、Mirko DeMaioの布陣がクレジットされている。メロディ、組曲的な展開、鍵盤とギターの掛け合いといった、このバンドの基本線がそのまま前面に出るタイトルで、2019年時点のバンド像を示す作品として見ることができる。

リリース情報とパッケージ

• リリース年: 2019年
• リリース国: Europe
• レーベル表記: InsideOutMusic / Century Media Records、Foxtrot Music ABとのライセンス契約下
• フォーマット: 180 gram vinyl
• 仕様: ゲートフォールド、歌詞シート付属

この盤は180グラム重量盤のゲートフォールド仕様で、歌詞シートが付属する。CDはダブルのプラスチックスリーブに収められている。EU製で、2019年当時のリリース形態としてまとまっている。

サウンドの印象

The Flower Kingsの作品は、長尺曲の構成、テーマの反復と展開、アンサンブルの密度が聴きどころになりやすいが、本作もその系譜にある。Roine Stoltのギターと、鍵盤のLalle Larssonによる色彩の付け方、Hasse Fröbergのボーカルが軸になり、バンド全体で場面を切り替えていくタイプの作り。単発のフックで押すというより、曲の中で複数のパートをつないでいく感触が強い。

北欧のシンフォニック・プログレという文脈では、Genesis、Yes、King Crimsonといった70年代プログレの影響を引き合いに出されることが多いが、The Flower Kingsはそこに独自のメロディ感覚と現代的な録音感を加えてきたバンドでもある。2019年作の本作も、その路線の延長線上にある1枚と受け取れる。

メンバー面の注目点

本作のクレジットには、過去に在籍したJonas Reingold、Daniel Gildenlöw、Jaime Salazar、Tomas Bodinらの名前も記録されている。The Flower Kingsはメンバーの流動が大きいバンドだが、そうした変遷の中でも、Roine Stoltを中心にした音作りが継続している点は大きい。現行メンバーに加え、過去の主要人物の名前が並ぶことで、バンドの歴史の厚みも見えてくる。

まとめ

『Waiting For Miracles』は、2019年のThe Flower Kingsを示す作品。スウェーデン発のシンフォニック・プログレという土台の上で、長く続いてきたバンドの作法がそのまま反映されたタイトルである。重量盤、ゲートフォールド、歌詞シート付きというフィジカル面も含めて、作品としてのまとまりが感じられる1枚。

トラックリスト

• A1 – House Of Cards
• A2 – Black Flag
• A3 – Miracles For America
• B1 – Vertigo
• B2 – The Bridge
• B3 – Ascending To The Stars
• C1 – Wicked Old Symphony
• C2 – The Rebel Circus
• C3 – Sleep With The Enemy
• C4 – The Crowning Of Greed
• D1 – House Of Cards Reprise
• D2 – Spirals
• D3 – Steampunk
• D4 – We Were Always Here
• D5 – Busking At Brobank
• CD1-1 – House Of Cards (1:55)
• CD1-2 – Black Flag (7:37)
• CD1-3 – Miracles For America (9:54)
• CD1-4 – Vertigo (10:02)
• CD1-5 – The Bridge (5:17)
• CD1-6 – Ascending To The Stars (5:32)
• CD1-7 – Wicked Old Symphony (5:39)
• CD1-8 – The Rebel Circus (5:45)
• CD1-9 – Sleep With The Enemy (5:48)
• CD1-10 – The Crowning Of Greed (4:51)
• CD2-1 – House Of Cards Reprise (1:20)
• CD2-2 – Spirals (5:04)
• CD2-3 – Steampunk (6:21)
• CD2-4 – We Were Always Here (7:36)
• CD2-5 – Busking At Brobank (0:52)

関連動画

• Black Flag
• THE FLOWER KINGS – Waiting For Miracles (Trailer)
• House of Cards
• Miracles for America (Edit)
• Vertigo
• The Bridge
• Ascending to the Stars
• THE FLOWER KINGS – Wicked Old Symphony (Album Track)
• The Rebel Circus
• Sleep With the Enemy

