Category : Electronic

Mike Oldfield『Étude (Theme From The Killing Fields) (Full Length Version)』について

Mike Oldfieldは、イギリスのマルチ・インストゥルメンタリストであり作曲家として知られるアーティストだ。1973年の『Tubular Bells』で広く注目を集め、1983年には「Moonlight Shadow」がヒットしている。その流れの中で、1984年に登場したのがこの「Étude (Theme From The Killing Fields) (Full Length Version)」である。

本作は、映画『The Killing Fields』のテーマとして書かれた楽曲のフル・レングス版にあたる。Mike Oldfieldらしい、旋律を軸にした構成の中に、エレクトロニックな質感とロックの要素が重なる一曲で、ジャンル表記はElectronic、Rock、スタイルはArt Rockとなっている。

作品の位置づけ

1980年代前半のMike Oldfieldは、長尺の組曲的作品だけでなく、比較的コンパクトな楽曲でも存在感を示していた時期だ。この「Étude」は、その中でも映像作品との結びつきがはっきりした曲として位置づけられる。映画音楽としての性格を持ちながら、単独のレコード作品としても成立している点が特徴だ。

「Moonlight Shadow」のようなヒット曲で広く知られる一方で、こうした作品では、メロディの運びや楽器の重ね方にMike Oldfieldの作曲家としての手つきがよく出ている。派手な展開よりも、テーマそのものをしっかり聴かせるタイプの曲だ。

音の印象

実際に耳にすると、メインの旋律が前面に出てきて、そこへ伴奏のレイヤーが少しずつ積み上がっていく作りが目立つ。ギター中心のロック的な感触と、シンセや鍵盤の冷たい響きが同居していて、1980年代前半らしい録音の輪郭も感じられる。

同じ時代のプログレッシブ・ロック周辺の作品と比べると、演奏の技巧を見せるよりも、曲のテーマ性を保ちながら進む印象が強い。Mike Oldfieldの作品の中では、壮大さよりも、静かな緊張感と旋律の明快さが前に出るタイプといえる。

タイトル表記について

この盤では、表記にいくつか揺れがある。A面ラベルでは「Étude (Theme From “The Killing Fields”) (Full-Length Version)」、ジャケット表面では「Étude (Theme From The Killing Fields) (Full Length Version)」、裏面では「Étude (Full Length Version)」と記されている。レコードを手にしたときに、表記の違いまで含めて見ていく楽しさがある一枚だ。

同時代とのつながり

1980年代の英国のアーティストの中でも、Mike Oldfieldはシンフォニックな構成感とポップな親しみやすさの両方を持つ存在として語られることが多い。映像作品向けのテーマ曲であっても、その作りは単なるBGMに寄らず、独立した楽曲としての輪郭を保っている。

『Tubular Bells』のような長大な作品とは方向性が違うが、作曲家としての個性がはっきり出る点は共通している。1984年のMike Oldfieldを知るうえで、このシングルは重要な一枚といえる。

まとめ

『Étude (Theme From The Killing Fields) (Full Length Version)』は、映画『The Killing Fields』のテーマをもとにした1984年のMike Oldfield作品だ。旋律の明快さ、電子的な質感、ロックの輪郭が同居する内容で、1980年代前半の彼の作風をつかむうえでも見ておきたいタイトルである。

トラックリスト

• A – Étude (Theme From “The Killing Fields”) (Full-Length Version) (4:38)
• B – Evacuation (Full Length Version) (5:10)

関連動画

• Mike Oldfield – Etude – From The Killing Fields – HQ
• Mike Oldfield – Étude (Theme From “The Killing Fields”)
• Evacuation (From “The Killing Fields” Soundtrack / Remastered 2015 / Sinlge Edit)

B.W.H.「Livin’ Up / Stop」について

B.W.H.は、イタリアのイタロ・ディスコ周辺で活動したデュオで、Stefano ZitoとHeleneによる名義。1970年代末から80年代前半にかけて広がったイタロ・ディスコの流れの中で、この名義は「Livin’ Up / Stop」で知られている。1983年にイタリアでリリースされたシングルで、B.W.H.名義としては3作目の制作にあたる。

作品の位置づけ

この曲は、B.W.H.という名前で発表された作品としては後期の位置にある。アーティスト情報では、同じくStefano ZitoとHeleneが関わった別名義の制作も確認できるが、「Livin’ Up / Stop」はその流れの中でB.W.H.名義を使ったものとして整理されている。イタロ・ディスコの定番的な制作体制、つまりプロデューサー主導で作られたシングル作品のひとつという見方がしやすい。

リリース情報

• アーティスト: B.W.H.
• タイトル: Livin’ Up / Stop
• オリジナルリリース年: 1983年
• 盤のリリース年: 2014年
• 国: イタリア
• ジャンル: Electronic
• スタイル: Italo-Disco

2014年盤については、ラベルに「33 Giri」とある一方で、実際には45 RPMで再生する仕様。オリジナルの1983年盤と比べると、少なくともリイシューとして流通した盤であることが分かる。レコードとして手元に置くと、当時のイタロ・ディスコらしいシングル作品を後年に再確認する形になる。

サウンドの印象

実際に聴くと、打ち込み主体のリズムと、シンセのフレーズを軸にした構成が中心になるタイプのイタロ・ディスコ作品として受け取れる。ボーカルやメロディの扱いも、楽曲を前に押し出すというより、リズムと反復の中で進行する作り。80年代前半のイタリア産ダンス・ミュージックに多い、シングル盤ならではの直線的な展開が印象に残る。

タイトル曲「Livin’ Up」と「Stop」の2曲構成で、どちらも同時代のクラブ・シーンやディスコ文脈に接続する内容。大きな編成で押すというより、限られた要素を積み重ねていく作りがこの時代らしい。

同時代の文脈

B.W.H.のような作品は、同時代のイタロ・ディスコを語るうえで、プロデュース・ユニット的な発想を示す例として見やすい。イタリアでは、後に広く知られるダンス・プロジェクトが次々と生まれていくが、その前段階にあるシングル作品群のひとつとして位置づけられる。

派手なヒット曲として広く定着したタイプというより、イタロ・ディスコの流れを支えたシングルの一枚として見るのが自然だろう。Stefano ZitoとHeleneの組み合わせ、そしてB.W.H.という名義の使い方も、この時代のイタリアのダンス・プロダクションらしい点になっている。

ひとこと

「Livin’ Up / Stop」は、1983年のイタロ・ディスコの空気をそのまま切り取ったようなシングル。B.W.H.名義の中では重要な位置にある作品で、後年の再発盤でもその輪郭を確認しやすい1枚になっている。

トラックリスト

• A – Livin’ Up (4:43)
• B – Stop (6:40)

関連動画

• B.W.H – Stop (Longplay)(1983)
• B.W.H. – Livin’ Up (1983)

Logic System『Logic』（1981）について

Logic Systemは、細野晴臣らとの仕事でも知られるシンセサイザー・プログラマー、松武秀樹のプロジェクトである。1981年に発表されたこの『Logic』は、その名義での初期作のひとつで、国産シンセ・ポップ／エレクトロの流れの中に置ける作品だ。

松武秀樹は、1970年代に富田勲のアシスタントとして活動を始め、その後はYMOのシーケンス・プログラミングやモジュラー・シンセのオペレーションで広く知られるようになった人物。YMOの正式メンバーではないが、周辺の制作現場では重要な役割を担ってきた。Logic Systemは、そうしたバックグラウンドがそのまま前面に出たプロジェクトとして捉えやすい。

作品の位置づけ

『Logic』は、松武秀樹が手がけたシーケンサー主導の音作りを、ソロ・プロジェクトの形でまとめた初期の一枚。1980年代前半の日本では、YMO以後のテクノポップ、シンセポップ、エレクトロが広がっていた時期で、その中でこの作品も同時代の空気を共有している。

同じ時代の国産エレクトロ作品と比べると、演奏の手触りよりも機械的な精度やプログラミングの組み立てに目が向くタイプの作品として語られることが多い。松武秀樹の経歴を踏まえると、単なる“YMO周辺”ではなく、シーケンスと音色設計そのものを主役に置いた記録として見えてくる。

音の印象

この作品は、シンセの音色と反復するリズムパターンが軸になっている。細かく刻まれるシーケンス、電子音のレイヤー、メロディの処理が前に出ていて、当時の日本の電子音楽らしい整理された構成が感じられる。派手に押し切るというより、パターンの積み重ねで進む作り。

実際に聴くと、音の配置がかなり明快で、各パートの役割が見えやすい。松武秀樹がプログラマーとして培った感覚が、そのまま作曲とアレンジに反映されている印象がある。

同時代の文脈

1981年という時期は、YMOの影響が国内外に広がり、電子音楽がポップスの現場にも深く入り込んだタイミングでもある。『Logic』は、その流れの中で、シンセサイザーの操作技術やシーケンス技法を前面に出した作品として受け取れる。

比較対象としては、YMO周辺の作品や、当時の日本のテクノポップ、さらに同時代のエレクトロ寄りの制作物が挙がることが多い。とはいえ、Logic Systemは“バンド”というより、松武秀樹の制作思想をそのまま提示するプロジェクトという性格が強い。

リリース情報と現物の特徴

日本盤として1981年に出たオリジナル作品で、帯とインサート付きでリリースされた記録がある。日本オリジナル盤らしい仕様で、当時の国内流通盤としての体裁が整っている。

まとめ

『Logic』は、松武秀樹がYMOの周辺で培ったシーケンサー／シンセの技術を、Logic System名義でまとめた初期の重要作のひとつ。1981年の日本の電子音楽がどこに向かっていたかを、制作の仕組みごと伝える一枚として見えてくる。

トラックリスト

• A1 – Intro (0:40)
• A2 – Unit (4:50)
• A3 – Domino Dance (4:15)
• A4 – (天変地異) Convulsion Of Nature (3:00)
• A5 – XY? (4:15)
• B1 – Talk Back (4:15)
• B2 – Clash (Chinjyu Of Sun) (4:15)
• B3 – Person To Person (4:15)
• B4 – Logic (4:15)

関連動画

• #91- Logic System – Logic (1981)
• Intro
• Unit
• Domino Dance
• Convulsion Of Nature
• XY?
• Talk Back
• Clash (Chinjyu Of Sun)
• Person To Person
• Logic

The Waitresses『Wasn’t Tomorrow Wonderful?』について

The Waitressesは、アメリカ・オハイオ州アクロン出身のニュー・ウェイヴ／ポストパンク・バンド。のちにニューヨークへ拠点を移し、鋭いギター・ワークと、話し言葉に近いボーカル、軽妙なユーモアを含む楽曲で知られるグループだ。本作『Wasn’t Tomorrow Wonderful?』は1982年に登場した作品で、同年リリースの日本盤として流通している。

