Tag : Psychedelic Rock

Anaconda『Sympathy For The Madman』について

『Sympathy For The Madman』は、UKのアシッド・フォーク・バンド、Anacondaが1969年に録音した作品で、2020年に再発された一枚だ。アーティスト表記はAnaconda、録音はイングランド。Miguel Sergidesが関わったセッションとしても知られている。

音楽性は、フォーク・ロックとサイケデリック・ロックのあいだを行き来する内容として整理されている。60年代末のUKらしい、アコースティックな手触りと、当時のサイケデリック文脈が重なるタイプの作品という位置づけになる。

作品の位置づけ

Anacondaは、1969年に10インチのアセテートを残したグループとして記録されている。この『Sympathy For The Madman』は、その時期のバンドの姿を伝える資料性の高い作品といえる。商業的に広く流通した時代のアルバムというより、当時のセッションや試作盤に近い成り立ちの一枚だ。

1969年という年は、英国のフォーク系ミュージシャンが、よりロック寄りのアレンジやサイケデリックな響きを取り込んでいった時期でもある。Anacondaもその文脈の中に置いて見ることができる。Arcadiumで知られるMiguel Sergidesが関わっている点も、同時代の英国ロック周辺のつながりを感じさせる要素だ。

2020年盤について

2020年盤は500枚限定の再発盤で、オリジナルのアセテート10インチをもとにした復刻的な扱いになっている。単体の外袋仕様で、未開封販売。内袋には、オリジナルのアセテートを写したスキャン再現のインナーが付属している。

オリジナル盤との違いとしては、まず年代の異なる再発であること、そして現物のアセテートをそのまま受け取るのではなく、資料性を重視した再現仕様であることが挙げられる。製造はdeepgroovesによるもので、バイオマス電力とエコ理念を掲げたプレスであることも記されている。

サウンドの印象

実際に聴くと、アコースティックな楽器の輪郭と、60年代末らしいざらついたロック感が前に出るタイプの録音として受け取れる。派手なヒット曲を中心にした作品ではなく、当時の空気をそのまま封じたような性格が強い。曲単位の代表性よりも、全体の流れや音の質感に意味がある一枚だ。

この作品については、シングルヒットや広く知られた代表曲が前面に出ているわけではない。むしろ、限定再発で掘り起こされた点に価値がある。60年代英国のフォーク・ロック、サイケデリック・ロックの周辺を追ううえで、記録として見ておきたいタイトルである。

補足

• アーティスト: Anaconda
• タイトル: Sympathy For The Madman
• オリジナル録音年: 1969年
• 再発盤: 2020年
• 録音地: イングランド
• 関連ミュージシャン: Miguel Sergides
• ジャンル表記: Rock, Folk, World, & Country
• スタイル表記: Folk Rock, Psychedelic Rock

トラックリスト

• A1 – It’s Not Me (3:42)
• A2 – Riding Alone (4:20)
• A3 – Who Are We? (5:36)
• B1 – Outrider (3:40)
• B2 – Sympathy For The Madman (4:20)

関連動画

• Anaconda – Outsider (1969)
• Anaconda – Who Are We?
• Anaconda – It’s Not Me
• Anaconda – Riding Alone
• Anaconda – Sympathy For the Madman 1969

The Patron Saints『Fohhoh Bohob』

The Patron Saintsは、1966年にニューヨークで結成された米国のバンド。The Stones、The Beatles、Jimi Hendrix、Cream、The Butterfield Blues Band、The Doors、Moby Grape、The Yardbirdsなどの影響を受けた5人編成として出発し、1969年には3人編成になっている。そんな流れのなかで録音されたのが『Fohhoh Bohob』で、オリジナルは1969年にバンド自身が100枚限定で自主制作・自主発表した作品である。

2007年にUS盤として再発されたこのレコードは、限定1000枚のリリース。オリジナルの流通がごく少なかった作品だけに、再発盤の存在はこのバンドの記録をたどるうえで重要な位置づけになっている。

作品の位置づけ

このアルバムは、The Patron Saintsが5人編成から3人編成へ移ったあとの時期に残した記録。プロフィールにある通り、1969年6月にアルバムを録音している。バンドが当時どんな音を鳴らしていたかを知るうえで、中心的な資料といえる作品だろう。

また、バンドは現在も活動を続け、新作も発表している。そうした長い活動歴のなかでは、初期の自主制作盤として『Fohhoh Bohob』が特別な意味を持つ。デビュー作というより、バンドの初期像をそのまま封じ込めたアーカイブ的な一枚、という見方がしやすい。

音の方向性

ジャンル表記はRock、Pop、Folk、World, & Country。スタイルにはPower Pop、Psychedelic Rock、Folk、Prog Rock、Honky Tonkが挙がっている。バンドの背景にある60年代後半の米国ロックの文脈を思わせる並びで、同時代のThe Beatles、The Doors、Moby Grape、The Yardbirdsあたりを参照点にした音作りが想像しやすい。

パワー・ポップ寄りのメロディ感、サイケデリック・ロックの感触、フォークやホンキートンクの要素まで含む構成は、当時のロックがひとつの型に収まりきらなかった時期らしい面白さがある。プログレッシブ・ロックの要素も含まれていて、単純なガレージ・ロックに回収されない広がりを持つ作品として見られることが多そうだ。

再発盤について

2007年盤は、オリジナルの100枚限定盤に対して1000枚限定での再発。オリジナル盤が極端に少ないため、この再発盤は作品に触れる現実的な入口になっている。盤の流通量が大きく違う点は、この作品の受け取られ方にも影響していそうだ。

まとめ

『Fohhoh Bohob』は、The Patron Saintsが1969年に残した初期記録。60年代末の米国ロックの気配をまといながら、ポップ、サイケデリック、フォーク、プログレ、ホンキートンクまでを含む広い射程を持つ一枚として整理できる。バンドの出自と活動の継続性を踏まえると、単なる珍盤ではなく、グループの出発点を示す作品として見えてくる。

トラックリスト

• A1 – Flower (4:28)
• A2 – Nostalgia Trip (3:30)
• A3 – Reflections (3:41)
• A4 – Do You Think About Me? (3:10)
• A5 – White Light (5:40)
• B1 – Relax (6:15)
• B2 – My Lonely Friend (4:01)
• B3 – Andrea (5:58)
• B4 – The Goodnight Song (4:20)
• C – Shine Of Heart
• D – Do It Together

