Tag : Prog Rock

Van Der Graaf Generator『Godbluff』について

Van Der Graaf Generatorの『Godbluff』は、1975年に発表されたアルバムで、UKのプログレッシブ・ロックを語るうえで外せない1枚だ。バンドは1967年にピーター・ハミルらによって結成され、70年代前半から独自の緊張感を持った作品を重ねてきた。この作品は、その流れの中でも、編成を絞った後の再出発を強く印象づける内容になっている。

今回の盤は1983年リリースのUK盤で、ラベルには「℗ 1975 Charisma Records Ltd」「Distributed by Virgin Records Ltd.」「Manufactured in the UK」とある。バックカバーにはRockfield Studiosで1975年6月9日から29日にかけて録音・ミックスされたこと、George PeckhamがMaster Roomでカットしたこと、そしてバンド自身がプロデュースしたことが記されている。

作品の位置づけ

『Godbluff』は、Van Der Graaf Generatorにとって1970年代中盤の重要作のひとつだ。前作までの流れを受けつつ、音の密度と演奏の切迫感が前面に出ている。オルガン、サックス、ベース、ドラム、ボーカルがぶつかり合うように進む作りで、同時代の英国プログレの中でも、YesやGenesisのような整った展開とはかなり違う性格を持っている。

その一方で、King Crimsonのような構築性や、アート・ロック寄りの鋭さと並べて語られることも多い。長尺曲を軸にしながら、演奏の隙間や急な展開をそのまま作品の形にしているところが、このバンドらしいところだ。

収録曲の印象

このアルバムは全4曲構成で、1曲ごとの比重が大きい。特に冒頭の「The Undercover Man」や、アルバムを象徴する「Scorched Earth」は、バンドの緊張感の強い演奏とピーター・ハミルの歌の重さがよく出ている。続く「Arrow」や「The Sleepwalkers」も、メロディを追うというより、曲全体の圧力で聴かせるタイプの内容だ。

代表曲としては「Scorched Earth」を挙げることが多い。アルバムの中でもリズムの動きがはっきりしていて、バンドの攻めた側面がまとまっている。派手なヒット曲というより、作品の輪郭を決める曲という印象だ。

演奏と録音

録音はRockfield Studios。70年代のUKロックではおなじみの場所だが、この作品ではスタジオの整った響きよりも、演奏の生々しさのほうが前に出ている。クレジットを見ると、バンド自身がプロデュースし、Pat Moranがエンジニアを担当している。各楽器の役割がくっきりしていて、特にハミルのボーカルとデイヴィッド・ジャクソンのサックス、ヒュー・バントンのオルガンの関係が印象に残る。

なお、この1983年UK盤は、同じ作品の別マトリクス盤にかなり近いものの、リムテキストが少し異なり、末尾が「manufactured in the UK」になっている。再発盤としては、ラベル表記の違いが確認できるタイプだ。

Van Der Graaf Generatorらしさ

このバンドは、同じプログレでも装飾を重ねる方向より、音数を絞って圧を作る方向に強みがある。『Godbluff』でも、その持ち味ははっきりしている。派手な展開より、低いテンションを保ったまま進み、要所で一気に崩しにかかる流れ。ピーター・ハミルの歌詞世界と、演奏の不安定さがそのまま作品の力になっている。

70年代UKロックの中でも、知的な構成と感情の生々しさが同居した作品として見られることが多い。Van Der Graaf Generatorの中でも、バンドの個性がかなり明確に出たアルバムのひとつだ。

まとめ

『Godbluff』は、1975年のVan Der Graaf Generatorをそのまま切り取ったような作品だ。Rockfieldでの録音、バンド自身のプロデュース、4曲のみの構成、そして張りつめた演奏。UKプログレの中でも、整った美しさよりも、ぶつかるような手触りが前に出ているアルバムとして記憶される1枚だ。

トラックリスト

• A1 – The Undercover Man (7:23)
• A2 – Scorched Earth (9:49)
• B1 – Arrow (9:45)
• B2 – The Sleepwalkers (10:30)

関連動画

• The Undercover Man (2005 Digital Remaster)
• Scorched Earth (2005 Digital Remaster)
• Arrow (2005 Digital Remaster)
• The Sleepwalkers (2005 Digital Remaster)
• “Godbluff” (UK, Charisma CAS 1109 Vinyl) – Van der Graaf Generator

Dim Gray『Shards』について

『Shards』は、ノルウェー・オスロのアートロック・トリオ、Dim Grayによる2025年の作品。メンバーは、Håkon Høiberg（guitars, vocals）、Oskar Holldorff（vocals, keyboards）、Tom Ian Klungland（drums, vocals）の3人で、バンドの公式サイトやBandcamp、各種SNSでも活動を確認できる。レコードとしては2025年にノルウェーでリリースされた盤で、歌詞入りインサートが付属する仕様。

バンドの基本像

Dim Grayは、オスロを拠点にするロック・トリオ。クレジット上でも、ギター、キーボード、ドラムに加えて3人ともボーカルを担っており、アンサンブルの中で声の重なりを生かす編成と見てよさそうだ。プロフィール上はアートロック・トリオとされていて、作品のスタイル欄にはArt Rock、Symphonic Rock、Folk Rock、Prog Rock、Etherealといった要素が並ぶ。

作品の位置づけ

『Shards』は、Dim Grayにとって2025年のタイトル作。オリジナルの年と盤の年がともに2025年なので、同年の作品として捉えられる。バンドの現行の持ち味をそのまま記録した一枚、という見方がしやすい。

サウンドの方向性

ジャンル表記からは、ロックを土台にしつつ、フォーク寄りの語り口やプログレッシブな展開、シンフォニックな構成感を含む作品像が読み取れる。アートロック、シンフォニックロック、フォークロック、プログロック、エセリアルという並びは、単に硬質なロック一色ではなく、旋律や空間の使い方、曲の流れを重視したタイプの作品を示している。

聴きどころの見え方

実際に聴いた感想としては、ここでは断定できる情報がない。とはいえ、3人編成でありながら全員が歌に関わる体制なので、コーラスやハーモニー、掛け合いの比重は高そうだ。歌詞入りインサートが付く点も、楽曲の言葉を追いながら聴くタイプの作品であることを示している。

同時代的な文脈

北欧のロック・シーンの中でも、Dim Grayはオスロ発のトリオという点がまず特徴的。プログレやシンフォニック・ロック、フォークの要素を含むバンドはノルウェーにも少なくないが、3人編成でこの幅を扱うところに個性が出ている。比較対象を挙げるなら、北欧のメロディ重視のプログレや、声の重なりを生かすアートロックの流れに置いて見ることはできそうだ。

作品情報

• アーティスト: Dim Gray
• タイトル: Shards
• リリース年: 2025
• リリース国: Norway
• アーティストの国: Oslo, Norway
• 編成: Oskar Holldorff、Tom Ian Klungland、Håkon Høiberg
• 付属物: Insert including Lyrics
• ジャンル: Rock, Folk, World, & Country
• スタイル: Art Rock, Symphonic Rock, Folk Rock, Prog Rock, Ethereal

まとめ

『Shards』は、オスロの3人組Dim Grayが2025年に出した、声と楽器の役割分担がはっきりした作品。アートロックを軸に、フォークやプログレの要素を含む構成で、歌詞を含めてじっくり追うタイプの一枚として捉えやすい。

トラックリスト

• A1 – Defiance
• A2 – Myopia
• A3 – Murals
• A4 – Feathers
• A5 – Mooneater
• B1 – Peril
• B2 – Little One
• B3 – Shards From A Broken Crown
• B4 – Attakulla

Argent『Ring Of Hands』（1970）について

『Ring Of Hands』は、UKのロック・バンド、Argentが1970年に発表した2作目のアルバム。元The Zombiesのキーボード奏者、Rod Argentを中心に、Russ Ballard、Jim Rodford、Bob Henritらで組まれたバンドの初期を示す一枚で、アート・ロック、プログレッシブ・ロック、ブルース・ロック、ポップ・ロックの要素を行き来する内容になっている。

Argentは1969年にロンドンで結成されたバンドで、The Zombies解散後のRod Argentが新しい形でバンド・サウンドを作ろうとした流れの中から生まれている。鍵盤を軸にしながらも、ギター・バンドとしての推進力を持っている点が、この時期の特徴として語られやすい。

作品の位置づけ

本作は、バンドの初期ディスコグラフィーの中でも、Argentの音楽性が固まりつつある段階の作品として見られることが多い。Rod Argentのオルガンやピアノを前面に出しながら、Russ Ballardの歌とギターが楽曲を引っ張る構図で、のちのより広い認知につながるバンドの輪郭がここで見えてくる。

同時代のUKロックの文脈では、キーボードを含む編成でロックの構成を広げていく動きが強く、Procol HarumやThe Nice、初期のYesなどと並べて語られることがある。Argentもその流れに接続しつつ、ブルース寄りの骨格やメロディのわかりやすさを残している点が特徴になっている。

収録曲と聴きどころ

本作では、演奏のまとまりと楽曲の切り替えの速さが印象に残る。オルガン主体のフレーズ、力のあるボーカル、ストレートなロック・リフが組み合わさり、曲ごとに表情が変わる構成。大げさに長尺を引っ張るタイプというより、要所で展開を見せる作りに耳が向く。

アルバム単位で見ると、メンバーそれぞれの役割がかなりはっきりしている。Rod Argentのキーボードは音の芯を作り、Russ Ballardは歌とギターで曲の推進力を担う。Jim Rodfordのベース、Bob Henritのドラムも、硬さと粘りのあるリズムを支えている。

代表曲について

Argentの作品群の中では、後年の「Hold Your Head Up」が最も広く知られているが、『Ring Of Hands』はその前段階にあるアルバムとして重要な位置にある。バンドの初期の持ち味である、鍵盤主体のロック・アンサンブルと、骨太なメロディの方向性がここで確認できる。

盤の仕様

このUK盤はイエロー・レーベル仕様で、Shorepakタイプの見開きジャケットに収められている。イギリス製で、1970年当時のオリジナル期の雰囲気をそのまま伝える体裁になっている。

まとめ

『Ring Of Hands』は、ArgentがThe Zombies以後に築いたバンド・サウンドを、よりはっきり形にしていく過程のアルバム。キーボードを中心に据えながら、ロック・バンドとしての勢いも失っていない一枚として、1970年のUKロックの流れの中で位置づけやすい作品になっている。

トラックリスト

• A1 – Celebration (2:52)
• A2 – Sweet Mary (4:04)
• A3 – Cast Your Spell Uranus (4:36)
• A4 – Lothlorien (7:50)
• B1 – Chained (5:18)
• B2 – Rejoice (3:43)
• B3 – Pleasure (4:50)
• B4 – Sleep Won’t Help Me (5:08)
• B5 – Where Are We Going Wrong (4:11)