バンド名を聞いてまず思い浮かぶのは、やはりPatty Donahueのボーカルと、Chris Butlerを中心にしたひねりのある曲作り。The Waitressesは、同時代のニュー・ウェイヴの中でも、単にシンセや速いビートを並べるだけではない、言葉の運びや曲の切り方に特徴があるグループとして語られることが多い。本作も、その輪郭がはっきり出る時期の一枚として捉えやすい。

作品の位置づけ

1982年という時期は、The Waitressesにとって比較的知られた楽曲が広く流通していた時期でもある。代表曲としては「I Know What Boys Like」がよく挙がり、バンドの名前を外へ押し出した曲として扱われることが多い。そうした流れの中で聴くと、『Wasn’t Tomorrow Wonderful?』は、バンドの持ち味をアルバム単位で確認するための作品として見えやすい。

アメリカのニュー・ウェイヴやポストパンクの文脈では、Talking HeadsやB-52’sのように、ロックの基本形をそのままなぞらずに、リズムや言葉の置き方で個性を作るバンドが並ぶ。その中でもThe Waitressesは、より都会的で、少し乾いた感触のある仕上がりが印象に残るタイプだ。

音の特徴

クレジット上のジャンルはElectronic、Rock、Pop、スタイルはNew Wave。実際の印象としては、ロックの骨格を土台にしながら、電子音やキーボードの配置で空気を整え、ポップなフックを曲の中に通していく作り。演奏の熱量を前面に押し出すというより、フレーズの置き方や間の取り方で曲を進める場面が目立つ。

この手のニュー・ウェイヴ作品は、派手さよりも、短い言葉、反復、少しずらしたノリで印象を残すことが多い。本作もその系譜にある一枚として見やすい。Patty Donahueの歌い回しに耳が向く人は多そうで、バンドのユーモアや距離感は、そうしたボーカルの立ち方にも支えられている。

参加メンバーについて

クレジットにはChris Butler、Mars Williams、Ralph Carney、Holly Beth Vincent、David Hofstra、Billy Ficca、Dan Klayman、Tracy Wormworth、Patty Donahue、Stuart Austin、Ariel Warner、Patty Darlingの名が並ぶ。The Waitressesの中心人物としてはChris ButlerとPatty Donahueがまず挙がり、そこにサックスやリズム隊、補助的なプレイヤーが加わる形。ニュー・ウェイヴ期らしい柔軟な編成感がある。

日本盤としての特徴

この日本盤には、歌詞シートと帯が付属する。日本で流通した当時の洋楽LPらしい仕様で、コレクション面でもわかりやすいポイントだ。マスタリングはSterling Soundで行われ、Ze Recordsからのライセンス盤として出ている。

オリジナルの1982年作品として見た場合、日本盤は作品内容そのものに大きな変更があるタイプではなく、当時の国内流通向けのパッケージ違いとして捉えるのが自然だろう。帯や歌詞シートの有無は、聴く体験というより、手元に置く楽しさに関わる要素になっている。

まとめ

『Wasn’t Tomorrow Wonderful?』は、The Waitressesというバンドの個性を、1982年時点のニュー・ウェイヴの空気の中で確認できる作品。アクロン発のバンドがニューヨークへ移りながら形にしていった、言葉の切れ味とリズム感のバランスが、この時期の重要な手がかりになっている。

代表曲で知られるバンドを、アルバム単位で追う入口としても位置づけやすい一枚。派手な大ヒットだけではなく、当時のポップ／ロック／電子音の交差点にあった感触を残す作品として記憶されることが多い。

トラックリスト

• A1 – No Guilt
• A2 – Wise Up
• A3 – Quit
• A4 – It’s My Car
• A5 – Wasn’t Tomorrow Wonderful?
• B1 – I Know What Boys Like
• B2 – Heat Night
• B3 – Redland
• B4 – Pussy Strut
• B5 – Go On
• B6 – Jimmy Tomorrow

関連動画

• I Know What Boys Like – The Waitresses (HQ Audio)
• The Waitresses – I Know What Boys Like (1982)
• THE WAITRESSES- Wasn’t Tomorrow Wonderful
• The Waitresses – Christmas Wrapping (Music Video)
• The Waitresses – No Guilt (Live TV 1982)
• The Waitresses – I Know What Boys Like (Excerpt from the Sitcom “Square Pegs”, 1982)
• No Guilt
• Wise Up
• Quit
• It’s My Car

Guru Guru『UFO』について

Guru Guruは、1968年にドイツで結成されたクラウトロック・バンドで、Mani Neumeierを中心に活動してきたグループだ。政治性や風刺を含んだロックから出発し、その後は実験性の強い作品を次々と発表していく。『UFO』はその初期にあたる1970年の作品で、バンドの出発点を知るうえで重要な一枚として位置づけられる。

この盤は1996年にドイツで出た再発盤で、レーベル表記では1970年録音・1996年発行という形になっている。オリジナル時点の空気をそのまま伝える内容として、初期クラウトロックの流れをたどる際に外せないタイトルのひとつだ。

作品の内容と初期Guru Guruの輪郭

『UFO』には、当時のロックの枠を押し広げるような長尺演奏と、即興的な展開が目立つ。曲ごとの構成に頼るというより、演奏の流れそのものを聴かせるタイプのアルバムで、反復、ノイズ、間の取り方が前面に出る。のちのクラウトロック作品に通じる要素が、この時点ですでにかなりはっきりしている。

バンドの初期はライブ中心で始まり、スタジオ録音に入ったのがこのデビュー作の時期にあたる。以後の作品ではプロデューサーとの協働も始まるが、『UFO』はその前段階にあるため、より荒さと自由度が強く感じられる構成だ。

聴感上の特徴

実際に耳に入るのは、ドラムの推進力、ベースの粘り、ギターや電子音のぶつかり合いだ。ロックのビートを土台にしながら、途中から演奏が崩れたり、別の方向へ逸れたりする。その変化が曲の展開としてそのまま残されている印象がある。

派手なメロディを追う作品ではなく、演奏の持続とズレを楽しむタイプの内容だ。後年の整ったサイケデリック／プログレッシブな録音と比べると、もっと生々しく、ライブ感の強い手触りがある。

同時代の文脈

1970年前後の西ドイツでは、Can、Amon Düül II、Faust、Neu! などと並んで、ロックを英米の模倣から切り離そうとする動きが進んでいた。Guru Guruもその流れの中にいて、特に『UFO』では、後のクラウトロックで定着する反復志向や即興性が、かなり早い段階で見えている。

同時代のバンドの中でも、Guru Guruはユーモアや演奏の暴れ方が前に出る場面があり、同じクラウトロックでも、Canの編集的な緊張感やNeu!の直線的な推進力とは少し違う手触りがある。

アルバムの位置づけ

『UFO』はGuru Guruの初期像をそのまま示す作品だ。のちにメンバー交代を重ねながら活動が続いていくが、この時点では、バンドが何を目指していたのかがかなりはっきり出ている。デビュー作として、グループの基礎を知る入口になっている。

代表曲を一曲で語るというより、アルバム全体の流れで聴く作品だ。タイトル曲を含め、曲単位よりも演奏の連なりが印象に残る内容で、初期クラウトロックの記録として見ても存在感がある。

再発盤について

この1996年盤は、オリジナル1970年盤の再発として流通したものだ。盤面表記にある通り、著作年は1970年、盤の発行は1996年で、ドイツ盤として再度リリースされている。

再発盤では、当時の録音をそのまま聴ける点がいちばん大きい。初期クラウトロックの生々しい演奏と、1960年代末から1970年代初頭の空気が残る一枚として、作品の輪郭はかなり明確だ。

まとめ

Guru Guru『UFO』は、ドイツの初期クラウトロックを語るうえで外せないデビュー作だ。ロック、電子音、即興性がひとまとまりで鳴っていて、バンドのその後の長い活動の出発点にもなっている。作品としては、整った完成度よりも、当時の現場感や実験の始まりが見える内容だ。

トラックリスト

• A1 – Stone In (5:42)
• A2 – Girl Call (6:15)
• A3 – Next Time See You At The Dalai Lhama (6:10)
• B1 – Ufo (10:15)
• B2 – Der LSD-Marsch (8:25)

関連動画

• [FULL] GURU GURU___ UFO 1970

Stardrive『Stardrive』(1974)

Stardriveは、1974年にUSで登場したセルフタイトル作。クレジット上は「Stardrive Featuring Robert Mason」とされていて、Robert Masonを前面に出した形の作品だ。メンバーにはMichael Brecker、Steve Gadd、Harvey Sarch、Jaime Austria、Howard Rego、Robert Masonが並ぶ。

編成を見るだけでも、当時のUSロックの枠を少し広げたような顔ぶれだ。電子的な要素、ロックの推進力、ファンク寄りのリズム感が同居する作りで、スタイル欄にあるFunk、Prog Rock、Ambientの要素がそのまま結びついている印象になる。

作品の輪郭

このアルバムは、1974年という時代らしい、バンド演奏の手触りとスタジオ的な音作りが同じ場所にある1枚として捉えやすい。フュージョン以後の感覚、プログレッシブ・ロックの構成意識、ファンクのリズム処理が交差するタイプの作品だ。電子音を前に出しながらも、演奏者の身体感覚が残るところがポイントになる。

Michael BreckerとSteve Gaddの参加も目を引く。Breckerはサックス奏者としての存在感で知られ、Gaddはタイトなドラミングで多くの録音に名を残した人物だ。この2人が加わることで、作品全体に演奏面の厚みが出ている構図になる。

同時代の文脈

1974年のUSでは、ロック、ファンク、電子音楽の境界が少しずつ曖昧になっていく時期だった。Stardriveもその流れの中に置くと見えやすい。プログレッシブ・ロックの組み立て感と、ファンクの反復するグルーヴ、さらにアンビエント的な広がりを持つ音像が重なるあたり、同時代の実験的なバンドや、クロスオーバー志向の作品群と並べて語られやすいタイプだ。

ただし、前面に出るのは派手なコンセプトよりも、演奏と音の質感のほうだ。ロックのバンド編成を軸にしながら、電子的な処理で空間を作るところにこの作品の特徴がある。

リリース情報

• アーティスト: Stardrive
• タイトル: Stardrive
• オリジナルリリース年: 1974年
• リリース国: US
• ジャンル: Electronic, Rock, Funk / Soul
• スタイル: Funk, Prog Rock, Ambient

まとめ

『Stardrive』は、1974年のUSで生まれた、ロックとファンクと電子音の接点にあるアルバムだ。Robert Masonを中心に据え、BreckerやGaddを含む演奏陣が参加している点も含め、当時のクロスオーバー感覚をそのまま映したような1枚として見えてくる。セルフタイトル盤らしく、まずはバンドの輪郭そのものを示す作品という位置づけになっている。

トラックリスト

• A1 – Funkascensions (5:28)
• A2 – Ballad I (2:23)
• A3 – Jupiterjump (7:40)
• B1 – Pulsar (5:47)
• B2 – Ballad II (2:36)
• B3 – Air Sauce (5:37)
• B4 – Ballad III (3:14)
• B5 – Journey (6:55)

