Experimental - DISQ Vinyl records review

Third Ear Band – Music From Macbeth (1972)

Third Ear Band「Music From Macbeth」について

Third Ear Bandの「Music From Macbeth」は、1972年に発表されたサウンドトラック作品だ。ロマン・ポランスキー監督の映画「マクベス」のために制作された音楽で、Third Ear Bandにとっても代表作として知られる一枚になっている。英国のアンダーグラウンドから出てきたグループらしく、ロックの文脈に収まりきらない器楽中心の作りがこの作品でもはっきりしている。

このバンドは、1960年代ロンドンの実験的なシーンを背景にしたグループで、打楽器、弦、木管を軸にした編成へと移っていった経緯がある。「Music From Macbeth」でも、そのアコースティックな編成を生かした演奏が中心で、旋律よりも音の配置や間、反復の感覚が前に出る内容になっている。

作品の位置づけ

Third Ear Bandの作品の中では、この「Music From Macbeth」が最も広く知られている。Harvestレーベルの中でもかなり異色の存在として語られやすく、John Peelに支持されたことでも知られる。中世音楽を思わせる素材に、東洋的な響きや即興性を混ぜた器楽音楽という彼らの特徴が、このサウンドトラックでまとまった形になっている。

映画音楽としては、場面を細かく追うというより、映像の空気を支える役割が強い。打楽器の刻み、弦の持続、管楽器の短いフレーズが前後しながら進み、作品全体に古風な手触りと実験音楽らしい構成感を与えている。

収録音の印象

実際に聴くと、派手な展開で押すタイプではなく、音の層が少しずつ入れ替わっていく作りが目立つ。強いリズムで引っぱる曲よりも、静かな緊張感を保ちながら進む断片が多い。フォークの素朴さ、室内楽的な組み立て、舞台音楽のような性格が同居している印象だ。

サウンドトラックでありながら、曲ごとの独立性よりも全体の流れで聴かせるタイプ。短いモチーフの反復や、同じ音型の微妙な変化が続き、映画の不穏さとよく結びついている。

同時代との関係

同時代の英国プログレッシブ・ロックやサイケデリック作品と比べても、Third Ear Bandはかなり特殊だ。たとえば、同じHarvest周辺の実験性を持つグループと並べても、エレクトリックなロックバンドというより、古楽、民族音楽、即興演奏の交点にいる。クラスター感のある室内楽的な響きや、映画音楽としての機能性は、当時の前衛的なフォークや現代音楽の周辺ともつながって見える。

一方で、ロックの文脈に置くと、ギター主体のバンドではなく、打楽器と弦、管の組み合わせで独自の音を作っている点が際立つ。Third Ear Bandの名前が語られるとき、この作品が外せないのも自然な流れだ。

日本盤について

今回の日本盤は、1972年の作品を日本で初めて出したものになる。初期プレスの一部には赤盤があるとされている。オリジナルの内容は同じながら、日本での初出盤としての存在感は強い。

まとめ

「Music From Macbeth」は、Third Ear Bandの特徴がそのまま映画音楽に結びついた作品だ。中世的な響き、アコースティック中心の編成、即興性のある構成が、マクベスという題材の不穏さと重なっている。ロック、フォーク、現代音楽、舞台音楽の境界にあるアルバムとして、1972年の英国実験音楽の一断面を示す一枚になっている。

トラックリスト

A1 – Overture
A2 – The Beach
A3 – Lady Macbeth
A4 – Inverness: Macbeth’s Return / The Preparation / Fanfare / Duncan’s Arrival
A5 – The Banquet
A6 – Dagger And Death
A7 – At The Well / The Prince’s Escape / Coronation / Come Sealing Night
A8 – Court Dance
B1 – Fleance
B2 – Groom’s Dance
B3 – Bear Baiting
B4 – Ambush / Banquo’s Ghost
B5 – Going To Bed / Blind Man’s Buff / Requiescant / Sere And Yellow Leaf
B6 – The Cauldron
B7 – Prophesies
B8 – Wicca Way

Holger Czukay – Full Circle (1982)

Holger Czukay『Full Circle』について

『Full Circle』は、Canの元ベーシストとして知られるHolger Czukayが1982年に発表した作品である。ジャンル表記ではElectronic、Rock、スタイルではDub、Electro、Experimental、Krautrockにまたがる内容とされていて、いわゆるロックのアルバムというより、編集、音響処理、断片的な構成を前面に出したソロ作品という位置づけが見えやすい。

Holger Czukayは、Karlheinz Stockhausenに学んだ経歴を持ち、Canでは演奏だけでなく録音やエンジニアリング面でも重要な役割を担った人物である。その後のソロ活動でも、ラジオ音源の使用やサンプリング的な手法で独自性を示してきたが、『Full Circle』もその延長線上にある作品として捉えられる。

作品の輪郭

このアルバムは、Holger Czukayによる「Radio painting」として紹介されている。クレジットには、彼自身が「Editing and processing」を手がけたとあり、録音された素材を組み替え、加工し、音の断片を配置していく作りが中心になっていることがうかがえる。R.P.S.は「Radio Pictures Series」の略とされている。

収録曲のうち、How Much、Where’s The Money、Trench Warfare、Twilight World は、ヨーロッパで先に12インチ・シングルとして発表されていた。アルバムではそれらの素材がまとまり、ひとつの作品として再構成されている。

1982年という位置づけ

1982年の時点で、Holger CzukayはすでにCanのメンバーとして、そしてソロの実験的な作家としても一定の位置を築いていた。『Full Circle』は、その活動の中でも、バンド演奏の延長というより、音響の編集や放送由来の素材を扱う方向をよりはっきり示す作品に見える。

同時代の文脈で見ると、クラウトロックの残響を引き継ぎながら、ダブや電子音楽、実験音楽の手法が交差する地点に置ける内容である。Can周辺の流れを思わせる一方で、一般的なロックの展開や歌を軸にする作りとは距離がある。

収録曲に触れながら

曲名だけでも、Where’s The Money や Trench Warfare のように、断片的な言葉を置いたタイトルが目につく。ここでも、メッセージを一直線に伝えるというより、語句、リズム、音色、編集の感触を並べる発想が前に出ている印象がある。

Twilight World のような曲名は、アルバム全体のラジオ断片的な構成と相性がよく、Holger Czukayが得意とした「素材の再配置」という作法を思わせる。聴感としては、演奏の巧さを見せる作品というより、音の切り貼りや距離感そのものを聴かせるタイプのアルバムとして受け取られやすいだろう。

日本盤としての『Full Circle』

今回の盤は日本で1982年に出たもの。価格表記は¥2,500となっている。作品自体はオリジナル年と同じ1982年のリリースで、後年の再発盤ではない。

Holger Czukayのソロ作品の中でも、『Full Circle』は、Can以後の実験性をそのまま持ち込みつつ、ラジオ音源や編集の感覚を強く打ち出した一枚として見てよさそうだ。クラウトロックの文脈、ダブ的な処理、電子音の扱いが交差する、彼らしい作品である。

トラックリスト

A1 – How Much Are They? (4:48)
A2 – Where’s The Money? (5:02)
A3 – Full Circle R.P.S. (No. 7) (10:58)
B1 – Mystery R.P.S. (No. 8) (8:47)
B2 – Trench Warfare (6:45)
B3 – Twilight World (4:20)

Jon Hassell – Fourth World Vol. 1 – Possible Musics = 第四世界の鼓動 (1980)

Jon Hassell『Fourth World Vol. 1 – Possible Musics』について

Jon Hassellの『Fourth World Vol. 1 – Possible Musics』は、1980年に発表された作品です。トランペット奏者、作曲家、作家として知られるHassellが、自身のいう「Fourth World」という考え方を前面に出した初期の代表作で、電子音響と即興演奏のあいだを行き来する内容になっている。ジャンル表記はElectronic、スタイルはExperimental、Ambient。

このアルバムは、Hassellの音楽的な方向性を理解するうえで重要な位置にある作品として知られている。西洋の楽器であるトランペットを起点にしながら、インド音楽やミニマル・ミュージック、電子処理の感覚を接続していく流れが、この時点ですでに明確に表れている。

作品の位置づけ

Jon Hassellは、古いものと新しいもの、作曲と即興、東洋と西洋をひとつの音楽語法にまとめようとした人物として語られることが多い。このアルバムは、その発想をタイトルからも示した一枚で、後年の彼の活動を考えるうえでも出発点のような存在といえる。

Hassellはカールハインツ・シュトックハウゼンのもとで電子音楽やセリエル音楽を学び、その後ニューヨークでラ・モンテ・ヤングやテリー・ライリーと接点を持った。その経歴を踏まえると、本作の響きには実験音楽やミニマルの文脈が自然に通っている。

音の特徴

実際に聴くと、中心にあるのは派手な展開ではなく、音の配置と余韻の管理だ。トランペットは旋律を前に出すというより、細く長い音色やフレーズの断片として置かれ、電子的な処理や空間の広がりの中に溶け込んでいく。リズムで押す部分より、持続音や反復、音の距離感が印象に残る。

また、一般的なジャズ・トランペット作品のようなソロの見せ場とは少し違い、音そのものの質感を聴かせる場面が多い。音が鳴ってから消えるまでの時間、背後の層、輪郭の曖昧さが、この作品の聴きどころになっている。

同時代の文脈

1980年前後は、アンビエントや実験電子音楽の領域が広がっていた時期でもある。この作品は、その流れの中で、単なる環境音楽というより、異文化の要素を組み替えながら新しい音楽の地平を探る動きとして受け取られてきた。

比較対象としては、ブライアン・イーノ周辺のアンビエント、あるいはミニマルの反復感を持つ音楽が思い浮かぶ。ただしHassellの場合は、トランペットという生楽器の存在感が強く、電子音楽でありながら身体的な息づかいが残っている点が特徴的だ。

ヒット曲・代表曲について

このアルバムはシングルヒットを前提にした作品ではない。楽曲単位で広く知られるというより、アルバム全体の流れやコンセプトで語られることが多い。代表作としては、やはりこの『Fourth World Vol. 1 – Possible Musics』そのものが挙げられることが多い。

盤の情報について

今回の盤は1980年のオリジナル期のリリースで、作品の初出当時の空気を伝える一枚といえる。クレジットでは、℗ 1980 E.G. Records Ltd.、楽曲著作権はEG Music Ltd. 1980と記されている。

まとめ

『Fourth World Vol. 1 – Possible Musics』は、Jon Hassellが自分の音楽語法をはっきり示した初期の重要作。電子音響、実験性、アンビエントの要素を持ちながら、トランペットの息づかいが前に残る、輪郭のはっきりした作品だ。1980年という時点で、この方向性をここまで明確に打ち出していたこと自体が、このアルバムの大きな特徴になっている。