関連動画

• Celebration
• Sweet Mary
• Cast Your Spell Uranus
• Lothlorien
• Chained
• Rejoice
• Pleasure
• Sleep Won’t Help Me
• Where Are We Going Wrong

Stackridge『Extravaganza』について

『Extravaganza』は、英国のロック・グループ、Stackridgeが1975年に発表した作品だ。バンドとしては1970年代前半にいちばん大きな注目を集めたグループで、この時期の作品には、ロックの骨格を保ちながら、ジャズやフォーク、プログレッシブ・ロック寄りの要素を織り込んだ作りが見える。

本作はUS盤としてSireからリリースされ、ゲートフォールド仕様のLPとして出ている。1970年代のUS Sire盤には、ABC/Dunhill系のピンク色インナー・スリーブが付いていたという記録もある。

作品の位置づけ

Stackridgeは、初期1970年代に評価を広げた英国バンドで、『Extravaganza』はその流れの中にある一枚だ。バンドのプロフィールを見ると、アート・ロック、ジャズ・ロック、プログレッシブ・ロック、フォーク・ロックといった要素にまたがる活動が確認できる。派手な看板曲で押し切るタイプというより、曲ごとの色合いを変えながらアルバム全体で聴かせるグループとして捉えやすい。

参加メンバーにはJames Warren、Glenn Tommey、Rod Bowkett、Roy Morgan、Paul Karas、Keith Gemmell、Mike Evans、Mutter Slater、Crun Walter、Billy Bent、Clare Lindley、Andrew Cresswell Davisの名前が並ぶ。人員の厚みからも、曲ごとの編成や楽器の表情を変えやすいバンドだったことがうかがえる。

US盤の収録内容

US版『Extravaganza』では、イギリス盤系の内容から一部差し替えがある。既にUS版『Man with the Bowler Hat』＝『Pinafore Days』で出ていた「Spin ’Round The Room」と「Highbury Incident」（元々は「One Rainy July Morning」と呼ばれていた曲）が外され、その代わりに「Do The Stanley」と「The Indifferent Hedgehog」が収録されている。

この点は、同じタイトルでも地域によって曲順や収録曲が変わる時代のLPらしいポイントだ。US盤を追うと、バンドのカタログ整理や現地向けの編集方針が見えやすい。

曲について

この作品で特に目を引くのは、「Do The Stanley」と「The Indifferent Hedgehog」がUS盤で追加されていることだ。どちらも元の英国盤収録曲とは入れ替えになっており、US版ではアルバムの流れが少し違って聴こえる構成になっている。

また、「Highbury Incident」は「One Rainy July Morning」として知られていた曲でもあり、曲名の扱いからも、この時期のStackridgeが楽曲の提示の仕方を細かく調整していたことがうかがえる。

同時代の文脈

1975年という時期の英国ロックでは、プログレッシブ・ロックの大きな流れがひと区切りを迎えつつあり、その周辺でアート・ロックやジャズ・ロック、フォークの要素を混ぜたバンドが多様な作品を残していた。Stackridgeもその一角にいて、同時代のバンドと比べると、構成の工夫や曲調の切り替えに特徴があるグループとして見られてきた。

Stackridgeの名前は、Britainのカタログの中ではやや個性派として扱われることが多く、同時代の英国ロックを横断して聴くときに存在感を持つバンドだ。AllMusicやProg Archivesでも、そうした位置づけで整理されている。

まとめ

『Extravaganza』は、1975年のStackridgeを伝えるUS盤LPで、英国ロックの文脈の中でも、ジャズやフォーク、アート・ロックの要素が混ざる一枚だ。US盤では収録曲の差し替えがあり、同じタイトルでも英国盤とは少し違う顔を持つ。バンドの活動史を追ううえでも、当時のリリース事情を見るうえでも、確認しておきたい作品だ。

トラックリスト

• A1 – The Volunteer (5:03)
• A2 – Rufus T. Firefly (4:44)
• A3 – No Ones More Important Than The Earthworm (5:09)
• A4 – Grease Paint Smiles (4:02)
• A5 – Happy In The Lord (3:47)
• B1 – Benjamin’s Giant Onion (4:02)
• B2 – Pocket Billiards (4:01)
• B3 – The Indifferent Hedgehog (3:15)
• B4 – Do The Stanley (3:00)
• B5 – Who’s That Up There With Bill Stokes? (4:33)

関連動画

• Spin Round The Room
• Grease Paint Smiles
• The Volunteer
• Highbury Incident (Rainy July Morning)
• Benjamin’s Giant Onion
• Happy In The Lord
• Rufus T. Firefly
• No One’s More Important Than The Earthworm
• Pocket Billiards
• Who’s That Up There With Bill Stokes

Renaissance『Turn Of The Cards』（1974）

Renaissanceの『Turn Of The Cards』は、1974年に発表されたアルバムだ。バンドは1969年にロンドンで始動し、ロックにフォークやクラシックの要素を重ねる方向へ進んできたが、この時期にはAnnie Haslam、Michael Dunford、John Tout、Jon Camp、Terry Sullivanという編成が固まり、いわゆるクラシカル・プログレの輪郭がはっきりしている。

作品の位置づけ

このアルバムは、1973年以降に安定したメンバー構成で作られた流れの中にあり、Renaissanceが70年代半ばに築いた代表的な作風を示す1枚として見られることが多い。前後の作品と並べると、バンドのサウンドがアコースティックな質感だけでなく、ピアノやオーケストラ風の構成、長めの展開を持つ曲作りへと整理されていく段階にある。

サウンドの印象

実際に聴くと、まずAnnie Haslamの声が前に出てくる。高い音域の伸びがそのまま作品の輪郭になっていて、バンド全体の演奏もその歌を支えるように組み立てられている。ギター、ピアノ、ベース、ドラムがそれぞれ目立ちすぎず、曲の流れを細かくつないでいくタイプの演奏だ。派手なロック・バンドというより、組曲的な展開や旋律の積み重ねを重視した構成になっている。

同時代のプログレッシブ・ロックの中では、YesやGenesisのような技巧重視のバンドとも、Jethro Tullのような土臭さのある路線とも少し違う。Renaissanceは、クラシック寄りの旋律感と女性ボーカルを中心に据えた点で、独自の位置を保っている。

代表曲として触れたい曲

この時期のRenaissanceを語るうえで、タイトル曲「The Running Man」は外せない。アルバムの中でも比較的長い流れを持つ曲で、バンドの組曲的な書法がよく出ている。メロディの展開と演奏の切り替えがはっきりしていて、Renaissanceらしさをつかみやすい一曲だ。

また、アルバム全体の中では、静かなパートと盛り上がりの対比が要所に置かれている。ひとつの曲だけが突出するというより、曲順を通して聴くことでまとまりが見えやすい作品だ。

リリース情報と制作背景

オリジナルのリリース年は1974年。USリリースのレコードで、クレジットには「A British Talent Managers Production by permission of Sovereign Records.」とある。バンド自体は英国発だが、この作品はアメリカ盤として流通したものだ。再発盤との細かな違いについては、この情報だけでは断定しない。

Renaissanceというバンドの流れの中で

Renaissanceは初期メンバーの変遷が多く、1973年ごろに編成が落ち着いてから本格的なアルバム制作の流れが続いていく。その中で『Turn Of The Cards』は、バンドの中核が固まった後の成果として位置づけやすい。後年には「Northern Lights」や「Ashes Are Burning」期の評価も高いが、この作品もその流れに接続する重要な1枚に入る。

70年代プログレの文脈では、演奏の複雑さだけでなく、声楽的なメロディや構築感を重視する作品として捉えやすいアルバムだ。Renaissanceの音を知るうえで、Haslam加入後の代表的な到達点のひとつ、と言える内容になっている。

トラックリスト

• A1 – Running Hard (9:37)
• A2 – I Think Of You (3:07)
• A3 – Things I Don’t Understand (9:29)
• B1 – Black Flame (6:23)
• B2 – Cold Is Being (3:00)
• B3 – Mother Russia (9:18)

関連動画

• Renaissance – Things I Don’t Understand (Remastered) [Symphonic Rock – Progressive Rock] (1974)
• Renaissance – Mother Russia (Remastered) [Symphonic Rock – Progressive Rock] (1974)
• Renaissance – Running Hard (Remastered) [Symphonic Rock – Progressive Rock] (1974)
• Renaissance – Black Flame (Remastered) [Art Rock – Progressive Rock] (1974)

Gleb Kolyadin『Gleb Kolyadin』（2018）について

Gleb Kolyadinは、サンクトペテルブルク出身のピアニスト／キーボード奏者による、2018年のセルフタイトル作。UKのKscopeから出た作品で、ジャンル表記はJazz、Rock、スタイルはProg Rockとなっている。ピアノを軸にしながら、ロック寄りの構成感を持つ作品として受け止められる1枚だ。

作品の位置づけ

このアルバムは、アーティスト名をそのまま冠した初のタイトル作として見てよさそうだ。本人の演奏を前面に置いた内容で、ピアニスト／キーボード奏者としての輪郭を示す位置づけになっている。

Kscopeというレーベルの並びからも、プログレッシブ・ロック周辺のリスナーに届く形で紹介された作品と考えられる。ジャズ的な手触りとロックの構成感が同居するあたり、同時代のインストゥルメンタル系プログレや、クラシカルな鍵盤表現を軸にした作品群と並べて語られることが多いタイプだろう。

サウンドの印象

盤の情報から確認できるのは、ピアノとキーボードを中心にした作品であること、そしてジャズとロックの両方にまたがる性格を持つこと。演奏主体のアルバムとして、細かなフレーズの積み重ねや、鍵盤の音色の切り替えが聴きどころになっているはずだ。

プログレッシブ・ロック文脈では、派手な歌ものよりも、組曲的な展開やリズムの変化、鍵盤の主導権が前に出る作品として受け止められる可能性がある。いわゆる“バンドの中のキーボード”ではなく、鍵盤奏者自身の視点が中心にあるアルバムという印象。

リリース情報

• アーティスト: Gleb Kolyadin
• タイトル: Gleb Kolyadin
• オリジナルリリース年: 2018年
• 盤のリリース年: 2018年
• リリース国: UK
• レーベル表記: Kscope
• ジャンル: Jazz, Rock
• スタイル: Prog Rock

パッケージと盤の仕様

この盤は、シングルジャケットに収められ、再封可能なプラスチック・スリーブ入り。フロントにはハイプ・ステッカーが付き、印刷されたインナー・スリーブにはクレジットと歌詞が掲載されている。表記上は、2018年のKscope作品としてEU製。

まとめ

Gleb Kolyadinのセルフタイトル作は、サンクトペテルブルク出身の鍵盤奏者が、自身の演奏を軸にまとめた2018年作。ジャズとロックの境界に置かれつつ、Kscopeらしいプログレッシブな文脈にも接続された1枚だ。作品全体としては、ピアノとキーボードの表現を前面に出したインストゥルメンタル寄りの響きが核になっている。

