DISQ - Vinyl records review

Flairck – Gevecht Met De Engel (1980)

Flairck『Gevecht Met De Engel』について

『Gevecht Met De Engel』は、オランダのアンサンブル、Flairckが1980年に発表した作品。冬の1979年から1980年にかけて、WeespのDureco Studioで録音されている。Flairckは、ギター・ヴィルトゥオーソのErik Visserを中心に1978年に結成されたグループで、編成を固定しない形で活動してきた。フォーク、ジャズ、室内楽、さらにブルースの要素を含む音楽性で知られ、この作品もその流れの中にある一枚だ。

作品の輪郭

ジャンル表記はClassical、Folk、World, & Country、スタイルはNeo-Classical、Folk。Flairckらしいのは、楽曲の設計にアンサンブルならではの視点があるところで、複数のアコースティック楽器を使いながら、曲ごとにまとまりを作っていく構成。バンドのプロフィールにもある通り、メンバーが書いた音楽をアルバム単位のテーマに沿って組み立てる傾向が強く、この作品もその作り方がうかがえる。

タイトルの“Gevecht Met De Engel”はオランダ語で「天使との戦い」といった意味合いの言葉。作品全体の題名として、舞台作品や組曲を思わせる響きがある。Flairckのアルバムは、曲の並びよりも全体の流れで聴かれることが多いタイプで、この盤もその性格が前面に出ている。

Flairckというバンドの位置づけ

Flairckは、1970年代末から1980年代初頭のヨーロッパで広がった、ロック以外の器楽アンサンブルの潮流の中で語られることが多いグループ。アコースティック中心の編成で、民俗音楽の旋律感と室内楽的な書法を行き来する点は、同時代の民族音楽志向のアンサンブルや、プログレッシブ・フォークの文脈とも近い。オランダ発のグループとしては、緻密なアンサンブルと演劇的な構成に特徴がある。

この1980年作は、Flairckの初期の代表的な時期に置かれる作品のひとつ。バンドの基本的な輪郭、つまりアコースティック楽器を軸にした多層的な編成、旋律主導の展開、テーマ性のある構成が見えやすい時期の記録と言える。

聴きどころ

この作品でまず目を引くのは、楽器の重なり方。ギターを軸にしながら、笛類、弦、打楽器などが入れ替わるように前に出て、固定されたロックバンドの演奏というより、室内楽寄りのアンサンブルとして進む場面が多い。旋律がはっきりしていて、そこに装飾や対旋律が重なる作りがFlairckらしい。

また、フォークの素材をそのまま並べるのではなく、構成を組み立て直していく手つきがある。テンポや拍子の切り替え、音色の交代、静と動の置き方など、楽曲単位での設計がはっきりしている印象だ。実際に聴くと、音の数の多さよりも、どの楽器をどこで置くかという整理の良さが印象に残るタイプの作品。

同時代との関係

1980年前後のヨーロッパでは、フォークを下敷きにしながら、クラシックやジャズの要素を取り込むアーティストが各地にいた。Flairckもその流れにありつつ、オランダらしい端正さと、アンサンブルの組み立てに重点を置く点で独自性がある。比較対象としては、英国のフォーク・プログレ系、あるいは大陸ヨーロッパの器楽アンサンブルの文脈が思い浮かぶ。

ただし、Flairckは歌を前面に出すロックバンドというより、器楽中心の構成で世界を作るグループ。そこが同時代の多くのフォーク・ロック勢とは違うところだ。

リリース情報の整理

アーティスト: Flairck
タイトル: Gevecht Met De Engel
オリジナルリリース年: 1980年
リリース国: オランダ
録音: 1979年冬〜1980年冬、Dureco Studio（Weesp）
ジャンル: Classical / Folk / World, & Country
スタイル: Neo-Classical / Folk

まとめ

『Gevecht Met De Engel』は、Flairckの初期を代表する時期の一枚として、アコースティック編成の細かな組み立てと、テーマ性のある作りが確認できる作品。フォークの旋律感、室内楽的な整理、そしてヨーロッパの器楽アンサンブルらしい構築性が一つの盤にまとまっている。Flairckというグループの性格をつかむうえで、重要な位置にあるアルバムだ。

トラックリスト

A1 – Oost-West Express (4:49)
A2 – De Vlinder (7:25)
A3 – Voor Antoinette (3:08)
A4 – De Stoomwals (7:13)
Gevecht Met De Engel

Vytas Brenner – Hermanos (1974)