トラックリスト

A1 – Chemistry = ケミストリー (6:48)
A2 – Delta Rain Dream = デルタ・レイン・ドリーム (3:22)
A3 – Griot (Over “Contagious Magic”) = グリオ (4:00)
A4 – Ba-benzélé = バ・ベンゼレ (6:03)
A5 – Rising Thermal 14° 16′ N; 32° 28′ E = ライジング・サーマル北緯14度16分東経32度28分 (3:34)
B – Charm (Over “Burundi Cloud”) = チャーム (21:24)

Steve Hillage – L (1976)

Steve Hillage『L』（1976年）

Steve Hillageのソロ作『L』は、1976年に発表されたアルバムだ。Gongでの活動を経て、ソロ・ギタリストとしての輪郭がさらにはっきりしてくる時期の作品で、UKのプログレッシブ・ロックと実験的な音響感覚が前面に出ている。後年のアンビエント寄りの仕事や、System 7での活動を知っていると、この時点ですでにエコーやリバーブを活かしたギターの処理がかなり意識されていることがわかる。

作品の位置づけ

Hillageは、Uriel、Egg、Arzachel、Kevin Ayers周辺の活動を経てGongに参加し、Daevid Allen流のグリッサンド・ギターを吸収しながら独自の演奏へ進んだ人物だ。『L』は、その流れの中でソロ・アーティストとしての個性を固めていく初期の重要作として位置づけられる。Gong的なサイケデリック感覚を残しつつ、より整理されたバンド・サウンドと、ギターの音色そのものを聴かせる作りになっている。

音の印象

この時期のHillageのギターは、速いフレーズを並べるだけではなく、音の伸びや残響で空間を作るところが特徴だ。歪みの質感も含めて、単なる技巧派というより、音響の流れを組み立てるプレイヤーという印象が強い。シンセサイザーとの重なりもあり、ロックの推進力と実験性が同じ場に置かれている感じがある。

同時代の文脈で見ると、HawkwindやGong、あるいはCamelや初期のYes周辺のプログレと並べて語られることがあるタイプの作品だが、『L』はよりギターの処理に焦点がある。のちのアンビエント・テクノやニューエイジ寄りの感触を先取りしているようにも聴こえる。

収録曲と代表曲

『L』には、のちにHillageの代表曲として知られる「Hurdy Gurdy Glissando」が収録されている。この曲は、タイトルどおりグリッサンドを軸にした演奏で、Hillageのギター表現を端的に示す一曲だ。メロディをなぞるというより、音の滑りと持続で印象を作る曲で、彼のソロ活動を語るうえで外せない存在になっている。

制作とリリース情報

US盤はPresswellでのプレス。プロモーション盤にはゴールドのDJスタンプやタイミング・ストリップが付くものがあり、一部にはTodd RundgrenのUtopiaの写真が同封されるものもある。クレジット上でも「Todd Rundgren’s Utopia appear by courtesy of Bearsville Records」と記されており、当時のUSロック／プログレ周辺のつながりが見える。

同時代とのつながり

Steve Hillageはこの時代、演奏技術だけでなく、音色や残響の扱いで個性を出していた。のちにSimple Mindsのプロデュースで知られる一方、The Orbに自身の音源をサンプリングされたことをきっかけにSystem 7へつながっていく流れを見ると、『L』の時点で既にロックの枠を越える要素があったことがわかる。1976年という年のプログレ作品としては、構築性と実験性のバランスに特徴があるアルバムだ。

まとめ

『L』は、Gongを経たSteve Hillageが、ソロ・ギタリストとしての言語を固めていく途中の重要作だ。ギターのグリッサンド、残響、シンセとの絡み、そして「Hurdy Gurdy Glissando」に代表される演奏の組み立て方。そのあたりに、この人の後年まで続く核がはっきり出ている作品といえる。

トラックリスト

A1 – Hurdy Gurdy Man (6:32)
A2 – Hurdy Gurdy Glissando (8:54)
A3 – Electrick Gypsies (6:24)
B1 – Om Nama Shivaya (3:33)
B2 – Lunar Musick Suite (11:59)
B3 – It’s All Too Much (6:26)

The Flying Lizards – The Flying Lizards = ミュージック・ファクトリー (1980)

The Flying Lizards『ミュージック・ファクトリー』について

The Flying Lizardsは、David Cunninghamを中心にした実験色の強いポップ・グループだ。1970年代後半のイギリスで始まり、既成のロックやポップの型をずらした音作りで知られている。この1980年作『ミュージック・ファクトリー』は、日本ではこのタイトルで紹介された作品で、英題はThe Flying Lizards。日本盤は1980年リリースで、帯、英日対訳の歌詞折り込み、そして日本語解説紙が付いた仕様になっている。

作品の位置づけ

オリジナル・アルバムとしては1979年のデビュー作に続く時期の作品で、The Flying Lizardsの初期の流れをつかむうえで重要な一枚といえる。バンドの核にあるのは、David Cunninghamのプロデュース感覚と、入れ替わる演奏者・ヴォーカリストの組み合わせだ。実験音楽の側面がありながら、曲の骨格はポップ寄りに保たれているところが、このグループらしさになっている。

聴こえてくるもの

この作品では、音の配置がかなり特徴的だ。リズムやボーカルが前に出たり引いたりしながら、普通のバンド演奏の流れから少し外れた場所で曲が進む。電子的な処理、硬いビート、短いフレーズの反復が目立ち、ロックの体裁を取りつつも、パンク以後の制作感覚やアート寄りの手つきが強い。

実際に聴くと、音の抜き差しがはっきりしていることが印象に残る。メロディを大きく押し出す場面より、声や音色の置き方で引っかかりを作る場面が多い。単純な「聴きやすさ」ではなく、音がどこに置かれているかを追っていくタイプの作品だ。

同時代とのつながり

1970年代末から1980年前後のイギリスでは、ポストパンクやニューウェーブの文脈で、ロックの形式を崩す試みが多く見られた。The Flying Lizardsもその流れの中に置けるが、一般的なバンド像からはかなり離れている。アート寄りの感覚、スタジオ作業の比重、既存曲の扱い方などから、同時代の実験的なポップ・アクトや、切り貼りの感覚を持つ作品群と並べて語られることがある。

David Cunninghamの関与を軸に見ると、演奏の生々しさよりも編集や構成の面白さが前に出る。David Toop、Steve Beresford、Patti Palladinらの名前が並ぶのも、このバンドの流動的な性格を示している。

日本盤の仕様

この日本盤は、ジャケットに帯が付き、英語と日本語の歌詞を収めた4ページの折り込みインサート、さらに日本語解説の一枚紙が付属する。盤を光にかざすとやや透けて見える茶色味があり、JVC Supervinylでプレスされたことがわかる仕様だ。背面表記には、ロンドンのBerry StreetとBrixtonで録音されたこと、さらにニューヨーク、ミュンヘン、Maidstoneなどでも追加録音が行われたことが記されている。制作の移動の多さも、この作品の断片的な手触りにつながっているように見える。

代表曲について

The Flying Lizardsといえば、一般にはシングル曲の印象が先に来ることが多い。特にデビュー期の「Money (That’s What I Want)」は、このグループの代表的な楽曲として知られている。『ミュージック・ファクトリー』は、その一曲だけで語れる作品ではないが、バンドの輪郭を理解するうえでは、あのずらした感覚がアルバム全体にも通じている。

まとめ

『ミュージック・ファクトリー』は、The Flying Lizardsの初期像を日本盤の丁寧な体裁で伝える1980年の一枚だ。ポップの形を借りながら、その中身を少しずつ組み替えていくような作り。ロック、電子音、編集感覚が同居する、当時の実験的な空気をそのまま閉じ込めた作品として見えてくる。

トラックリスト

A1 – Mandelay Song = マンドレイ・ソング (2:28)
A2 – Her Story = ハー・ストーリー (4:40)
A3 – TV (4:00)
A4 – Russia = ロシア (6:36)
A5 – Summertime Blues = サマータイム・ブルース (3:31)
B1 – Money = マネー (5:49)
B2 – The Flood = ザ・フラッド (4:56)
B3 – Trouble = トラブル (2:48)
B4 – Events During Flood = イベンツ・デュアリング・フラッド (3:24)
B5 – The Window = ザ・ウィンドウ (5:35)

Zygoat – Zygoat (1974)

Zygoat / Zygoat（1974年作品、1982年盤）

「Zygoat」は、ニューヨークを拠点に活動したキーボード奏者、Burt Alcantaraによるプロジェクトの名義作として知られる作品だ。1974年にオリジナルが出ているが、ここで扱うのは1982年に日本で出た盤。電子音楽の初期、しかもシンセサイザーを前面に置いた先駆的なアルバムとして位置づけられている。

作品の輪郭

内容は、電子音の動きそのものを聴かせるタイプのアルバム。ジャンル表記はElectronic、スタイルはExperimentalとAmbient。楽曲を強く押し出すというより、音色、持続音、モジュレーションの変化で空気を組み立てていく作りに目が向く。ダンス作品を専門にしていたキーボード奏者のプロジェクトという背景もあり、リズム感のある場面と、音の広がりを重視する場面が同居している印象の一枚だ。

1970年代前半のシンセサイザー作品として見ると、同時代の電子音楽の流れの中でもかなり早い段階の記録に入る。ドイツのクラウトロック系や、米国の実験音楽、初期アンビエント周辺と並べて語られることがありそうな内容で、機材の新しさをそのまま作品化したような性格がある。

聴きどころ

実際の音像は、メロディを追うというより、シンセの発音や残響の変化を追っていくタイプだ。音の輪郭がくっきり出る場面もあれば、レイヤーが重なってまとまりのある流れになる場面もある。電子音の表情をひとつずつ見せる進行で、当時のシンセ作品らしい手触りが前に出ている。

代表曲として広く知られた曲名が目立つ作品ではなく、アルバム全体で聴かれる性格が強い。なので、1曲だけを切り出すより、通して聴いたときの音の配置や質感の変化が、この作品の中心になっている。

アーティストの位置づけ

Burt Alcantaraのプロジェクトとしては、ダンス作品向けの仕事を背景にしながら、より実験的な電子音楽へ踏み込んだ記録と見てよさそうだ。シンセサイザーがまだ新しい表現手段として扱われていた時期に、その可能性を前面に出した点で、彼の仕事の中でも特に実験性の強い位置を占める作品に見える。

1982年盤について

この盤は日本でのリリースで、ジャケットには帯と片面印刷のインサートが付く仕様。1982年盤として流通しているため、オリジナルの1974年盤とは発売時期が異なる。日本盤らしい丁寧な体裁で再紹介された一枚、と捉えられる。