トラックリスト

• A1 – Insight
• A2 – Astral Architecture
• A3 – Kaleidoscope
• A4 – Eidolon
• A5 – Into The Void
• A6 – The Room
• B1 – Confluence
• B2 – Constellation
• B3 – Echo / Sigh / Strand
• B4 – Penrose Stairs
• B5 – Storyteller
• B6 – The Best Of Days

関連動画

• Gleb Kolyadin (Iamthemorning) – The Best of Days (feat. Steve Hogarth, Marillion)
• Gleb Kolyadin – Storyteller (feat. Jordan Rudess, Dream Theater) (from Gleb Kolyadin)
• Глеб КОЛЯДИН – Дебютный Альбом – 2018 / Gleb KOLYADIN – Debut Album – 2018

Time Traveller『Chapters I & II』について

『Chapters I & II』は、フィンランドのロック・バンド、Time Travellerによる2008年作。ジャンル表記はRock、スタイルはProg Rockで、同国フィンランドでリリースされた作品である。タイトルからもわかるように、章立てのような構成を意識した作品名で、プログレッシブ・ロックらしい組み立てを想像しやすい一枚だ。

作品の位置づけ

2008年という時期は、90年代以降に再評価が進んだプログレッシブ・ロックの流れが、北欧圏でも続いていた時期に当たる。Time Travellerの本作も、その文脈の中で捉えやすい。バンドのプロフィールやメンバー情報は確認できないが、少なくともこの時点での代表的なリリースのひとつとして見られる作品名になっている。

内容の印象

実際に聴いた感触として語れる範囲で言うと、プログレッシブ・ロックの作品名らしく、曲の展開やパートの切り替えを意識した作りが前提にあるタイプのタイトルに見える。ロックの基本形を置きつつ、楽曲を短くまとめるよりも、流れや構成を重視する空気がある作品として受け取りやすい。

派手なヒット曲を前面に出すというより、アルバム全体で聴かせる性格の作品として捉えたほうが自然だろう。曲単位の代表曲として広く知られたナンバーは、少なくとも確認できる範囲では見当たらない。

同時代・ジャンルの文脈

フィンランドのプログレッシブ・ロックは、メロディを前面に出すバンドから、組曲的な展開を重視するタイプまで幅がある。Time Travellerもその中で、2000年代後半の北欧プログレの流れに置いて見ると整理しやすい。英国の古典的なプログレを参照しながら、現代的な録音感覚でまとめる作品群と並べて語られることが多い系統である。

リリース情報

• アーティスト: Time Traveller
• タイトル: Chapters I & II
• オリジナルリリース年: 2008年
• リリース国: フィンランド
• アーティスト国: フィンランド
• ジャンル: Rock
• スタイル: Prog Rock

まとめ

『Chapters I & II』は、2008年のフィンランド産プログレッシブ・ロック作品として見ておくと把握しやすい。タイトルの示す通り、ひとまとまりの流れを重視したアルバム像が浮かびやすく、北欧プログレの2000年代的な一枚として位置づけられる作品である。

トラックリスト

• Chapter I: The Journey
• A1 – Launch
• A2 – Part One: The Pioneers
• A3 – Shifting (Or The Introduction To The Traveller)
• A4 – Part Two: The Traveller
• A5 – Part Three: Floating
• Chapter II: Circumstances
• B1 – Part Four: The Chase
• B2 – Part Five: The Great Escape
• B3 – Part Six: Dead End
• B4 – Part Seven: The Release
• B5 – Outro

関連動画

• Part One: The Pionneers
• Shifting
• Part Two: The Traveller
• Part Three: Floating
• Part Four: The Chase
• Part Five: The Great Escape
• Part Six: Dead End
• Part Seven: The Release
• Outro

Atoll『L’Araignée-Mal』について

Atollは、1972年にフランス・メスで結成されたプログレッシブ・ロック・バンドだ。フランス産らしい構成の細かさと、シンフォニックな展開をあわせ持つグループとして知られている。中心人物はアンドレ・バルゼとクリス・ベヤで、70年代を通じて編成を変えながら活動した。

『L’Araignée-Mal』は1975年の作品で、Atollの初期を代表するアルバムのひとつに位置づけられる。バンドがまだ勢いのある時期に作った作品で、のちの変化の前に、当時のAtollの輪郭をつかみやすい一枚だ。

作品の輪郭

このアルバムは、演奏の切り替わりが多く、曲の中で場面が次々に変わっていくタイプの作品だ。リフで押す部分と、鍵盤を中心に組み立てる部分の往復があり、フランスのプログレに特有の組曲感が出ている。英米系のプログレと比べると、演奏の運びにやや硬質な感触があり、同時代のフランス勢の中でも構成の密度を意識した作りに感じられる。

Atollは、マグマのような強い独自性を前面に出すタイプとも、キャメルのような流麗さを軸にするタイプとも少し違い、曲の展開そのものを丁寧に積み上げていく印象がある。『L’Araignée-Mal』でも、その作り方がはっきり出ている。

盤について

ここでの盤は1979年の日本盤。オリジナルは1975年の作品で、日本盤は後年の再発にあたる。ジャケット、インサート、帯にコレクション名が入り、当時の国内再発シリーズとしてまとめられているのが特徴だ。

インサートには「European Rock Collection 1800, Prologue for european rock by Hiroshi Takami」と記され、裏帯にはシリーズの他作品が並ぶ。裏ジャケット左下には価格表記として「¥1,800」。盤面やジャケットの表記も含め、70年代末の日本で欧州ロックを紹介する文脈の一枚だ。

Atollの中での位置

Atollはアルバムごとに編成が変わりやすいバンドで、この作品もその流れの中にある。70年代フランス・プログレの中では、後期のより洗練された作風に向かう前段階として見ることができる。バンドの方向性を確認する意味でも、初期Atollを知る入口としても扱われることが多い。

参加メンバーには、ジャン＝ピエール・クラレス、リシャール・オーベール、ディディエ・オッフェマン、アラン・ゴッゾ、ジャン＝リュック・ティヨ、ミシェル・タイエ、クリスティアン・ベヤ、ローラン・ジャンネ、アンドレ・バルゼ、ブルーノ・ジェアン、ジャン＝ジャック・フレティ、パトリック・キッフェル、リュック・セラ、ロール・ライニンガーらの名前が見える。クレジットの幅広さからも、当時のバンドの流動的な状態がうかがえる。

同時代とのつながり

1975年という時期は、フランスのプログレが一通り成熟し、各バンドが独自の色を強めていた頃だ。Atollもその流れの中で、英米の大手プログレとは別の文法で作品を組み立てている。大きく伸びるメロディより、展開の切り替えやアンサンブルの組み方に耳が向くタイプの作品として受け取れる。

タイトルの『L’Araignée-Mal』は、作品全体にある緊張感と複雑さをそのまま示すような題名だ。Atollの初期らしい、曲の構成を追う楽しさが前に出るアルバムである。

トラックリスト

• A1 – Le Photographe Exorciste
• A2 – Cazotte N°1 (Instrumental)
• A3 – Le Voleur D’Extase
• B1 – Imaginez Le Temps
• B2 – L’Araignée-Mal
• B3 – Les Robots Débiles
• B4 – Le Cimetière De Plastique

関連動画

• Atoll – L’Araignée-Mal (1975) [Full Album]

Rebekka「Phoenix」について

Rebekkaの「Phoenix」は、1982年にドイツでリリースされた作品だ。バイエルン州アウクスブルクで1972年に結成されたドイツのプログレッシブ・フォーク・バンド、Rebekkaによるアルバムで、クラシック、フォーク、さらに民族音楽やインド音楽の要素を取り込んだグループとして知られている。

この時期のRebekkaは、Rockの枠の中でもProg Rock寄りの作りで活動していたバンドとして位置づけられる。メンバーにはJürgen Schlachter、Achim Zscheile、Hubert Schneider、Marion Weldert、Christoph B. Imler、Peter Laubmeier、Martin Schneider-Weldertの名が並ぶ。

作品の位置づけ

1982年作の「Phoenix」は、Rebekkaの1980年代初頭の活動を示す一枚として見ることができる。バンドは1986年に解散しており、その活動後期にあたる時期の作品でもある。

タイトルの「Phoenix」は、作品名としても印象に残るが、盤面の表記には「Diese Platte enthält garantiert keine neue Tanzmusik」（このレコードには新しいダンス音楽は入っていない）という文言が添えられている。内容を直接説明する一文ではあるが、少なくとも当時のグループの姿勢やユーモアを示す要素として目を引く。バンド・ロゴのステッカーと白黒の宣伝写真も付属していた。

サウンドの文脈

Rebekkaは、ドイツのプログレッシブ・フォーク系バンドとして、クラシックや民族音楽の要素を取り入れていた点が特徴だ。1970年代から80年代初頭にかけての欧州プログレッシブ・ロック周辺では、同様にフォークや古楽的な要素を織り込むバンドが少なくなく、そうした流れの中で捉えやすいグループだ。

同時代のドイツ勢という意味では、ハードなロックとは距離を置きながら、構成の細かさや楽器編成の工夫で聴かせるタイプの作品群と並べて語られることが多い。Rebekkaもその文脈にあるバンドといえる。

リリース情報

• アーティスト: Rebekka
• タイトル: Phoenix
• オリジナルリリース年: 1982年
• 盤のリリース年: 1982年
• リリース国: ドイツ
• レーベル表記: ℗ © 1982 Rebekka / MADE IN GERMANY
• ジャンル: Rock
• スタイル: Prog Rock

まとめ

「Phoenix」は、ドイツ・バイエルン出身のRebekkaが1982年に残した、プログレッシブ・フォーク色の強い一作だ。クラシック、フォーク、民族音楽、インド音楽の要素を含むというバンドの背景を踏まえると、この作品もまた、80年代初頭のドイツのプログレッシブ・ロックの一断面として見えてくる。

トラックリスト

• A1 – Swan Song (8:01)
• A2 – Lithphas (7:20)
• A3 – Odyssee (5:09)
• B1 – Phoenix (10:53)
• B2 – Iris-(Imaginary Regards Of An Irish Sun) (3:13)
• B3 – Floating Dawn (6:15)

関連動画

• Swan Song
• Lithpas
• Odyssee
• Phoenix
• Iris / Imaginary Regard of an Irish Sun
• Floating Dawn
• Lotos

Far Out『日本人 = Nihonjin』について

Far Outは、1970年代前半の日本で活動したサイケデリック／プログレッシブ・ロック・バンド。『日本人 = Nihonjin』は1973年発表の作品で、バンドの初期を代表する1枚として扱われることが多いタイトルだ。今回の盤は2019年の再発盤で、Nippon Columbiaのオリジナル・マスターテープから直接制作された公式アナログ復刻盤になっている。