Vytas Brenner『Hermanos』について

『Hermanos』は、ベネズエラのギタリスト／キーボード奏者、Vytas Brennerが1974年に発表した作品である。電子楽器、ロック、ラテン、フォーク、そしてベネズエラの伝統音楽を交差させていく彼の初期活動を知るうえで、重要な位置にある一枚といえる。

Brennerは1946年にドイツのチュービンゲンで生まれ、1949年に家族とともにベネズエラへ移住した。のちに米国テネシー州で音楽を学び、電子音楽のコースも修めている。その経歴が示す通り、彼の音楽はローカルな民俗性だけでなく、米国の教育環境で身につけた作曲・編曲の感覚も含んだものになっている。

作品の位置づけ

『Hermanos』は、Brennerが1972年に結成した自身のバンド、La Ofrendaによる活動期と重なる時期の作品である。彼はこの時期から、エレクトリック／エレクトロニックな音色とアコースティック楽器、ピアノを組み合わせ、プログレッシブ・ロック、ラテンのリズム、ベネズエラの伝統音楽をひとつの流れにまとめていった。後年の代表的な仕事へつながる、初期の実験と整理の段階として見ることができる。

音の特徴

ジャンル表記としては Electronic、Rock、Latin、Folk、World & Country にまたがり、スタイルは Folk Rock、Latin、Prog Rock に置かれている。実際にこの時代のBrenner作品を追うと、単純なロック・バンドの演奏だけではなく、鍵盤のレイヤーや電子的な質感が前面に出る場面があり、そこにラテン系のリズムやフォーク寄りの旋律が重なる構成が目立つ。ベネズエラ産のプログレッシブ・ロックとして語られることがあるのも、そのあたりの作りに理由がある。

同時代の文脈で見ると、ラテンアメリカ各地で進んでいたロックのローカライズ、つまり英米由来のロックをその土地の民俗音楽やリズムに接続していく流れの中にある。Brennerの場合はさらに、電子音楽の訓練を受けた人物ならではの音色設計が加わる点が特徴的で、同じく民俗要素とロックを結びつけたアーティスト群の中でも、鍵盤主体の色合いが強い部類に入る。

曲について

この作品に大きく知られたヒット曲があるというより、アルバム全体でBrennerの語法を示すタイプの作品として捉えられる。曲単位での派手なシングル志向というより、連続する編曲や音色の切り替えを含めて聴くと輪郭が見えやすい。

補足

Brennerはその後もLa Ofrenda名義で1970年代を通じて活動を続け、1980年代以降も映画音楽、テレビ、広告、オーケストラとの共演など、幅広い仕事を残している。『Hermanos』は、そうした多方面での活動に先立つ時期の記録として、彼の出発点をよく示す作品である。

ベネズエラのロック史や、ラテン・プログレの流れをたどる際に名前が挙がる一枚。電子的な質感と土着的な要素を同居させた、1974年ならではの実験性が見える作品である。

トラックリスト

A1 – Agua Clara
A2 – Madrugada
A3 – Amanecer
A4 – Danza Con Pájaros
A5 – Gavilán
B1 – Pastos
B2 – Ganado
B3 – Estampida
B4 – Ana Karina Rote
B5 – Sentado En Una Piedra

Aphrodite’s Child – It’s Five O’Clock (1970)

Aphrodite’s Child『It’s Five O’Clock』について

Aphrodite’s Childは、ギリシャ出身のロック・ポップ・サイケデリック・バンドで、1967年から1972年にかけて活動したグループだ。VangelisことEvangelos Papathanassiou、Demis RoussosことArtemios Venturis Roussosを中心に、ヨーロッパ圏で存在感を強めた。

『It’s Five O’Clock』は1970年に発表された2作目のアルバムで、バンドの代表作のひとつとして知られる作品だ。前作『End of the World』の流れを受けつつ、より整理されたポップ感と、当時らしいサイケデリックな色合いが同居している。Aphrodite’s Childのアルバムの中では、初期の勢いと曲作りのまとまりが見えやすい位置づけの一枚といえる。

作品の位置づけ

この時期のAphrodite’s Childは、シングルでの成功とアルバム志向の両方を持っていた。デビュー曲「Rain and Tears」は、パッヘルベルのカノンを下敷きにしたことで知られ、ヨーロッパ各国で大きなヒットになった。その成功を背負いながら作られた2作目が『It’s Five O’Clock』という流れだ。