関連動画

• Stardrive – Pulsar 1974.
• Stardrive – Ballad (I)
• Stardrive – Funkascensions. Classic funky fusion with 2 ARP 2500 synths.
• Stardrive – Ballad (III)
• Ballad (II)
• Jupiterjump
• Air Sauce
• Stardrive – Journey

Vangelis名義で知られるEvangelos Papathanassiouの「Ignacio」

ギリシャ出身の作曲家、Evangelos PapathanassiouことVangelisによる「Ignacio」は、1977年に再びこのタイトルで世に出た作品だ。電子音楽、モダン・クラシカル、アンビエントの要素を含む内容で、Vangelisらしい鍵盤中心の響きと、映像作品を思わせる構成感が前面にある。

この作品はもともと1975年に「Can You Hear The Dogs Barking?」およびフランス語表記の「Entends-tu Les Chiens Aboyer?」として出ていたものが、1977年の再発で「Ignacio」という題名になったもの。タイトルはメキシコ映画「No Oyes Ladrar Los Perros?」の主人公名に由来する。オリジナルの時点から、作品の性格そのものは既に固まっていたと見てよさそうだ。

作品の位置づけ

Vangelisは、1970年代のプログレッシブ・ロック周辺から、のちの映画音楽やアンビエント寄りの作風まで広く知られる人物だが、「Ignacio」はその中でも初期の電子的、室内楽的な感触を持つ時期の一枚として捉えやすい。大げさな展開で押すというより、音の重なりや余韻で進むタイプの作品で、後年の映像音楽につながる手つきも見える。

同時代の電子音楽やプログレ周辺の作家と比べると、シンセのスペックを見せる方向よりも、旋律の置き方や和声の運びを重視する印象がある。たとえば、同じく鍵盤主体の音作りを展開した作家たちの中でも、Vangelisはアコースティックな響きの残し方がはっきりしている。

盤としての1979年版

今回の盤は1979年リリースのものだが、作品そのものは1977年に「Ignacio」として出たものとして扱うのが自然だろう。1979年の盤は、その後の流通上の再プレスや再発にあたる位置づけで、内容面では1977年版の延長線上にある。Vangelisの初期作品では、こうしたタイトル変更や再発がしばしば見られる。

音の印象

実際に聴くと、派手なリフや強いビートで引っ張るタイプではなく、音の層がゆっくり重なる流れが中心だ。電子音だけで冷たくまとめるのではなく、鍵盤の響きに温度が残っているのが特徴的。短いフレーズの反復や、余白を使った進行が目立ち、映像のない場面にも風景が立ち上がるような作りになっている。

代表曲として広く知られた定番曲が前面にある作品ではないが、Vangelisの初期の語法を追ううえでは、のちの大作に通じる断片が詰まった一枚として見ることができる。映画音楽寄りのドラマ性と、アンビエント寄りの静けさ、その両方の間に置かれた作品という印象だ。

まとめ

「Ignacio」は、Vangelisの初期電子音楽の輪郭をつかむうえで外せないタイトルのひとつだ。1975年の初出から題名を変え、1977年に「Ignacio」として再登場した経緯も含めて、作品の流通史そのものにVangelisらしさがある。1979年盤は、その流れを受けた日本盤として位置づけられる。

トラックリスト

• A – Ignacio
• B – Entends-Tu Les Chiens Aboyer?

関連動画

• Entends Tu Les Chiens Aboyer? (Pt. 1)
• Entends Tu Les Chiens Aboyer? (Pt. 2)

Tangerine Dream『White Eagle』（1982）について

『White Eagle』は、Tangerine Dreamが1982年にVirgin Recordsから発表したアルバム。ベルリン・スクール系電子音楽の流れを代表するバンドが、1980年代前半に進めていたシーケンサー主体のスタイルをそのまま押し出した作品だ。録音とミックスは1982年1月、ベルリンで行われている。

Tangerine Dreamは、Edgar Froeseを中心に1967年のベルリンで始まったグループで、初期の実験性から、のちにはシンセサイザーとシーケンサーを軸にした構成へと発展していった。1970年代半ばのVirgin期に築いた音作りは、のちの電子音楽やアンビエント、映画音楽にもつながる重要な土台になっている。

1982年時点のTangerine Dream

この時期のTangerine Dreamは、Edgar Froese、Christopher Franke、Johannes Schmoellingの編成。1970年代後半までの長尺で浮遊感の強い展開から、よりリズムの輪郭がはっきりした曲作りへと移っていた時期にあたる。『White Eagle』もその流れの中にあるアルバムで、シーケンスの反復とメロディの整理された配置が印象に残る一枚だ。

同時代の電子音楽としては、同じくシンセサイザーを前面に出したクラウトロック周辺の系譜や、映画音楽へ接近していく80年代初頭の電子作品と並べて語られることが多い。Tangerine Dreamの場合は、ミニマルな反復と叙情的な旋律の両方を持ち込むところが特徴になっている。

作品の位置づけ

『White Eagle』は、1970年代の代表作群の延長線上にありつつ、1980年代前半のTangerine Dreamらしさをよく示す作品として扱われることが多い。バンドがこの時期に進めていた、より明快なビート感と整った構成への移行を確認できる内容だ。のちのサウンドトラック仕事が増えていく前段階として見ることもできる。

聴きどころ

このアルバムでは、シーケンサーの反復が曲の骨格を作り、その上に音色の層が重なっていく。電子音の動きが細かく変化しながら進むため、同じフレーズの繰り返しでも単調になりにくい。Tangerine Dreamの作品に慣れている人なら、音の密度やリズムの置き方に1982年らしい整理された感触を見つけやすいはずだ。

タイトル曲「White Eagle」は、この作品を代表する曲として知られる。アルバム全体の方向性を端的に示す存在で、冒頭から電子音のレイヤーと推進力のある展開が続く。曲名を冠した中心曲として、アルバムの印象を決める位置にある。

まとめ

『White Eagle』は、Tangerine Dreamがベルリン・スクール由来の電子音楽を1980年代の形に整えていった時期の一作。1982年のベルリン録音、Virgin期の作品、そしてバンドの編成がまとまっていた時期の記録として見ても分かりやすい。シーケンサー主体の構成、明瞭なリズム、そしてタイトル曲を軸にしたアルバムとして、Tangerine Dreamの80年代前半を語るうえで外しにくい作品だ。

トラックリスト

• A1 – Mojave Plan (19:55)
• B1 – Midnight In Tula (3:52)
• B2 – Convention Of The 24 (9:27)
• B3 – White Eagle (4:30)

関連動画

• Mojave Plan (1995 Remaster)
• Midnight In Tula (1995 Remaster)
• Convention Of The 24 (1995 Remaster)
• White Eagle (1995 Remaster)

Ozric Tentacles『The Hidden Step』について

Ozric Tentaclesの『The Hidden Step』は、2000年に発表された作品で、English progressive/space/psychedelic rock bandとして知られる彼らのディスコグラフィーの中でも、2000年代初頭の流れを示す1枚。バンドは1983年にイングランド・サマセットで結成され、Ed Wynneを中心に長く活動を続けてきた。メンバーの入れ替わりが多い一方で、Ed Wynneが一貫して核を担っている点は、この作品を聴くうえでも押さえておきたいところ。

2023年盤として出ているこのレコードは、オリジナルの2000年版からかなり後年の再発盤にあたる。盤面のリリース国はEurope、Made in Germanyの表記あり。オリジナル盤と比べた細かな仕様差については、ここでは確認できる範囲の情報に限れば、基本的には作品そのものは2000年作として扱うのが自然だ。

作品の位置づけ

Ozric Tentaclesは、電子音響的な要素とロックの演奏感を結びつけたサウンドで知られるバンドで、長いキャリアの中で30作以上のアルバムを残している。『The Hidden Step』もその流れの中にある作品で、スペース・ロック、アンビエント、サイケデリックな感触が前面に出る1枚。派手な歌もの中心というより、音の流れや展開を追うタイプのアルバムとして受け取られてきた作品だ。

同時代の文脈でいえば、プログレッシブ・ロック、ジャム感のあるサイケデリック・ロック、シンセやシーケンスを使ったインストゥルメンタル作品の延長線上に置かれることが多い。比較される名前としては、同じく宇宙感や長尺の展開で語られるバンドや、70年代プログレの流れを現代的に引き継ぐグループが挙がりやすい。とはいえ、Ozric Tentaclesはその中でも、より電子的な質感とリズムの反復を前に出す点が特徴的だ。

聴きどころ

この作品は、曲ごとの起伏を細かく追うというより、アルバム全体の流れで聴くと輪郭がつかみやすい。ギター、キーボード、ベース、パーカッションが重なりながら、空間を広げるように進んでいく構成が中心。フルートが入ることで、ロック寄りの演奏に有機的な抜け感が加わる場面もある。

実際に聴くと、音の密度は高いのに、各パートが単純にぶつかり合うだけではなく、細かいフレーズの受け渡しで流れを作っているのがわかる。Ed Wynneのギターとシンセまわりの処理が、楽曲の推進力を支える場面が多い印象。静かなパートからテンポを上げる場面まで、演奏の切り替えが明快で、インストゥルメンタル・ロックとしてのまとまりがある。

収録曲と代表曲について

『The Hidden Step』は、特定のヒット曲を軸にした作品というより、アルバム単位での聴取が前提になりやすいタイプの作品だ。Ozric Tentaclesの代表曲として広く語られる曲がある場合でも、この作品そのものは「この曲だけが有名」というより、アルバム全体のサウンドで覚えられている印象が強い。

そのため、初めて触れる場合も、1曲だけ切り出すより、全体を通して聴くことでバンドの持ち味が見えやすい。スペース・ロックらしい反復、アンビエント寄りの広がり、ギター主体の推進感が、まとまって入ってくる構成だ。

バンドの中での意味

Ozric Tentaclesは、長い活動の中で編成を変えながらも、Ed Wynneを中心に作品を積み重ねてきた。『The Hidden Step』は、その継続性の中で制作された2000年作として、バンドの持つ電子的・実験的な方向性と、ロックバンドとしての演奏力の両方が見えるタイトル。のちの再発盤で手に取る場合でも、当時の流れを知る入口として機能する作品だ。

まとめ

『The Hidden Step』は、Ozric Tentaclesらしい空間処理と演奏の流れが前に出た2000年作。派手な歌ものではなく、音の重なりと展開で聴かせるアルバムで、スペース・ロックやアンビエント寄りのロックが持つ構造を、バンドの手つきでまとめた1枚といえる。

2023年盤は、2000年オリジナルの再発として受け取るのが自然。Made in Germany表記のあるヨーロッパ盤として、作品の現行流通に入っているタイトルだ。