関連動画

• Flower
• Nostalgia Trip
• Reflections On A Warm Day
• Do You Think About Me?
• White Light
• Relax
• My Lonely Friend
• Andrea
• The Goodnight Song
• The Patron Saints “Fohhoh Bohob” 1969 *Nostalgia Trip*

Pink Floyd / The Dark Side Of The Moon (1973, UK)

Pink Floydの8作目のスタジオ・アルバム。1973年にロンドンのAbbey Road Studiosで録音され、UKのHarvestから発表された。バンドにとっては、それまでのサイケデリック色と実験性を保ちながら、より構成のはっきりした作品へ進んだ時期の到達点にあたる1枚だ。

この作品は、Pink Floydの代表作として広く知られている。音のつながり、効果音、会話の断片、曲間の切れ目の少なさが、アルバム全体をひとつの流れとしてまとめている。制作面では、ジャケットをHipgnosisが手がけ、内袋にポスターとステッカーが付く初期仕様もよく知られている。

作品の位置づけ

1960年代後半の実験的なPink Floydから、70年代の大きな成功へつながる中心作といえる。Syd Barrett在籍期のサイケデリックな側面を引き継ぎつつ、Roger Waters主導の構成意識が前面に出ている。のちの『Wish You Were Here』や『Animals』へ向かう流れの中でも、特に分かりやすく完成度の高い地点に置かれる作品だ。

同時代の英国ロックの中では、YesやGenesis、King Crimsonなどのプログレッシブ・ロック勢と並べて語られることが多い。ただし本作は、長大な組曲の技巧を見せるタイプというより、音響処理やテーマの統一感で聴かせる作りになっている。

収録曲と代表曲

アルバムを通してよく知られるのは、“Time”、“Money”、“Us and Them”、“Brain Damage”、“Eclipse”あたりだ。特に“Money”は、異色の7拍子のリフとレジスター音の導入で印象が強い。“Time”は時計の音から始まる構成がはっきりしていて、アルバムの中でも曲の輪郭が見えやすい。

“The Great Gig in the Sky”では、歌詞を持たないヴォーカル・パートが置かれていて、アルバム内の役割が明確だ。Barry St. John、Doris Troy、Lesley Duncan、Liza Strikeのバック・ヴォーカル参加も、クレジット上で細かくは目立たないが、聴こえ方には確かに影響している。

音と構成

演奏は、David Gilmourのギター、Roger Watersのベース、Richard Wrightの鍵盤、Nick Masonのドラムを軸にしている。シンセサイザーやテープ効果、環境音の使い方が曲のつなぎ目に組み込まれていて、各曲が単独で完結するというより、アルバム全体でひとつのまとまりを作る方向に寄っている。

冒頭と終盤の会話の断片も有名だ。Nick Masonの著書『Inside Out – A Personal History of Pink Floyd』では、収録された発言の出どころとして、Abbey RoadのドアマンGerry O’Driscollの「There is no dark side of the moon. Matter of fact, it’s all dark.」などが挙げられている。こうした断片が、作品のテーマ性を補強している。

オリジナルUK盤について

オリジナルのUK Harvest盤は、ラベルのプリズム図柄の仕様で見分けられることで知られる。初期には、青いプリズムがはっきりしたデザインが使われている。今回の盤は1973年リリースの初期仕様に近い位置づけで、後年の再発盤とはラベルや細部の表記が異なる。

初期のジャケットには、見開き内に2枚のポスターと2枚のステッカーが付属した。コピーによっては、黒いポリライニング内袋や、ゲートフォールドの開口部の貼り方、裏面表記の位置などに違いがある。こうした差異は、UKオリジナル期のプレスを追う際の注目点になっている。

まとめ

『The Dark Side Of The Moon』は、Pink Floydの実験性、構成力、スタジオ作品としての完成度が強く出たアルバムだ。サウンドの細部、曲間のつながり、効果音の配置まで含めて、1970年代ロックの中でも特に設計の意識が見えやすい1枚である。

ヒット曲としては“Money”がまず挙がるが、アルバム全体で聴くと、単曲の人気だけでは収まらないまとまりがある。UKオリジナル盤では、その完成形に近い初期プレスならではの細部も含めて、作品の歴史を感じやすい。

トラックリスト

• A1 – Speak To Me
• A2 – Breathe
• A3 – On The Run
• A4 – Time
• A5 – The Great Gig In The Sky
• B1 – Money
• B2 – Us And Them
• B3 – Any Colour You Like
• B4 – Brain Damage
• B5 – Eclipse

関連動画

• Pink Floyd – The Dark Side of the Moon (Side 1) | UK 1st Press “Solid Blue” A2/B2 | Vinyl Rip
• Pink Floyd – The Dark Side of the Moon (Side 2) | UK 1st Press “Solid Blue” A2/B2 | Vinyl Rip

The David『Another Day, Another Lifetime』について

The Davidは、1960年代半ばから後半にかけて活動したロサンゼルスのサイケデリック・グループだ。ブレントウッドで近所同士だったTim Harrison（ドラム）とWarren Hansen（ボーカル、キーボード）を中心に始まり、Palisades High SchoolつながりのMike Butte（ギター）、Chuck Spieth（ベース）、そして最後にMark Bird（リードギター）が加わった経緯が知られている。最初はThe Reasonsという名前だったが、マネージャーの「ヒットを取るのはダビデとゴリアテの戦いのように難しい」という言葉からThe Davidに改名した、というエピソードも残っている。

『Another Day, Another Lifetime』は1967年の作品として位置づけられる。The Davidにとって、20th Century Fox Recordsとのシングル契約を経て世に出た時期の音源で、バンドの初期像を知るうえで重要なタイトルといえる。

作品の位置づけ

The Davidは、同時代の米国西海岸サイケデリック・ロック、ガレージ・ロックの流れの中にあるバンドだ。活動時期や音の背景から、The Seeds、The Electric Prunes、The Chocolate Watchbandのような60年代後半のバンド群と並べて語られることが多いタイプの存在だろう。キーボードを含む編成もあって、ギター主体のガレージ感だけでなく、当時のサイケデリック・ポップらしい色合いも意識される。

アーティスト情報を見ると、The Davidはロサンゼルス周辺の若いメンバーで固まったバンドで、60年代後半の地元シーンの空気をそのまま反映したような成り立ちだ。大型バンドというより、シングルやローカルな流通を軸にしたグループとして理解すると、時代背景と合いやすい。