まとめ

「Zygoat」は、初期シンセサイザー音楽の記録として見どころのある作品だ。実験性とアンビエント性が前に出た構成で、1970年代前半の電子音楽が持っていた試行錯誤の空気を、そのまま封じ込めたような内容になっている。

トラックリスト

A1 – Leaves Of Sand
A2 – Zygoat
A3 – Ybur Knom
A4 – Pillar Of Salt
A5 – Movement To The Earth
A6 – Seeds Cast To The Wind
B1 – Zy-Clone
B2 – Ybur Doon
B3 – Zygomania
B4 – The Ladder Of Zeugma
B5 – The Libran Sea
B6 – Perseverance Furthers

The Battered Ornaments – Mantle Piece (1969)

The Battered Ornaments『Mantle Piece』

The Battered Ornamentsは、Creamの作品でも知られる作詞家Pete Brownが、Cream解散後に組んだロック・バンドである。1969年に結成され、Brownのボーカルとトランペットを軸に、Chris Spedding（ギター）、Charlie Hart（オルガン、バイオリン）、George Khan（サックス）、Butch Potter（ベース）、Rob Tait（ドラムス）、Pete Bailey（パーカッション）らが参加していた。

『Mantle Piece』は、その流れの中で完成したセカンド・アルバムで、オリジナルは1969年の作品。UK制作の作品として、当時のブリティッシュ・ロックがジャズやサイケデリックな要素を取り込んでいた時期の空気がよく出ている。録音はロンドンのE.M.I. Studios, St John’s Woodで行われている。

作品の位置づけ

このバンドにとっては、Pete Brownが主導したプロジェクトのひとつとして見ていくと分かりやすい。The Battered Ornamentsは、初期LP『A Meal You Can Shake Hands With in the Dark』に続いて本作を残し、その後にBrownが離脱したことで、バンドの形も変わっていく。つまり『Mantle Piece』は、バンドの初期活動をまとめるうえで重要な一枚という位置づけになる。

クレジット面ではやや事情がある。オリジナルLPのクレジットが再発盤にそのまま載っているわけではなく、GI Recordsの限定的な再発シリーズでは、収録音源のライセンスのみを得ていたため、ジャケットは白紙に近い体裁で、タイプライター風の最小限の情報だけが記されている。1982年盤は、そうした再発の文脈で出たものとして見るとよさそうだ。

音の方向性

ジャンル表記ではJazz、Rock、Pop、スタイルではProg Rock、Experimental、Psychedelic Rockにまたがる。実際、この時期の英国ロックらしく、曲の骨格はロックに置きつつ、サックスやオルガン、バイオリンが前に出る場面もある。Chris Speddingのギターも、後年のソロ活動を知っていると、かなり早い時期から輪郭のはっきりした演奏をしていたことが分かる。

また、Pete BrownがCreamで見せたような、歌詞の感覚や言葉の運びを期待すると、ここでもその延長線上の作家性が感じられる。Cream解散直後の時代背景を踏まえると、単なるサイド企画ではなく、ブリティッシュ・ロックの拡張路線の中に置ける作品と言えそうだ。

メンバーと録音

Rob Tait
Chris Spedding
George Khan
Butch Potter
Nisar Ahmad Khan

録音場所がE.M.I. Studios, St John’s Wood, Londonと明記されている点も、この時代の英国制作盤らしい。スタジオ作品としてのまとまりを重視した作りが想像しやすい。

まとめ

『Mantle Piece』は、Pete Brownを中心にしたThe Battered Ornamentsが1969年に残したセカンド・アルバムで、UKロックの中でもジャズや実験性を取り込んだ一枚として位置づけられる。オリジナル盤の文脈を知ると、後年の再発盤の簡素な装丁も含めて、作品の周辺情報まで含めて面白いレコードである。

トラックリスト

A1 – Sunshades
A2 – Late Into The Night
A3 – Then I Must Go
A4 – The Crosswords And The Safety Pins
B1 – Staggered
B2 – Twisted Track
B3 – Smoke Rings
B4 – Take Me Now
B5 – My Love’s Gone Far Away

Can – Can (1978)

Can『Can』について

Canは、1960年代末にケルンで結成されたドイツの実験音楽／ロック・バンドである。ジャキ・リーベツァイトの一定したリズム、イルミン・シュミットの鍵盤、ホルガー・シュカイの編集的なベース／テープ処理、マイケル・カローリのギターを軸に、サイケデリック・ロック、スペース・ロック、実験音楽を行き来する作風で知られる。

本作『Can』は1978年に登場した作品で、バンド名をそのまま冠したタイトル盤。レーベルや流通の事情で別名義でも出ているが、中心にあるのはCanの1980年代以前の活動をまとめる形の音源群である。録音はInner Space Studio、ミックスはベルリンのHansa-Tonstudiosで行われている。2010年盤は180グラム仕様の再発盤。

作品の位置づけ

Canのディスコグラフィの中では、1970年代後半の時期を示す一枚として見やすい。初期の強い即興性と編集感覚、リズムの反復、音の断片をつなぐ構成といった、バンドの特徴がそのまま残っている時期の記録である。

Canはクラウトロックの代表格として語られることが多く、Neu!、Faust、Amon Düül II などと並べて言及されることも多い。とはいえ、単純に同時代のドイツ産ロックというだけではなく、ロック、ファンク、ミニマルな反復、ノイズ処理、映画音楽的な場面転換が同居する点に独自性がある。

この盤で聴こえるCanらしさ

Canの音は、派手なソロや分かりやすい展開より、反復の中で少しずつズレや変化が起きる構造に特徴がある。本作でもその手触りは変わらず、リズムが前に出る場面、空間の広がりを感じる場面、断片的な歌やフレーズが差し込まれる場面が並ぶ。

実際に聴くと、演奏がきっちり固定されているというより、各パートが互いに様子を見ながら進む感じがある。ジャキ・リーベツァイトのドラムは拍を強く主張しすぎず、一定の推進力を保ちながら曲の輪郭を作る。そこにホルガー・シュカイの低音や編集的な処理が重なり、イルミン・シュミットの鍵盤が空間を埋める。ロックでありながら、曲の中心が常に少しずつ動いている印象である。

メンバーと時代背景

Canの中核は、イルミン・シュミット、ホルガー・シュカイ、ジャキ・リーベツァイト、マイケル・カローリの4人。そこにマルコム・ムーニーやダモ鈴木が加わった時期には、即興と反復のバランスがさらに際立った。1970年代後半のCanは、初期の荒さを残しつつも、より構成の意識が見える段階にある。

この時代のCanは、英国や米国のロックとは別の流れで語られることが多い。プログレッシブ・ロックのように大仰な組曲へ向かうわけでもなく、ハードロックのようにリフを前面に出すわけでもない。むしろ、反復、断片、空気感、ミックスの処理によって曲を成立させる点が重要である。

代表曲との関係

Canの代表曲としては、国際的に知られたポップ・サティア「I Want More」や、「Halleluwah」「Vitamin C」「Mother Sky」などが挙げられることが多い。本作はそうした広く知られた代表曲中心の編集盤というより、バンドの語法そのものを確認するための一枚として捉えやすい。

そのため、Canの名前だけを知っている場合でも、単発の名曲集とは違う聴き方になる。曲単位の強さより、セッション的な流れ、バンド内で共有されている反復の感覚が前面に出る。

再発盤について

2010年の盤は180グラム仕様の再発盤である。オリジナルの1978年盤とは発売時期が異なるため、音源そのものの時代と、手元にあるレコード盤の製造年は分けて見ておく必要がある。ジャケットやプレス仕様は再発盤ならではの要素で、内容面はオリジナルの作品を基にしている。

まとめ

『Can』は、Canというバンドの輪郭をそのまま示すようなタイトル盤である。クラウトロックの文脈、反復と即興のあいだを行き来する演奏、映画音楽にも通じる場面転換など、グループの核が見えやすい。

1970年代ドイツの実験ロックを知るうえで、Canの位置を確認するための一枚として整理できる内容である。

トラックリスト

A1 – All Gates Open (8:16)
A2 – Safe (8:36)
A3 – Sunday Jam (4:17)
B1 – Sodom (5:42)
B2 – A Spectacle (5:48)
B3 – E.F.S. Nr. 99 (“Can Can”) (3:16)
B4 – Ping Pong (0:25)
B5 – Can Be (3:00)

Arachnoid – Arachnoid (1979)

Arachnoid『Arachnoid』について

フランスの短命バンド、Arachnoidが残した唯一のアルバム『Arachnoid』は、1979年にオリジナル盤が出た作品として知られている。バンド名は脳を包む膜を指す言葉と、クモの仲間を示す言葉の両方にかかっており、その由来どおり、音の感触にも神経の細部を追うような構成と、実験的な発想が見える作品だ。

ジャンル分けではロック、スタイルとしてはプログレッシブ・ロック、エクスペリメンタル、アヴァンギャルドに置かれている。フランス産のダークなプログレッシブ・ロックの一例として語られることが多く、70年代後半のフランス勢らしい、演奏の切り替えと構成の細かさを持つ一枚という位置づけになる。

作品の位置づけ

Arachnoidは、短い活動期間の中でこの1枚だけを残したバンドだ。バンドは管理面の不足もあり、1978年6月に解散したとされる。つまりこのアルバムは、活動の集大成であると同時に、バンドの全体像を知るほぼ唯一の手がかりでもある。

収録内容の詳細な曲名情報はここでは触れないが、作品全体としては、当時のフランス・プログレに見られる、組曲的な展開や、楽器同士のぶつかり合いを重視した作りが想像しやすい。英国の同時代プログレと比べると、より硬質で、実験寄りの進め方を取るフランス勢の流れに置けそうな存在だ。

1988年盤について

手元の盤は1988年のフランス盤で、インサート付き。片面にはグループストーリー、もう片面にはMuseaの製品案内が載っている仕様だ。こうした再発盤では、音源そのものに加えて、当時のバンド紹介やレーベル資料が付くことで、作品の背景をたどりやすくなるのが特徴だ。

オリジナル盤が1979年、こちらの盤は1988年という区別になる。作品そのものは70年代末のフランス・プログレの文脈に属しつつ、1980年代の再発によって改めて流通した、という見方がしやすい。

メンバー

Patrick Woindrich
Marc Meryl
François Faugieres
Bernard Minig
Pierre Kuti
Nicolas Popowski

まとめ

『Arachnoid』は、フランスの短命バンドが残した唯一作であり、70年代末フランス・プログレの一断面を示すアルバムだ。バンド名の由来まで含めて、頭の中の感覚や神経の動きに触れるような方向性が意識されているように見える。派手なヒット曲で押すタイプの作品ではなく、アルバム全体の流れで個性を伝える一枚として捉えやすい。