トラックリスト

• A1 – Holohedron
• A2 – The Hidden Step
• A3 – Ashlandi Bol
• A4 – Aramanu
• B1 – Pixel Dream
• B2 – Tight Spin
• B3 – Ta Khut

関連動画

• Holohedron
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Kano『New York Cake』（1981年）について

Kanoは、1980年代前半のイタリアン・ディスコ、いわゆるイタロ・ディスコの流れを語るうえで外せないプロジェクトだ。イタリアのプロデューサー、作曲家、ミュージシャンたちによる集団で、Glen Whiteのソウル寄りのボーカルを軸に、ダンスフロア向けの曲をいくつも残している。『New York Cake』は1981年にリリースされた作品で、Kanoの初期3作の中でも後期にあたる一枚になる。

この時期のKanoは、ディスコの延長線上にありながら、打ち込み感の強いリズムやシンセの使い方で、のちのエレクトロやブレイクダンス期へつながる感触を持っている。イタロ・ディスコの起点のひとつとして見られることが多いのも、そのあたりの動きが大きい。

作品の位置づけ

『New York Cake』は、Kanoの1981年作として位置づけられるアルバムで、同グループの初期キャリアの流れを追ううえで重要な一枚だ。1980年の「I’m Ready」や「It’s A War」でクラブヒットを出したあと、1981年の本作では、当時のダンス・ミュージックの語法をさらに整理したような印象がある。

録音はイタリア・ミラノのG.R.S. Studiosで行われている。制作の中心にはStefano Pulga、Luciano Ninzatti、Matteo Bonsanto、そしてGlen Whiteの名前が並ぶ。Mirage Recordsからのリリースで、1981年のUS盤として出ている。

サウンドの印象

実際の楽曲は、ビートの輪郭がはっきりしていて、ベースラインとシンセの反復が前に出る作りになっている。Kanoらしいのは、機械的なリズムだけで押し切らず、ボーカルにR&B寄りのニュアンスが残っているところだ。ディスコの華やかさよりも、クラブで長く回ることを意識した構成に近い。

同時代の比較でいえば、同じくイタロ・ディスコの文脈にあるプロジェクト群や、USのブギー、さらにロボット感のある初期エレクトロの間をつなぐ感触がある。派手さで押すタイプというより、リズム、シンセ、ボーカルの配置で場を作る作品という印象。

代表曲との関係

Kanoを代表する曲としては「I’m Ready」「It’s A War」がよく知られている。これらはクラブ向けの反応が強く、Kanoの名を広めた重要曲だ。本作『New York Cake』も、その流れの中にある作品として捉えられる。アルバム単位で聴くと、ヒット曲で知られる前後のサウンドの整理が見えやすい。

盤の情報

• アーティスト: Kano
• タイトル: New York Cake
• オリジナルリリース年: 1981年
• リリース国: US
• レーベル: Mirage Records
• 録音: G.R.S. Studios, Milano, Italy
• ジャンル: Electronic, Funk / Soul
• スタイル: Italo-Disco, Boogie

まとめ

『New York Cake』は、Kanoがイタロ・ディスコの初期を代表する存在として見られる理由を確認しやすい作品だ。ディスコの延長、ブギーの感覚、そしてエレクトロへ向かう手前の空気が同居している。1981年という時期のダンス音楽の変化を、イタリア制作のプロジェクトがUS市場に向けて形にした一枚として読むこともできる。

トラックリスト

• A1 – Can’t Hold Back (Your Loving) (4:45)
• A2 – She’s A Star (5:50)
• A3 – Baby Not Tonight (6:58)
• B1 – Party (5:55)
• B2 – Round And Round (4:59)
• B3 – Don’t Try To Stop Me (7:00)

関連動画

• Kano – Can’t Hold Back Your Loving
• Kano – She’s a Star
• Kano – Baby Not Tonight
• Kano – Party
• Kano – Round and Round
• Kano – Don’t Try To Stop Me
• Kano – Can’t Hold Back Your Lovin’
• Kano – Baby Not Tonight
• Kano – Can’ t hold back (album version)

Birdsongs Of The Mesozoic『Faultline』（1989）

Birdsongs Of The Mesozoicは、1980年に結成されたUSのバンドで、もともとはMission of BurmaのRoger MillerとMartin Swopeによるサイドプロジェクトとして始まったグループだ。Mission of Burma解散後は本格的な活動体になり、1980年代後半には編成を入れ替えながら活動を続けていく。『Faultline』は1989年にリリースされた作品で、バンドのその時点での到達点を示す一枚として位置づけられる。

作品の輪郭

この作品は、ElectronicとRockを軸にしながら、Alternative Rock、Future Jazz、Prog Rockの要素を含む。Birdsongs Of The Mesozoicらしい、ロックの編成感とアンサンブル主体の組み立てが前面に出るタイプの作品として捉えやすい。

メンバーにはMartin Swope、Ken Field、Steve Adams、Erik Lindgren、Michael Bierylo、Roger Miller、Rick Scottの名前が挙がっている。プロフィール上では、Roger Millerは1987年に脱退し、Ken Fieldが加わり、Martin SwopeもMichael Bieryloに交代しているため、『Faultline』はそうした編成変化の流れの中にある作品でもある。

バンドの文脈

出自をたどると、Birdsongs Of The MesozoicはMission of Burma周辺の流れから生まれたバンドで、パンクやオルタナティヴの系譜に接点を持ちながら、より器楽的で構成の細かい方向へ進んでいったグループとして知られている。こうした背景は、同時代のUSオルタナティヴ・ロックの中でも少し異なる位置づけにつながっている。

同時代の文脈で見ると、単純なバンド・サウンドというより、室内楽的な組み立てや変拍子、音色の切り替えを重視するタイプのロックに近い。比較対象として名前が挙がりやすいのは、実験性の強いロック・バンドや、ジャズ寄りの発想を持つインストゥルメンタル・グループあたりだろう。

聴きどころの見方

実際に聴くと、演奏の重心は歌よりもアンサンブルにある印象になりやすい。リズムの細かな動き、キーボードや管楽器的な音の置き方、曲ごとの構成の組み替えが耳に入りやすいタイプの作品だ。ロックの推進力と、ジャズや現代音楽に接するような整理されたフレーズ感が同居しているところが、このバンドらしい特徴として受け取られやすい。

代表曲や大きなヒット曲については、この作品に関して一般的に広く知られた一曲を前提に語られることはあまり多くない。アルバム全体の流れや曲間の構成を含めて聴かれることが多いタイプの一枚といえる。

まとめ

『Faultline』は、Birdsongs Of The MesozoicがMission of Burmaの延長線上から独立した表現へ進んでいく過程にある1989年作だ。USオルタナティヴの文脈にありながら、電子的な質感、ロックの編成感、ジャズやプログレッシヴ・ロックの構成意識を一枚に収めた作品として見えてくる。

トラックリスト

• A1 – The True Wheelbase (2:59)
• A2 – They Walk Among Us (3:35)
• A3 – Coco Boudakian (5:47)
• A4 – I Don’t Need No Crystal Ball (3:20)
• A5 – Chariots Of Fire (2:46)
• B1 – Faultline (4:41)
• B2 – On The Street Where You Live (4:05)
• B3 – Maybe I Will (6:08)
• B4 – There Is No One (3:44)
• B5 – Slo-Boy (4:26)

関連動画

• Birdsongs of the Mesozoic – True Wheel

Severed Heads「Dead Eyes Opened」について

Severed Headsは、1979年にシドニーで始まったオーストラリアのグループだ。初期はテープループやノイズ寄りの電子音を使ったインダストリアル色の強い作品で知られ、その後は4/4のリズムやメロディ、ドラムマシンを取り入れて、エレクトロやシンセポップに接近していく流れがある。

「Dead Eyes Opened」は、その転換期を代表する曲として扱われることが多い。1984年にシングルとして広く知られるようになり、Severed Headsがダンス・ミュージック寄りの文脈でも語られるきっかけになった楽曲だ。

作品の位置づけ

この曲は、1983年のカセット作品「Since The Accident」に収められた“つなぎ”のような短い楽曲から発展したものだという。もともとはC-60の空きを埋めるために最後に加えた曲だったが、シドニーの非商業ラジオ局でよく流れ、12インチ・シングル化が求められた。

つまり、バンドの中では偶然性の強い入口から、代表曲の一つへ上がっていった作品という見方ができる。Severed Headsの、実験音楽からポップ寄りの構成へ移っていく流れを示す曲でもある。

曲の内容と録音

12インチ版では、Tom EllardとプロデューサーのPatrick GibsonがM SquaredスタジオでマルチトラックをEQやディレイ処理に通して仕上げたとされる。リズムはTR-808、シンセはSH-1、上昇するような音やストリングスにはKORG PolySix、ソロにはCasiotoneをオクターバー・ペダル経由で使っている。

曲の語りは、BBCラジオ番組「Scales of Justice」でEdgar Lustgartenが読んだ「Death on the Crumbles (1924)」の音源を使ったものだ。実際の1924年の二重殺人事件に触れる内容で、犯罪ルポの声と機械的なビートがぶつかる構成になっている。

実際に聴くと、テンポは一定で、打ち込みの輪郭がはっきりしている。声の引用が前に出る一方で、低音のリズムと電子音が曲を引っ張るので、ポップな耳当たりと不穏さが同じ曲の中に並ぶタイプだ。

B面の収録曲

この盤のB面には、Tom Ellardによるソロ曲「Bullet」と「Mount」が収められている。どちらも1982年にTerse Tapesで録音されたものだという。A面の「Dead Eyes Opened」に比べると、より個人的な電子音楽のスケッチとして聴ける構成だ。

1984年当時の文脈

Severed Headsは、同時代のインダストリアルやエレクトロの流れの中でも、Throbbing Gristleのような初期実験性と、後のEBMやシンセポップの整ったビート感のあいだに位置するグループとして見られやすい。NettwerkやVolitionといったレーベル周辺で活動し、北米でも流通していた点も含めて、地下的な電子音楽が少し広い層に届いていく時期の作品だ。

Severed Headsの中では、「Dead Eyes Opened」は初期の実験色と、後のダンス志向が交差する代表例といえる。のちの活動を知っていると、ここで既に“曲として機能する電子音楽”へかなり踏み込んでいるのがわかる。

2014年盤について

このレコード盤は2014年リリースのものだが、音源そのものは1984年の作品として扱われる。盤には折りたたみ式の新聞紙ポスターが付属し、片面にArt UnitのスカルTシャツを着たバンド写真、もう片面にライナーノーツとプレス記事が載っている。

再発盤としては、当時の資料性を強めた仕様という印象がある。音源の価値だけでなく、当時のバンドの見え方やメディア反応まで含めて残そうとした形だ。

まとめ

「Dead Eyes Opened」は、Severed Headsが実験音楽からエレクトロ／シンセポップの文脈へ広がっていく中で、特に知られるようになった楽曲だ。犯罪番組の音声サンプル、TR-808のリズム、古いシンセの音色がまとまっていて、1980年代前半の電子音楽の動きがそのまま刻まれているような1枚だ。