アルバムタイトル曲「It’s Five O’Clock」は、作品を象徴する曲として扱われることが多い。ほかにも「Annabella」など、メロディを前に出した曲が並ぶ。全体としては、英語圏のポップ・ロックの形式の中に、地中海圏のグループらしい輪郭がにじむ内容だ。

サウンドと聴きどころ

このアルバムでは、ロックのバンド演奏を土台にしながら、サイケデリック・ロックの時代らしい響きが要所に入る。Vangelisの鍵盤は前に出すぎず、曲の骨格を支える役回りが中心だ。Demis Roussosの声は、曲のメロディをそのまま印象づけるタイプで、分かりやすいフックを作っている。

実際に聴くと、派手な展開で押すというより、曲ごとのメロディとコーラスの配置で聴かせる印象が強い。アレンジは1970年前後のポップ・ロックとしては比較的ストレートで、そこに少し歪んだ質感や浮遊感が加わる。サイケデリック期の作品としては、過度に実験的ではなく、曲の輪郭が追いやすい部類だ。

同時代とのつながり

Aphrodite’s Childは、同時代の欧州ロックの中でも、英語で歌うことで国境を越えて広がったグループだ。サイケデリック・ロックやポップ・ロックという軸で見ると、歌メロを重視する点ではThe Beatles以後の英国ポップ、鍵盤主体の組み立てではプログレッシブ・ロック前夜の空気とも接点がある。

ただし、この段階ではまだ大きく実験に振り切ってはいない。後年の『666』で見えるような前衛性はまだ控えめで、まずは楽曲の分かりやすさが前面にある。そういう意味では、バンドの変化の途中にある記録でもある。

再発盤としての見方

今回の日本盤は1978年リリース。オリジナルの1970年盤からは時間が空いている。付属インサート付きという点は、日本盤らしい丁寧な仕様として見てよさそうだ。音楽内容そのものは1970年の作品だが、日本で流通した盤としては、当時の再評価やカタログ整理の文脈で手に取られた可能性がある。

まとめ

『It’s Five O’Clock』は、Aphrodite’s Childの初期を代表するアルバムのひとつで、シングルヒットで知られるバンドのメロディ志向と、サイケデリック・ロック期の空気が同居した作品だ。代表曲「It’s Five O’Clock」を軸に、1970年前後のヨーロッパ産ポップ・ロックの輪郭が見えやすい一枚になっている。

トラックリスト

A1 – It’s Five O’ Clock
A2 – Take Up
A3 – Take Your Time
A4 – Annabella
A5 – Let Me Love, Let Me Live
B1 – Funky Mary
B2 – Good Time So Fine
B3 – Marie Jolie
B4 – Such A Funny Night

The Icicle Works – Evangeline (1987)

The Icicle Works「Evangeline」について

The Icicle Worksは、1980年にリヴァプールで結成されたUKグループで、1983年の「Love is a Wonderful Colour」で広く知られるようになったバンドだ。UKチャートではこの曲が最大のヒットになっている。Ian McNabbを中心に、当時のUKインディー／ロックの流れの中で活動していたグループで、この「Evangeline」は1987年の作品として出ている。

作品の位置づけ

「Evangeline」は、The Icicle Worksの1987年のリリース。バンドの初期の代表曲である「Love is a Wonderful Colour」から数年後の時期にあたり、よりアルバム単位でバンドの輪郭を追う流れの中にある1枚として見える。メンバーにはIan McNabb、Zak Starkey、Richard Naiff、Chris Sharrock、Chris Layhe、Paul Burgess、Roy Corkill、Dave Baldwin、Mark Revell、Dave Greenの名前が並ぶ。

内容と音の印象

収録は4トラック構成の12インチ盤。ロックを基調にした演奏で、インディー・ロックの枠に置かれる作品らしく、ギターの存在感と曲の推進力が前に出るタイプの記録として受け取れる。The Icicle Worksらしい、メロディを軸にした作り込みが見える作品だ。

実際に聴くと、華やかさよりも曲の運びとバンドのまとまりが先に来る。Ian McNabbの作曲家としての感触が前に出やすいバンドだが、この時期の作品でもその性格は保たれている。派手な装飾で押すというより、曲そのものの構成で聴かせる印象。

同時代の文脈

1980年代後半のUKロック／インディーの空気の中では、The Icicle Worksはメジャーな大ヒットを重ねるタイプというより、楽曲の質感で覚えられるバンドのひとつだ。リヴァプール出身という点でも、同じ都市圏から出てきた多くのUKバンドと並べて語られることが多い。