内容と聴きどころ

この作品は、サイケデリック・ロックを土台にしながら、ポップ・ロックやガレージ・ロックの要素を含む内容として捉えられる。曲単位では、当時のロサンゼルス産サイケに見られる、歪んだギター、はっきりしたリズム、メロディを残すボーカルの組み合わせが軸になっていると考えられる。

代表曲として特に広く知られた定番曲がこのタイトルから生まれている、というよりは、バンドそのものの資料的価値が大きい作品だ。メジャーなヒットを前面に押し出すタイプというより、60年代後半のローカル・サイケの断片を伝える記録として見たほうが実態に近い。

リリースと再発について

オリジナルは1967年のリリース。関連ノートによると、Vance Music Corp.に関わるリリースとして扱われている。のちにドイツで1990年代にブートレグ盤が出回ったことがあり、さらに現在VMCラベル表記で見かける再発はScorpio Recordsによるものとされている。

オリジナル盤と再発盤では、外観にも違いがある。再発盤はオリジナルよりもカバーが薄く、より現代的な仕様になっているとされる。盤を見分ける際には、この点が手がかりになりそうだ。

まとめ

『Another Day, Another Lifetime』は、The Davidというバンドの初期像を知るための1967年作だ。ロサンゼルスのサイケデリック・グループらしい編成と背景を持ち、60年代後半のガレージ／サイケの流れの中で位置づけられる一枚。作品単体のヒット性よりも、当時のローカル・シーンの記録としての意味合いが強い内容だ。

トラックリスト

• A1 – Another Day, Another Lifetime / I Would Like To Know (5:50)
• A2 – I’m Not Alone (1:48)
• A3 – Sweet December (3:05)
• A4 – Tell Me More (2:25)
• A5 – Now To You (3:58)
• B1 – Professor Crawford (2:40)
• B2 – Time M (4:50)
• B3 – So Much More (2:16)
• B4 – Mirrors Of Wood (3:40)
• B5 – Of Our Other Days (2:05)

関連動画

• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *Another Day, Another LifetimeI-I Would Like To Know*
• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *I’m Not Alone*
• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *Sweet December*
• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *Tell Me More*
• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *Not To You*
• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *Professor Crawford*
• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *Time M*
• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *So Much More*
• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *Mirrors Of Wood*
• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *Of Our Other Days*

The Cocoon『While The Recording Engineer Sleeps』について

The Cocoonはドイツのグループで、Gunter Hampel、Matthias Arfmann、Rüdiger Klose、Jürgen Gleueの4人による作品としてこの『While The Recording Engineer Sleeps』を残している。1985年にStudio Harderbergで録音されており、フリー・ジャズとサイケデリック・ロックの接点にある内容として位置づけられる1枚だ。

タイトル曲のように、録音現場の気配をそのまま作品名に取り込んだ作りも印象に残る。特に“Teenage Dope Slaves”はIdiot Studioで録音されており、ほかの曲とは別の場所で収録されたことが記されている。こうした記録からも、まとまりのあるスタジオ作品というより、セッションの流れや場の空気をそのまま閉じ込めたタイプのアルバムとして見えてくる。

作品の位置づけ

オリジナルの制作時期は1985年、盤としてのリリースは2015年。つまり、1980年代半ばの音を後年に聴ける形で残した作品と受け取れる。The Cocoonのキャリア全体の中では、当時のドイツの実験音楽、即興演奏、ロック的なエネルギーが交わる地点を示す記録として扱える。

Gunter Hampelはジャズ／フリー・インプロヴィゼーションの文脈で知られる人物で、この作品でもその流れが土台にある。一方で、ロック寄りの粗い推進力や反復の感触も入り込んでいて、単純なジャズ作品とも、ロック作品とも言い切りにくい構成になっている。

同時代の文脈

1980年代のドイツでは、ジャズの即興性とロックの身体性をまたぐ試みがいくつも生まれていた。The Cocoonもその延長線上で聴ける。比較対象としては、フリー・ジャズの開放感と、クラウトロック以降の反復感、さらにサイケデリックな音の伸びを併せ持つ作品群が思い浮かぶ。とはいえ、このアルバムはそうした要素を整然と並べるのではなく、録音の現場感を残したまま進んでいく印象が強い。

聴きどころ

この盤は、曲の完成度を前に出すというより、演奏の呼吸や音のぶつかり方を追う楽しさがあるタイプだ。ドラム、管楽器、ギター、ベースの距離感が近く、即興の流れがそのまま記録されている感じがある。とくに“Teenage Dope Slaves”は、タイトルの強さもあって、アルバムの中でも少し異なる輪郭を持つ曲として受け取れそうだ。

再発盤が2015年に出ているため、現在この作品に触れる場合はその盤で聴くことになる。音源そのものは1985年録音なので、後年の再発であっても、作品の核は80年代半ばのセッションにある。録音年と盤の発売年が異なる点は、このアルバムを見るうえで押さえておきたいところだ。

まとめ

『While The Recording Engineer Sleeps』は、ドイツのフリー・ジャズとサイケデリック・ロックの交差点に置かれる作品。4人編成の演奏、1985年録音という時代性、そして録音場所をまたいだ収録という事実が、そのまま作品の輪郭になっている。派手なヒット曲を狙うアルバムではなく、セッションの記録として読むと見えやすい1枚だ。

トラックリスト

• A1 – Ventilator Changes Into Airplane (5:23)
• A2 – I Can See Voices (5:50)
• A3 – Bag Lady (5:15)
• A4 – Seems Like I Can’t LSD Your Mind (3:57)
• B1 – The Ritual Of The Boogie Transformation (7:56)
• B2 – While The Recording Engineer Sleeps (5:27)
• B3 – The Shadow Man (4:52)
• B4 – Teenage Dope Slaves (6:55)

関連動画

• Ventilators Change into Airplanes
• The Cocoon – I Can See Voices
• The Cocoon – Bag Lady – 1985
• Seems Like I Can’t Lsd Your Mind
• The Cocoon – The Ritual Of The Boogie Transformation – 1985/89
• The Cocoon – While the Recording Engineer Sleeps
• The Shadow Man
• Teenage Dope Slaves

Mzylkypop『Kiedy Wilki Zawyja?』について

Mzylkypopによる『Kiedy Wilki Zawyja?』は、2018年に発表された作品で、UKのアーティストMichael Wardの名義による録音だ。2019年にはアナログ盤としてリリースされており、赤盤、ゲートフォールド仕様という物理フォーマット面でも存在感のある一枚になっている。