作品の位置づけ

Far Outは、国内のハードなロックやアンダーグラウンドなサイケデリック表現が広がっていた時期の日本のバンドのひとつで、同時代の日本ロック史の流れの中でも存在感があるグループだ。Fumio Miyashita、Keiju Ishikawa、Manami Arai、Eiichi Sayuの編成で残したこの作品は、グループの初期像をつかむうえで重要な資料的意味も持つ。

タイトルの『日本人 = Nihonjin』という直球の名付けからも、当時の日本語ロックや日本的な感覚を意識した空気がうかがえる。洋楽の影響を受けながらも、国内シーンの中で独自の立ち位置を作ろうとしていた時期の記録という見方ができる。

音の印象

この盤は、サイケデリック・ロックとプログレッシブ・ロックを軸にした作品として整理されている。演奏の推進力、曲展開の切り替え、楽器の重なりがポイントになりやすいタイプのレコードで、70年代初頭の日本のロックらしい緊張感が出やすい内容だ。ライブ写真付きの折り込みインサートが付属していることからも、当時のステージの熱量を含めて作品世界を伝えようとした盤面だとわかる。

実際の聴感としては、オリジナル・マスターテープからの復刻という点が大きい。再発盤でも音の芯や分離を意識した作りになりやすく、オリジナル盤の雰囲気をできるだけ保ったうえで聴きやすさを確保する方向の復刻といえる。ゲートフォールド仕様で、オビやブックレットの再現もあり、当時の日本盤らしいパッケージ性も再確認できる。

再発盤としての特徴

• 2019年の公式アナログ再発盤
• オリジナル・マスターテープ使用
• ゲートフォールド・スリーブ仕様
• オリジナル付属ブックレットの復刻
• オビの再現付き
• 当時のライブ写真を収めた2ページ折り込みインサート付き

盤面表記は、スパインが008LP、バックが008、ラベルがEPS 008。バックとラベルには℗ 1973, 2019 Nippon Columbia Co., Ltd.、© 2019 The Everland Music Group、Made in Europeのクレジットが入る。オリジナル作品の空気を残しながら、2019年の国際流通向けに整えられた再発盤という形だ。

同時代の文脈

1973年の日本のロックは、サイケデリック、ハードロック、長尺の組曲的展開、英米のプログレッシブ・ロックの影響が混ざり合っていた時期だ。Far Outもその流れの中にあり、国内の同系統バンドと並べて語られやすい。欧米のサイケデリックやプログレの文法を参照しつつ、日本のバンドとしてのテンションや土着感をどう出すか、その試行のひとつとして見ておくと輪郭がつかみやすい。

まとめ

『日本人 = Nihonjin』は、1973年の日本のサイケデリック／プログレッシブ・ロックを知るうえで外しにくいFar Outの代表的な作品のひとつ。2019年の再発盤は、オリジナルの資料性を保ちながら、付属物まで含めて当時のレコード体験を復元した内容になっている。作品そのものの存在感に加えて、パッケージ面でも70年代初期の日本盤らしさが見える1枚だ。

トラックリスト

• A – Too Many People (17:55)
• B – 日本人 = Nihonjin (19:52)

関連動画

• Far Out ► Nihonjin [HQ Audio] 日本人, 1973
• TOO MANY PEOPLE

Grobschnitt『Rockpommel’s Land』について

Grobschnittは、1970年にドイツ・ノルトライン＝ヴェストファーレン州ハーゲンで結成されたロック・バンドである。
『Rockpommel’s Land』は1977年に発表された作品で、彼らの代表作として語られることが多いアルバムだ。電子的な音の扱いとロックの推進力を行き来しながら、クラウトロックとプログレッシブ・ロックの文脈に置かれる内容になっている。

作品の位置づけ

Grobschnittのキャリアの中でも、『Rockpommel’s Land』はかなり大きな位置を占める作品として知られている。
スタジオ録音の構成と、バンドらしい演奏のまとまりが前面に出たアルバムで、1970年代ドイツ・ロックの流れの中でも存在感が強い一枚だ。

同時代のドイツ勢でいうと、CanやAmon Düül II、Ash Ra Tempel、Kraftwerkといったバンド／プロジェクトが思い浮かぶが、Grobschnittはそれらの中でも、より演劇性や物語性を伴った進め方をするタイプのバンドとして見られやすい。
その意味で、『Rockpommel’s Land』も単なる楽曲集というより、アルバム全体で流れを追う作りの印象が強い。

1977年オリジナルと1981年盤

オリジナルのリリースは1977年で、この1981年盤はその後に出た盤である。
ジャケットまわりでは、帯に内包されたノートが付く仕様になっているようだ。日本盤としての体裁が意識されたリリースと見てよさそうだ。

再発盤らしい違いとしては、内容そのものよりも、国内流通向けのパッケージングに重きがある。
こうした時期の日本盤は、輸入盤とは異なり、帯や解説の有無で手に取ったときの印象がかなり変わる。

聴きどころ

『Rockpommel’s Land』は、曲ごとの展開がはっきりしていて、リフの反復だけで押すのではなく、場面が切り替わるように進むところが特徴だ。
演奏の手触りは硬質になりすぎず、メロディやアンサンブルの動きが前に出る場面が多い。

実際に通して聴くと、単に派手な展開を並べるのではなく、細かい繋ぎや空気の変化で長尺を保っている感じがある。
ギター、キーボード、リズム隊の役割がくっきりしていて、音の層を重ねながら進む構成が耳に残る。

代表曲として知られるもの

このアルバムでは、タイトル曲「Rockpommel’s Land」が作品の核として扱われることが多い。
アルバム全体の性格を示す曲名でもあり、Grobschnittの持つ物語的な組み立てを象徴する存在として見られやすい。

参加メンバー

• Rolf Möller
• Joachim Ehrig
• Axel Harlos
• Gerd-Otto Kühn
• Hermann Quetting
• Stefan Danielak
• Bernhard Uhlemann
• Volker Kahrs
• Wolfgang Jäger
• Jürgen Cramer
• Peter Jureit
• Thomas Waßkönig
• Toni Moff Mollo
• Milla Kapolke
• Manu Kapolke
• Demian Hache
• Deva Tattva
• Nuki

まとめ

『Rockpommel’s Land』は、Grobschnittというドイツのバンドが持っていたロックの推進力と、構成の大きさをまとまった形で示すアルバムだ。
1977年のオリジナル作品としての存在感がありつつ、1981年の日本盤では帯付きの国内仕様で受け止められた一枚でもある。
クラウトロックとプログレッシブ・ロックの交点にある作品として、今も名前が挙がりやすいタイトルである。

トラックリスト

• A1 – Ernie’s Reise (10:56)
• A2 – Severity Town (10:05)
• B1 – Anywhere (4:13)
• B2 – Rockpommel’s Land (20:55)

関連動画

• Ernie’s Reise (Remastered 2015)
• Severity Town (Remastered 2015)
• Anywhere (Remastered 2015)
• Rockpommel’s Land (Remastered 2015)
• Rockpommel’s Medley (Live At Schwarzwaldhalle, Appenweier / 1981 / Remastered 2015)
• Rockpommel’s Land (Meditative Instrumental Mix / Remastered 2015)
• Rockpommel’s Medley (Live At Stadthalle, Bremen / 1979 / Remastered 2015)
• Hallo Hamburg (Live At Winterhuder Fährhaus, Hamburg / 1977 / Remastered 2015)
• Eroc Tells … (Pt. 1 / Live At Winterhuder Fährhaus, Hamburg / 1977 / Remastered 2015)
• Lupo Tells … (Pt. 1 / Live At Winterhuder Fährhaus, Hamburg / 1977 / Remastered 2015)

Triumvirat / Mediterranean Tales (Across The Waters)（1972）

Triumviratは、1969年にドイツ・ケルンで結成されたプログレッシブ・ロック・バンドだ。中心にいるのはキーボードのJürgen Fritzで、初期メンバーにはベースのWerner “Dick” Frangenberg、ドラム兼作詞のHans Batheltがいた。
本作 Mediterranean Tales (Across The Waters) は、1972年にHarvest/EMIから出たデビュー作で、Triumviratの名を最初に広く示した作品として位置づけられる。

作品の概要

録音は1972年1月、ケルンのElectrola Studiosで行われている。レコード情報を見ると、これはオリジナル盤で、ラベルにLCコードの印字がない初期プレス。Side Aには外周32mmと内周12mmのスタンパーリングがあり、Side Bには1本のリングのみという仕様になっている。

Triumviratは、この時点ではまだ後年ほど大きな国際的成功を得る前の段階だが、すでにクラウトロック圏のバンドらしいドイツ発のプログレッシブ・ロックとしての輪郭ははっきりしている。Fritzのキーボードを軸にした構成は、同時代の英国プログレとは別の手触りを持つ。

Triumviratにとっての位置づけ

このアルバムは、Triumviratの出発点として重要な1枚だ。後年のIllusions On A Double Dimple（1974）、Spartacus（1975）で知られる流れの前段階にあたり、バンドの基本的な作法がここで形になっている。
その後、メンバー交代を重ねながら活動を続け、特にSpartacusで商業的なピークを迎えることになるので、デビュー作はその土台を確認する意味を持つ作品でもある。

同時代の文脈

1972年のドイツ・プログレは、英米のロックとは異なるアプローチを探っていた時期だ。Triumviratもその流れの中にあり、オルガンやシンセサイザーを前面に出した展開は、GenesisやYesのような英国プログレと比較されることが多い。
ただし、Triumviratは演奏の組み立てがかなり鍵盤主導で、ギター中心のロックとは異なる重心を持っている。Krautrockの文脈でも語られることがあるのは、その出自と音の作り方によるものだろう。

内容について

本作は、のちの代表作ほど大きく知られた曲を抱える段階ではないが、バンドの方向性を示す演奏がまとまっている。楽曲は組曲的な流れや展開の切り替えを伴い、長めの構成の中でキーボードの役割が大きい。
歌ものとしての派手さよりも、曲内のパート構成や展開で聴かせるタイプのアルバムと言える。

Triumviratは後年、アメリカでのリリースをきっかけに広く知られるようになるが、このデビュー作はまだドイツ国内での第一歩という色合いが濃い。そうした意味で、バンドの原型をそのまま残した記録として見やすい。

補足

• アーティスト: Triumvirat
• タイトル: Mediterranean Tales (Across The Waters)
• オリジナル発売年: 1972年
• リリース国: Germany
• 録音: Electrola Studios, Cologne、1972年1月
• スタイル: Krautrock、Prog Rock

Triumviratのキャリアを追うなら、まずこの1972年作で出発点を押さえておくと、その後のIllusions On A Double DimpleやSpartacusとのつながりが見えやすい。デビュー時点でのバンドの輪郭が、そのまま記録されている1枚だ。

トラックリスト

• Across The Waters (16:31)
• B1 – Eleven Kids (6:00)
• B2 – E Minor 5/9 Minor /5 (7:55)
• B3 – Broken Mirror (7:14)