トラックリスト

• A – Dead Eyes Opened (6:35)
• B1 – Bullet (2:45)
• B2 – Mount (2:17)

関連動画

• Severed Heads – Death eyes opened – (1984)
• Mount

A Flock Of Seagulls『A Flock Of Seagulls』について

A Flock Of Seagullsのデビュー・アルバム『A Flock Of Seagulls』は、1982年に発表された1枚で、ニューウェーブとシンセポップの流れの中でもよく知られた作品だ。バンドはイギリス・リバプールでマイク・スコアと弟のアリ・スコアを中心に始まり、80年代前半の空気を強くまとったサウンドで存在感を示した。

このアルバムはバンドにとって最初の長編作品であり、後の代表曲をまとめて確認できる初期の基盤でもある。US盤では「Tokyo」が外れている構成で、収録内容に地域差がある点もこの時代のレコードらしいところだ。

作品の位置づけ

本作は、A Flock Of Seagullsの名前を広く知らしめた出発点として扱われることが多い。アルバムからは複数のシングルが切られており、発売順としては「Telecommunication」「Modern Love Is Automatic」「I Ran」「Space Age Love Song」が並ぶ。

特に「I Ran」は、このバンドを語るうえで外しにくい代表曲だ。シンセの輪郭がはっきりしたイントロと、ギターの細いフレーズが前面に出る作りで、ニューウェーブの中でも識別しやすい楽曲になっている。「Space Age Love Song」も含め、アルバム全体の印象を決める中心曲として機能している。

サウンドの印象

この時期のA Flock Of Seagullsは、シンセサイザーを土台にしながら、ポール・レイノルズのギターが音の輪郭を作る形が特徴的だ。ベースとドラムは直線的に進み、ボーカルはマイク・スコアの高めで乾いた響きが前に出る。音数は多くないが、各パートの配置がはっきりしていて、80年代初頭のスタジオ録音らしい整理された質感がある。

同時代のニューウェーブやシンセポップの文脈で見ると、デュラン・デュランやトンプソン・ツインズのようなポップ性の強い流れと並べて語られることがある一方で、A Flock Of Seagullsはギターの処理や空間の使い方に独特の癖がある。派手さよりも、音の配置と反復で覚えさせるタイプの作りだ。

収録曲とシングル

オリジナル盤は1982年4月9日発売。UKアルバムチャートには4月17日に入っており、最高32位を記録している。シングルは以下の4曲。

• 「Telecommunication」
• 「Modern Love Is Automatic」
• 「I Ran」
• 「Space Age Love Song」

とくに「Modern Love Is Automatic」は、12インチ・シングル版で別構成の収録があったことでも知られる。こうした形で当時のクラブ向けフォーマットや拡張ミックスの文化と接続していた点も、この時代の作品らしい。

US盤としての特徴

今回のUS盤は、Aristaからの流通で、Hauppauge Record Manufacturing Ltd.によるプレスが示されている。表記上は1982年の盤で、オリジナル発売年と同じ時期のリリースにあたる。US/Canada盤では「Tokyo」が省かれているため、曲順と収録内容に違いがある。

クレジット面では、全曲がZomba Enterprises, Inc.（BMI）出版、℗表記は曲ごとに1981年と1982年が混在している。制作の積み重なりがそのまま残っている形だ。

アーティストとしての意味合い

A Flock Of Seagullsは、1979年にリバプールで始まったグループで、1980年代前半に活動の核がある。オリジナル編成はマイク・スコア、ポール・レイノルズ、アリ・スコア、フランク・モーズリー。のちに再結成や別編成での活動もあるが、このデビュー作はやはりオリジナル期の輪郭を最もはっきり伝える。

2018年にはオリジナル・ラインナップでオーケストラ作品『Ascension』を制作し、2021年にも『String Theory』を制作しているが、そうした後年の動きと比べると、本作はバンドの原型が最もストレートに出ている時期の記録といえる。

まとめ

『A Flock Of Seagulls』は、1982年のニューウェーブ／シンセポップの空気をそのまま掴めるデビュー・アルバムだ。代表曲「I Ran」を中心に、シンセとギターの役割分担が明確で、曲ごとの輪郭もはっきりしている。US盤では「Tokyo」が省かれているため、聴き比べると構成差も確認できる1枚になっている。

トラックリスト

• A1 – I Ran (3:58)
• A2 – Space Age Love Song (3:46)
• A3 – You Can Run (4:28)
• A4 – Don’t Ask Me (2:46)
• A5 – Messages (2:51)
• B1 – Telecommunication (2:31)
• B2 – Modern Love Is Automatic (3:49)
• B3 – Standing In The Doorway (4:41)
• B4 – D.N.A. (2:30)
• B5 – Man Made (5:38)

関連動画

• A Flock Of Seagulls – Space Age Love Song (Official Music Video)
• I Ran (So Far Away)

The Cosmic Jokers『Planeten Sit-In』について

The Cosmic Jokersは、Klaus Schulze、Manuel Göttsching、Harald Grosskopf、Dieter Dierks、Jürgen Dollaseらが関わったドイツのスペース・ロック／エクスペリメンタル・プロジェクトだ。1973年のセッション素材をもとに1974年に作品化され、後年にはコスミッシェ・ムジーク文脈の重要作として語られることが多い。

『Planeten Sit-In』は、そのThe Cosmic Jokersの一枚。1974年のオリジナル作品として知られ、ここで挙げる盤は1996年フランス盤。ジャケットやレーベル表記も含めて、再発盤として流通している一枚だ。

作品の輪郭

収録音は、Studio Dierksでのジャム・セッションを土台にしたもの。電子音、持続音、反復するフレーズが前に出て、曲というよりは長い流れとして聴かせる作りになっている。ジャンル表記はElectronic、スタイルはExperimental、Ambient。実際に針を落とすと、シンセのレイヤーとギターの断片、リズムのゆらぎがゆっくり重なっていく構成が目立つ。

タイトル曲「Planeten Sit-In」は、宇宙旅行のイメージを前面に出したこのプロジェクトらしさが強い。歌もののヒット曲が中心の作品ではなく、音の連なりそのものが主役という印象だ。

ライナーノートと作品の見え方

この盤のリリースノートには、Hören Sie “Planeten Sit In” quadrophonisch und Sie entdecken die neuen Zauberwelten des Galaxien-Sounds der Kosmischen Musik. とあり、4チャンネル的な聴取を意識した表現が入っている。さらに、Raumschiff Galaxy や Sternenmädchen といった言葉で、宇宙船に乗って銀河を巡るような筋書きが添えられている。音だけでなく、当時のコスミックなイメージ作りも含めた作品だと受け取れる。

The Cosmic Jokersの中での位置づけ

The Cosmic Jokersは、後にクラウトロックや電子音楽の文脈で参照されることの多い名前だ。Klaus SchulzeやManuel Göttschingの参加によって、Ash Ra Tempelや初期のソロ作品に通じる質感も見えやすい。とはいえ、ここではそれぞれの個人名義作よりも、セッション素材を編集した“プロジェクト盤”としての性格が強い。

1970年代前半のドイツでは、電子音楽、即興、スペース・ロックが近い距離で交差していた。その中でThe Cosmic Jokersは、Ash Ra Tempel、Klaus Schulzeの初期作品、Tangerine Dream周辺と並べて語られることがある。『Planeten Sit-In』も、その時代の流れをそのままパッケージしたような一枚に見える。

盤の情報

• アーティスト: The Cosmic Jokers
• タイトル: Planeten Sit-In
• オリジナル年: 1974年
• この盤のリリース年: 1996年
• リリース国: France
• ジャンル: Electronic
• スタイル: Experimental, Ambient

スパインとレーベルにはSPALAXLP14104、バックカバーには14104の表記。フランス盤としてまとまった仕様になっている。

『Planeten Sit-In』は、The Cosmic Jokersの中でも、宇宙的なイメージと編集されたジャム感が前に出た作品だ。1970年代ドイツの電子音楽が持っていた、即興と構成の境目をそのまま残したような内容である。

トラックリスト

• A1 – Raumschiff Galaxy Startet (1:04)
• A2 – The Planet Of Communication (0:55)
• A3 – Elektronenzirkus (0:37)
• A4 – Der Narr Im All (1:16)
• A5 – Raumschiff Galaxy Fliegt In Die Sonne (2:12)
• A6 – Intergalactic Nightclub (4:08)
• A8 – Loving Frequencies (3:18)
• B1 – Electronic News (3:56)
• B2 – Intergalactic Radio Guri Broadcasting (4:24)
• B3 – Raumschiff Galaxy Gleitet Im Sonnenwind (0:40)
• B4 – Interstellar Rock: Kosmische Musik (3:11)
• B5 – Raumschiff Galaxy Saust In Die Lichtbahnen (0:44)
• B6 – Der Planet Des Sternenmädchens (8:21)

関連動画

• The Cosmic Jokers – Planeten Sit-In Side A [ Audio rip from German Vinyl LP ]
• The Cosmic Jokers – Planeten Sit-In 1974 Krautrock, Space Rock – Full Album

Patrice Witt『For D’js And Long Highways』について

Patrice Wittはフランスのキーボーディスト／作曲家で、For D’js And Long Highwaysは1982年にフランスでリリースされた作品だ。ジャンルはElectronic、Jazz、Rock、スタイルはProg Rock、Ambient、Fusionに位置づけられている。ひとことで言えば、キーボードを軸にしたインストゥルメンタル寄りの作品として受け止めやすい1枚で、同時代のプログレッシブ・ロックやフュージョンの流れの中に置くと見通しがつきやすい。

作品の位置づけ

このアルバムは、Patrice Wittにとってソロ名義の初期作にあたる。ジャケットには「Vent D’Estのピアニストによる初のソロ・アルバム、Pierre Moerlen参加」といった内容のステッカーが付くものもあるようで、バンド活動とは別に、キーボード奏者としての個性を前面に出した作品として扱われていることがわかる。1982年という時期を考えると、プログレの語法とエレクトロニックな質感、ジャズ由来の演奏感覚が近い距離で並ぶ時代性も見えやすい。

音の輪郭

この作品の核にあるのは、キーボードのフレーズと音色の組み立てだろう。ロックの推進力、ジャズの流れ、エレクトロニックなレイヤーが重なり、派手な歌ものというよりは、演奏と構成の変化で聴かせるタイプの内容として捉えられる。フュージョンの手触りもあり、当時のフランス周辺のプログレ／インストゥルメンタル作品と並べて語られることがありそうだ。

同時代の比較対象としては、キーボード主導のプログレや、ジャズ・ロックの延長にある作品群が思い浮かぶ。Pierre Moerlenの参加がクレジットされる点からも、リズム面にしっかりした推進力が入る構図が見えてくる。こうした背景を踏まえると、単なるソロ・キーボード作品というより、バンド的な緊張感を持ったインスト作品として受け取られやすい。