藤竜也 / Tatsuya Fuji

1974年に日本でリリースされた、藤竜也名義の一枚。作品の位置づけとしては、俳優として知られる藤竜也が当時の歌謡・演劇・映像の空気を背負って出したレコードという見方がしやすい内容で、ジャンル表記もNon-Music、Pop、Stage & Screenと、音楽作品というより“場面”や“語り”を含む構成がうかがえる盤だ。

作品の輪郭

スタイルは演歌、歌謡曲、サウンドトラック、テーマ、スポークンワード。日本の70年代前半らしい、歌と語り、劇的な要素が同居するタイプのレコードとして捉えやすい。藤竜也という名前を冠したタイトルそのものが、作品全体を人物像と結びつける作りになっている。

同時代の日本のポップスや歌謡曲の文脈では、俳優がレコードを出すこと自体は珍しくなく、映画やテレビ、舞台と音楽が近い距離にあった時代の産物でもある。そうした中でこの盤は、単なる歌手作品というより、藤竜也という表現者のイメージを音声作品として切り取ったもの、という見方がしやすい。

聴きどころの方向性

実際の音の細部については盤ごとの差もあるが、この種の作品では、メロディを前面に出した歌唱だけでなく、台詞まわしや間の取り方が印象を左右する。歌謡曲的な推進力と、舞台・映像由来の語りのニュアンスが行き来する構成が、この作品の特徴として意識されやすい。

タイトル曲としての「藤竜也」は、作品全体を代表する軸として置かれている可能性が高く、レコードの性格をつかむ入口になりやすい。こうした名義盤では、曲そのものだけでなく、話し方やフレーズの置き方が作品の印象を決めることも多い。

1974年という時代

1974年の日本では、歌謡曲が依然として強い存在感を持ち、映画やテレビの主題歌・挿入歌も広く流通していた。演歌の情緒、歌謡曲の親しみやすさ、そして映像作品との接続が同じ盤面に収まることもあり、このレコードもその時代の空気を反映した一枚として見てよさそうだ。

藤竜也のキャリアを考えると、俳優としての存在感が先に立つ人物であり、そのイメージが音盤に転写された作品という意味でも興味深い。音楽だけで完結するというより、演技や映像の延長線上にある作品として受け取ると、輪郭が見えやすい。

まとめ

『藤竜也』は、1974年の日本で生まれた、歌謡・演劇・映像の境界にあるようなレコード。歌と語り、主題曲的な要素が一体になった、時代色の濃い一枚だ。俳優名義の作品として見ると、その人物像を音声で組み立てるタイプの記録として残る盤でもある。

トラックリスト

• A1 – フランソワースという猫
• A2 – 花と遊ぶゲンゴロウ
• A3 – 夢は夜ひらく
• A4 – 草笛
• A5 – 夜のサングラス
• A6 – 花一輪
• B1 – 酒に浮かべて
• B2 – 乳母車
• B3 – スナック「ジロー」
• B4 – 流れ人
• B5 – 一人酒

Adrian Gurvitz「Sweet Vendetta」（1979）について

「Sweet Vendetta」は、イギリス出身のギタリスト／シンガー、Adrian Gurvitzが1979年に発表した作品。1970年代後半のロックの流れの中で、演奏力のあるギタリストがソロ・アーティストとして前に出てきた時期の1枚として見ておくと分かりやすい作品だ。日本盤は同年リリースで、帯とインサート付きの仕様になっている。

アーティストについて

Adrian Gurvitzは1949年生まれ、ロンドンのStoke Newington出身の英シンガー／ギタリスト。兄弟での活動歴もある人物で、ギタリストとしての色が強い一方、歌も含めて自分の作品を組み立てるタイプのアーティストとして知られている。AllMusicやWikipediaでも、ロック、ポップ寄りの作風の中で活動してきた人物として紹介されている。