「Love is a Wonderful Colour」がバンド最大のヒットであることを踏まえると、「Evangeline」はその代表曲のような知名度で語られるというより、当時のバンドの活動を追ううえで押さえておきたい一作という位置づけになっている。

初回盤の仕様

初回プレスには巨大なポスターが付属していた。フロント・スリーヴには、ポスター付きの初回盤を示す白いステッカーが貼られており、「4 track 12″ BEG 181 TP includes poster」と記載されている。さらに、両ラベルとも「A SIDE」と表記されているが、B面側はミスプリントになっている。ランアウトはすべて手書き刻印だ。

まとめ

「Evangeline」は、The Icicle Worksの1987年の活動を切り取ったUK盤。初期ヒット「Love is a Wonderful Colour」で知られるバンドの、その後の時期を示す記録として見やすい。ポスター付き初回盤やラベルのミスプリントなど、物としての特徴もはっきりしている。

トラックリスト

A – Evangeline
B1 – Everybody Loves To Play The Fool
B2 – Waiting In The Wings
B3 – Evangeline (Demo Version)

Stone The Crows – Stone The Crows (1970)

Stone The Crows『Stone The Crows』（1970）

Stone The Crowsの1970年作『Stone The Crows』は、スコットランド出身のロック・バンドによるデビュー・アルバムだ。1969年に活動を始め、1973年までの短い活動期間のあいだに4枚のスタジオ・アルバムを残しているが、その最初の1枚がこの作品になる。

メンバーにはMaggie Bell、Leslie Harvey、Jimmy McCulloch、James Dewar、Colin Allen、Ronnie Leahy、Steve Thompson、John McGinnisの名前が並ぶ。ブルース・ロックを軸にしたサウンドで、60年代末から70年代初頭の英国ロックの流れの中に置くと見えてくるバンドだ。

作品の位置づけ

デビュー盤ということもあって、バンドの輪郭を最初に示す役割が強い。Stone The Crowsはのちにいくつかのスタジオ作を出すが、このアルバムではまず、Maggie Bellの歌声と、ギターを中心にしたバンド・サウンドが前面に出る構成になっている。英国のブルース・ロックを語る文脈では、同時代のバンド群と並べて語られることが多いグループのひとつだ。

収録とレコード仕様

この盤はゲートフォールド仕様。ジャケットを開く形の作りで、当時のロック・アルバムらしいパッケージになっている。

レーベル面のクレジットには、A3が著作権管理下にあること、そして「Fred Stumble & The Icelandic Sheep Band」への謝辞が記されている。こうした文言も、70年代初頭のレコードらしい細部だ。

聴きどころとして見える点

このアルバムの核は、やはりMaggie Bellの歌唱にある。ブルースを下敷きにしたロックの中で、声そのものが強い存在感を持つタイプの作品だ。バンド全体としては、ギター、オルガン、リズム隊が前に出る編成で、曲ごとに熱量を保ちながら進む印象がある。

実際に耳を通すと、派手な装飾よりも、演奏のまとまりとボーカルの押し出しが印象に残る。70年という時期の空気、つまりブルース・ロックがハードな方向へ少しずつ寄っていく流れの中で、その場の演奏感を大事にした作りに感じられる。

同時代の文脈

Stone The Crowsは、英国のブルース・ロック系バンドの系譜の中で捉えやすい。女性ボーカルを前面に置いた点でも、同時代のロック・バンドの中では存在感がある。Maggie Bellの名前は、その後のロック・シーンでもしばしば言及される。

また、メンバーの顔ぶれを見ると、のちに別のバンドや活動で知られるミュージシャンも含まれており、当時の英国ロックの流動性も見えてくる。短い活動期間ながら、70年代初頭のロックの一断面を切り取ったような1枚だ。

まとめ

『Stone The Crows』は、Stone The Crowsの出発点となる1970年のデビュー・アルバム。ブルース・ロックを基調に、Maggie Bellの歌を軸へ置いた作品として把握しやすい。バンドの初期像を知るうえで重要な1枚、という位置づけのアルバムだ。

トラックリスト

A1 – The Touch Of Your Loving Hand (6:01)
A2 – Raining In Your Heart (5:10)
A3 – Blind Man (5:09)
A4 – The Fool On The Hill (4:13)
B1 – I Saw America (17:28)

The Church – Heyday (1985)

The Church『Heyday』（1985）

The Churchは、オーストラリアのロック・バンドとして知られるグループで、Steve Kilbeyを中心に1980年に始動した。初期は4人編成を経て、Marty Willson-Piperの加入でギター2本の体制が固まり、以後のバンド像を形づくっていく。その流れの中で出たのが、1985年作の『Heyday』である。