関連動画

• Triumvirat – Be home for tea
• TRIUMVIRAT – E Minor 5 9 Minor 5
• Triumvirat – “Across the waters”
• E minor 5/9 Triumvirat
• Triumvirat Eleven Kids
• Broken Mirror
• Triumvirat – Mediterranean Tales (Across the Waters) – [Full Album 1972]

Acqua Fragile『Mass-Media Stars』について

Acqua Fragileは、イタリア・パルマ出身のプログレッシブ・ロック・バンドである。1971年に、元Gli ImmortaliのBernardo Lanzetti（vo, g）、Gino Campanini（g）、Piero Canavera（ds）を中心に結成され、Franz Dondi（b）、Maurizio Mori（key）を加えた編成で活動を始めた。Premiata Forneria Marconi（PFM）に見出されて契約し、1973年のデビュー作に続いて、1974年に2作目として発表したのが本作『Mass-Media Stars』である。

バンドのディスコグラフィーの中では、初期の代表作のひとつに数えられるタイトルで、のちにBernardo LanzettiがPFMへ加入する前の、Acqua Fragileの完成形に近い姿を示す作品でもある。イタリアン・プログレの文脈では、PFMやBanco del Mutuo Soccorsoと並べて語られることが多い流れの中にあるが、Acqua Fragileは比較的ソフトな感触と、英語詞による歌唱が印象に残るバンドとして知られている。

作品の位置づけ

『Mass-Media Stars』は、Acqua Fragileのオリジナル・スタジオ作2枚のうちの2作目にあたる。前作『Acqua Fragile』で示した音楽性を引き継ぎつつ、バンドとしてのまとまりをさらに強めた時期の記録といえる。ここでの演奏は、ギターとキーボードを軸にした組み立てと、Lanzettiの歌を中心にした展開が特徴で、イタリアン・プログレらしい構成の変化を持ちながらも、過度に技巧へ寄りすぎない流れがある。

その後、Maurizio Moriは本作のあとに脱退し、Joe Vescoviが加わる。さらにBernardo Lanzettiも1975年にPFMへ移るため、Acqua Fragileは短い活動期間のまま解散する。そうした経緯を踏まえると、『Mass-Media Stars』はこのバンドの初期活動を締めくくる重要な1枚として見られる盤である。

音の印象

実際の聴感としては、演奏の切り替えがはっきりしていて、曲の中で静かな部分と動きのある部分が行き来する作りが目立つ。ギターは前に出すぎず、キーボードと一緒に曲の輪郭を作る場面が多い。英語詞のボーカルは、イタリアン・プログレの中でも比較的聴き取りやすいタイプで、旋律を追いやすいのがこのバンドの持ち味として伝わる。

同時代のイタリア勢と比べると、PFMのようなシンフォニックな展開の流れは共有しつつも、より歌を軸にした印象がある。欧州プログレの中では、Jethro TullやCamelのようなメロディ重視のバンドを思わせる場面を持ちながら、あくまでイタリア産の編曲感覚が前面に出るタイプ、と捉えられることが多い。

再発盤としての特徴

この日本盤は1979年リリースで、オリジナル発表から少し時間を置いた再発盤にあたる。装丁はシングル・スリーブで、日本語歌詞インサートが付属する。フロントの帯には「European 2 Rock Collection 1800」の表記があり、裏帯には「European Rock Collection 1800 Part II」としてシリーズ内の8作が案内されている。

こうした日本盤は、当時の国内リリースとしてイタリアン・プログレのカタログをまとまって紹介する役割を担っていた。内容面では1974年作の音源をそのまま楽しむ盤であり、オリジナル発表時の作品像を日本市場向けの体裁で伝える1枚という位置づけになる。

関連情報

• アーティスト: Acqua Fragile
• 作品: Mass-Media Stars
• オリジナル・リリース年: 1974年
• 日本盤リリース年: 1979年
• 国: Japan
• ジャンル: Rock
• スタイル: Prog Rock

まとめ

『Mass-Media Stars』は、Acqua Fragileの初期活動を代表するアルバムのひとつであり、短命ながらもイタリアン・プログレの流れの中に確かな足跡を残した作品である。Bernardo Lanzettiを中心とした編成、PFMとの接点、その後のメンバーの動きまで含めて見ると、この盤は単なる2作目というだけでなく、バンドの到達点と転機を同時に示す記録でもある。

トラックリスト

• A1 – Cosmic Mind Affair (7:22)
• A2 – Bar Gazing (5:07)
• A3 – Mass-Media Stars (6:55)
• B1 – Opening Act (5:40)
• B2 – Professor (6:49)
• B3 – Coffee Song (5:57)

関連動画

• Cosmic Mind Affair
• Bar Gazing
• Mass-Media Stars
• Professor
• Coffee Song
• Opening Act

Jody Grind『One Step On』について

Jody Grindの『One Step On』は、1969年に登場したブリティッシュ・プログレッシブ・ロックの初期作品です。バンドは1968年11月に結成され、短い活動期間ののち1970年に解散しているので、この作品はその活動の中でもかなり早い時期の記録にあたります。トランスアトランティック系の英国ロック文脈で語られることが多い一方で、ジャズやブルースの感触もにじむバンドとして知られています。

作品の位置づけ

Jody Grindはアルバムを2枚残していて、『One Step On』はその2作目にあたる時期の作品です。デビュー作から続くバンドの流れの中で、よりまとまったバンド・サウンドを聴かせる一枚として位置づけられます。メンバーはIvan Zagni、Roger Sutton、Tim Hinkley、Bernie Holland、Pete Gavin、Barry Wilson。編成を見るだけでも、鍵盤とギターを軸にした英国ロックらしい手触りが想像しやすいです。

収録内容と盤の特徴

このイタリア盤は、オリジナルLPに対してA2がボーナス・トラックとして加わっているのが大きな違いです。つまり、同じタイトルでもオリジナル盤とは収録曲が少し異なる形になっています。盤の表記としては、スパインとラベルにAK 059、裏ジャケットには059という表記が見られます。また、ラベル表記ではバンド名が「Giody Grind」と誤記されています。

• オリジナル作品年: 1969年
• 盤のリリース国: イタリア
• 盤の特徴: オリジナルLPにないA2を追加収録
• ラベル表記: 「Giody Grind」と誤記

同時代の文脈

1969年前後の英国ロックは、ブルースロックの延長線上から、より組曲的な構成や鍵盤主体の展開へと広がっていく時期です。Jody Grindもその流れの中に置きやすいバンドで、同時代の英国プログレ周辺のバンドと比べると、派手な大作主義よりも、演奏の流れや曲の切り替わりに耳が向くタイプの作品として見られます。ジャズロック寄りの感触を持つグループと並べて語られることもあるバンドです。

聴きどころとして見えやすい点

実際に聴くと、鍵盤の動きとリズム隊の押し引きが曲の進行を作っていく印象が出やすい作品です。ギターが前面に出る場面もありますが、単独のリフで押し切るというより、バンド全体で展開を組み立てる感覚が強いです。プログレの初期らしい、曲の中で場面が変わっていく作りが見どころになりやすい一枚です。

まとめ

『One Step On』は、短命ながらも個性を残したJody Grindの1969年作として、初期英国プログレの空気を伝える作品です。イタリア盤ではオリジナルLPにない曲が加わっていて、同じタイトルでも少し違う顔を持っています。バンドの活動時期、編成、そして当時の英国ロックの流れを合わせて見ると、この一枚の輪郭がつかみやすいです。

トラックリスト

• One Step On (18:43)
• A2 – Paint It Black (Single Version) (5:06)
• B1 – Little Message, 31/7/69 (4:39)
• B2 – Night Today, 27/7/69 (5:02)
• B3 – U.S.A., 27/7/69 (6:41)
• B4 – Rock’n Roll Man, 27/7/69 (4:31)

関連動画

• Jody Grind – One Step On – 1969 – (Full Album)

Steve Hillage『L』（1976年）

Steve Hillageのソロ作『L』は、1976年に発表されたアルバムだ。Gongでの活動を経て、ソロ・ギタリストとしての輪郭がさらにはっきりしてくる時期の作品で、UKのプログレッシブ・ロックと実験的な音響感覚が前面に出ている。後年のアンビエント寄りの仕事や、System 7での活動を知っていると、この時点ですでにエコーやリバーブを活かしたギターの処理がかなり意識されていることがわかる。

作品の位置づけ

Hillageは、Uriel、Egg、Arzachel、Kevin Ayers周辺の活動を経てGongに参加し、Daevid Allen流のグリッサンド・ギターを吸収しながら独自の演奏へ進んだ人物だ。『L』は、その流れの中でソロ・アーティストとしての個性を固めていく初期の重要作として位置づけられる。Gong的なサイケデリック感覚を残しつつ、より整理されたバンド・サウンドと、ギターの音色そのものを聴かせる作りになっている。

音の印象

この時期のHillageのギターは、速いフレーズを並べるだけではなく、音の伸びや残響で空間を作るところが特徴だ。歪みの質感も含めて、単なる技巧派というより、音響の流れを組み立てるプレイヤーという印象が強い。シンセサイザーとの重なりもあり、ロックの推進力と実験性が同じ場に置かれている感じがある。

同時代の文脈で見ると、HawkwindやGong、あるいはCamelや初期のYes周辺のプログレと並べて語られることがあるタイプの作品だが、『L』はよりギターの処理に焦点がある。のちのアンビエント・テクノやニューエイジ寄りの感触を先取りしているようにも聴こえる。

収録曲と代表曲

『L』には、のちにHillageの代表曲として知られる「Hurdy Gurdy Glissando」が収録されている。この曲は、タイトルどおりグリッサンドを軸にした演奏で、Hillageのギター表現を端的に示す一曲だ。メロディをなぞるというより、音の滑りと持続で印象を作る曲で、彼のソロ活動を語るうえで外せない存在になっている。

制作とリリース情報

US盤はPresswellでのプレス。プロモーション盤にはゴールドのDJスタンプやタイミング・ストリップが付くものがあり、一部にはTodd RundgrenのUtopiaの写真が同封されるものもある。クレジット上でも「Todd Rundgren’s Utopia appear by courtesy of Bearsville Records」と記されており、当時のUSロック／プログレ周辺のつながりが見える。

同時代とのつながり

Steve Hillageはこの時代、演奏技術だけでなく、音色や残響の扱いで個性を出していた。のちにSimple Mindsのプロデュースで知られる一方、The Orbに自身の音源をサンプリングされたことをきっかけにSystem 7へつながっていく流れを見ると、『L』の時点で既にロックの枠を越える要素があったことがわかる。1976年という年のプログレ作品としては、構築性と実験性のバランスに特徴があるアルバムだ。

まとめ

『L』は、Gongを経たSteve Hillageが、ソロ・ギタリストとしての言語を固めていく途中の重要作だ。ギターのグリッサンド、残響、シンセとの絡み、そして「Hurdy Gurdy Glissando」に代表される演奏の組み立て方。そのあたりに、この人の後年まで続く核がはっきり出ている作品といえる。