作品の位置づけ

アーティスト情報は多くないが、Bandcampで公開されていることからも、音源単位で作品を届けるタイプのリリースと見てよさそうだ。タイトルの Kiedy Wilki Zawyja? は「When Will The Wolves Howl?」という意味で、作品全体の印象にもどこか寓話的な輪郭を与えている。

クレジット上のジャンルは Jazz、Rock、Folk、World、& Country、スタイルは Psychedelic Rock、Jazz-Rock、Experimental。実際、こうしたタグが並ぶ作品は、曲ごとに明確な区切りを作るよりも、演奏の流れや音色の変化で聴かせることが多い。Michael Wardのソロ的な作家性が前に出るタイプの作品として捉えやすい。

リリース情報

• オリジナル発表年: 2018年
• アナログ盤リリース年: 2019年
• リリース国: UK
• アーティスト国: UK
• フォーマット: LP
• 仕様: 赤盤、ゲートフォールド・スリーブ
• 枚数: 240枚限定

このLPは240枚限定で、うち100枚はDiscusレーベルに割り当てられている。Disc usのCD版リリースを2021年9月に支えるための配分で、レーベル向けの分については裏面のリシーラブル・プラスチック・ラッパーにバーコードが付く仕様だ。オリジナルの作品に対して、アナログ盤ではコレクター向けの物理的な差異がはっきりしている。

音楽的な輪郭

この作品は、ジャズの即興性、ロックの推進力、フォーク由来の語り口、そして実験的な構成感が、ひとつの流れの中で交差するタイプに見える。タイトル曲らしき言葉を含む作品名からも、ストレートなロック作品というより、音の展開や間の取り方に重心がある印象だ。

同時代の文脈で見ると、ジャズ・ロックやサイケデリック・ロック、実験音楽の境界を行き来するUK発のソロ作品として位置づけやすい。演奏を前面に出しつつ、曲の骨格は崩しすぎない、そのあたりのバランスが聴きどころになりそうだ。

聴きどころとして見える点

実際の音像については手元で確認できる情報が限られるが、こうした編成・タグの作品では、楽器ごとの重なり方や、テーマと即興の切り替えが重要になることが多い。派手なヒット曲で押すというより、アルバム全体の流れで聴かせる作りと考えるのが自然だ。

まとめ

『Kiedy Wilki Zawyja?』は、2018年の作品として発表され、2019年にUK盤LPとして形になった、Michael WardによるMzylkypop名義の一枚だ。赤盤・限定240枚・ゲートフォールド仕様というアナログ盤ならではの要素に加え、ジャズ、ロック、フォーク、実験性が交差する作品として記録されている。タイトルの意味を含め、音だけでなく作品名や物理仕様も含めて印象を残すリリースになっている。

トラックリスト

• A1 – Witch Drones
• A2 – She Turns To Dust
• A3 – Slumber Pin
• A4 – Sylwia’s List
• A5 – The God Of Claws
• B1 – Last Exit To Lublin
• B2 – Elphame
• B3 – Red White And Blue
• B4 – Narky Monkey
• B5 – TV Lives

関連動画

• Witch Drones / The State
• She Turns to Dust
• Slumber Pin
• Sylwia’s List
• God of Claws
• Last Exit to Lublin
• Elphame
• Red White and Blue
• A Narky Monkey
• TV Lives

Egg『Seven Is A Jolly Good Time』について

Eggは、1968年にロンドンで結成されたイングランドのプログレッシブ・ロック・バンドだ。オルガンのDave Stewart、ベース／ヴォーカルのMont Campbell、ドラムのClive Brooksという編成で始まり、後にカンタベリー系の流れの中で語られることの多いグループでもある。

『Seven Is A Jolly Good Time』は、そんなEggの初のアルバム『Egg』の再発盤にあたる作品だ。オリジナルは1970年リリースで、この盤は1985年の再発。タイトルは変わっているが、内容はデビュー作の再構成盤という位置づけになる。

作品の位置づけ

Eggにとっては、バンドの出発点を示す1枚。のちの『The Polite Force』や『The Civil Surface』に続く前段階であり、バンドの基本的な性格がここでかなり見えている。Soft Machineからの影響、変拍子への強い意識、オルガン主体の音作りといった要素が前面に出る作品だ。

同時代の英国プログレの中では、派手な大作志向というより、鍵盤トリオ的なアンサンブルの緊張感や、変則的な拍の扱いで個性を出しているタイプに近い。EggやDave Stewartの周辺は、Hatfield and the North、National Health、Soft Machine周辺の流れと一緒に語られることが多い。

再発盤としての内容

この1985年盤には、1969年8月発売の7インチ・シングルから2曲がボーナス収録されている。つまり、オリジナルLPに対して補足的な形で資料性を持たせた再発盤という見方ができる。

• オリジナルLP収録曲
• 1969年のシングル音源2曲を追加

また、このアルバムには少しややこしい版違いがある。最初期プレスには「Movement 3」が収録されていたが、まもなく差し替えられ、その後のLPではこの曲が外れた状態で流通した。クレジット文言も変更されており、初期盤ではストラヴィンスキー『春の祭典』の「Danse des Adolescents」に触れた説明が付いていたが、後の版では著作権上の理由で省略された旨に改められている。

なお、2024年のEsoteric Recordings盤では「Movement 3」が復活しているが、この1985年盤については、ボーナストラック付きの再発としてオリジナルLPを補完する内容になっている。

音の印象

実際に聴くと、まずオルガンの存在感が大きい。ギター主導ではなく、キーボードが曲の輪郭を作っていくタイプで、リズム隊も含めて細かく組み立てられている印象がある。メロディを大きく押し出すというより、リフや反復、拍の切り替わりで展開していく場面が目立つ。

全体としては、後年のカンタベリー系に通じる理知的な組み立てと、サイケデリック・ロック由来の色彩が同居している感じだ。派手な即効性より、曲の構造や音の配置を追っていく面白さがある作品といえる。

代表曲について

この盤はバンドの初期アルバム再発であり、一般的な意味での大きなヒット曲が前面にある作品ではない。ただ、バンドの初期像を知るうえでは重要な1枚で、のちのEggを追うときの基点になる。