リリース情報

• アーティスト: Patrice Witt
• タイトル: For D’js And Long Highways
• オリジナルリリース年: 1982年
• リリース国: フランス
• アーティストの国: フランス
• ジャンル: Electronic / Jazz / Rock
• スタイル: Prog Rock / Ambient / Fusion

まとめ

For D’js And Long Highwaysは、1982年のフランスで生まれた、キーボード奏者Patrice Wittのソロ作品だ。プログレ、アンビエント、フュージョンの要素が同居し、同時代のインストゥルメンタル作品の流れの中で見ていける内容。派手なヒット曲で押すというより、演奏の組み立てや音色の変化で輪郭を作るタイプのアルバムとして記憶されやすい1枚だ。

トラックリスト

• A1 – On The Edge Of Time (4:23)
• A2 – Just The Sound Of Your Name (4:50)
• A3 – Mandragore (3:20)
• A4 – Blind Eyes (3:56)
• A5 – Dreams Of Sun (5:40)
• B1 – Catfish (3:18)
• B2 – Crying Guitar Reggae (3:08)
• B3 – Gypsy Queen (2:50)
• B4 – You’re Just Seventeen (4:06)
• B5 – Exodus Space Flight To Cygnus X1 (5:22)

関連動画

• PATRICE WITT – Just The Sound Of Your Name (1982)

Missing Persons『Color In Your Life』

Missing Personsは、1980年に結成されたカリフォルニアのニュー・ウェイヴ・バンド。Dale Bozzioの存在感あるヴォーカルと、Terry Bozzio、Warren Cuccurulloらを含む編成で知られ、「Destination Unknown」「Right Now」「Walking In L.A.」「Words」といった曲で名前が広まったグループだ。

『Color In Your Life』は1986年の作品。ElectornicとRockを軸に、Pop RockやSynth-popの流れの中でまとめられたアルバムで、バンドの80年代的なサウンドがそのまま出ている一枚になっている。

作品の輪郭

録音はカリフォルニア州タルザーナのCan-Am Recordingと、ロサンゼルスのLarrabee Recordingで行われている。ミックスはA1からB3、B5がMedia Sound in NYC、B4がLarrabee Recording in L.A.、マスタリングはFrankford/Wayne in NYC。制作の流れを見ても、西海岸で録音しつつニューヨークで仕上げる、当時らしい作業環境がうかがえる。

クレジットにはPatrick O’Hearn、Dale Bozzio、Terry Bozzio、Chuck Wild、Warren Cuccurulloらが並ぶ。バンドの中心人物が多く関わっており、Missing Personsの持っていた演奏面とサウンド面の両方が反映されやすい構成だ。

聴きどころ

この時期のMissing Personsは、初期の代表曲で印象づけたシンセ主体の質感を保ちながら、ロック寄りの輪郭も見せる流れにある。Dale Bozzioの声は、輪郭のはっきりしたシンセやギターとぶつかることで、曲の中でかなり目立つ。80年代のポップスとして聴いたときも、音の置き方が整理されていて、リズムとメロディの役割がわかりやすい。

代表曲を持つバンドのアルバムとして見ると、過去のヒット曲のイメージをそのままなぞるというより、当時のバンドがどこにいたかを確認できる作品という位置づけに近い。ニュー・ウェイヴ、シンセ・ポップ、ポップ・ロックの文脈で並べて聴くと、同時代のバンド群の中でもMissing Personsらしい整った打ち込み感と、演奏の生っぽさが同居している。

同時代との関係

1986年という時期は、ニュー・ウェイヴの初期衝動が少し落ち着き、シンセ・ポップやポップ・ロックの形に整理されていく頃でもある。Missing Personsもその流れの中にあり、当時のLA周辺のバンドや、シンセを前面に出したロック・バンドと並べて語られやすい存在だ。

『Color In Your Life』は、バンドの名前を知っている人にはその延長線上の作品として、80年代のポップ・ロックを追っている人には当時の音作りを確認できる一枚として見えてくる。派手な説明よりも、録音と演奏の配置で聴かせるタイプのアルバムだ。

基本情報

• アーティスト: Missing Persons
• タイトル: Color In Your Life
• オリジナルリリース年: 1986
• リリース国: Europe
• ジャンル: Electronic, Rock
• スタイル: Pop Rock, Synth-pop

トラックリスト

• A1 – Color In Your Life (5:00)
• A2 – I Can’t Think About Dancin’ (5:16)
• A3 – No Secrets (4:29)
• A4 – Flash Of Love (4:15)
• B1 – Go Against The Flow (5:54)
• B2 – Boy I Say To You (4:38)
• B3 – Come Back For More (3:41)
• B4 – Face To Face (3:33)
• B5 – We Don’t Know Love At All (5:02)

関連動画

• Missing Persons – I Can’t Think About Dancing (Color In Your Life) (1986 European Vinyl)

Fernando Yvosky『Dos Mundos』について

Fernando Yvoskyは、ベネズエラの演出家、劇作家、俳優、そして音楽家でもある人物で、この『Dos Mundos』は1975年に発表された作品である。電子音楽、ロック、ラテンの要素を土台に、プログレッシブ・ロック、実験音楽、シンフォニック・ロックの流れの中で聴かれる一枚となっている。

作品の輪郭

タイトルの「Dos Mundos」は「二つの世界」を意味する言葉で、作品全体の構えにもそのままつながる印象がある。ロックの編成感と、ラテン系のリズム感、さらに電子的な質感が同じ盤面に置かれている点が、この作品の大きな特徴と言える。ベネズエラの1970年代作品として見ると、当時のラテンアメリカ圏で広がっていたシンフォニック・ロックや実験的なロックの文脈にしっかり乗った内容である。

Fernando Yvoskyの経歴を踏まえると、演劇や戯曲の世界で培った感覚が、音楽の構成や展開にも反映されている可能性がある。音だけで進むというより、場面が切り替わるような組み立てを意識した作品として受け取れそうだ。

1986年盤について

この盤は1986年にベネズエラで再発されたもの。クレジットには「master tapes」からの再発とあり、CaracasのVinyl International SRLからリリースされている。ジャケットも新たにデザインし直されたシングルカバー仕様になっている。オリジナルの1975年盤と比べると、音源そのものは同じ系統であっても、見た目の印象は異なる再発盤である。

サウンドの位置づけ

ジャンル表記としてはElectronic、Rock、Latin、スタイルとしてはProg Rock、Experimental、Symphonic Rockが並ぶ。実際、この並びが示す通り、単純なロック作品ではなく、音の層や構成の変化を楽しむタイプの一枚として捉えやすい。ラテンアメリカのプログレ作品に関心を持つ人なら、同時代の各国シーンと並べて見たくなる内容でもある。

ヒット曲や代表曲として特定の曲名が広く知られているわけではないが、アルバム全体の流れそのものを聴くタイプの作品として扱われることが多そうだ。曲ごとの見せ場というより、連続した構成の中で雰囲気が形を取っていく印象である。

まとめ

『Dos Mundos』は、ベネズエラのアーティストFernando Yvoskyによる1975年作品であり、1986年に再発された盤も存在する。ロック、電子音楽、ラテンの要素を含みながら、プログレッシブ・ロックや実験性、シンフォニックな展開へつながる構成が見どころの一枚。演劇畑の人物による作品として見ると、その背景も含めて興味深い記録である。

トラックリスト

• A1 – Prólogo
• A2 – La Música, Mágico Vehículo
• A3 – Merengue Al Hombre Del Tiempo
• A4 – El Señor De Azul
• A5 – El Anciano
• B1 – Es Difícil Expresarlo
• B2 – Exteriorizaciones De Un Mundo Interior
• B3 – Estoy Viviendo
• B4 – Eres Bella
• B5 – En Busca De El

関連動画

• Fernando Yvosky – Dos Mundos (1975) || Full Album ||
• Fernando Yvosky – El Señor de Azul – 1975
• Fernando Yvosky Estoy Viviendo
• Fernando Yvosky – La Musica, Magico Vehiculo.wmv

Intergalactic Touring Band「The Intergalactic Touring Band」について

Intergalactic Touring Bandは、実在の固定バンドというより、1977年に登場したSFコンセプト・アルバム名義のプロジェクトだ。UKではCharisma Recordsからリリースされ、タイトルもそのまま「The Intergalactic Touring Band」。電子音響、ロック、ファンク／ソウルをまたぐ内容で、シンフォニック・ロック、ディスコ、プログレッシブ・ロック、ファンク、パロディの要素が並ぶ作品として知られている。

参加メンバーがかなり豪華で、Meat Loaf、Ben E. King、Larry Fast、Percy Jones、Annie Haslam、Rod Argent、Peppi Marchelloなど、ジャンルの違うプレイヤーやシンガーが集まっているのが特徴だ。プロフィール欄にあるMarvin Lee Adayは、Meat Loafの本名として知られる名前。

作品の輪郭

このアルバムは、多世代にわたる宇宙旅行と、人類の宇宙移住を大きな筋として曲がつながっている。いわゆるストーリー仕立ての作品で、各曲が独立しながらも、全体ではひとつのSF世界を形づくる構成になっている。歌詞、イラスト、クレジットを収めた12ページの光沢ブックレットと、ピクチャー入りインナー・バッグが付属する仕様も、作品のコンセプトを補強する要素になっている。

同時代の空気とのつながり

1977年という時期を考えると、ロックの中でもプログレッシブ・ロックの語法や、シンフォニックな展開、ディスコ寄りの感触、ファンクのリズム感が同居していた時代の空気がある。特定のバンドの継続作というより、複数の名手を集めて大型企画として組み上げたアルバムで、当時のコンセプト・アルバム文化やスタジオ主導の制作とも重なる位置づけと言えそうだ。

Meat LoafやAnnie Haslam、Ben E. Kingといった歌い手が同じ枠に並ぶこと自体が、この作品の性格をよく表している。ロック、ポップ、ソウル、プログレの境界をまたぐキャスティングで、ジャンルの分かれ目を使い分ける作りになっている点が見どころだ。

聴きどころとして見える点

実際に聴くと、参加者ごとの声質や演奏の輪郭がはっきりしていて、曲ごとの表情が変わるタイプのアルバムとして受け取れそうだ。ひとつのバンドが一貫した音を鳴らすというより、楽曲ごとに色を変えながらも、宇宙旅行というテーマでまとめる構造が中心にある。派手な歌唱や分厚いアレンジ、リズムの跳ね方など、個々の要素が前に出る場面が想像しやすい内容だ。

代表曲について

この作品は、一般的な意味で広く知られたヒット曲を持つアルバムというより、アルバム全体のコンセプトと参加メンバーの顔ぶれで語られることが多い。曲単位での単独ヒットよりも、企画盤としてのまとまりや、SF的な物語性が印象に残るタイプの1枚だ。