この作品は、The Churchの初期を代表するアルバムのひとつとして扱われることが多い。1985年という時期のバンドは、まだキャリアの土台を固めている段階で、ここでは後年の内省的な側面に向かう前の、演奏の輪郭がはっきりした時期の姿が見える。オーストラリア発のインディー・ロック、ギター主体のロック文脈の中で聴かれてきた作品でもある。

作品の位置づけ

『Heyday』は、The Churchのディスコグラフィーの中でも、初期の勢いとバンドの個性がまとまっている時期のアルバムとして見られる。Steve Kilbeyのソングライティング、Peter KoppesとMarty Willson-Piperのギターの絡み、そして当時のバンドが持っていたバンド・サウンドのまとまりが、この時点でかなり明確になっている。

後の代表曲で広く知られる時代に比べると、ここでは曲ごとのアレンジや演奏の組み立てが前面に出る。The Churchらしい、ギターのレイヤーを軸にした作りが確認できるアルバムという印象で語られることが多い。

同時代の文脈

1985年のロック／インディー・ロック周辺を見渡すと、英国やオーストラリアではギターを中心にしたバンドが多く活動していた時期である。The Churchもその流れの中で、派手な装飾よりも演奏の組み合わせで聴かせるタイプのバンドとして位置づけやすい。

同じくギターの重なりや楽曲の構造で聴かせるバンド群と並べて語られることはあるが、The Churchの場合はSteve Kilbeyの低めの歌唱と、2本のギターが作る線の多い音像が特徴になっている。

収録曲と代表曲について

この時期のThe Churchを語るときは、後年に知られる曲やアルバムとのつながりで触れられることが多い。『Heyday』そのものは、のちの代表曲である「Under the Milky Way」の時代より前の作品で、バンドの基礎体力がよく見える段階にある。

アルバム単位で聴くと、楽曲ごとにギターの配置やリズムの置き方が変わり、バンドの持つ柔らかさと硬さの両方が見える構成になっている。曲単体のヒットで押すタイプというより、アルバム全体の流れで印象を残すタイプの作品として受け止められてきた。

このカナダ盤について

今回の盤はカナダ盤で、WEA Music Of Canada Ltd.による製造・流通。プリントされたインナー・スリーブに歌詞が付く仕様である。1985年のオリジナル時期のリリースなので、当時の空気感をそのまま持つ初期プレスとして扱える。

音の細部やマスタリング差については盤ごとの確認が必要になるが、少なくともこの仕様からは、当時の流通形態とアルバムの初出時の形を追える。ジャケットやインナーを含めて、80年代中盤のロック作品らしいパッケージングになっている。

まとめ

『Heyday』は、The Churchの初期を代表する1985年作で、Steve Kilbeyを軸にしたソングライティングと、2本のギターが作るバンド・サウンドがはっきり出たアルバムである。後年の代表曲へつながるバンドの基礎が見える一枚、といった位置づけで語りやすい作品だ。

オーストラリア発のインディー・ロック、1980年代中盤のギター・バンドの文脈の中で聴くと、The Churchというバンドの輪郭がつかみやすい。

トラックリスト

A1 – Myrrh (4:18)
A2 – Tristesse (3:28)
A3 – Already Yesterday (4:15)
A4 – Columbus (3:48)
A5 – Happy Hunting Ground (5:30)
B1 – Tantalized (4:57)
B2 – Disenchanted (3:53)
B3 – Night Of Light (4:46)
B4 – Youth Worshipper (3:45)
B5 – Roman (3:55)

Eela Craig – Hats Of Glass (1978)

Eela Craig『Hats Of Glass』について

Eela Craigは、1970年代から80年代にかけて活動したオーストリアのロック・バンドで、プログレッシブ・ロックを軸にジャズやクラシックの要素、さらに宗教的な歌詞を取り込んだグループだ。『Hats Of Glass』は1978年に発表された作品で、同年のバンド活動を代表する一枚として位置づけられる。

録音は1977年8月から11月にかけて行われており、オリジナルの発表は1978年。Eela Craigのキャリアを追うと、初期のシンフォニックな志向から、より洗練されたスタジオ作品へと進んでいく流れの中にある作品として見えてくる。