まとめ

『Seven Is A Jolly Good Time』は、Eggのデビュー作『Egg』を1985年に別タイトルで再発した盤だ。変拍子、オルガン主体のアンサンブル、Soft Machine以後の英国プログレ的な感触がまとまっていて、バンドの出発点を確認できる内容になっている。初期盤に存在した「Movement 3」をめぐる版違いの話も、この作品の背景を知るうえで興味深い。

トラックリスト

• A1 – Bulb (0:09)
• A2 – While Growing My Hair (3:53)
• A3 – I Will Be Absorbed (5:10)
• A4 – Fugue In D. Minor (2:46)
• A5 – They Laughed When I Sat Down At The Piano (1:17)
• A6 – The Song Of McGillicudie The Pusillanimous (5:07)
• A7 – Boilk (1:00)
• A8 – You Are All Princes
• Symphonie N° 2
• B2 – Seven Is A Jolly Good Time

関連動画

• Egg – Bulb ____ UK Prog Rock
• Egg – While Growing My Hair ____ UK Prog Rock
• I Will Be Absorbed
• Egg – Fugue In D Minor ____ UK Classical Influenced Prog Rock
• They Laughed When I Sat Down At The Piano…
• Egg – The Song of McGillicudie The Pusillanimous – Keyboard led Prog rock
• Boilk
• Symphony No. 2 (Movement 1, Movement 2, Blane, Movement 4)
• Egg – Symphony No 2 – 3rd Movement (Cover)

Algy Lord Gray『Bertie』について

Algy Lord Grayの『Bertie』は、オリジナルは1970年の作品として扱われる1枚で、2021年にUKで再発盤が出ている。ジャンル表記はRock / Pop、スタイルはPsychedelic Rock、Pop Rock、Art Rock。アーティストの説明文からも、ただのソロ作品というより、当時の英国ロックの周縁で生まれた、かなり個性的な録音物として位置づけられている。

この作品の背景には、Algyと仲間たちがウェールズに移り、Plas Llechaという放棄された邸宅で録音を進めたという経緯がある。素朴な環境の中で制作が行われ、手作りで個別のカバーを持つ盤として出回ったことも、この作品の特徴として語られている。John Peelに1枚送られ、返事が来て、その後にPeel Sessionの機会につながった、というエピソードも残っている。

作品の位置づけ

『Bertie』は、Algy Lord Grayの活動の中でも、後のThe Great Crashへつながる流れの出発点として語られている。プロフィールでは、この盤に見られる感覚が「英国の風変わりな伝統」に連なるものとして説明されており、James Joyce、The Goons、Hawkwind、Monty Pythonといった名前が並ぶ。つまり、単なるポップ作品というより、ユーモアと実験性、英国的な遊び心が同居した作品として扱われている。

その後のThe Great Crashでは、1971年から1974年にかけて、ピアノ中心のメロディックなArt Rockを30曲ほど録音したとされている。『Bertie』は、その前段階にあたる作品として、より自由で、より手作り感の強い出発点と見てよさそうだ。

音の方向性

ロックとポップを軸にしつつ、サイケデリックな感触とアート志向が混ざった内容がうかがえる。派手なスタジオ・プロダクションよりも、場所そのものの空気や演奏の癖が前に出るタイプの記録として受け取れる。

比較の手がかりとしては、同時代の英国ロックの中でも、整ったポップスよりは、少し外側にある感覚が近い。後年のThe Great CrashがElton John初期、10cc、Deja Vu的な要素に触れられているのに対し、『Bertie』はその前の段階として、もう少し荒削りで、発想先行の雰囲気が強い作品と見られる。

2021年盤について

2021年のUK盤は、オリジナル作品の再発にあたる。手作りで少量流通したとされる初出盤の性格を踏まえると、再発盤はこの作品に触れる入口としての役割が大きい。オリジナル盤は入手性がかなり限られるはずで、2021年盤はその歴史的な位置をあらためて示す形のリリースになっている。

関連エピソード

• ウェールズのPlas Llechaという廃屋のような邸宅で録音されたこと
• 盤が手作りで、1枚ごとに異なるカバーが付けられたこと
• John Peelに送られ、返事が来て、Peel Sessionにつながったこと
• 後年、同じ場所がOasisやThe Verveの録音でも知られるようになったこと

まとめ

『Bertie』は、1970年という時代の英国ロックの中で、かなり個人的な環境から生まれた作品として見るのが自然だ。ロック、ポップ、サイケデリック、アート志向が入り混じる一方で、手作り盤、ウェールズでの共同生活、John Peelとの接点など、音以外の履歴も強い。Algy Lord Grayという名前を追ううえでの起点であり、The Great Crashへと続く流れの前史としても重要な1枚だ。

トラックリスト

• A1 – Would You Like A Brown Ale?
• A2 – Giraffe Song
• A3 – Get Involved With Your Work
• A4 – Post Orgasm Confessions
• A5 – Do You Know Where I Can Score?
• B1 – Bloated Fridge Road
• B2 – Dragonfly Wings
• B3 – Biafra
• B4 – Bertie, Where Are Your Trousers?
• B5 – The Nice Game
• B6 – Can’t Escape Your Fate

関連動画

• Algy Lord Gray – Bertie (1970) (2021 Seelie Court CD Reissue)
• Algy Lord Gray – Would You Like A Brown Ale?
• Algy Lord Gray – Giraffe Song
• Algy Lord Gray – Get Involved With Your Work
• Algy Lord Gray – Post Orgasm Confessions
• Algy Lord Gray – Do You Know Where I Can Score?
• Algy Lord Gray – Bloated Fridge Road
• Algy Lord Gray – Dragonfly Wings
• Algy Lord Gray – Biafra
• Algy Lord Gray – Bertie, Where Are Your Trousers?