まとめ

「The Intergalactic Touring Band」は、1977年のUKリリースらしい、企画性の強いコンセプト・アルバム。ロック、電子音楽、ファンク／ソウルの要素を、宇宙開拓というテーマで束ねた作品で、参加ミュージシャンの顔ぶれも含めて、当時の野心的なスタジオ作品の一例として見えてくる。バンド作品というより、ひとつの物語を多人数で演じるアルバムとして受け取ると輪郭がつかみやすい。

トラックリスト

• A1 – Approach (Overture) (2:41)
• A2 – Silver Lady (4:25)
• A3 – Universal Zoo / Why? (4:55)
• A4 – Starship Jingle (3:25)
• A5 – Heartbreaker (3:59)
• A6 – Reaching Out (4:08)
• B1 – First Landing (3:18)
• B2 – Space Commando (4:03)
• B3 – Robot Salesman (4:43)
• B4 – Love Station (2:54)
• B5 – A Planet Called Monday / Epilogue (4:34)
• B6 – Keeper Keep Us (3:46)

関連動画

• Intergalactic Touring Band – Approach (Overture)
• Intergalactic Touring Band – Universal Zoo
• Building a Starship!
• Intergalactic Touring Band – Reaching Out (1977)
• First Landing – Exclusivo ProgVacas – Intergalactic Touring Band
• Intergalactic Touring Band: Space Commando
• Intergalactic Touring Band – Robot Salesman
• Intergalactic Touring Band Love Station 1977
• Meat Loaf | Keeper Keep Us [VERY RARE] 1977

The Box『Secrets Out』（1983）について

『Secrets Out』は、イングランド・シェフィールド出身のThe Boxが1983年に発表した作品です。電子音楽とロックの要素を軸にしながら、新しい波の時代らしい硬質さと実験的な感触をあわせ持つ1枚として聴こえます。The Boxは、Clock DVAの初期メンバーだったPaul Widger、Charlie Collins、Roger Quailを中心に、Terry Toddらが加わって結成されたグループで、この作品はそうした流れの中で形になった初期の仕事にあたります。

作品の立ち位置

バンドは後にGo! DiscsからLPを2枚と複数のシングルを出し、その後はCabaret VoltaireのDoublevisionレーベルでも活動を続けています。そうした経歴を踏まえると、『Secrets Out』はThe Boxの出発点に近い時期の記録であり、のちの展開につながる輪郭がすでに見える作品として位置づけられるはずです。Peter Hopeが参加した編成で、メンバーはPeter Hope、Roger Quail、Charlie Collins、Paul Widger、Terry Todd。

音の印象

楽器の配置はかなり整理されていて、リズムの刻み、ギターの切れ味、電子的な質感が前に出るタイプの音像です。ロックの推進力を保ちながら、ニューウェーブ以降の乾いた空気感や、実験色のある組み立てが同居しているところが耳に残ります。シェフィールド周辺の同時代の流れ、たとえばCabaret VoltaireやClock DVAに通じる緊張感を感じさせる場面もあり、ただしそのまま同列に置けるわけではなく、よりバンドとしてのまとまりが見える印象です。

同時代の文脈

1983年という時期は、ポストパンクの余韻と電子音楽の方法が交差していた時代です。The Boxもその空気の中で、単純なロックでも純粋な電子音楽でもない形を取っています。音の作り方にしても、歌ものとしての分かりやすさより、リズムや質感の組み合わせを優先しているように聴こえる場面があり、この時代の実験的なニューウェーブ作品らしい手触りです。

ひとこと

『Secrets Out』は、The Boxが1980年代前半のシェフィールド・シーンの中でどんな位置にいたかを確かめやすい作品です。電子音、ロック、ニューウェーブ、実験性が一枚の中でどう接続されているか、その輪郭が見えやすいタイトルといえます。

トラックリスト

• A1 – Water Grows Teeth
• A2 – Skin, Sweat And Rain
• A3 – Something Beginning With ‘L’
• A4 – Strike
• A5 – The Hub
• A6 – Hang Your Hat On That!
• B1 – I Give Protection
• B2 – No Sly Moon
• B3 – Slip And Slant
• B4 – Old Style Drop Down
• B5 – Swing
• B6 – Out

関連動画

• The Box-Water Grows Teeth
• The Box-Skin,Sweat And Rain
• The Box-Something Beginning With “L”
• The Box-Strike
• The Box-The Hub
• The Box-Hang Your Hat On That!
• The Box-I Give Protection
• The Box-No Sly Moon
• The Box-Slip And Slant
• The Box-Old Style Drop Down

Clearlight「Forever Blowing Bubbles（しゃぼん玉幻覚）」について

Clearlightは、フランス・パリ出身のプログレッシブ・ロック・バンド。1973年に始動し、キーボード奏者Cyrille Verdeauxを軸に、Gong周辺を含むフランスのプログレ／アンダーグラウンド界のミュージシャンたちが入れ替わりで参加してきたグループだ。本作「Forever Blowing Bubbles（しゃぼん玉幻覚）」は1975年に発表された作品で、日本盤は1982年リリース。Electronic、Jazz、Rockをまたぐ内容で、Jazz-Rock、Experimental、Prog Rockの文脈に置かれる一枚になっている。

作品の立ち位置

Clearlightは、バンドというよりもCyrille Verdeauxのプロジェクト色が強い出発点を持ち、その後にClearlight名義のグループとして広がっていった経緯がある。本作もその流れの中にある作品で、Steve Hillage、Didier Lockwood、Tim Blake、Didier Malherbeといった顔ぶれが並ぶのがまず目を引くところ。フランスのプログレ／ジャズ・ロックの線上で、演奏者の個性を前面に出すタイプの作品として捉えやすい。

サウンドの印象

実際に聴くと、曲ごとに音の重心が少しずつ動いていくのが分かりやすい。キーボードを中心に据えた展開がありつつ、ギターやサックス、ヴァイオリン系の音色が差し込まれ、ロックのリズム感と即興性のあるフレーズが交差する場面が多い。ジャズ・ロックらしい流れの中に、電子音や浮遊感のある処理が入ることで、単純なバンド・サウンドには収まらない作りになっている。

派手な歌もの中心というより、演奏の展開そのものを聴かせるタイプ。フレーズの受け渡しや、音色の切り替えに耳が行く作りで、フランスのプログレらしい実験性と、当時のジャズ・ロックの推進力が同居している印象だ。

同時代の文脈

1970年代半ばのフランスでは、GongやMagma周辺を含め、ロック、ジャズ、サイケデリックな感覚を横断する作品が次々に生まれていた。本作もその流れの中で聴くと位置づけが見えやすい。英国のプログレに比べると、構築美だけでなく、演奏の自由度や音の飛び方が前に出る場面があり、Clearlightもその系譜に連なる存在と言えそうだ。

特にSteve HillageやDidier Lockwood、Didier Malherbeのようなプレイヤーが関わっている点は、この時期のフレンチ・プログレ／ジャズ・ロックの交差点をよく示している。バンドの固定的な編成というより、場面ごとに色が変わるアンサンブルとしての面白さがある。

日本盤について

1982年に出た日本盤は、オリジナルの1975年盤から数年後の登場になる。日本での紹介時期としては、70年代プログレの再評価が進んでいたタイミングとも重なり、当時のリスナーにとってはフランス産の変則的なジャズ・ロック／プログレ作品として受け取られたはずだ。盤としてはオリジナル発売から時間をおいてのリリースになるため、作品そのものの成立時期と日本での流通時期は分けて見ておきたいところ。

まとめ

「Forever Blowing Bubbles（しゃぼん玉幻覚）」は、Clearlightというプロジェクトの性格がよく出た一枚。Cyrille Verdeauxを中心に、フランスの個性的な演奏家たちが集まり、ロック、ジャズ、電子的な要素を混ぜながら進んでいく。1970年代フランス・プログレの広がりを、そのまま音にしたような作品として捉えやすい。

トラックリスト

• A1 – Chanson (4:44)
• A2 – Without Words (7:41)
• A3 – Way (8:16)
• B1 – Ergotrip (6:24)
• B2 – Et Pendant Ce Temps La (4:43)
• B3 – Narcisse Et Goldmund (2:39)
• B4 – Jungle Bubbles (2:45)

関連動画

• Chanson
• Without Words
• Way
• Ergotrip
• Et pendant ce temps là
• Narcisse et Goldmund
• Jungle Bubbles
• Sweet Absinthe
• Without Words (Mellotron Remix)
• Flûte aquatique

Rockwell「Somebody’s Watching Me」について

Rockwellの「Somebody’s Watching Me」は、1984年にリリースされたシングルで、同名タイトルの代表曲として知られる作品だ。US出身のヴォーカリスト／プロデューサーであるRockwellにとって、短い活動期間の中でも存在感を強く残した1曲で、彼の名を広く知らしめた中心作でもある。

ジャンルはElectronicとFunk / Soul、スタイルとしてはSynth-popとFunkに位置づけられる。打ち込み主体の骨格に、ファンク由来のリズム感が重なる作りで、当時の80年代らしいシンセの質感が前面に出ている。リリース国はUS、アーティストもUSという、同時代のアメリカン・ポップ／R&Bの流れの中で捉えやすい作品だ。

作品の立ち位置

Rockwellは1964年生まれ、デトロイト出身。Motown創設者Berry Gordyの息子として生まれた人物で、本人の経歴自体もかなり特徴的だ。とはいえ、この作品でまず耳に入るのは肩書きよりも、ひとつの楽曲としての強さのほうだろう。80年代前半のシンセポップとファンクの接点にある音像で、彼のキャリアを語るときの軸になる。

「Somebody’s Watching Me」は、タイトル通り“誰かに見られている”という感覚をそのまま曲にした内容で、軽いノリだけでは終わらない緊張感がある。リズムは跳ねるが、歌の運びには落ち着かない空気がまとわりつく。そのバランスが、この曲を単なるダンス・トラック以上のものにしている印象だ。

聴きどころ

実際に聴くと、まずシンセのフレーズが印象に残る。音数は多すぎず、輪郭のはっきりしたビートに引っかかるように鳴っていて、曲全体を引っ張る役割を持っている。ベースの動きも一定の推進力を作っていて、ファンク寄りの感触がそこで出てくる。

ボーカルは、派手に押し切るタイプというより、言葉を追わせるような運びが中心だ。そこに不穏さが乗るので、フックの強さと少し落ち着かない気配が同居している。80年代のシンセポップの中でも、ポップさだけに寄り切らないところがこの曲の輪郭だと思う。

同時代とのつながり

この時期のアメリカでは、シンセを前面に出したポップやR&Bが広がっていて、ファンクの感覚と電子音の組み合わせも珍しくない流れだった。そうした文脈の中で見ると、「Somebody’s Watching Me」は、クラブ寄りの軽さと、歌詞の不安感を同居させたタイプの1曲として整理しやすい。派手なサウンドの中に、テーマのわかりやすさがあるのも特徴だ。