バンドの背景

Eela Craigは1970年にリンツで結成された。初期作ではEmerson, Lake & Palmer、King Crimson、Gentle Giant、Colosseumといった同時代の大物と比較されたことがあり、演奏力と構成の込み入ったロックを持ち味にしていたバンドだ。1972年にはチューリヒ室内管弦楽団との共演も行っており、当時のロック・バンドとしては珍しいオペラハウスでの演奏にもつながっていく。

1975年にはVertigo Recordsと契約し、以後はシングルやアルバムを発表するようになる。1978年は特に重要な年で、宗教的コンセプトを持つ『Missa Universalis』や、クリス・デ・バーグの「A Spaceman Came Travelling」のカバーも同年に出ている。そうした流れの中で『Hats Of Glass』も並ぶ。

作品の内容と聴きどころ

『Hats Of Glass』は、Electronic、Rockを基盤に、Art Rock、Synth-pop、Prog Rockの要素が並ぶ作品として整理されている。Eela Craigらしい鍵盤中心のアレンジと、ロック・バンドとしての推進力が同居するタイプのアルバムだ。

この時期のEela Craigは、シンフォニック・ロックの文脈に置かれやすい一方で、1970年代後半らしいシンセサイザーの比重も見える。プログレッシブ・ロックの長い構成感だけでなく、電子楽器を前に出したサウンドが作品の輪郭を作っている。

また、同時代のプログレ勢と比べると、イギリス勢の大仰さよりも、ドイツ語圏のバンドらしい緻密さや教会音楽的な感触がにじむ。Brucknerや宗教音楽との接点を持つ『Missa Universalis』の存在を踏まえると、『Hats Of Glass』も単なるロック盤ではなく、彼らの幅広い音楽的背景の延長線上にある作品として聴ける。

代表曲・話題曲について

1978年のEela Craigを語るうえでは、同年の「A Spaceman Came Travelling」がよく知られている。こちらはChris de Burgh曲のカバーで、バンドの透明感のあるアンサンブルと相性のよい楽曲として扱われてきた。『Hats Of Glass』自体の中でも、こうしたメロディ重視の感覚や、電子的な響きの扱いにバンドの特徴が出ている。

この時期の位置づけ

『Hats Of Glass』は、Eela Craigが1970年代後半に到達したスタジオ志向のまとまりを示す作品といえる。初期のプログレ的な実験性を引き継ぎつつ、シンセサイザーやロックの推進力を前面に出した時期の記録でもある。

その後、バンドは1980年代前半に活動が停滞し、1987年にはポップ寄りのシングル群を発表、最後のアルバム『Hit or Miss』へ進む。そうした後年の動きを見ると、『Hats Of Glass』は、バンドの中でも70年代的なプログレ路線と電子音響の接点を示す一枚として確認しやすい。

まとめ

Eela Craig『Hats Of Glass』は、オーストリアのプログレ・バンドが1978年に残した電子音とロックの結節点のような作品だ。ジャズやクラシックの影響、宗教音楽への関心、そして同時代のプログレ・バンドと比較される演奏志向が、バンドの背景としてそのまま反映されている。

1977年秋の録音という事実も含めて、70年代後半の空気をそのまま封じ込めた一作として見てよさそうだ。

トラックリスト

A1 – A Spaceman Came Travelling (4:49)
A2 – Hats Of Glass (10:25)
A3 – Chances Are (5:26)
B1 – Heaven Sales (2:53)
B2 – Holstenwall Fair (8:10)
B3 – Caught On The Air (3:52)
B4 – (Remove Another Hat Of Glass And You Could Easily Find Assorted Kinds Of) Cheese (3:30)

Curved Air – Phantasmagoria (1972)

Curved Air『Phantasmagoria』（1972）について

Curved Airは、1970年に結成されたイギリスのプログレッシブ・ロック・バンドで、1972年の『Phantasmagoria』はその初期を代表する作品のひとつだ。バンドの中心にいるのは、ヴォーカルのSonja Kristinaと、Darryl Way、Francis Monkmanらの個性の強い演奏陣。ストリングスやシンセサイザーも含めた編成で、当時の英国プログレらしい実験性と、歌曲としてのまとまりが同居しているアルバムとして知られている。

この作品は、Curved Airの2作目にあたり、前作『Air Conditioning』に続いてバンドの方向性をはっきり示した時期の録音だ。1972年3月、ロンドンのAdvision Studiosで録音され、例外のある曲を除いてそこで制作されている。ジャケットやクレジットからも、当時のスタジオ技術を積極的に使った作品であることが読み取れる。