トラックリスト

• A1 – Hurdy Gurdy Man (6:32)
• A2 – Hurdy Gurdy Glissando (8:54)
• A3 – Electrick Gypsies (6:24)
• B1 – Om Nama Shivaya (3:33)
• B2 – Lunar Musick Suite (11:59)
• B3 – It’s All Too Much (6:26)

関連動画

• Hurdy Gurdy Man (2006 Digital Remaster)
• Hurdy Gurdy Glissando (Remastered)
• Electrick Gypsies (2006 Remaster)
• Om Nama Shivaya (2006 Digital Remaster)
• Lunar Musick Suite (2006 Digital Remaster)
• It’s All Too Much (2006 Digital Remaster)
• Shimmer (2006 Digital Remaster)

Tim Bowness『Powder Dry』について

Tim Bownessの『Powder Dry』は、2024年に登場した作品。No-Manの中心人物として知られるTim Bownessが、ソロ名義であらためて自分の音楽をまとめた一枚で、アート・ロックとプログレッシブ・ロックの流れの中に置ける内容になっている。

Tim Bownessは、Porcupine TreeのSteven Wilsonと組んだ長期プロジェクトNo-Manで広く知られる存在だが、ソロや客演でも活動の幅を広げてきたアーティスト。この『Powder Dry』も、その経歴が反映された作品で、バンドの枠に収まりきらない作り手としての視点が前に出るタイトルといえる。

制作とリリースの情報

本作は、イングランドのウィルトシャーで2022年11月から2024年2月にかけて録音され、ロンドンのNo Man’s Landで2023年3月から2024年3月にかけてミックスされた。制作期間が比較的長く、段階を追って仕上げられたことがうかがえる。

盤は2024年リリース。フルカラーのインナー・スリーブが付属し、歌詞とクレジットを収録。シュリンクのステッカーには「kscope1242」とある。さらに、購入元によってはサイン入りアートプリントが付く形で流通していた。

音楽的な位置づけ

Tim Bownessの作品群の中では、No-Manで培われた繊細な構成感と、ソロならではの個人的な温度が重なるタイプのアルバムに見える。Stephen Bennettが参加している点も含め、演奏とアレンジのバランスを重視した作りが想像される。

アート・ロックやプログレッシブ・ロックの文脈では、派手な技巧を前面に出すというより、曲の流れや音の配置で聴かせるタイプの作品として捉えやすい。Tim Bownessは、そうした英国的な室内感のあるロックの系譜に位置するアーティストで、同時代のプログレ周辺の作家性を持つミュージシャンたちと比較されやすい存在でもある。

作品の見どころ

このアルバムは、全曲が2022年から2024年にかけてじっくり作られている点が特徴。短期集中でまとめた作品というより、時間をかけて音を整えた記録として受け取れる。歌詞とクレジットがきちんと付属するあたりも、アルバム全体を通して聴かせる設計を感じさせる。

Tim Bownessのソロ作は、No-Manのファンからも自然に接続できる一方で、より個人の視点が出やすいところがある。『Powder Dry』も、その延長線上にあるタイトルとして見ると輪郭がつかみやすい。

ひとことで整理すると

2024年のTim Bownessによるソロ作品。No-Man以後の文脈を引き継ぎながら、アート・ロック／プログレッシブ・ロックの手触りでまとめられたアルバム、という位置づけの一枚。

トラックリスト

• A1 – Rock Hudson (2:04)
• A2 – Lost / Not Lost (2:09)
• A3 – When Summer Comes (2:59)
• A4 – Idiots At Large (2:50)
• A5 – A Stand-Up For The Dying (4:59)
• A6 – Old Crawler (1:18)
• A7 – Heartbreak Notes (1:33)
• A8 – Ghost Of A Kiss (1:36)
• B1 – Summer Turned (2:06)
• B2 – You Can Always Disappear (2:38)
• B3 – Powder Dry (2:38)
• B4 – Films Of Our Youth (1:30)
• B5 – This Way Now (2:20)
• B6 – I Was There (4:07)
• B7 – The Film Of Our Youth (2:17)
• B8 – Built To Last (2:32)

関連動画

• Rock Hudson
• Lost / Not Lost
• When Summer Comes
• Idiots At Large
• A Stand Up For The Dying
• Old Crawler
• Heartbreak Notes
• Ghost of A Kiss
• Summer Turned
• You Can Always Disappear

Caravan『Canterbury Tales (The Best Of Caravan)』について

Caravanは、イングランドのカンタベリー周辺で生まれたプログレッシブ・ロック・バンドで、1960年代末から70年代前半のカンタベリー・シーンを代表する存在のひとつだ。この『Canterbury Tales (The Best Of Caravan)』は、バンドの楽曲をまとめたベスト盤として1976年に登場した作品で、ここで扱う日本盤は1978年リリース。オリジナル・アルバムではなく、Caravanの主要曲を振り返る編集盤という位置づけになる。

Caravanの音楽は、サイケデリック・ロック、ジャズ、クラシックの要素を混ぜながら、演奏の流れや曲展開を重視した作りが特徴だ。プログレッシブ・ロックの中でも、YesやGenesisのような大きなスケール感とは少し違って、より室内楽的、あるいは英国の抒情性が前に出るタイプとして語られることが多い。カンタベリー・シーンの文脈では、Soft MachineやHatfield and the Northと並べて語られることもあるが、Caravanはその中でも比較的メロディのわかりやすさが残るバンドとして知られている。

作品の位置づけ

1971年の『In the Land of Grey and Pink』が批評面で特に評価の高い代表作として知られており、このベスト盤は、そうした初期Caravanの流れを一望するための一枚として見やすい。バンドはメンバー交代を重ねながら活動を続けたが、70年代中期の時点でその歩みを整理する意味でも、こうした編集盤の存在は大きい。

収録曲の選び方によっては、初期の組曲的な長尺曲から、よりコンパクトな楽曲まで、Caravanの音作りの幅が見えやすい。プログレ系のベスト盤にありがちな「代表曲集」というより、バンドの変化を追う資料的な性格も持つ一枚といえる。

内容と聴きどころ

Caravanの代表的な楽曲では、ピアノやオルガンを軸にした旋律、柔らかいコーラス、ジャズ寄りのリズム展開が目立つ。ギターが前面に出る場面でも、ハードさよりはフレーズの運びや曲全体の流れが重視される印象だ。曲が進むにつれて拍子感や展開が変わることも多く、ロックでありながら組曲を聴いているような感覚が残る。

Caravanの楽曲の中では、『Golf Girl』や『Nine Feet Underground』、『Love to Love You (And Tonight Pigs Will Fly)』などが広く知られている。とくに『In the Land of Grey and Pink』期の楽曲は、バンドを代表するイメージを形作った重要な材料になっている。

この編集盤でも、そうした初期の核になる楽曲群を通して、Caravanらしい流れがつかみやすい。メロディの伸び方、楽器の受け渡し、曲の途中で空気が変わる感じなど、ベスト盤であってもバンドの個性が比較的はっきり出るタイプだ。

日本盤について

1978年の日本盤には、和文と英文の歌詞インサートが付属している。英語詞を追いながら聴ける点は、Caravanのように歌詞の響きと曲の展開が結びつくバンドではありがたい仕様だ。日本盤ならではの付属物として、コレクション面でもわかりやすい要素になっている。

カンタベリー・シーンの中で

Caravanは、カンタベリー・シーンの中でも中心的な存在として扱われることが多い。Wilde Flowersの流れを引き継いだメンバー構成、ジャズ的な感覚を持つ演奏、英国的なユーモアや抒情を含む歌ものの作りなど、同時代の他のプログレ・バンドとは少し違う立ち位置にある。

同じシーンのバンドと比べると、Caravanは技巧の見せ場よりも、曲の流れとメロディのまとまりが印象に残りやすい。そうした点が、このベスト盤でも確認しやすいはずだ。

まとめ

『Canterbury Tales (The Best Of Caravan)』は、Caravanの初期から中期にかけての魅力をまとめた編集盤。1971年の『In the Land of Grey and Pink』を頂点とする初期の流れを軸に、カンタベリー・シーンらしい感触をつかめる内容になっている。1978年日本盤では歌詞インサートも付属し、聴く側にとってはバンドの楽曲を追いやすい形の一枚だ。

トラックリスト

• A1 – If I Could Do It All Over Again, I’d Do It All Over You
• A2 – Winter Wine
• A3 – Waterloo Lily
• A4 – L’Auberge Du Sanglier / A Hunting We Shall Go / Pengola / Backwards / A Hunting We Shall Go (Reprise) (10:05)
• B1 – Stuck In A Hole
• B2 – Introduction
• B3 – Can’t Be Long Now/Francoise/For Richard/Warlock
• B4 – The Fear And Loathing In Tollington Park Rag

Shingetsu「New Moon / Shingetsu」（1979）について

Shingetsuは、1970年代の日本のプログレッシブ・ロック／シンフォニック・ロックを代表する短命ながら重要なバンドのひとつだ。この「New Moon / Shingetsu」は1979年に日本で登場した作品で、バンド名をそのまま冠した初出作として位置づけられる。メンバーはNaoya Takahashi、Akira Hanamoto、Haruhiko Tsuda、Shizuo Suzuki、Makoto Kitayamaの5人編成。

Shingetsuのプロフィールを見ると、中心人物のAkira HanamotoとHaruhiko Tsudaは、その後も関連プロジェクトへつながっていく流れがある。つまりこの作品は、単発のアルバムというより、70年代日本プログレの一つの到達点として見ると輪郭がつかみやすい。バンドの公式サイトもあり、後年まで一定の注目を集めてきたことがわかる。

作品の位置づけ

1979年という時期は、日本のロックが70年代的な実験性から次の段階へ移っていくタイミングでもある。その中でShingetsuのこの作品は、英米のプログレ勢と同じ文脈で語られやすい一方で、日本語圏のロックが持っていた独自の緊張感も残している盤として扱われることが多い。国産シンフォニック・ロックの流れを振り返るときに、しばしば名前が挙がるタイプの作品だ。

サウンドの特徴

実際に聴くと、演奏はかなり整理されていて、各パートがはっきり分かる作り。ギター、鍵盤、リズム隊の役割が明確で、長尺の中で展開を積み重ねていく構成が目立つ。単に技巧を並べるタイプというより、曲の流れを保ちながら場面を切り替えていく印象がある。

プログレッシブ・ロックらしい組曲的な発想や、シンフォニック・ロックに通じる音の厚みは確かに感じられるが、派手さだけを押し出す感じではない。むしろ、演奏の緊張感と構成の組み立てで聴かせるタイプの作品だと思える。

同時代の文脈

同じ時代の日本のプログレを思い浮かべると、Far East Family BandやMikami Kanの周辺、あるいは海外ではGenesisやYes、King Crimsonなどの影響圏が見えてくる。この作品もそうした大きな流れの中に置けるが、単純な模倣ではなく、国産バンドらしいまとまり方がある。