Rockwellの作品としては、この曲がまず先に挙がることが多いはずで、彼の短い活動の中でも代表的な位置づけにある。1984年という年の空気感を、そのまま切り取ったような1枚だ。

まとめ

「Somebody’s Watching Me」は、80年代前半の電子音主体のポップとファンクの接点にある作品で、Rockwellの名を決定づけた楽曲として見てよさそうだ。シンセのフレーズ、跳ねるリズム、そして“見られている”というテーマが一体になった、印象の残るタイトル。

トラックリスト

• A1 – Somebody’s Watching Me (5:01)
• A2 – Obscene Phone Caller (3:24)
• A3 – Taxman (3:56)
• A4 – Change Your Ways (4:49)
• B1 – Runaway (4:24)
• B2 – Wasting Away (3:55)
• B3 – Knife (5:03)
• B4 – Foreign Country (5:56)

関連動画

• Rockwell – Somebody’s Watching Me (Official Music Video)
• Rockwell – Obscene Phone Caller
• Change Your Ways
• Taxman
• Runaway
• Wasting Away
• Knife
• Foreign Country
• Rockwell – Somebody’s Watching Me (1984 European Vinyl)
• Rockwell – Obscene Phone Caller (1984 UK & Europe Vinyl)

Space『The Best of Space』

『The Best of Space』は、Spaceの代表曲をまとめた2018年作のベスト盤だ。Spaceはフランスのグループで、Didier Marouani（Ecama名義でも知られる）とRoland Romanelliを中心に結成されたユニットとして知られている。1977年のUKディスコ・ヒット「Magic Fly」で広く注目を集め、その後も「Just Blue」や「Tango In Space」、「Carry On, Turn Me On」など、電子音を前面に出したディスコ作品を残してきた。

作品の位置づけ

この『The Best of Space』は、そうした活動を振り返る内容のコンピレーションとして捉えやすい。Spaceの音楽は、ディスコのビート感にシンセサイザーのフレーズを重ねた作りが特徴で、当時のダンス・ミュージックの流れの中でも、少し機械的で、少し宇宙的な方向へ寄っている印象がある。

オリジナルの活動期を追って聴くと、「Magic Fly」のような代表曲だけでなく、「Just Blue」収録曲のようなインストゥルメンタル中心の楽曲にもグループの輪郭が見えやすい。ベスト盤としては、その流れを短い時間でたどれる構成といえる。

サウンドの印象

Spaceの音は、電子楽器のラインが前に出る一方で、ディスコらしい一定のグルーヴも保っているのがポイントだ。Madeline BellやCissy Stoneのような歌手の参加歴もあり、曲によっては声の存在感が加わる場面もある。とはいえ、全体の軸はやはりリズムとシンセの反復にある。

同時代のディスコと比べると、よりヨーロッパ産の電子音楽寄りの感触が強い。派手な歌モノのディスコというより、Kraftwerk以降の電子音楽の流れや、70年代後半のクラブ向けインストゥルメンタルの空気と接点があるタイプだ。そこにSpace独自のメロディ感が乗る、という見方がしやすい。

代表曲について

やはり外せないのは「Magic Fly」だ。Spaceの名前を決定づけた曲として知られていて、この曲のイメージがそのままグループ像につながっている。ベスト盤の中でも中心になる存在で、Spaceを初めて聴くときの入口としても機能しやすい。

そのほか、「Just Blue」や「Tango In Space」のような曲名からも分かる通り、宇宙や未来感のあるテーマが一貫している。音だけでなく、タイトルや曲の設計にもグループの方向性がはっきり出ている。

まとめ

『The Best of Space』は、Spaceのディスコ／エレクトロニック路線を代表曲中心に追える2018年のベスト盤だ。1977年の「Magic Fly」を軸に、当時のヨーロッパ・ディスコの中でこのグループがどんな立ち位置にいたのかをつかみやすい内容になっている。電子音の質感とディスコの推進力、その組み合わせがこの作品の核だ。

• アーティスト: Space
• タイトル: The Best of Space
• リリース年: 2018年
• ジャンル: Electronic
• スタイル: Disco
• 代表曲: 「Magic Fly」

トラックリスト

• A1 – Magic Fly
• A2 – Tango In Space
• A3 – Flying Nightmare
• A4 – Running In The City
• B1 – Carry On, Turn Me On
• B2 – Air Force
• B3 – Fasten Seat Belt
• C1 – Deliverance
• C2 – Save Your Love For Me
• C3 – Symphony
• D1 – Just Blue
• D2 – Deeper Zone
• D3 – Ballad For Space Lovers
• D4 – Velvet Rape

関連動画

• Space “Carry on, turn me on” 1977 Vogue

Neuronium『Vuelo Químico』

Neuroniumは、スペイン・バルセロナを拠点にした電子音楽グループで、1976年にMichel Huygen、Carlos Guirao、Albert Giménezの3人で始動したユニットだ。本作『Vuelo Químico』は、1978年にオリジナルが登場した作品で、彼らの初期活動を示す1枚として位置づけられる。

作品の位置づけ

この時期のNeuroniumは、EMI-Harvestからのアルバムを重ねていた初期段階にあたる。前作『Quasar 2C361』に続く流れの中で作られた『Vuelo Químico』は、のちにMichel Huygen中心の体制へ移っていく前の、バンドとしてのまとまりが見える時期の記録でもある。メンバー表を見ても、初期メンバーがそろった形で残る作品として読むことができる。

サウンドの輪郭

ジャンル表記はElectronicとRock、スタイルはProg RockとAmbient。実際に聴くと、シンセサイザーを軸にした構成の中に、ロック由来の展開やリズム感が入り、曲の進行そのものを聴かせるタイプの作りだ。電子音だけで閉じず、ギターやバンド的な動きが残っている点が、この時期のNeuroniumらしいところだろう。

Huygen自身がNeuroniumの音楽を「psychotronic music」「cosmic electronic music」と呼んでいたこともあり、宇宙的な広がりを持つ電子音楽として語られることが多い。とはいえ、ここでは雰囲気だけに寄らず、音のレイヤーやフレーズの積み重ねで曲を組み立てている印象がある。

同時代の文脈

1970年代後半のスペインでこうした電子音楽を鳴らしていた点は、同時代の欧州プログレやアンビエントの流れとも重なる。ドイツの電子音楽や、英国のプログレッシブ・ロックと比べながら聴くと、Neuroniumはよりシンセ主体で、しかもロックの骨格を完全には手放していない。そういう中間的な立ち位置が、アルバム全体の特徴になっている。

録音・再発の見方

盤のリリース年は1983年だが、作品そのものの初出は1978年。したがって、1983年盤はオリジナル時点の音源をあらためて手に取れる形の再登場として見るのが自然だろう。オリジナル盤との比較で細かな差異を語れる情報はここでは確認できないが、少なくとも作品の中核は1978年のNeuronium初期像にある。

ひとこと

『Vuelo Químico』は、Neuroniumがのちにたどる長い電子音楽活動の出発点のひとつとして置けるアルバムだ。バンド編成の感触と、シンセを中心にした構築、その両方が見える初期作として印象に残る。

トラックリスト

• Abismos De Terciopelo (19:55)
• B1 – Viento Solar (2:43)
• B2 – Vuelo Químico (14:45)

関連動画

• Neuronium ‎– Vuelo Quimico 1.978

Peter Baumann『Repeat Repeat』について

Peter Baumannによる『Repeat Repeat』は、1981年に発表された電子音楽作品です。ジャンルはElectronic、スタイルはSynth-popに位置づけられていて、Tangerine Dreamでの活動でも知られるBaumannが、ソロ・アーティストとして展開していた時期の作品として捉えられます。

作品の輪郭

Peter Baumannは、1971年から1977年までTangerine Dreamに在籍し、シンセサイザー主体の音作りをバンドの中核へ押し進めた人物として知られています。その流れを踏まえると、『Repeat Repeat』にも、彼の電子音楽家としての経験がそのまま反映されていると見てよさそうです。Tangerine Dreamの流れを引き継ぐ作品群の中でも、ソロならではの整理された作りに目が向くタイトルです。

1981年という時期は、電子音楽が実験的な文脈だけでなく、ポップな構造とも結びついていったタイミングでもあります。この作品も、その時代感の中で聴かれることが多い1枚でしょう。シンセサイザーの音色を軸にしながら、曲の輪郭を比較的はっきり示すタイプの作品として受け取られやすい内容です。

Peter Baumannというアーティストの位置づけ

Baumannにとってこの時期のソロ活動は、Tangerine Dreamで培った電子音楽の手法を、自分の名前で組み立て直していく流れにあたります。バンドでの大規模な活動を経て、個人の作家としてどこまで音の設計を詰めるか、という関心が前面に出る時期でもあります。

のちに彼は自身のレーベル運営や、Baumann Instituteでの活動にもつながるように、音楽を単なる作品発表だけでなく、より広い視点で扱っていくことになります。そうした経歴を踏まえると、『Repeat Repeat』は、彼の電子音楽家としての基盤を確認しやすい作品のひとつです。

同時代とのつながり

1981年のシンセポップは、ヨーロッパの電子音楽とポップ・フォーマットが重なる時代でもあります。Baumannの作品は、そうした流れの中で、クラブ向けのダンス・ポップというよりは、シンセの質感や構成の組み方に重心があるタイプとして見られます。Tangerine Dream周辺の電子音楽、あるいは同時代のシンセ主体のソロ作品と並べて語られることが多い領域です。

まとめ

『Repeat Repeat』は、Peter BaumannがTangerine Dream後のソロ活動で示した電子音楽の一作。1981年という年らしいシンセサイザー中心の空気を持ちながら、彼の作家性を追いやすいタイトルです。作品全体を通して、電子音楽の流れの中でBaumannがどの位置にいたのかを確認しやすい1枚として受け止められます。

トラックリスト

• A1 – Repeat Repeat (3:43)
• A2 – Home Sweet Home (3:44)
• A3 – Deccadance (3:11)
• A4 – Realtimes (3:25)
• A5 – M.A.N. Series Two (3:37)
• B1 – Brain Damage (2:45)
• B2 – Kinky Dinky (3:14)
• B3 – Daytime Logic (2:51)
• B4 – Playland Pleasure (3:27)
• B5 – What Is Your Use (3:30)

関連動画

• PETER BAUMANN – What Is Your Use? (1981)
• Peter Baumann – Daytime logic (Baby won’t you mary me)
• Peter Baumann — Brain Damage
• PETER BAUMANN – Playland Pleasure (1981)
• Peter Baumann – M.A.N. Series Two
• Peter Baumann – Repeat Repeat (Remastered Video) (1981)
• Peter Baumann – Deccadance (1981)
• Peter Baumann – Repeat Repeat (full Vinyl album)
• Peter Baumann – Repeat Repeat
• Peter Baumann – Realtimes (Single von 1981)