作品の特徴

『Phantasmagoria』では、ロックの基本形に加えて、変拍子、クラシカルな旋律、電子音響的な処理が前面に出る。曲によってはアコースティックな響きよりも、編集やシンセサイザーの処理そのものが楽曲の構成要素になっている。特にB面の一部では、声をコンピュータで解析・加工したうえで使用しており、当時としてはかなり実験的な制作だ。

録音クレジットを見ると、E.M.S.（London）での作業や、Synthi 100 Synthesizerの使用が記されている。Peter Zinovieffの許可のもとで制作されたトラックもあり、電子音楽の文脈とも接点がある内容だ。プログレッシブ・ロックの中でも、演奏の技巧だけでなく音響処理まで踏み込んだ時期の作品として位置づけやすい。

収録曲にまつわるメモ

この盤のクレジットには、曲ごとの制作上の注記が残っている。

Track A4には「Also featuring Doris the Cheetah」とある。曲のクレジット上の遊び心が見える部分。
Track A5はE.M.S.で録音され、Synthi 100 Synthesizerでシーケンスされたと記されている。
Track B2はSonja Kristinaの声をPDP 8/LコンピュータとSynthi 100で解析・処理した素材のみで構成されていると明記されている。

こうした記述からも、単なるバンド演奏の記録ではなく、スタジオそのものを使った実験が作品の中核にあることがわかる。曲名やクレジットの段階で、すでに音の作り方を見せているアルバムだ。

バンド内での位置づけ

Curved Airは、ヴァイオリンを前に出した編成や、Sonja Kristinaの歌唱で知られるバンドだが、『Phantasmagoria』ではその特徴がかなり明確に出ている。Darryl Wayのヴァイオリン、Francis Monkmanのキーボード、Sonja Kristinaの歌がそれぞれ別の役割を持ちながら、曲ごとに組み替わっていく印象がある。

この時期のCurved Airは、同時代の英国プログレの中でも、YesやGenesisのような大編成の組曲路線とは少し異なり、室内楽的な感触と電子音響をつなげる方向に特徴がある。比較対象としては、音の実験を積極的に取り入れたグループや、ヴァイオリンを含む編成のプログレ・バンドが思い浮かぶ。

代表曲について

『Phantasmagoria』からは、アルバム全体の流れの中で聴かれる曲が多いが、収録曲の中にはバンドの個性を示す楽曲が並ぶ。特定の一曲だけが切り出されるというより、演奏、歌、電子処理の組み合わせでアルバムとして印象が残るタイプの作品だ。ヒット曲中心の作りではなく、作品全体の構成を追う楽しみがある。

日本盤について

この日本盤は1972年のリリースで、バックカバーにはWarner-Pioneerのクレジットが入っている。オリジナルと同年のリリースなので、内容面では当時の作品性をそのまま伝える盤と見てよさそうだ。レコードの流通面では日本国内向けの仕様が付く時代の一枚で、ブックレットやジャケット表記の違いがコレクション上の見どころになることもある。

まとめ

『Phantasmagoria』は、Curved Airの初期を代表する1972年のアルバムで、プログレッシブ・ロックの演奏性と、スタジオ実験の両方がはっきり出た作品だ。ロンドン録音、電子音楽的な処理、Sonja Kristinaの声を素材にしたトラックなど、当時の技術を使い切る姿勢が記録されている。バンドの個性がそのままアルバムの構造になっている一枚、という印象が強い。

トラックリスト

A1 – Marie Antoinette (6:20)
A2 – Melinda (More Or Less) (3:25)
A3 – Not Quite The Same (3:44)
A4 – Cheetah (3:33)
A5 – Ultra-Vivaldi (2:22)
B1 – Phantasmagoria (3:15)
B2 – Whose Shoulder Are You Looking Over Anyway? (3:24)
B3 – Over And Above (8:36)
B4 – Once A Ghost Always A Ghost (Dedicated To Al & Bena) (4:25)

2026.07.18

Vangelis – Hypothesis (1978)

Vangelis『Hypothesis』（1978）について

『Hypothesis』は、Vangelis名義で1978年に出た作品。ギリシャ出身の作曲家、編曲家、キーボード奏者として知られる彼の初期活動を伝える1枚で、電子音楽、ジャズ、ロックの要素が交差する内容になっている。後年の映画音楽や大規模なシンセサウンドで広く知られる以前のVangelisを追ううえで、位置づけの見えやすい作品だ。

作品の背景

本作は1971年5月にロンドンのMarquee Studiosで録音された音源を収めたものとして扱われている。リリースは1978年のUK盤で、レーベル表記はA BYG Recording。グレー地にグリーン文字のラベルで出回った盤として知られている。