トラックリスト

A1 – Le Chamadère (13:57)
A2 – Piano Caveau (7:24)
A3 – In The Screen Side Of Your Eyes (4:04)
B1 – Toutes Ces Images / Segamisec Setout (8:15)
B2 – La Guêpe (8:44)
B3 – L’Adieu Au Pierrot / Final (4:00)

Liquid Liquid – Remixes (1998)

Liquid Liquid『Remixes』について

Liquid Liquidは、1980年代前半のニューヨーク地下シーンを代表するバンドのひとつで、99 Recordsから活動を広げたグループだ。本作『Remixes』は1998年に登場したタイトルで、バンドの既発曲を別の形で捉え直した内容として位置づけられる。Liquid Liquidといえば、〈Cavern〉が後年ヒップホップ文脈でも語られる存在で、Grandmaster Flash & The Furious Fiveの〈White Lines〉との関連でも名前が挙がることが多い。

Liquid Liquidというバンドの輪郭

このバンドは、最初から現在よく知られる形だったわけではない。もともとは別名義でより実験的な音を鳴らしていたが、Liquid Liquidとして再編されると、打楽器を軸にしたリズム主体のスタイルへ寄っていく。観客にパーカッションを持ち寄ってもらうようなライブもあったとされ、その中でDennis Youngがマリンバを持ち込んだことをきっかけに加入したというエピソードも残っている。こうした経緯から、彼らの音はロックのバンド編成というより、パーカッション・アンサンブルに近い感触を持つ。

『Remixes』の内容と聴こえ方

タイトルどおり、元曲の構造を別角度から見せる作品として受け取れる一枚だ。Liquid Liquidの元来の持ち味である反復、細かい打撃音、ベースの粘りが前面に出やすく、ダンス・ミュージックと実験性のあいだを行き来するバンドの性格が見えやすい。メロディを追うというより、リズムの配置や音の間を聴くタイプの内容で、同時代のポストパンクや初期ヒップホップの周辺にあった空気ともつながる。

実際に聴くと、音数そのものは多くなくても、各パートの入り方と抜け方にかなり意識が向く。マリンバ、ベース、ドラム、ヴォーカルがそれぞれ別の役割を保ちながら、全体としては推進力を作る形だ。派手に展開するというより、同じフレーズを少しずつずらしていく感覚が目立つ。そうした作りは、後のブレイクビーツやインディー・ダンス系の耳にもつながりやすいだろう。

代表曲との関係

Liquid Liquidを語るうえで避けて通れないのが〈Cavern〉だ。本作でも、グループを象徴するあの鋭いリズム感や反復の設計が重要な要素として残る。〈White Lines〉の件で広く知られるようになったことで、彼らは「サンプリング元」として語られがちだが、元の音源を聴くと、単なる素材以上に独特のバンド感がある。そこがこのグループの面白さだと思う。

同時代の文脈

Liquid Liquidは、ESGやBush Tetras、Materialあたりと並べて語られることが多いタイプの存在だ。ニューヨークのダウンタウン・シーンの中で、ロック、ファンク、ダブ、初期ヒップホップの要素が交差していた時代のバンドとして見ると、輪郭がつかみやすい。いわゆるギター主体のロックとは少し違い、リズムの切り方や音の空間の使い方に重心がある。

盤としての情報

この盤はUKリリースで、ダイカット仕様のスリーブという点も特徴になっている。1998年時点の作品として、80年代初期のオリジナル活動をそのまま並べるというより、後年の視点でLiquid Liquidの音を再確認する意味合いが強い。

Liquid Liquidの作品群の中では、バンドの核にある反復とパーカッシブな感覚を、比較的わかりやすく示す一枚として捉えられる。ヒップホップ史の文脈でも、ポストパンクの文脈でも名前が出てくる理由が、音の作り方から伝わる内容だ。

トラックリスト

A – Cavern (The Cut Chemist Rocks A Rave In A Missile Silo Remix)
B – Scraper (Psychonauts Remix)

Of Montreal – Jon Brion Remix EP (2009)

Of Montreal『Jon Brion Remix EP』について

『Jon Brion Remix EP』は、Athens, Georgia出身のOf Montrealによる2009年の作品。バンドの中心人物であるKevin Barnesを軸に、初期は60年代ポップやサイケデリックの感触を通し、後年はエレクトロニカ、ファンク、グラム、アフロビートまで取り込んでいく、このバンドの変化がよく知られている。その流れの中にある1枚がこのEPだ。

ジャンル表記はElectronic、Rock、Pop。スタイルとしてはArt Rock、Pop Rock、Experimentalに置かれている。タイトルからもわかる通り、Jon Brionによるリミックスを中心にした内容で、Of Montrealの楽曲を別の切り口から聴かせる作品として位置づけられる。

作品の位置づけ

2009年のOf Montrealは、もともとのインディー・ポップ／サイケ寄りの感覚に加えて、より広い編成感や加工の強いサウンドへと進んでいた時期。そうした時代の流れの中で出たこのEPは、バンドの原曲をそのまま並べるのではなく、Jon Brionの手つきで再構成された音像を味わうタイプのリリースになっている。

Polyvinyl Record Companyのカタログでは、この作品は「An Eluardian Instance EP」としても参照されている。作品名の扱いに揺れがある点は、レーベル資料を追ううえで目に入る情報だ。

Of Montrealというバンドの文脈

Of MontrealはKevin Barnesのプロジェクトとして語られることが多いバンドで、メンバーの入れ替わりが多いことでも知られる。提示されているメンバー一覧からも、その流動性が見えてくる。Derek Almstead、Julian Koster、Dottie Alexander、K Ishibashi、Jojo Glidewellら、多彩な演奏家が関わってきた。

音楽的には、初期のポップ・サイケ路線から、PrinceやDavid Bowieを思わせる要素を取り込んだ時期まで幅がある。2000年代後半のインディー・ロック界では、同じくアート性の高いポップを扱うアーティストとして、Animal CollectiveやThe Fiery Furnacesのような名前と並べて語られることもあった流れ。

聴きどころ

リミックスEPという形式上、ここでの聴きどころは楽曲そのものの展開よりも、元の曲がどのように切り分けられ、別の質感に置き換えられているかという点にある。Jon Brionは、映画音楽やプロデュースでも知られる人物で、細かな音の配置や和声の扱いに特徴がある。その手癖がOf Montrealの楽曲に入ることで、原曲の輪郭が少しずつずらされるタイプの作品になっている。

Of Montrealの代表曲という文脈でいえば、この時期は『Hissing Fauna, Are You the Destroyer?』の流れが大きく、そこから派生する作品群のひとつとして見ると整理しやすい。バンドのコアなファンにとっては、アルバム本編とは違う角度で曲を確認できる資料的な意味合いもあるだろう。

まとめ

『Jon Brion Remix EP』は、2009年のOf Montrealを、Jon Brionのリミックスという形で切り取った1枚。アート・ロック寄りの構成感と、ポップな手触りが同居するバンドの性格が、そのまま別の編集で見えてくる作品だ。作品名の扱いに別表記がある点も含めて、Of Montrealのカタログを追ううえで押さえておきたいEPといえる。

トラックリスト

A1 – First Time High (Reconstructionist Remix Of “An Eluardian Instance”) (4:03)
A2 – First Time High (Of Chicago Acoustic Version) (4:34)
B1 – Gallery Piece (JB Remix) (3:54)
B2 – Gallery Piece (Long Version) (8:16)
B2 – Gallery Piece (Instrumental) (3:54)

2026.07.01

Jasun Martz – The Pillory (1978)

Jasun Martz『The Pillory』について

Jasun Martzは、US出身の画家・彫刻家・ミュージシャンとして知られる人物で、音楽ではオーケストラや合唱を用いた大編成の作品でも活動している。『The Pillory』は、1978年に制作された作品として位置づけられるアルバムで、電子音楽と現代音楽のあいだを行き来するような性格を持つ。盤としては1981年のリリース。録音、ミックス、マスタリングまでロサンゼルス周辺とロンドンで行われており、USの作家が国際的な制作環境を使って仕上げた作品という見え方になる。

制作クレジットと録音環境

レコーディングは California Recording Studios（Hollywood）、Riverside Recordings（London）、Neoteric Recording Studios（Los Angeles）で行われている。ミックスは California Recording Studios、マスタリングは Burbank の L.R.S.。さらに、作曲・スコア作成・リハーサルは、カリフォルニアの「The Village」やロサンゼルス、ニューヨーク、ロンドンの拠点で進められたと記されている。作品全体が、単独のスタジオ録音というより、複数都市をまたいだ制作体制の中で組み上げられたものだとわかる。

カバーには「The Pillory」のために特別に描かれたドローイングが使われている。視覚表現も含めて作家性を強く打ち出すタイプの作品と見てよさそうだ。

音楽性と聴きどころ

ジャンル表記は Electronic、Classical、スタイルは Modern Classical、Experimental。実際の内容も、ロック的な歌ものというより、構成と音色の変化を中心に聴かせるタイプの作品として捉えられる。Martz のほかの活動歴から見ても、合唱やオーケストラを扱う設計と親和性が高い。電子音の質感だけで押し切るのではなく、現代音楽寄りの書法やアンサンブルの重なりを含んだ作りが想像しやすい。

この時代のUSの実験音楽、現代音楽、電子音楽の周辺では、Morton Subotnick や Terry Riley、さらに欧州の電子音楽やコンテンポラリー・クラシカルの流れとも接点を持つ聴かれ方をしやすい。『The Pillory』も、そのあたりの文脈に置くと輪郭がつかみやすい作品だろう。とはいえ、単純なミニマル作品や純粋電子音楽に収まるわけではなく、編成の大きさや構成の意識が前面に出るあたりに特徴がある。

アーティストにとっての位置づけ

Jasun Martzは、視覚芸術と音楽の両方で活動してきたアーティストで、この作品もその多面的な作家性を示す一枚として見やすい。後年の合唱・オーケストラ系プロジェクトを含む活動を踏まえると、『The Pillory』は、電子音響とクラシカルな書法を結びつける方向性を早い段階で示した作品のひとつといえる。

まとめ

『The Pillory』は、1978年の制作を背景に持つ、Jasun Martz の初期代表作として押さえやすいアルバム。USのアーティストが、ロサンゼルスとロンドンを結ぶ制作環境の中で、電子音楽と現代音楽の接点を探った作品として整理できる。派手なヒット曲で知られるタイプではなく、作品全体の構成と音の配置で聴かせる一枚だ。

トラックリスト

A – The Pillory (21:53)
B – The Pillory (22:27)

Tangerine Dream – Atem (1973)