作品の位置づけ

1979年という時期は、ハードなロックだけでなく、メロディを前に出したポップ・ロックや、洗練されたアレンジの作品が広く流通していた時代。「Sweet Vendetta」もそうした空気の中に置くと見通しがよい。ギター主体のロックでありながら、曲の輪郭をはっきり聴かせる作りが想像しやすいタイトルだ。

Adrian Gurvitzのキャリアの中では、ギタリストとしての実力を前面に出しつつ、ソングライターとしての側面も意識させる時期の作品として扱えるだろう。ソロ名義のアルバムとして、演奏と楽曲の両方を見せる役割を持った1枚という印象がある。

サウンドと時代感

ジャンル表記はロック、スタイルはポップ・ロック。1970年代末の作品らしく、リズムの押し出しだけでなく、メロディとコーラスのまとまりが重要になるタイプの作品として受け止められる。ギタリストのソロ作にありがちな過度な技巧見せに寄りすぎず、曲としての流れを重視する方向性が見えやすい。

同時代の文脈で見ると、メロディ重視のロックを得意とするアーティストたち、たとえば英国ロックの流れにいるシンガー／ギタリスト系の作品群と並べて語りやすい。派手さよりも、演奏の確かさと楽曲の整った構成が軸になりやすいタイプのアルバムだ。

ヒット曲・代表曲について

この作品については、広く定番曲として知られる1曲を前提に語るより、アルバム全体のまとまりで捉えるほうが自然だ。個々の曲名が独立して大きく流通したタイプというより、1979年のAdrian Gurvitzの音楽性をまとめて聴くための作品という位置づけに近い。

日本盤について

今回の盤は日本リリースで、帯とインサートが付属する仕様。オリジナルと同年の日本盤なので、年代感をずらさずに当時の雰囲気をそのまま味わえる1枚として扱える。日本盤特有の付属物があることで、当時の国内流通盤としての存在感もはっきりしている。

まとめ

「Sweet Vendetta」は、Adrian Gurvitzというギタリスト／シンガーの持ち味を、1979年のロック文脈の中で確認しやすい作品。ポップ・ロック寄りの整理された作り、ソロ・アーティストとしての立ち位置、そして日本盤としての当時性が見どころになるアルバムだ。

トラックリスト

• A1 – Untouchable And Free (4:57)
• A2 – The Wonder Of It All (4:13)
• A3 – Put A Little Love (In Life’s Heart) (6:15)
• A4 – Love Space (4:46)
• B1 – The Way I Feel (5:14)
• B2 – Time Is Endless (3:57)
• B3 – I Just Wanna Get Inside Your Head (3:56)
• B4 – Free Ride (5:26)
• B5 – One More Time (2:50)

関連動画

• Adrian Gurvitz – Love space
• ADRIAN GURVITZ TIME IS ENDLESS ,, from ,, SWEET VENDETTA
• Adrian Gurvitz / The Wonder of It All
• Adrian Gurvitz / Put A Little Love (In Life’s Heart)
• Adrian Gurvitz – The Way I Feel
• ADRIAN GURVITZ i just wanna get inside your head
• One More Time
• Untouchable and Free
• The Wonder of It All
• Put A Little Love (In Life’s Heart)

Vanilla Fudge『Rock & Roll』について

Vanilla Fudgeの『Rock & Roll』は、1969年にUSのAtlantic/Atco系レーベルから出た作品だ。New Yorkで結成されたバンドによる3作目のアルバムで、重いオルガン、厚みのあるギター、ゆったりしたテンポ感を軸にした当時のバンド像がそのまま出ている。もともとカバー曲で存在感を示してきたグループだが、この時期の彼らは既成曲を大きく作り替えるやり方で知られていて、本作もその流れにある。