VangelisはAphrodite’s Childのメンバーとしても活動した人物で、1970年代前半からソロ名義やコラボレーションを通じて多くの作品を残した。『Hypothesis』は、その中でもかなり早い時期の記録にあたる。

音の印象

演奏の中心には、キーボードを軸にした即興的な流れがある。ジャズ・ロック寄りのリズム感を持ちながら、曲の進行はきっちり整理されるというより、音が連なっていくタイプ。電子的な音色と生楽器の反応が同じ場に置かれていて、実験性の強い作りだ。

後年のVangelisにある、旋律を大きく押し出す書き方とは少し距離がある。ここでは、音の質感や反復、展開のしかたに耳が向く。プログレッシブ・ロックの周辺にあった1970年代初頭の空気も感じやすい。

同時代の文脈

この時期のヨーロッパのロックや電子音楽には、即興性とスタジオ実験を組み合わせる動きが多い。Vangelisの初期作もその流れの中にあり、ジャズ・ロック、実験音楽、プログレッシブ・ロックの境界に立つ作品として見られることが多い。

同時代のアーティストでいえば、電子的なアプローチではクラウトロック周辺、即興性ではジャズ・ロック系のミュージシャンと並べて語られることがある。とはいえ、Vangelisはその後、映画音楽やシンセ主体のソロ作品で独自の位置を作っていくため、『Hypothesis』はその前段階の記録として読むと分かりやすい。

この作品の位置づけ

『Hypothesis』は、Vangelisのキャリアの中でも初期の試みを示す1枚。のちの代表作である『Chariots of Fire』や『Blade Runner』のような、広い空間を思わせるメロディ中心の作風とは異なるが、音響の扱い方や構成の発想には、後年につながる部分も見える。

また、この作品は本人の正式な許可なしに出た音源としても知られている。そうした経緯もあり、1971年の録音時点のVangelisを記録した資料的な性格が強い。

まとめ

『Hypothesis』は、Vangelisの初期を知るうえで重要な作品のひとつ。1971年録音、1978年リリースという経緯を持ち、電子音楽、ジャズ、ロックが交わる実験的な内容になっている。後年の大きな成功作とは別の場所にあるが、彼の出発点に近い姿を伝える1枚として押さえておきたい作品だ。

トラックリスト

A – Hypothesis – Part 1 (16:00)
B – Hypothesis – Part 2 (16:10)

Junior Walker & The All Stars – Peace & Understanding Is Hard To Find (1973)

Junior Walker & The All Stars『Peace & Understanding Is Hard To Find』(1973)

Junior Walker & The All Starsが1973年に発表したアルバム。Motown周辺で活動してきた彼らのディスコグラフィーの中でも、70年代前半の時期を切り取る一枚として位置づけられる作品だ。アーティスト名の通り、中心にいるのはサックス奏者のJunior Walker。そこに Willie Woods、Phillip Wright、James Graves、Jerome Teasley、Victor Thomas が加わる編成で、R&Bとソウルを軸にしたバンド・サウンドを鳴らしている。

アーティストの背景

Junior Walker & The All Stars は、1960年代のMotownを代表するインストゥルメンタル寄りのR&Bグループのひとつ。もともとは「The Rhythm Rockers」として活動し、その後「The All Stars」となり、1961年にHuey P. Meauxの紹介でHarveyレーベルとつながった経緯がある。のちにFuqua系のレーベルがBerry GordyのMotownに吸収されると、1964年からMotown所属となった。

このグループの代表曲として知られるのが1965年の「Shotgun」。サックスのフレーズが前面に出た、短くも強い推進力のある曲としてよく語られる。以後も1972年までチャート上で活動を続け、1979年に解散した。

この作品の位置づけ

『Peace & Understanding Is Hard To Find』は、タイトル曲が初出となる1973年の作品。Junior Walker & The All Starsにとっては、60年代のヒット期を経たあと、70年代のソウル／ファンクの流れの中で作られたアルバムという見方ができる。Motownの看板のひとつとしての役割を担いながら、サックス主体のバンド・サウンドを保っている点が重要だ。

同時代の文脈で見ると、James Brown周辺のファンク、あるいは同じMotown系の緊張感あるソウル作品と並べて語られることがありそうだが、Junior Walkerの場合はやはりリードするサックスの音が中心にある。歌だけで押すというより、楽器の推進力が前面に出る作りが特徴になっている。