Tangerine Dream『Atem』（1973）レビュー

Tangerine Dreamの『Atem』は、1973年にUKで発表された4作目のアルバムである。のちに「ベルリン・スクール」と呼ばれる電子音楽の流れを強く印象づける前段階にあり、シンセサイザー主体へ移る直前の、より実験色の濃い時期を映した作品でもある。初期Tangerine Dreamの中では、ロックのバンド感よりも、音そのものの配置や持続、空間の扱いに意識が向いた一枚という位置づけが見えてくる。

作品の位置づけ

1973年のTangerine Dreamは、Edgar Froese、Christopher Franke、Peter Baumannを中心に、電子楽器を軸とした独自の方向へ進みつつあった時期である。前年までのより即興的で生々しいサウンドから、のちの『Phaedra』で決定的になるシーケンサー主体の形へ向かう途中にあり、『Atem』はその過程に置かれている。UK盤として出たことも含め、当時の英国プログレッシブ・ロック、あるいは実験音楽の文脈で受け止められた作品といえる。

レーベル面では「Cosmic Couriers」の作品として扱われている。Tangerine Dreamの初期作品群に通じる、ジャーマン・エクスペリメンタルの空気を持った一枚である。

音の特徴

『Atem』の中心にあるのは、曲の展開をはっきり示すというより、音の断片や持続音、打楽器的な要素を組み合わせていく構成である。電子音の冷たさだけで押し切るのではなく、フレーズの間に余白があり、音響の動きがゆっくりと変わっていく。

この時期のTangerine Dreamは、後年の「整った電子音楽」という印象とは少し異なり、もっと手触りのある演奏感を残している。キーボード、フルート、パーカッション、テープ操作のような要素が混ざることで、曲ごとに輪郭が変わるのが面白いところである。ロックバンドとしての推進力より、スタジオでの実験と即興の記録という性格が前に出る。

同時代との関係

同時代のドイツ音楽では、CanやAmon Düül II、Ash Ra Tempel、Faustなどがそれぞれ異なる方法でロックと実験を結びつけていた。Tangerine Dreamはその中でも、より電子音響の側へ寄っていく立場で、のちのクラウトロック／電子音楽のイメージ形成に大きく関わることになる。

『Atem』は、そうした潮流の中でも、まだ「曲」より「場」の感覚が強い。後年のテクノやアンビエントに接続されるような反復感は、ここではまだ輪郭段階にあり、むしろ音の発生そのものを追っている印象である。

アルバム内で注目される点

この作品では、タイトル曲「Atem」がアルバムの核として語られることが多い。静かな導入から徐々に音の層が重なっていく流れがあり、初期Tangerine Dreamの方法論を端的に示す楽曲である。派手なフックで押すタイプではないが、アルバム全体の方向をつかむ入口になっている。

また、ジャケットと音像の結びつきも強い作品で、当時のTangerine Dreamらしい内省的な空気がそのままパッケージされている。視覚と音の両方で、1973年のバンドの位置が見える構成である。

聴きどころの整理

シンセサイザー主導へ移る直前の初期Tangerine Dreamの記録
即興性と音響実験の比重が大きい構成
のちの『Phaedra』につながる前史としての面白さ
クラウトロック、英国プログレ、実験音楽の交点にある作品

まとめ

『Atem』は、Tangerine Dreamが後年に確立するシーケンサー主体のスタイルに到達する前、電子音楽の可能性を手探りで広げていた時期を示すアルバムである。1973年という時点で、すでにこのバンドがロックの枠外へ踏み出していたことがよくわかる内容で、初期作品群の中でも過渡期の重要作として位置づけられる。

派手な代表曲で覚えるタイプのアルバムではないが、Tangerine Dreamの原点をたどるうえで外せない一枚である。

トラックリスト

A – Atem (20:25)
B1 – Fauni-Gena (10:43)
B2 – Circulation Of Events (5:49)
B3 – Wahn (4:31)

Mzylkypop – Kiedy Wilki Zawyja? (2018)

Mzylkypop『Kiedy Wilki Zawyja?』について

Mzylkypopによる『Kiedy Wilki Zawyja?』は、2018年に発表された作品で、UKのアーティストMichael Wardの名義による録音だ。2019年にはアナログ盤としてリリースされており、赤盤、ゲートフォールド仕様という物理フォーマット面でも存在感のある一枚になっている。

作品の位置づけ

アーティスト情報は多くないが、Bandcampで公開されていることからも、音源単位で作品を届けるタイプのリリースと見てよさそうだ。タイトルの Kiedy Wilki Zawyja? は「When Will The Wolves Howl?」という意味で、作品全体の印象にもどこか寓話的な輪郭を与えている。

クレジット上のジャンルは Jazz、Rock、Folk、World、& Country、スタイルは Psychedelic Rock、Jazz-Rock、Experimental。実際、こうしたタグが並ぶ作品は、曲ごとに明確な区切りを作るよりも、演奏の流れや音色の変化で聴かせることが多い。Michael Wardのソロ的な作家性が前に出るタイプの作品として捉えやすい。

リリース情報

オリジナル発表年: 2018年
アナログ盤リリース年: 2019年
リリース国: UK
アーティスト国: UK
フォーマット: LP
仕様: 赤盤、ゲートフォールド・スリーブ
枚数: 240枚限定

このLPは240枚限定で、うち100枚はDiscusレーベルに割り当てられている。Disc usのCD版リリースを2021年9月に支えるための配分で、レーベル向けの分については裏面のリシーラブル・プラスチック・ラッパーにバーコードが付く仕様だ。オリジナルの作品に対して、アナログ盤ではコレクター向けの物理的な差異がはっきりしている。

音楽的な輪郭

この作品は、ジャズの即興性、ロックの推進力、フォーク由来の語り口、そして実験的な構成感が、ひとつの流れの中で交差するタイプに見える。タイトル曲らしき言葉を含む作品名からも、ストレートなロック作品というより、音の展開や間の取り方に重心がある印象だ。

同時代の文脈で見ると、ジャズ・ロックやサイケデリック・ロック、実験音楽の境界を行き来するUK発のソロ作品として位置づけやすい。演奏を前面に出しつつ、曲の骨格は崩しすぎない、そのあたりのバランスが聴きどころになりそうだ。

聴きどころとして見える点

実際の音像については手元で確認できる情報が限られるが、こうした編成・タグの作品では、楽器ごとの重なり方や、テーマと即興の切り替えが重要になることが多い。派手なヒット曲で押すというより、アルバム全体の流れで聴かせる作りと考えるのが自然だ。

まとめ

『Kiedy Wilki Zawyja?』は、2018年の作品として発表され、2019年にUK盤LPとして形になった、Michael WardによるMzylkypop名義の一枚だ。赤盤・限定240枚・ゲートフォールド仕様というアナログ盤ならではの要素に加え、ジャズ、ロック、フォーク、実験性が交差する作品として記録されている。タイトルの意味を含め、音だけでなく作品名や物理仕様も含めて印象を残すリリースになっている。

トラックリスト

A1 – Witch Drones
A2 – She Turns To Dust
A3 – Slumber Pin
A4 – Sylwia’s List
A5 – The God Of Claws
B1 – Last Exit To Lublin
B2 – Elphame
B3 – Red White And Blue
B4 – Narky Monkey
B5 – TV Lives

Tim Buckley – The Late Great Tim Buckley – An Anthology (1978)

Tim Buckley『The Late Great Tim Buckley – An Anthology』について

Tim Buckleyは、1960年代後半から70年代前半にかけて活動したアメリカのシンガーソングライターだ。フォークを出発点にしながら、のちには実験的なアレンジや即興性を取り入れた作品へ進み、短い活動期間の中で独自の位置を築いた人物として知られる。1978年にオーストラリアで出た本作『The Late Great Tim Buckley – An Anthology』は、その歩みをまとめた編集盤で、本人の死後に出た初のLPでもある。収録はオーストラリアとニュージーランドに限られていた。

作品の成り立ち

このアンソロジーには、Tim Buckley、Goodbye and Hello、Happy Sad、Greetings from L.A.、Sefronia の5枚のスタジオ・アルバムからの音源が収められている。初期のフォーク寄りの曲から、後年のよりソウル/R&B色のある曲までを横断する内容で、ひとつの時代だけを切り取るというより、キャリア全体の流れを見せる構成になっている。

Tim Buckleyの作品をまとめて聴くと、まず声の存在感が際立つ。高音域の伸びやフレーズの運びが印象に残りやすく、歌そのものが曲の中心にあるタイプだ。本作でも、その個性が異なる時期の録音を通して確認できる。フォーク・ロックの輪郭がはっきりした曲もあれば、演奏の隙間やリズムの揺れが前に出る曲もあり、同じアーティストの編集盤でも単調になりにくい。

Tim Buckleyという位置づけ

Tim Buckleyは、商業的な大ヒットで知られるタイプではないが、作品ごとの振れ幅が大きい。初期はフォーク・シンガーとして出発しながら、Happy Sad、Lorca、Starsailor では実験性や即興性を強めていった。その流れの中で、後年のアルバムではより分かりやすいポップ/R&B志向にも向かっている。本作は、その変化を短く追えるまとめ方になっている。

同時代のフォークやシンガーソングライターの文脈で見ると、Bob DylanやJoni Mitchellのように言葉と曲作りが重視される流れとは共通点がある一方、Tim Buckleyは声と音域の使い方でかなり独自の印象を残す。実験寄りの時期は、ジャズや前衛的なロックの周辺とも接点がある。編集盤としては、その幅を見せる役割が強い。

収録内容から見えるもの

本作はベスト盤というより、複数のアルバムから選んだアンソロジーとしての性格がはっきりしている。代表曲だけを並べる編集ではなく、時期ごとの変化を意識した構成に見える。Tim Buckleyの主要なアルバムを持っていない場合でも、どの時期にどんな方向へ進んだかをつかみやすい内容だ。

収録元に Greetings from L.A. や Sefronia が入っている点も、この編集盤の性格を示している。初期のフォーク色だけでなく、キャリア後半の商業的な方向へ寄せた時期まで含めているので、Tim Buckleyを「実験的な人」とだけ捉えないための入口にもなっている。

リリース時の意味

1975年に28歳で亡くなったTim Buckleyにとって、1978年のこのLPは死後に出た初のアルバムとして位置づけられる。しかも発売地域がオーストラリアとニュージーランドに限られていたため、当時の本国市場での定番編集盤というより、地域限定のアーカイブ的な意味合いが強い。オリジナルのスタジオ作品を補う形で、彼の足跡を後から整理した一枚といえる。

まとめ

『The Late Great Tim Buckley – An Anthology』は、Tim Buckleyの短いキャリアを5枚のスタジオ・アルバムからたどる編集盤だ。フォーク、フォーク・ロック、実験的な要素、後年のより商業的な方向までを一枚に収め、声と曲作りの独自性を確認しやすい内容になっている。Tim Buckleyの全体像をつかむうえで、時期の違いが見えやすいコンピレーションだ。