Felt『Felt』について

Feltは、アメリカ・アラバマ州ハンツビルで結成されたプログレッシブ・ブルース／ジャズ／サイケ・ロック系のバンドで、1971年に唯一のアルバムを残したグループとして知られている。この『Felt』はそのオリジナル作の再発盤で、2000年にイタリアでリリースされた一枚だ。

バンドはMyke Jacksonを中心に1970年に始動し、Myke Jackson、Tommy Gilstrap、Mike Neel、Allan Dalrymple、Stan Leeの編成で作品を残した。プロフィールとしては、ブルースやジャズの要素を土台にしながら、当時のサイケデリック・ロックの流れとも接続するタイプのバンドと見られている。

作品の位置づけ

『Felt』は、Feltにとって1971年の唯一のアルバムという位置づけになる。後年になって再評価が進んだタイプの作品で、2012年には2作目が完成したとされているが、この盤に収められているのはあくまで1971年のオリジナル・アルバムの再発盤だ。

再発盤のクレジットには、Nasco盤の再発であること、レーベル面にComet Recordsのウェブサイトとメールアドレスが記載されていること、さらにジャケットやラベルの表記に「Recorderd at Woodland Sound Studios」という綴りの誤りがあることが記されている。盤としては2000年イタリア盤ならではの情報が入った仕様になっている。

音の特徴

この作品は、ジャンル表記としてはRock、Blues、Folk、World, & Country、スタイルとしてPsychedelic Rockに分類されている。バンドの出自を踏まえると、ブルース寄りのリフやジャズ的な展開、サイケデリックな響きが混ざる構成が中心になっているタイプと受け取れる。

実際の音像としては、ハードに押し切るロックというより、楽曲の流れや演奏の間合いに重心が置かれる作品として語られることが多い。アメリカ南部のバンドらしいルーツ感と、70年代初頭の実験性が同居する一枚という見方がしやすい。

同時代の文脈

1971年前後の南部アメリカでは、ブルースやカントリーの土台に、ロックの拡張表現を重ねるバンドが各地で登場していた。Feltもその流れの中で捉えやすく、同時代のサイケデリック寄りのバンドや、ジャズ感覚を持つロック・アンサンブルと並べて語られることがある。

ただし、派手なヒット曲で知られるタイプではなく、アルバム単位で聴かれる作品として扱われることが多い。代表曲の存在よりも、バンド全体の演奏と曲の流れに特徴がある一枚だ。

再発盤としての見どころ

2000年のイタリア盤は、1971年のNasco盤をもとにした再発で、オリジナル盤を手に入れにくい状況では重要な存在になっている。レーベル情報や表記の違い、バーコードの有無など、再発盤らしい仕様の差も確認できる。

オリジナルの時代感をそのまま残した作品を、後年の再発で聴ける形にした盤として見ると、この『Felt』はバンドの活動初期を知るうえでまとまりのある資料性を持つアルバムだ。

トラックリスト

• A1 – Look At The Sun (3:18)
• A2 – Now She´s Gone (5:29)
• A3 – Weepin´Mama Blues (4:40)
• A4 – World (5:36)
• B1 – The Change (10:00)
• B2 – Destination (6:43)

関連動画

• Felt – Felt 1971 (full album)
• Felt – Look at the Sun
• Felt – Now She’s Gone
• Felt – Weepin’ Mama Blues
• Felt – World
• Felt – The Change.wmv
• Felt – Destination
• FELT – World

Andromeda「Seven Lonely Street」について

Andromedaは、1967年末から1970年初頭にかけて活動したロンドンの英国産ヘヴィ・サイケデリック・ロック・グループである。John Du Cannのギター、Mick Hawksworthのベースとボーカルを軸に、初期にはJohn Rhymer、のちにIan McLaneがドラムを担当した。「Seven Lonely Street」は、そのバンドの1969年9月発表のアルバムで、のちに再発された1990年盤も同じ内容を収めている。

作品の位置づけ

Andromedaにとってこのアルバムは、短い活動期間の中で残された唯一のフル・アルバムとして知られている。John Peelの関心をきっかけにラジオ・セッションやライブの機会を得て、マナー・オブ・マーキーでの出演など、当時のロンドンのサイケデリック・シーンの中で存在感を示したバンドだった。アルバム制作時には演奏とプロダクションの自由度が高かったとされ、バンドの音像をそのまま記録した作品という位置づけにある。

ただし、発売後の評価やライブでの手応えとは裏腹にセールスにはつながらず、バンドは1970年3月に解散している。したがって、この1枚はAndromedaの活動をまとめて確認できる中心作といえる。

内容と音の特徴

収録曲は、ヘヴィ・ブルース寄りの土台に、サイケデリックな展開やプログレッシブな構成を重ねたものが並ぶ。ギターの前に出る感じ、ベースとドラムの押し出し、曲ごとにテンポや空気を変える進行が目立つ。Rock、Blues、Acid Rock、Psychedelic Rock、Prog Rockという整理がされるのも納得できる内容で、同時代の英国サイケやヘヴィ・ロックの文脈で語られやすいアルバムである。

John Du Cannの後のキャリアを知っていると、この作品での演奏にもつながりが見える。Andromedaは、のちのハード寄りの英国ロックへ接続する前段階としても興味深い存在だろう。比較対象としては、同時代の英国サイケデリック・バンドや、よりヘヴィな方向へ進む初期のプログレ系ロック・グループが挙がりやすい。

収録曲について

代表曲という意味では、アルバム全体が一体になっているタイプで、単独で広く知られた大ヒット曲が前面に出る作品ではない。とはいえ、曲ごとの変化ははっきりしていて、長めの展開やリフ主体の部分、ブルース色の強い場面など、当時の英国ロックの手触りがそのまま入っている。

再発盤のポイント

1990年のUK盤は、オリジナルの1969年作を元にした再発盤である。初回分では、裏ジャケットの曲目表記に誤りがあり、2面目の曲順が別バンドFuzzy DuckのLPの曲名で記されていたというエピソードが残っている。加えて、この再発盤にはBarry Wintonによる短いヒストリー小冊子が付属し、番号入りのものもある。

また、スリーブはラミネートなしの自然な質感のカード仕様とされていて、再発盤としては資料性の高い作りになっている。

まとめ

「Seven Lonely Street」は、Andromedaという短命ながら重要な英国ヘヴィ・サイケ・バンドの姿を、当時の空気ごと切り取ったアルバムである。ラジオDJのJohn Peelに認められ、ロンドンのライブ・シーンで動きながら、最終的には1枚のアルバムに集約された作品。1969年の英国ロックの一断面として、そしてJohn Du Cann周辺のキャリアをたどるうえでも、確認しておきたいタイトルである。

トラックリスト

• A1 – Let’s All Watch The Sky Fall Down (4:03)
• A2 – Keep Out ‘Cos I’m Dying (5:41)
• A3 – Darkness Of Her Room (5:09)
• A4 – Go Your Way (2:58)
• B1 – Searchin’ For You (3:07)
• B2 – Seven Lonely Street (4:00)
• B3 – Sleep (3:25)
• B4 – See Into The Stars (7:13)