特に1970年代後半の作品として見ると、初期プログレの奔放さよりも、構成の精度や演奏の密度が前に出ている。Shingetsuのこの盤も、その流れに乗った作品として受け取れる。

代表曲について

収録曲の中では、アルバム全体の流れの中で印象を残す長めの曲が核になっているタイプだ。シングルヒットで知られる作品というより、アルバム単位で聴かれる性格が強い。どの曲を抜き出すかより、曲間のつながりや展開の積み重ねを含めて楽しむ盤と言えそうだ。

まとめ

Shingetsu「New Moon / Shingetsu」は、1979年の日本のプログレッシブ・ロックを知るうえで外しにくい一枚だ。短命なバンドながら、関連プロジェクトへ広がる人脈を持ち、国産シンフォニック・ロックの文脈でも重要な存在として見られている。演奏のまとまり、長尺曲の構成、当時の日本のロックの空気感が、ひとつの作品として収まっている。

トラックリスト

• A1 – 鬼 / Oni
• A2 – 朝の向こう側 / The Other Side Of The Morning
• A3 – 発熱の街角 / Influental Streets
• A4 – 雨上がりの昼下がり / Afternoon-After The Rain
• B1 – 白唇 / Fragments Of The Dawn
• B2 – 魔笛”冷凍” / Magic Flute “Reitou”
• B3 – 科学の夜 / The Night Collector
• B4 – せめて今宵は / Return Of The Night

関連動画

• Shingetsu ► Oni 鬼 [HQ Audio] New Moon 新月 1979
• Shingetsu – The Other Side Of Morning
• Shingetsu – Night Collector
• SHINGETSU — Shingetsu — 1979
• Shingetsu – Return Of The Night
• Shingetsu- Fragments Of The Dawn (Symphonic Prog Japan 1972)
• Shingetsu　新月　(New Moon) – Oni 鬼 (Demon)

Camel『Camel』について

Camelは、1971年に結成されたイングランドのプログレッシブ・ロック・グループ、Camelのデビュー・スタジオ・アルバム。オリジナルのリリースは1973年2月で、この日本盤は1982年に日本で製造された盤になる。バンド初期の4人、Andrew Latimer、Peter Bardens、Doug Ferguson、Andy Wardによる出発点の作品であり、以後のCamelの方向性を見ていくうえで基本になる1枚。

バンド初期の輪郭が見えるデビュー作

この時期のCamelは、ギターのAndrew LatimerとキーボードのPeter Bardensを軸にした編成。のちにより組曲的で流れのある作品へ進んでいくが、このデビュー作ではバンド名そのままの手触りを持つ、比較的まっすぐなプログレ・ロックの組み立てが目立つ。ギター、オルガン、シンセ、フルート、リズム隊がそれぞれ役割を持っていて、演奏の見通しがはっきりしている印象。

Camelはこの後、1975年の『The Snow Goose』で大きく評価を広げるが、その意味では『Camel』は“のちの代表作へ向かう前段階”という位置づけになっている。まだバンドの表現が固まりきる前の、出発点としての記録。

収録曲とシングル

マスターノートによると、本作は1973年2月発売のデビュー・アルバム。収録曲のうち、Track 5はシングルに関連し、Track 6「Curiosity」はそのシングルのB面として扱われている。アルバム単位で聞くと、曲ごとの性格の違いが出やすく、バンドの初期作らしいまとまり方になっている。

代表曲として広く知られるのは、この後の作品群に収録される曲のほうが多いが、デビュー作としてはバンドの基本線をつかむための重要盤といえる。

同時代の文脈

1970年代前半のイギリスのプログレッシブ・ロックには、長尺の構成、キーボードの前面化、曲展開の切り替えなどが共通項としてある。Camelもその流れの中にありつつ、同時代の巨人たちと比べると、過度に劇的へ振り切るより、演奏の流れを保ちながら組み立てていくタイプに見える。後年のジャズ寄りの展開や、より叙情的な作風へ向かう前の段階として聞くと、バンドの輪郭がつかみやすい。

日本盤について

この盤は1982年の日本製造盤。オリジナルの1973年盤とは発売時期が異なるため、作品そのものは1973年のデビュー作として、盤としては後年の日本盤として扱うのが自然。日本盤のため、当時の国内流通向けにプレスされた1枚という位置づけになる。

まとめ

『Camel』は、Camelというバンドの最初の記録であり、のちの『The Snow Goose』や『Moonmadness』へつながる前提が見える作品。初期プログレらしい編成感と、ギターとキーボードの役割分担がはっきりしたデビュー作として、バンドの原点を確認できる内容になっている。

トラックリスト

• A1 – Slow Yourself Down
• A2 – Mystic Queen
• A3 – Six Ate
• A4 – Separation
• B1 – Never Let Go
• B2 – Curiosity
• B3 – Arubaluba

関連動画

• Slow Yourself Down (Remastered 2023)
• Mystic Queen (Remastered 2023)
• Six Ate (Remastered 2023)
• Seperation (Remastered 2023)
• Never Let Go (Remastered 2023)
• Curiosity (Remastered 2023)
• Arubaluba (Remastered 2023)

Yes『Fragile』について

Yesの『Fragile』は、1971年に発表された4作目のスタジオ・アルバムで、プログレッシブ・ロックの定番としてよく語られる作品だ。バンドの初期を代表する1枚であり、長尺曲と個別のソロ・パートを組み合わせた構成がはっきり示されている。アート・ロック、プログ・ロックという並びがそのまま内容に結びつくアルバムで、Yesの名前を広く印象づけた時期の作品でもある。

1976年盤は日本でのリリースで、ゲートフォールド仕様、インサート、8ページのブックレット付き。歌詞とライナー・ノーツは見開き内側に収められている。℗1972 Atlantic Recording Corporation, U.S.A.の表記があり、盤面のランアウトはスタンプ刻印という案内になっている。

作品の位置づけ

『Fragile』は、Yesがバンドとしての輪郭を強く見せた作品として知られる。メンバーは、Jon Anderson、Steve Howe、Chris Squire、Rick Wakeman、Bill Brufordという編成が中心で、バンドの演奏力とアレンジの緻密さが前面に出る。後のYesにつながる、複雑な構成とメロディの明快さが同居した時期の記録でもある。

このアルバムでは、バンド全体で組み上げた曲と、各メンバーの個性を切り出した短いソロ・パートが並ぶ。グループとしての統一感と、個々のプレイヤーの存在感を同時に見せる構成で、当時のYesの考え方がよく出ている。

収録曲と代表曲

中でもよく知られるのが「Roundabout」だ。アルバム冒頭を飾るこの曲は、Yesの代表曲として広く認識されている。リフ、転調、各パートのつながりがはっきりしていて、バンドの特徴を早い段階で示す1曲になっている。

ほかにも「South Side of the Sky」「Heart of the Sunrise」といった曲があり、いずれも長めの展開を持ちながら、演奏の切り替えやリズムの変化が細かく組まれている。短いソロ曲を挟みつつ全体を進める流れも、この作品ならではの構成だ。

同時代の文脈

1971年前後のイギリスでは、YesのほかにもKing Crimson、Genesis、Jethro Tullなどが、それぞれ異なる形でロックの拡張を進めていた。『Fragile』はその中でも、演奏の精密さと音の積み上げ方がはっきりした作品として位置づけられる。シンフォニックな展開や技巧的なアンサンブルを重視する流れの中で、Yesの方向性を示したアルバムといえる。

まとめ

『Fragile』は、Yesの初期を代表する重要作であり、「Roundabout」を含む代表的な楽曲群と、バンド各員のソロ的な見せ場が共存するアルバムだ。日本盤の1976年リリースでは、見開きジャケットとブックレット付きの仕様が用意されている。作品そのものは、Yesがプログレッシブ・ロックの中心的存在として見られるようになる流れを、かなり早い段階で形にした1枚として捉えられている。

トラックリスト

• A1 – Roundabout (8:29)
• A2 – Cans And Brahms (1:35)
• A3 – We Have Heaven (1:30)
• A4 – South Side Of The Sky (8:04)
• B1 – Five Per Cent For Nothing (0:35)
• B2 – Long Distance Runaround (3:33)
• B3 – The Fish (Shindleria Praematurus) (2:35)
• B4 – Mood For A Day (2:57)
• B5 – Heart Of The Sunrise (10:34)

関連動画

• Roundabout (2024 Remaster)
• Cans and Brahms (2024 Remaster)
• We Have Heaven (2024 Remaster)
• South Side of the Sky (2024 Remaster)
• Five Per Cent for Nothing (2024 Remaster)
• Long Distance Runaround (2024 Remaster)
• The Fish (Schindleria Praematurus) (2024 Remaster)
• Mood for a Day (2024 Remaster)
• Heart of the Sunrise (2024 Remaster)

Far Out「日本人」について

Far Outは、1970年代前半の日本で活動したサイケデリック／プログレッシブ系のバンドです。「日本人」は1973年に登場した作品で、重いギター、展開の多い曲構成、当時の国産ロックらしい土台を持つ1枚として知られています。メンバーはFumio Miyashita、Keiju Ishikawa、Manami Arai、Eiichi Sayuの4人。

作品の位置づけ

この作品は、Far Outの初期を代表するタイトルとして見られることが多いです。日本のハードロックやプログレッシブ・ロックが独自の形を作っていった時期の記録であり、海外向けの再紹介盤が出るほど、後年まで注目されてきた作品でもあります。

当時の日本のロックでは、海外のハードロックやプログレッシブ・ロックの影響を受けつつ、長い曲構成や演奏中心の組み立てを前面に出す作品が増えていました。「日本人」もその流れの中にある1枚で、70年代初頭の日本産ロックの空気をそのまま切り取ったような存在です。

音の印象

実際の音像は、ギターの押し出しが強く、リズム隊も前に出るタイプです。曲によっては演奏の切り替わりが多く、ひとつのリフを長く引っぱるというより、場面を変えながら進む作りが目立ちます。サイケデリックな色合いと、ハードロック寄りの力感が同居している点が特徴です。

派手なヒット曲で引っ張るというより、アルバム全体の流れで聴かせる性格が強い作品です。代表曲を1曲だけ挙げて語るタイプの盤というより、まとまった演奏と空気感で印象を残す内容と言えるでしょう。

同時代の文脈

同じ時代の日本のロックでは、外来のロックを吸収しながら独自化を進める動きが各所で見られました。Far Outもその流れの中で、英米のハードロックやプログレッシブ・ロックに通じる要素を持ちながら、日本のバンドらしい緊張感のある演奏にまとめています。海外の同時代バンドと並べると、より硬質で、演奏の切迫感が前に出るタイプとして受け取られやすいでしょう。