作品の位置づけ

1965年に結成されたVanilla Fudgeは、60年代後半のアメリカン・ヘヴィ・サイケデリック・ロックを語るうえで外せない存在だ。『Rock & Roll』は、その初期の代表的な時期に置かれる1枚で、バンドの編成はCarmine Appice、Mark Stein、Vince Martell、Tim Bogertの4人を軸にした時代のもの。ここでの演奏は、後のハードロックやプログレ寄りの重厚なアレンジにもつながる、Vanilla Fudgeらしい骨格をはっきり示している。

同時代のロックの中では、The BeatlesやThe Doors、Iron Butterflyなどと並べて語られることが多いタイプの音像だが、Vanilla Fudgeはとくに「ポップな曲を引き延ばして重く鳴らす」手つきで独自性を出している。曲そのものよりも、曲の構造とバンドの鳴りで聴かせるアルバムといえる。

収録曲とクレジット

レーベル表記では、A1、A2、A4、B1がCotillion-Vanilla Fudge名義、A3がScreen Gems-Columbia、B2がUnited Artists、B3がGood Songsの管理下にある。アレンジは基本的にVanilla Fudgeによるもので、「Lord In The Country」の冒頭ファンファーレのみCharles Morrowの編曲とされている。録音はニューヨークのAtlantic Recording Studios。

また、この盤はステレオ録音で、RIAAの高域ロールオフ特性に留意するよう記載がある。1969年当時のアナログ盤らしい表記で、印刷や製造もU.S.A.表記のオリジナル仕様になっている。

音の印象

実際に聴くと、まず耳に入るのは低音の押し出しとオルガンの存在感だ。ギターが前に出すぎるというより、キーボードとリズム隊が厚みを作り、その上にボーカルが乗る作りになっている。テンポは落ち着いていて、各曲の展開も急がない。60年代ロックの中でも、ビート感より重量感を優先した鳴り方だと受け取れる。

一方で、ただ重いだけではなく、カバー曲を素材にしながらフレーズの間を長く取り、曲の輪郭を変えていくやり方が目立つ。原曲を知っていると、どこを伸ばし、どこを強調しているかが聴きどころになる。Vanilla Fudgeの録音に共通する、ゆっくりした進行の中で緊張感を保つ感覚が、このアルバムでもはっきりしている。

同時代とのつながり

1969年は、重いロックの表現が広がっていく時期だ。アメリカではブルース・ロックやハードロックの輪郭が固まりつつあり、イギリスではより轟音寄りのバンドも出てきていた。そんな中でVanilla Fudgeは、サイケデリックな感覚と大きなアンサンブルを結びつける役回りに近い。後の重厚なロックに先行する要素が、すでにかなり明確に入っている。

このバンドは、後年の再編や人員の入れ替わりもあるが、『Rock & Roll』の時点では初期メンバーの強い個性が作品全体を支えている。ベースのTim BogertとドラムのCarmine Appiceのリズムの組み方は、この時代のVanilla Fudgeを語るうえで重要なポイントだ。

まとめ

『Rock & Roll』は、Vanilla Fudgeの初期スタイルをそのまま刻んだ1969年作だ。派手な技巧を前面に出すというより、既成曲をバンドの音で作り替える姿勢、そして重たいアンサンブルの作り込みが見どころになっている。60年代末のアメリカン・サイケデリック・ロックの一断面として、バンドの立ち位置がわかりやすい1枚だ。

トラックリスト

• A1 – Need Love (4:57)
• A2 – Lord In The Country (4:30)
• A3 – I Can’t Make It Alone (4:45)
• A4 – Street Walking Woman (6:00)
• B1 – Church Bells Of St. Martins (4:40)
• B2 – The Windmills Of Your Mind (8:52)
• B3 – If You Gotta Make A Fool Of Somebody (6:00)

関連動画

• Vanilla Fudge – Street Walking Woman
• Vanilla Fudge – If You Gotta Make A Fool Of Somebody
• Vanilla Fudge ~ Need Love ~ (Rm)
• Vanilla Fudge – Lord In The Country
• Need Love (2006 Remaster)
• The WIndmills of Your Mind (2006 Remaster)
• I Can’t Make It Alone (2006 Remaster)