トラックリスト

A1 – Aren’t You The Girl
A2 – Understand Your Man
A3 – I Never Asked To Be Your Mountain
A4 – Once I Was
A5 – Morning Glory
A6 – Move With Me
B1 – Strange Feelin’
B2 – Sweet Surrender
B3 – Make It Right
B4 – Dolphins

2026.06.21

Twink – Think Pink (1970)

Twink『Think Pink』について

Twinkは、英国のドラマー／ソングライター／シンガー、John Charles Edward Alderの名で知られる人物である。The Fairies、The Pretty Things、Tomorrow、Pink Fairiesといった60〜70年代英国アンダーグラウンドの重要バンドを渡り歩いた人で、その活動の流れの中で1970年に発表されたのが『Think Pink』だ。タイトルの段階からして、いかにも当時のロンドン・アンダーグラウンドらしい手触りがある作品で、British psychedeliaの文脈で語られることが多い。

この盤は2020年の50周年リマスター盤で、オリジナルの1970年作を現在の形で聴ける再発盤にあたる。レコードとしてはカナダ盤で、収録内容はオリジナル・アルバムを軸にしながら、リマスターで音の輪郭を整えた形と見てよさそうだ。

作品の位置づけ

『Think Pink』は、Twinkのキャリアの中でも大きな節目にあたる1枚である。ドラマーとしての活動が先行していた人物が、自身の名義で色を出したアルバムとしても重要で、単なる伴奏者ではなく、当時のサイケデリック・ロックの空気を自分の作品としてまとめた印象が強い。

背景には、Ladbroke Grove周辺のアンダーグラウンド・シーン、そしてHawkwind周辺の人脈がある。制作面では友人のMick Farrenが関わり、Paul RudolphやSteve Peregrin Tookらが参加している。特にSteve Peregrin Tookは、T. Rexの初期を知る人にはおなじみの名前で、こうした人脈だけでも当時の英国ロックの交差点にある作品だと分かる。

サウンドの印象

実際に聴くと、派手なロック・バンドの完成形というより、セッション感や実験性が前に出る作りである。曲ごとに演奏の温度が変わり、直線的に盛り上がるというより、音の配置やリフの反復、声の置き方で引っ張る場面が多い。ドラマーの作品らしく、リズムの立ち上がりがはっきりしている一方で、曲の展開はきっちり整えすぎず、ラフさも残している。

プロト・パンクの荒さと、サイケデリック・ロックの浮遊感、その中間にあるような手触りもある。Pink FairiesやTomorrow、さらには同時代のHawkwind周辺を思わせる部分はあるが、Twink自身の音としてまとまっているのが面白いところだ。

同時代との関係

1970年という年は、英国ロックが60年代的なサイケデリアから次の段階へ移る時期で、重さを増すハードロックや、より長尺で実験的なプログレッシブ・ロックも強くなっていった。その中で『Think Pink』は、そうした大きな流れに飲み込まれながらも、地下シーンの感覚を保っている作品として聴ける。

比較の軸としては、The Pink Fairies、Tomorrow、初期のHawkwindあたりが浮かぶ。いずれも大きく売れた主流ロックとは別の場所で、自由度の高い演奏や反商業的な空気を持っていたバンドだ。『Think Pink』もその延長線上にあるが、Twink個人の名前が前に出るぶん、より私的な記録としての性格も感じさせる。

曲について

この作品はアルバム全体で流れを聴くタイプの内容で、特定の大ヒット曲で知られる盤ではない。とはいえ、タイトル曲「Think Pink」を中心に、アルバムの輪郭を覚えやすい構成になっている。曲名の並びや演奏の切り替わりからも、当時のサイケデリック・ロックらしい自由な組み立てが見て取れる。

2020年リマスター盤として

2020年の50周年リマスター盤は、オリジナル盤の時代性を保ちながら、音の見通しを整えた再発として位置づけられる。盤面表記やインサートの扱いなど、細部は再発盤らしい仕様になっている。オリジナルの空気をそのまま封じ込めたというより、現在の再生環境で聴きやすくした版、と見るのが自然だろう。

まとめ

『Think Pink』は、Twinkという人物が英国アンダーグラウンドの中心付近で積み上げてきた経験を、1970年時点でひとつの作品にしたアルバムである。ドラマー主導の作品でありながら、演奏の荒さ、サイケデリックな広がり、仲間たちの気配が同居している。英国サイケ、Ladbroke Grove周辺、Pink FairiesやHawkwindの流れに関心があると、作品の輪郭がつかみやすい1枚だ。

トラックリスト

A1 – The Coming Of The One (5:30)
A2 – Ten Thousand Words In A Cardboard Box (4:30)
A3 – Dawn Of Magic (1:44)
A4 – Tiptoe On The Highest Hill (5:19)
A5 – Fluid (4:08)
B1 – Mexican Grass War (5:30)
B2 – Rock And Roll The Joint (2:32)
B3 – Suicide (4:26)
B4 – Three Little Piggies (3:15)
B5 – The Sparrow Is A Sign (2:24)

The Cosmic Jokers – Planeten Sit-In (1974)

The Cosmic Jokers『Planeten Sit-In』について

The Cosmic Jokersは、Klaus Schulze、Manuel Göttsching、Harald Grosskopf、Dieter Dierks、Jürgen Dollaseらが関わったドイツのスペース・ロック／エクスペリメンタル・プロジェクトだ。1973年のセッション素材をもとに1974年に作品化され、後年にはコスミッシェ・ムジーク文脈の重要作として語られることが多い。

『Planeten Sit-In』は、そのThe Cosmic Jokersの一枚。1974年のオリジナル作品として知られ、ここで挙げる盤は1996年フランス盤。ジャケットやレーベル表記も含めて、再発盤として流通している一枚だ。

作品の輪郭

収録音は、Studio Dierksでのジャム・セッションを土台にしたもの。電子音、持続音、反復するフレーズが前に出て、曲というよりは長い流れとして聴かせる作りになっている。ジャンル表記はElectronic、スタイルはExperimental、Ambient。実際に針を落とすと、シンセのレイヤーとギターの断片、リズムのゆらぎがゆっくり重なっていく構成が目立つ。

タイトル曲「Planeten Sit-In」は、宇宙旅行のイメージを前面に出したこのプロジェクトらしさが強い。歌もののヒット曲が中心の作品ではなく、音の連なりそのものが主役という印象だ。

ライナーノートと作品の見え方

この盤のリリースノートには、Hören Sie “Planeten Sit In” quadrophonisch und Sie entdecken die neuen Zauberwelten des Galaxien-Sounds der Kosmischen Musik. とあり、4チャンネル的な聴取を意識した表現が入っている。さらに、Raumschiff Galaxy や Sternenmädchen といった言葉で、宇宙船に乗って銀河を巡るような筋書きが添えられている。音だけでなく、当時のコスミックなイメージ作りも含めた作品だと受け取れる。

The Cosmic Jokersの中での位置づけ

The Cosmic Jokersは、後にクラウトロックや電子音楽の文脈で参照されることの多い名前だ。Klaus SchulzeやManuel Göttschingの参加によって、Ash Ra Tempelや初期のソロ作品に通じる質感も見えやすい。とはいえ、ここではそれぞれの個人名義作よりも、セッション素材を編集した“プロジェクト盤”としての性格が強い。

1970年代前半のドイツでは、電子音楽、即興、スペース・ロックが近い距離で交差していた。その中でThe Cosmic Jokersは、Ash Ra Tempel、Klaus Schulzeの初期作品、Tangerine Dream周辺と並べて語られることがある。『Planeten Sit-In』も、その時代の流れをそのままパッケージしたような一枚に見える。

盤の情報

アーティスト: The Cosmic Jokers
タイトル: Planeten Sit-In
オリジナル年: 1974年
この盤のリリース年: 1996年
リリース国: France
ジャンル: Electronic
スタイル: Experimental, Ambient

スパインとレーベルにはSPALAXLP14104、バックカバーには14104の表記。フランス盤としてまとまった仕様になっている。

『Planeten Sit-In』は、The Cosmic Jokersの中でも、宇宙的なイメージと編集されたジャム感が前に出た作品だ。1970年代ドイツの電子音楽が持っていた、即興と構成の境目をそのまま残したような内容である。

トラックリスト

A1 – Raumschiff Galaxy Startet (1:04)
A2 – The Planet Of Communication (0:55)
A3 – Elektronenzirkus (0:37)
A4 – Der Narr Im All (1:16)
A5 – Raumschiff Galaxy Fliegt In Die Sonne (2:12)
A6 – Intergalactic Nightclub (4:08)
A8 – Loving Frequencies (3:18)
B1 – Electronic News (3:56)
B2 – Intergalactic Radio Guri Broadcasting (4:24)
B3 – Raumschiff Galaxy Gleitet Im Sonnenwind (0:40)
B4 – Interstellar Rock: Kosmische Musik (3:11)
B5 – Raumschiff Galaxy Saust In Die Lichtbahnen (0:44)
B6 – Der Planet Des Sternenmädchens (8:21)

Areski – Brigitte Fontaine – Je Ne Connais Pas Cet Homme (1973)

Areski – Brigitte Fontaine「Je Ne Connais Pas Cet Homme」

フランスのAreski BelkacemとBrigitte Fontaineによる共作名義、Areski – Brigitte Fontaineの一枚。1973年のオリジナル作品として知られるタイトルで、ここに収められているのはシャンソンを軸にしながら、アヴァンギャルドや実験的な要素を前面に出した世界観だ。

作品の輪郭

Brigitte Fontaineの語りかけるような歌唱と、Areskiの多彩な演奏・構成がぶつかり合うというより、同じ空間の中で少しずつ形を変えていく作り。ロックやポップの枠に置かれながらも、一般的な歌モノの流れには収まらない、ひっかかりのある音像がこの作品の中心にある。

この二人の共同作業は、単独名義の作品とは少し違って、作品全体がひとつの会話のように進むところが特徴的だ。メロディが前に出る場面もあれば、言葉の運びや間の取り方が主役になる場面もあり、シャンソンの伝統と前衛的な感覚が同居している。

聴きどころ

この手のAreski-Fontaine作品では、派手な展開や分かりやすいサビよりも、音の配置や声の置き方に耳が向く。Brigitte Fontaineの声は、歌うというよりも言葉を音楽の中に置いていくようで、Areskiの側はその動きを受け止めながら、楽曲の輪郭を少しずつずらしていく印象がある。

70年代フランスのシャンソン周辺には、BarbaraやJacques Higelin、Magma周辺のように既存の形式を崩しながら独自の表現へ向かう動きがあったが、この作品もその流れの中で語られることがありそうだ。とはいえ、ロックの推進力だけでも、実験音楽の硬さだけでもなく、その中間にある独特の距離感が残る。