関連動画

• Andromeda – Seven Lonely Street (2024 Guerssen Vinyl Reissue)
• Let’s All Watch The Sky Fall Down
• Keep Out ‘Cos I’m Dying
• Darkness Of Her Room
• Go Your Way
• Lonely Streets
• Sleep Like A Child
• Search On (Live John Peel Session 1968)
• See Into The Stars

Twink『Think Pink』について

Twinkは、英国のドラマー／ソングライター／シンガー、John Charles Edward Alderの名で知られる人物である。The Fairies、The Pretty Things、Tomorrow、Pink Fairiesといった60〜70年代英国アンダーグラウンドの重要バンドを渡り歩いた人で、その活動の流れの中で1970年に発表されたのが『Think Pink』だ。タイトルの段階からして、いかにも当時のロンドン・アンダーグラウンドらしい手触りがある作品で、British psychedeliaの文脈で語られることが多い。

この盤は2020年の50周年リマスター盤で、オリジナルの1970年作を現在の形で聴ける再発盤にあたる。レコードとしてはカナダ盤で、収録内容はオリジナル・アルバムを軸にしながら、リマスターで音の輪郭を整えた形と見てよさそうだ。

作品の位置づけ

『Think Pink』は、Twinkのキャリアの中でも大きな節目にあたる1枚である。ドラマーとしての活動が先行していた人物が、自身の名義で色を出したアルバムとしても重要で、単なる伴奏者ではなく、当時のサイケデリック・ロックの空気を自分の作品としてまとめた印象が強い。

背景には、Ladbroke Grove周辺のアンダーグラウンド・シーン、そしてHawkwind周辺の人脈がある。制作面では友人のMick Farrenが関わり、Paul RudolphやSteve Peregrin Tookらが参加している。特にSteve Peregrin Tookは、T. Rexの初期を知る人にはおなじみの名前で、こうした人脈だけでも当時の英国ロックの交差点にある作品だと分かる。

サウンドの印象

実際に聴くと、派手なロック・バンドの完成形というより、セッション感や実験性が前に出る作りである。曲ごとに演奏の温度が変わり、直線的に盛り上がるというより、音の配置やリフの反復、声の置き方で引っ張る場面が多い。ドラマーの作品らしく、リズムの立ち上がりがはっきりしている一方で、曲の展開はきっちり整えすぎず、ラフさも残している。

プロト・パンクの荒さと、サイケデリック・ロックの浮遊感、その中間にあるような手触りもある。Pink FairiesやTomorrow、さらには同時代のHawkwind周辺を思わせる部分はあるが、Twink自身の音としてまとまっているのが面白いところだ。

同時代との関係

1970年という年は、英国ロックが60年代的なサイケデリアから次の段階へ移る時期で、重さを増すハードロックや、より長尺で実験的なプログレッシブ・ロックも強くなっていった。その中で『Think Pink』は、そうした大きな流れに飲み込まれながらも、地下シーンの感覚を保っている作品として聴ける。

比較の軸としては、The Pink Fairies、Tomorrow、初期のHawkwindあたりが浮かぶ。いずれも大きく売れた主流ロックとは別の場所で、自由度の高い演奏や反商業的な空気を持っていたバンドだ。『Think Pink』もその延長線上にあるが、Twink個人の名前が前に出るぶん、より私的な記録としての性格も感じさせる。

曲について

この作品はアルバム全体で流れを聴くタイプの内容で、特定の大ヒット曲で知られる盤ではない。とはいえ、タイトル曲「Think Pink」を中心に、アルバムの輪郭を覚えやすい構成になっている。曲名の並びや演奏の切り替わりからも、当時のサイケデリック・ロックらしい自由な組み立てが見て取れる。

2020年リマスター盤として

2020年の50周年リマスター盤は、オリジナル盤の時代性を保ちながら、音の見通しを整えた再発として位置づけられる。盤面表記やインサートの扱いなど、細部は再発盤らしい仕様になっている。オリジナルの空気をそのまま封じ込めたというより、現在の再生環境で聴きやすくした版、と見るのが自然だろう。

まとめ

『Think Pink』は、Twinkという人物が英国アンダーグラウンドの中心付近で積み上げてきた経験を、1970年時点でひとつの作品にしたアルバムである。ドラマー主導の作品でありながら、演奏の荒さ、サイケデリックな広がり、仲間たちの気配が同居している。英国サイケ、Ladbroke Grove周辺、Pink FairiesやHawkwindの流れに関心があると、作品の輪郭がつかみやすい1枚だ。

トラックリスト

• A1 – The Coming Of The One (5:30)
• A2 – Ten Thousand Words In A Cardboard Box (4:30)
• A3 – Dawn Of Magic (1:44)
• A4 – Tiptoe On The Highest Hill (5:19)
• A5 – Fluid (4:08)
• B1 – Mexican Grass War (5:30)
• B2 – Rock And Roll The Joint (2:32)
• B3 – Suicide (4:26)
• B4 – Three Little Piggies (3:15)
• B5 – The Sparrow Is A Sign (2:24)

関連動画

• Twink – Think Pink ( 1970 UK Prog Rock, Psychedelic Rock ) Full Album
• Twink “Think Pink” 1970 *The Coming Of The Other One*
• Twink “Think Pink” 1970 *Ten Thousand Words In A Cardboard Box*
• Twink “Think Pink” 1970 *Dawn Of Magic*
• Twink “Think Pink” 1970 *Tiptoe On The Highest Hill*
• Twink “Think Pink” 1970 *Fluid*
• Twink “Think Pink” 1970 *Mexican Grass War*
• Twink “Think Pink” 1970 *Rock An’ Roll The Joint*
• Twink “Think Pink” 1970 *Suicide*
• Twink “Think Pink” 1970 *Three Little Piggies*

Kuni Kawachi & Friends『切狂言』について

Kuni Kawachi & Friendsの『切狂言』は、1970年に発表された日本のロック作品で、サイケデリック・ロックとアシッド・ロックの流れの中に置かれる1枚だ。メンバーには和田アキラではなく、川内康範…ではなく、Kuni Kawachi、Joe Yamanaka、Hideki Ishima、Chito Kawachiが名を連ねている。日本のサイケデリック・ロック史を語るうえで、当時の空気を強く反映した作品として見られることが多い。