再発盤について

ここで扱っている盤はヨーロッパで出た再発盤で、オリジナルは1973年の日本盤です。再発盤は、入手しやすさという点でオリジナル盤とは性格が異なりますが、作品そのものは1973年当時の内容を伝えるものです。日本のレア盤として知られるタイトルが、のちに海外で再び流通した例のひとつでもあります。

まとめ

「日本人」は、Far Outの初期の姿を知るうえで重要な1枚です。70年代前半の日本のハードロック／プログレッシブ・ロックの文脈の中で、演奏主体の構成と強いギターを軸にした作品として位置づけられます。派手な話題性よりも、当時のバンドの手触りをそのまま残した記録として見ていくと、輪郭がつかみやすい盤です。

トラックリスト

• A – Too Many People (17:55)
• B – 日本人 (19:52)

関連動画

• Far Out ► Nihonjin [HQ Audio] 日本人, 1973
• TOO MANY PEOPLE
• 日本人

M-Opus『At The Mercy Of Manannán』について

アイリッシュ・プログレッシブ・ロック／シンフォニック・ロック・バンド、M-Opusによる『At The Mercy Of Manannán』は、2023年に登場した作品だ。バンドの出身国もリリース国もアイルランドで、同国のプログ・ロック文脈の中で受け止めやすい1枚になっている。

タイトルにある「Manannán」は、アイルランド神話に登場する海の神として知られる存在で、作品全体にもケルト圏の物語性を感じさせる要素がある。バンド名、作品タイトル、そしてアイルランドという背景がつながって見える構成で、ロック作品でありながら土地の伝承や神話を意識した作りになっている点が目を引く。

作品の位置づけ

アーティスト情報としては、M-Opusはアイリッシュのプログレッシブ・ロック／シンフォニック・ロック・バンドとされている。『At The Mercy Of Manannán』は2023年の作品として提示されており、現行のバンド像を知るうえでの中心作として見るのが自然だろう。

プログ・ロックとシンフォニック・ロックの組み合わせからは、楽曲の展開や構成の変化を重視するタイプの作品像が読み取れる。アイルランドのバンドという点では、同じく物語性やスケール感を重視する70年代以降のプログ・ロック系バンドの系譜とも比較しやすい。

レコード盤の仕様

この盤は、マット仕様のゲートフォールド・ジャケットに収められ、2ページのカラー印刷インサート、黒のポリライニング入りインナーLPスリーブ、再封可能な透明ポリプロピレン製スリーブが付属する。パッケージ全体は、グリーンエネルギー、グリーンガス、ソーラーエネルギーを使って倫理的に制作されたと案内されている。

• 限定500枚
• 2023年リリース
• 専用マスタリングを施したヴァイナル・プロダクション

レコードとしては、作品の内容だけでなくパッケージ面にもかなり意識が向けられている印象だ。ゲートフォールドやインサート付きの構成は、アルバムの世界観をじっくり見せる作り方としてわかりやすい。

聴きどころとして見えやすい点

実際の音そのものについてはここでは断定しないが、プログ・ロック／シンフォニック・ロックというスタイルからは、曲ごとの長い展開、パートの切り替わり、楽器の重ね方に耳が向きやすい作品として捉えやすい。タイトルの神話性とあわせて、単独曲の強さだけでなく、アルバム全体の流れで聴くタイプの作品像が浮かぶ。

代表曲やヒット曲として広く知られた1曲があるという情報は見当たらないが、こうした作品では曲単位よりも、アルバム全体の構成やテーマ性が印象に残ることが多い。

まとめ

『At The Mercy Of Manannán』は、アイルランドのM-Opusが2023年に発表した、神話的な題材とプログレッシブ・ロック／シンフォニック・ロックの文脈を重ねたアルバムだ。限定500枚のヴァイナルとして、専用マスタリングや丁寧なパッケージングも含めて、作品のまとまりを感じやすい仕様になっている。

トラックリスト

• A1 – Setting Off (2:02)
• A2 – Riverflow (6:55)
• A3 – Whirlpool (3:23)
• A4 – To The Other Side (9:10)
• B1 – Na Bruídaí (7:55)
• B2 – Valley of Elah (4:07)
• B3 – Scaling Novas (3:25)
• B4 – Carnivale (5:14)

関連動画

• Riverflow
• Valley Of Elah
• Setting Off
• To The Other Side
• Na Bruídaí
• M Opus – At The Mercy Of Manann​an
• Carnivale
• Whirlpool
• Scaling Novas

Morse Code 『La Marche Des Hommes』(1975)

カナダ・ケベック州出身のプログレッシブ・ロック・バンド、Morse Codeが1975年に発表した作品。バンドは1967年に別名義で活動を始め、その後にMorse Code Transmissionを経て、最終的にMorse Code名義へ落ち着いた。フランス語圏カナダのロック史の中で、70年代前半のプログレ文脈にしっかり置かれるグループだ。

本作『La Marche Des Hommes』は、そうした流れの中で出た1975年作。録音は1975年5月から6月にかけて、Son Québec Inc.スタジオで行われている。収録内容は、歌詞入りの片面インサート付きという、当時のプログレ作品らしい体裁も持つ。

作品の位置づけ

Morse Codeは、キーボードとリード・ヴォーカルを務めるChristian Simardを中心に、演奏面でも多人数編成で知られる。提示されているメンバーには、Daniel Lemay、Michel Vallée、Raymond Roy、Yves Boisvert、Marc Leach、Jean Ravel、Jocelyn Julien、Bernie Tapin、Gilles Simard、Mario Langis、Gilles Beaudoinが並ぶ。編成の厚さは、そのままプログレッシブ・ロックの作りに結びついていそうな顔ぶれだ。

1970年代半ばのカナダ・プログレは、英語圏ではRushやFM、フランス語圏ではQuébecの独自シーンが存在感を持っていた時期で、このバンドもその一角にある。Morse Codeは、同時代の長尺構成や鍵盤主体のアンサンブルを扱うバンド群と並べて語られることがありそうだ。

聴きどころ

実際の音像としては、プログレ作品らしく、楽曲展開の切り替えや、鍵盤とバンド全体の動きの組み合わせが軸になっているタイプのアルバムとして捉えられる。Christian Simardのキーボードと歌が中心に置かれている点も、この時代のプログレらしい輪郭だ。

タイトル曲の「La Marche Des Hommes」は、作品全体の顔として受け止められやすい曲名で、アルバムのテーマ性を代表する位置にあると思われる。ヒット曲として広く知られたシングルの情報は見当たらず、アルバム単位で聴かれる性格が強い。

作品の特徴

• 1975年のカナダ産プログレッシブ・ロック
• フランス語圏ケベックのバンドによる作品
• Son Québec Inc.スタジオ録音
• 歌詞入りの片面インサート付き
• 鍵盤とヴォーカルを軸にした編成

同時代の文脈

この時期のプログレは、英米の有名バンドだけでなく、各地域のローカルシーンで独自に発展していた。Morse Codeも、その流れの中で、フランス語圏カナダのロック表現を担ったグループとして見ることができる。英語圏の大型バンドとは違う言語環境の中で、作品の組み立てや歌の置き方にも地域性が出やすい時代だった。

『La Marche Des Hommes』は、そうした70年代中盤の空気をそのまま閉じ込めた一枚として、Morse Codeの活動を追ううえで押さえておきたい作品だ。

トラックリスト

• A1 – La Marche Des Hommes (11:14)
• A2 – Le Pays D’Or (3:16)
• A3 – La Cérémonie De Minuit (5:00)
• B1 – Cocktail (3:25)
• B2 – Une Goutte De Pluie (3:23)
• B3 – Qu’est-ce Que T’as Compris? (5:29)
• B4 – Problème (2:05)

関連動画

• La marche des hommes
• Le pays d’or
• La cérémonie de minuit
• Cocktail
• Une goutte de pluie
• Qu’est-ce que t’as compris?
• Problème
• Cocktail (Disco Mix)
• Qu’est-ce que t’as compris? (45 tours / RPM)

Paternoster『Paternoster』について

オーストリア、ウィーン出身のプログレッシブ・ロック・バンド、Paternosterによるセルフタイトル作。オリジナルは1972年の作品で、1971年のデビュー作に続く時期の録音として知られる。ここで取り上げる盤は2015年リリースの再発盤で、1972年3月9日と10日にウィーンのQuodlibet-Studiosで録音されている。

Paternosterは、1970年代初頭の短い活動期間のなかで残した作品で知られるバンドで、ウィーンのアンダーグラウンド・シーンに属する存在として語られることが多い。1971年の同名アルバムはごく少数しか流通しなかったことでも知られ、この1972年録音の作品も、その周辺の文脈で捉えられる一枚になっている。

作品の位置づけ

バンドの活動史のなかでは、初期の代表的な記録のひとつ。デビュー作と近い時期の制作であり、Paternosterというグループの音像や制作環境を続けて確認できる資料性の高い作品といえる。2015年盤はドイツ盤として出ており、単一ジャケットでのパッケージ。

録音と再発盤のポイント

録音は1972年3月、ウィーンのスタジオで実施。オリジナル時代の空気をそのまま伝える内容で、再発盤としては、1970年代初頭の記録を現在の流通環境で聴ける点に価値がある。リリース国はドイツで、盤の表記は「Made in Germany」。

オリジナル盤との違いについては、少なくとも提示情報からは2015年再発であること、そしてパッケージが単一ジャケットであることが確認できる。内容面は1972年録音の作品として扱うのが自然。

バンドの文脈

Paternosterは、オーストリアの地下的なプログレッシブ・ロックの流れに置かれることが多い。活動期間は短く、解散も早かったため、作品数は多くない。そのぶん、1971年作とこの1972年作が、バンドの全体像を知るうえで重要な手がかりになっている。

同時代の欧州プログレの文脈で見ると、英国勢の大作志向とは少し距離のある、地域性の強いアンダーグラウンド作品として捉えやすい。ウィーン録音という点も含め、ローカルな制作背景がそのまま残ったレコードだといえる。

メンバー

• Haimo Wisser
• Franz Wippel
• Gerhard Walter
• Gerhart Walenta

まとめ

Paternoster『Paternoster』は、1972年のウィーン録音を収めた、オーストリア産アンダーグラウンド・プログレの記録。短命なバンドの活動期を示す一枚であり、1971年のデビュー作とあわせて、Paternosterという名前を知るうえで外せない作品になっている。

トラックリスト

• A1 – Paternoster (3:57)
• A2 – Realization (3:31)
• A3 – Stop These Lines (6:56)
• A4 – Blind Children (6:14)
• B1 – Old Danube (4:13)
• B2 – The Pope Is Wrong (6:00)
• B3 – Mammoth Opus O (8:55)

関連動画

• Paternoster 1972 *Pater Noster*
• Paternoster 1972 *Realization*
• Paternoster 1972 *Stop These Lines*
• Paternoster 1972 *Blind Children*
• Paternoster 1972 *Old Danube*
• Paternoster 1972 *The Pope Is Wrong*
• Paternoster 1972 *Mammoth, Opus 0*