リリースについて

盤として流通しているものは1990年代後半から2000年代初頭の再発盤とみられ、オリジナルの1973年盤とは別の時代のプレスになる。再発盤としては、価格コードやバーコードが付かない仕様という点が目立つ。

アーティストのキャリアの中では、AreskiとBrigitte Fontaineの共同名義作品の一つとして位置づけられる一枚。二人の関係性そのものが作品の核にあるタイプで、単なる客演ではなく、名前どおりの共同制作として捉えるのが自然だ。

まとめ

「Je Ne Connais Pas Cet Homme」は、フランスのシャンソンを土台にしながら、ポップ、ロック、実験性が同じ画面に並ぶ作品。歌と演奏の役割分担が固定されず、曲ごとに表情が変わっていくところが面白い。

トラックリスト

A1 – Depuis (1:54)
A2 – J’ai 26 Ans, Madame (1:15)
A3 – La Fille Du Curé (2:04)
A4 – Comment Ca Va (1:40)
A5 – Montparnasse (1:23)
A6 – La Recherche De L’Hiver (3:44)
A7 – Les Blanchisseuses (1:09)
A8 – C’est Normal (4:21)
B1 – Dis-moi (4:03)
B2 – Insert (0:25)
B3 – On N’est Pas Des Arbres (1:45)
B4 – La Renarde Et Le Bélier Touffu (3:56)
B5 – Insert (0:25)
B6 – Je Ne Connais Pas Cet Homme (2:18)
B7 – Nous Ne Pourrons Plus Dormir (1:32)
B8 – La Morvien (2:37)
B9 – Le Silence (1:52)
B10 – Final (0:35)

Fernando Yvosky – Dos Mundos (1975)

Fernando Yvosky『Dos Mundos』について

Fernando Yvoskyは、ベネズエラの演出家、劇作家、俳優、そして音楽家でもある人物で、この『Dos Mundos』は1975年に発表された作品である。電子音楽、ロック、ラテンの要素を土台に、プログレッシブ・ロック、実験音楽、シンフォニック・ロックの流れの中で聴かれる一枚となっている。

作品の輪郭

タイトルの「Dos Mundos」は「二つの世界」を意味する言葉で、作品全体の構えにもそのままつながる印象がある。ロックの編成感と、ラテン系のリズム感、さらに電子的な質感が同じ盤面に置かれている点が、この作品の大きな特徴と言える。ベネズエラの1970年代作品として見ると、当時のラテンアメリカ圏で広がっていたシンフォニック・ロックや実験的なロックの文脈にしっかり乗った内容である。

Fernando Yvoskyの経歴を踏まえると、演劇や戯曲の世界で培った感覚が、音楽の構成や展開にも反映されている可能性がある。音だけで進むというより、場面が切り替わるような組み立てを意識した作品として受け取れそうだ。

1986年盤について

この盤は1986年にベネズエラで再発されたもの。クレジットには「master tapes」からの再発とあり、CaracasのVinyl International SRLからリリースされている。ジャケットも新たにデザインし直されたシングルカバー仕様になっている。オリジナルの1975年盤と比べると、音源そのものは同じ系統であっても、見た目の印象は異なる再発盤である。

サウンドの位置づけ

ジャンル表記としてはElectronic、Rock、Latin、スタイルとしてはProg Rock、Experimental、Symphonic Rockが並ぶ。実際、この並びが示す通り、単純なロック作品ではなく、音の層や構成の変化を楽しむタイプの一枚として捉えやすい。ラテンアメリカのプログレ作品に関心を持つ人なら、同時代の各国シーンと並べて見たくなる内容でもある。

ヒット曲や代表曲として特定の曲名が広く知られているわけではないが、アルバム全体の流れそのものを聴くタイプの作品として扱われることが多そうだ。曲ごとの見せ場というより、連続した構成の中で雰囲気が形を取っていく印象である。

まとめ

『Dos Mundos』は、ベネズエラのアーティストFernando Yvoskyによる1975年作品であり、1986年に再発された盤も存在する。ロック、電子音楽、ラテンの要素を含みながら、プログレッシブ・ロックや実験性、シンフォニックな展開へつながる構成が見どころの一枚。演劇畑の人物による作品として見ると、その背景も含めて興味深い記録である。

トラックリスト

A1 – Prólogo
A2 – La Música, Mágico Vehículo
A3 – Merengue Al Hombre Del Tiempo
A4 – El Señor De Azul
A5 – El Anciano
B1 – Es Difícil Expresarlo
B2 – Exteriorizaciones De Un Mundo Interior
B3 – Estoy Viviendo
B4 – Eres Bella
B5 – En Busca De El

The Box – Secrets Out (1983)

The Box『Secrets Out』（1983）について

『Secrets Out』は、イングランド・シェフィールド出身のThe Boxが1983年に発表した作品です。電子音楽とロックの要素を軸にしながら、新しい波の時代らしい硬質さと実験的な感触をあわせ持つ1枚として聴こえます。The Boxは、Clock DVAの初期メンバーだったPaul Widger、Charlie Collins、Roger Quailを中心に、Terry Toddらが加わって結成されたグループで、この作品はそうした流れの中で形になった初期の仕事にあたります。

作品の立ち位置

バンドは後にGo! DiscsからLPを2枚と複数のシングルを出し、その後はCabaret VoltaireのDoublevisionレーベルでも活動を続けています。そうした経歴を踏まえると、『Secrets Out』はThe Boxの出発点に近い時期の記録であり、のちの展開につながる輪郭がすでに見える作品として位置づけられるはずです。Peter Hopeが参加した編成で、メンバーはPeter Hope、Roger Quail、Charlie Collins、Paul Widger、Terry Todd。

音の印象

楽器の配置はかなり整理されていて、リズムの刻み、ギターの切れ味、電子的な質感が前に出るタイプの音像です。ロックの推進力を保ちながら、ニューウェーブ以降の乾いた空気感や、実験色のある組み立てが同居しているところが耳に残ります。シェフィールド周辺の同時代の流れ、たとえばCabaret VoltaireやClock DVAに通じる緊張感を感じさせる場面もあり、ただしそのまま同列に置けるわけではなく、よりバンドとしてのまとまりが見える印象です。

同時代の文脈

1983年という時期は、ポストパンクの余韻と電子音楽の方法が交差していた時代です。The Boxもその空気の中で、単純なロックでも純粋な電子音楽でもない形を取っています。音の作り方にしても、歌ものとしての分かりやすさより、リズムや質感の組み合わせを優先しているように聴こえる場面があり、この時代の実験的なニューウェーブ作品らしい手触りです。

ひとこと

『Secrets Out』は、The Boxが1980年代前半のシェフィールド・シーンの中でどんな位置にいたかを確かめやすい作品です。電子音、ロック、ニューウェーブ、実験性が一枚の中でどう接続されているか、その輪郭が見えやすいタイトルといえます。

トラックリスト

A1 – Water Grows Teeth
A2 – Skin, Sweat And Rain
A3 – Something Beginning With ‘L’
A4 – Strike
A5 – The Hub
A6 – Hang Your Hat On That!
B1 – I Give Protection
B2 – No Sly Moon
B3 – Slip And Slant
B4 – Old Style Drop Down
B5 – Swing
B6 – Out

Clearlight – Forever Blowing Bubbles （しゃぼん玉幻覚） (1975)

Clearlight「Forever Blowing Bubbles（しゃぼん玉幻覚）」について

Clearlightは、フランス・パリ出身のプログレッシブ・ロック・バンド。1973年に始動し、キーボード奏者Cyrille Verdeauxを軸に、Gong周辺を含むフランスのプログレ／アンダーグラウンド界のミュージシャンたちが入れ替わりで参加してきたグループだ。本作「Forever Blowing Bubbles（しゃぼん玉幻覚）」は1975年に発表された作品で、日本盤は1982年リリース。Electronic、Jazz、Rockをまたぐ内容で、Jazz-Rock、Experimental、Prog Rockの文脈に置かれる一枚になっている。

作品の立ち位置

Clearlightは、バンドというよりもCyrille Verdeauxのプロジェクト色が強い出発点を持ち、その後にClearlight名義のグループとして広がっていった経緯がある。本作もその流れの中にある作品で、Steve Hillage、Didier Lockwood、Tim Blake、Didier Malherbeといった顔ぶれが並ぶのがまず目を引くところ。フランスのプログレ／ジャズ・ロックの線上で、演奏者の個性を前面に出すタイプの作品として捉えやすい。

サウンドの印象

実際に聴くと、曲ごとに音の重心が少しずつ動いていくのが分かりやすい。キーボードを中心に据えた展開がありつつ、ギターやサックス、ヴァイオリン系の音色が差し込まれ、ロックのリズム感と即興性のあるフレーズが交差する場面が多い。ジャズ・ロックらしい流れの中に、電子音や浮遊感のある処理が入ることで、単純なバンド・サウンドには収まらない作りになっている。

派手な歌もの中心というより、演奏の展開そのものを聴かせるタイプ。フレーズの受け渡しや、音色の切り替えに耳が行く作りで、フランスのプログレらしい実験性と、当時のジャズ・ロックの推進力が同居している印象だ。

同時代の文脈

1970年代半ばのフランスでは、GongやMagma周辺を含め、ロック、ジャズ、サイケデリックな感覚を横断する作品が次々に生まれていた。本作もその流れの中で聴くと位置づけが見えやすい。英国のプログレに比べると、構築美だけでなく、演奏の自由度や音の飛び方が前に出る場面があり、Clearlightもその系譜に連なる存在と言えそうだ。

特にSteve HillageやDidier Lockwood、Didier Malherbeのようなプレイヤーが関わっている点は、この時期のフレンチ・プログレ／ジャズ・ロックの交差点をよく示している。バンドの固定的な編成というより、場面ごとに色が変わるアンサンブルとしての面白さがある。

日本盤について

1982年に出た日本盤は、オリジナルの1975年盤から数年後の登場になる。日本での紹介時期としては、70年代プログレの再評価が進んでいたタイミングとも重なり、当時のリスナーにとってはフランス産の変則的なジャズ・ロック／プログレ作品として受け取られたはずだ。盤としてはオリジナル発売から時間をおいてのリリースになるため、作品そのものの成立時期と日本での流通時期は分けて見ておきたいところ。

まとめ

「Forever Blowing Bubbles（しゃぼん玉幻覚）」は、Clearlightというプロジェクトの性格がよく出た一枚。Cyrille Verdeauxを中心に、フランスの個性的な演奏家たちが集まり、ロック、ジャズ、電子的な要素を混ぜながら進んでいく。1970年代フランス・プログレの広がりを、そのまま音にしたような作品として捉えやすい。

トラックリスト

A1 – Chanson (4:44)
A2 – Without Words (7:41)
A3 – Way (8:16)
B1 – Ergotrip (6:24)
B2 – Et Pendant Ce Temps La (4:43)
B3 – Narcisse Et Goldmund (2:39)
B4 – Jungle Bubbles (2:45)

Severed Heads – Since The Accident (1983)

Severed Heads「Since The Accident」について

「Since The Accident」は、オーストラリア出身の電子音楽グループ、Severed Headsが1983年に発表した作品。UK盤も同じ1983年リリースで、初期のバンドが持っていた実験性と、その後につながるダンス寄りの感覚が同居した時期の記録として位置づけられる一枚である。

Severed Headsは1979年にシドニーで始動したグループで、もともとはMr And Mrs No Smokin’ Signとして活動していた。初期はテープループやノイズ、シンセサイザーの不協和音を軸にした、いわゆるインダストリアル寄りの作風で知られる。その後、4/4の規則的なリズムや分かりやすいメロディ、コード進行を取り入れていき、前衛性とEBM、シンセポップが交わるような方向へ進んでいった。

作品の輪郭

「Since The Accident」は、その流れの中でも、リズムの輪郭がはっきり見えやすい時期の作品として聴こえる。打ち込みの感触、反復するフレーズ、音の切り貼り感が前面に出ていて、初期インダストリアルの硬さと、後年のダンス・ミュージック的な推進力のあいだを行き来する内容になっている。

ジャンル表記としてはElectronic、スタイルとしてはLeftfield、Experimental、Synth-pop、Industrial。こうした並びからも、単純なシンセポップ作品というより、実験音楽の手つきが残った電子音楽として捉えられていることが分かる。同期の電子音楽と比べると、整ったポップ性だけでなく、音の配置や質感にひっかかりが残るタイプの作品である。

アーティストの中での位置づけ

Severed Headsにとっては、初期のアヴァンギャルド寄りの作風から、より広いリスナーに届く可能性を持ったサウンドへ移っていく途中の重要な段階にある作品といえる。のちに「Dead Eyes Opened」で1984年にチャート入りし、Nettwerk RecordsやVolition Recordsとの関係を通じて活動の幅を広げていくが、その前段階である1983年時点のバンドの姿がこの作品にはよく表れている。

中心人物Tom Ellardを軸に、Garry Bradbury、Richard Fielding、Stephen Jones、Robert Racicらが関わったバンドの文脈を踏まえると、「Since The Accident」はSevered Headsらしい変化の途中を示すタイトルとして見やすい。完全に実験音楽へ振り切るのでもなく、かといって素直なポップへ寄るわけでもない、その中間の張りつめた感じが印象に残る。

同時代の文脈

1983年という年は、シンセポップやインダストリアル、初期EBMが互いに影響を与え合っていた時期でもある。Severed Headsは、その中でオーストラリア発のグループとして、欧米のシーンと接続しながら独自の音作りを進めていた。Cabaret VoltaireやThrobbing Gristleの流れを思わせる要素と、当時のシンセポップの明快さが同居するあたりが、この時期の彼らの特徴として受け取られている。

ひとこと

「Since The Accident」は、Severed Headsの初期と中期をつなぐような位置にある作品。テープ、シンセ、反復、リズムの組み立てがそのままバンドの個性になっていて、1983年の電子音楽の空気感をそのまま切り取ったような一枚である。

トラックリスト

A1 A Relic Of The Empire
A2 A Million Angels
A3 Houses Still Standing
A4 Gashing The Old Mae West
A5 Dead Eyes Opened
A6 Golden Boy
B1 Godsong
B2 Epilepsy 82
B3 Exploring The Secrets Of Treating Deaf Mutes
B4 Brassiere, In Rome
B5 Wasps

Severed Heads – Ear Bitten (2024)

Severed Heads『Ear Bitten』について

『Ear Bitten』は、オーストラリア出身の電子音楽グループ、Severed Headsによる2024年リリースの作品。Severed Headsは1979年にシドニーで始動し、テープループ、ノイズ性の強いシンセサイザー、非調和な音源を使った初期の実験性で知られる一方、その後は4/4のリズムやメロディ、ダンスミュージックの要素も取り込み、インダストリアル、EBM、シンセポップの境界をまたぐような作風へ進んだグループである。

サウンドの印象

この作品も、ジャンル表記どおり電子音楽を軸に、実験性、アンビエント、インダストリアルの要素が並ぶ内容。硬質なビート感や機械的なテクスチャー、音の断片を組み合わせるような構成が想像しやすい。Severed Headsらしい、整いすぎない電子音の扱いが作品の核にあるグループといえる。

Severed Headsの文脈の中で

Severed Headsは、初期のインダストリアル寄りの時期から、のちにはポップ寄りのリズムや旋律を取り込んだことで、同時代の実験音楽やクラブ・ミュージックの間を行き来する存在として語られてきた。Tom Ellardを中心に展開してきたこのグループにとって、『Ear Bitten』は、そうした長い活動の流れを踏まえた2024年時点の新しい一枚として位置づけられる。

まとめ

『Ear Bitten』は、Severed Headsの実験的な電子音楽の系譜に連なる2024年作。インダストリアル、アンビエント、エクスペリメンタルの要素を抱えながら、長年の活動で培われた音の組み立て方が見える作品として捉えられる。

トラックリスト

A1 All Rights Resevered
A2 God Factory
A3 Hawaii / Torso / 97 Cigarettes
A4 Acid Fur
A5 Dance
A6 New York Is A Lonely Town
A7 (This Track Doesn’t Exist)
B1 Much About Bones
B2 Scat
B3 Pander To The Natives
B4 For Garry 5
B5 The Monkey Is Safe
B6 1-2-3 A Baby Buggy
C1 Walking Best Friend
C2 Untitled 1
C3 Untitled 2
C4 Now This Is God’s Son 1
C5 Acid Fur (Demo)
C6 Now This Is God’s Son 2
C7 Hello Donald, Merry Christmas
C8 Pinstripe Bus
D1 The Man Of My Dreams

Jim Morrison – An American Prayer (1978)

Jim Morrison『An American Prayer』

Jim Morrisonの『An American Prayer』は、1978年に登場した作品で、ロックと語りの要素が交差するアルバムだ。The Doorsのフロントマンとして知られるMorrisonが残した詩や朗読を中心に構成されていて、音楽作品というより、詩とサウンドが一体になった記録として捉えやすい内容になっている。

作品の輪郭

このアルバムでは、Jim Morrisonの肉声によるスポークンワードが前面に出る。そこにサイケデリック・ロック、クラシック・ロック、実験的な音の処理が重なり、歌もののアルバムとは違う組み立てになっている。音の質感は、演奏がきっちり前に出る場面もあれば、語りを支えるために空間を広く使う場面もあり、全体としてはかなり独特な聴き味だ。

ジャンル表記としては Rock と Non-Music が並ぶが、その通り、楽曲としてのロックと朗読作品の中間にあるような位置づけ。The Doorsの作品群と比べると、バンドの熱量やサイケデリックな展開をそのまま聴かせるというより、Morrisonの詩的な言葉に焦点が当たっている。

Jim Morrisonという人物とのつながり

Jim Morrisonは1943年、フロリダ州メルボルン生まれのシンガー、ソングライター、作家、詩人。The Doorsの活動で広く知られる一方、言葉そのものを作品の中心に置く姿勢も強かった。この『An American Prayer』は、そうした側面がはっきり出たタイトルとして見やすい。

また、Morrisonは1971年にパリで27歳で亡くなっており、本作は彼の死後にリリースされた作品としても位置づけられる。The Doorsの代表曲のようなヒット・シングルを前面に出すタイプではないが、彼の表現の核にあった詩と音の関係を確認できるアルバムとして語られることが多い。

同時代の空気と作品の性格

1970年代後半は、ロックの中でも表現の幅が広がっていた時期で、朗読や実験音楽、サイケデリックな残響を持つ作品も珍しくなかった。『An American Prayer』も、その流れの中で、ロック・アルバムという枠を少し外れた場所に置かれる1枚だ。比較するなら、歌唱中心のロック作品というより、詩や語りを音楽で包むタイプの表現に近い。

内容面では、Morrisonの言葉そのものが主役で、そこに音がどう寄り添うかが聴きどころになる。The Doorsのファンにとっては、バンドとは別の角度から彼の表現を見られる作品でもあるし、詩とロックの接点をたどるうえでも興味深い1枚だ。

ひとこと

『An American Prayer』は、Jim Morrisonのロック・シンガーとしての顔だけでなく、詩人としての輪郭を前に出した作品だ。サイケデリックな響き、語りの存在感、実験的な構成が重なり、1970年代のロック史の中でも少し特別な位置にあるアルバムと言えそうだ。

トラックリスト

Awake
To Come Of Age
The Poet’s Dreams
World On Fire
An American Prayer

Tag : Experimental

Third Ear Band「Music From Macbeth」について

作品の位置づけ

収録音の印象

同時代との関係

日本盤について

まとめ

トラックリスト

関連動画

Holger Czukay『Full Circle』について

作品の輪郭

1982年という位置づけ

収録曲に触れながら

日本盤としての『Full Circle』

トラックリスト

関連動画

Jon Hassell『Fourth World Vol. 1 – Possible Musics』について

作品の位置づけ

音の特徴

同時代の文脈

ヒット曲・代表曲について

盤の情報について

まとめ

トラックリスト

関連動画

Steve Hillage『L』（1976年）

作品の位置づけ

音の印象

収録曲と代表曲

制作とリリース情報

同時代とのつながり

まとめ

トラックリスト

関連動画

The Flying Lizards『ミュージック・ファクトリー』について

作品の位置づけ

聴こえてくるもの

同時代とのつながり

日本盤の仕様

代表曲について

まとめ

トラックリスト

関連動画

Zygoat / Zygoat（1974年作品、1982年盤）

作品の輪郭

聴きどころ

アーティストの位置づけ

1982年盤について

まとめ

トラックリスト

関連動画

The Battered Ornaments『Mantle Piece』

作品の位置づけ

音の方向性

メンバーと録音

まとめ

トラックリスト

関連動画

Can『Can』について

作品の位置づけ

この盤で聴こえるCanらしさ

メンバーと時代背景

代表曲との関係

再発盤について

まとめ

トラックリスト

関連動画

Arachnoid『Arachnoid』について

作品の位置づけ

1988年盤について

メンバー

まとめ

トラックリスト

関連動画

Liquid Liquid『Remixes』について

Liquid Liquidというバンドの輪郭

『Remixes』の内容と聴こえ方

代表曲との関係

同時代の文脈

盤としての情報