作品の輪郭

アルバムはタイトル曲「Kirikyogen」から始まり、「Time Machine」「Omaeno Sekaihe」「Renai Bochi」「Onna No Kyoushitsu」など、英訳を添えた曲名も並ぶ構成だ。全7曲というまとまりの中で、言葉の置き方と演奏の緊張感が前面に出ている印象がある。レコード全体としては、歌ものの形を保ちながらも、演奏のうねりや音の質感が曲の骨格を作っているタイプの作品だ。

収録曲の見どころ

• A1「Kirikyogen」: タイトルを冠した導入曲。作品の入口として置かれた1曲。
• A2「Ningen Syutaino Keieitokoji (Works Composed Mainly By Humans)」: 長い曲名が印象に残る。言葉遊びの感触もある。
• A3「Time Machine」: タイトルからして、当時のサイケデリックな感覚と相性のよい楽曲名。
• B1「Omaeno Sekaihe (To Your World)」: 英訳付きの表記で、曲の輪郭がつかみやすい。
• B2「Renai Bochi (Graveyard Of Love)」: 邦題と英訳の落差が目を引く。
• B3「Onna No Kyoushitsu (Classroom For Women)」: 物語性を感じさせる題名。
• B4「Otokowo Onnakaramita Kagakutekicyousa (Scientific Investigation)」: アルバムの終盤を締める、最も長い曲名の1曲。

サウンドと時代感

1970年の日本ロックは、英米のサイケデリック・ロックやアシッド・ロックの影響を受けつつ、国内の歌謡的な感覚や実験性が交差していた時期だ。『切狂言』もその文脈に置くと、当時の日本のロックが持っていた語法のひとつとして聴こえてくる。Joe Yamanakaのヴォーカル、Hideki Ishimaのギター、Kuni Kawachiの作曲面、Chito Kawachiのリズムが組み合わさって、曲ごとの推進力を作っている構成だ。

同時代の日本のサイケデリック・ロックやアート寄りのロックと比較されることはありそうだが、この作品はとくにバンド名義のまとまりと、曲名に表れた言葉の強さが目立つ。演奏そのものとタイトルの並びが、作品の印象を決めている1枚と言えそうだ。

2021年盤について

この盤は2021年リリースのものだが、作品自体は1970年のオリジナル発表。したがって、内容としては初期の作品を現在の盤で聴く形になる。再発盤としての大きな違いは、少なくともこの情報だけでは細かくは追えないが、作品の本体は1970年のオリジナル録音にある。

まとめ

『切狂言』は、Kuni Kawachi & Friendsという名義のもとで、日本のサイケデリック・ロックが持っていた実験性と歌の輪郭が同居した作品だ。全7曲という構成、長い曲名の並び、1970年という時代背景が、そのままアルバムの性格を形作っている。

トラックリスト

• A1 – 切狂言 (芝居小屋の名役者)
• A2 – 人間主体の経営と工事
• A3 – タイム・マシーン
• B1 – おまえの世界へ
• B2 – 恋愛墓地
• B3 – 女の教室
• B4 – 男から女を見た科学的調査

関連動画

• Kuni Kawachi & Flower Travellin’ Band – 切狂言 (Kirikyōgen) -1970 Full Album-

Gomrath『Gomrath』について

Gomrathの『Gomrath』は、2024年にリリースされた作品で、1971年のオリジナル録音をもとにまとめられたLPです。UK & Irelandのバンドによる音源で、メンバーはRoy Wiles、Clive Rutledge、Adrian Long、Paul Martin。ロックを軸に、Acid Rock、Psychedelic Rock、Prog Rockの要素が並ぶ内容になっている。

作品の位置づけ

この盤は、7インチのアセテート、KCS LP、プライベート・スタジオ・テープから構成された音源をもとにしている。つまり、当時のセッションや試作的な録音を含むアーカイブ的な1枚という見方がしやすい。1971年という時期を考えると、サイケデリック・ロックの余韻と、プログレッシブ・ロックへ向かう流れが重なるタイミングで、そうした時代の空気がそのまま残っている盤とも言える。

サウンドの印象

アシッド・ロック、サイケデリック・ロック、プログ・ロックという並びからは、ギターの響きや展開のある曲作り、当時らしいロックの質感が想像しやすい。オリジナル録音が1971年なので、音の芯に残る素朴さや、スタジオ録音ならではの距離感もこの作品の要素になっているはずだ。再発盤としての2024年盤は、そうした断片的な資料をまとまった形で聴ける点に意味がある。

オリジナル録音と2024年盤

本作の内容は1971年録音に基づくが、盤としてのリリースは2024年。つまり、作品そのものの年代と、現在手に取るLPの年代は分けて考える必要がある。オリジナルの時点では正式なアルバムとして流通していなかった音源群が、2024年に1枚の作品として整理されている形だ。

時代背景とジャンルの文脈

1971年前後のUKロックでは、サイケデリックな感覚を残したバンドが、より長尺で構成的な演奏へ移っていく流れがあった。Gomrathの音源も、そうした時代の空気の中で捉えると輪郭が見えやすい。ハードに寄るアシッド・ロック、色彩のあるサイケデリック・ロック、構成を意識したプログ・ロックが同じ盤の中で並ぶところに、この時期ならではの混ざり方がある。

まとめ

『Gomrath』は、GomrathというUK & Irelandのグループが1971年に残した録音を、2024年にLPとしてまとめたアーカイブ作品。メンバー4人による当時の音を、ロック、アシッド・ロック、サイケデリック・ロック、プログ・ロックの文脈で追える1枚になっている。

トラックリスト

• A1 – Spare Time
• A2 – Telephone Song
• A3 – Collage
• A4 – Hebrides
• B1 – Better By You Better Than Me
• B2 – Louisiana Gatepost
• B3 – Home In The Rain
• B4 – You Jumped In The River To Avoid The Fish
• B5 – Spare Time (Slight Return)

関連動画

• Gomrath (1971) [2024 Bright Carvings Reissue]
• Gomrath – Spare Time
• Gomrath – Telephone Song
• Gomrath – Collage
• Gomrath – Hebrides
• Gomrath – Better By You, Better Than Me
• Gomrath – Louisiana Gatepost
• Gomrath – Home In The Rain
• Gomrath – You Jumped In The River To Avoid The Fish
• Gomrath – Spare Time (Slight Return)

Vulcan「Meet Your Ghost」について

Vulcanの「Meet Your Ghost」は、1981年にオリジナルが出たUSロック作品だ。アメリカのロック文脈の中でも、サイケデリック・ロック、ローファイ、ハードロックの要素が重なる一枚として見ておきたいタイトルである。

作品の輪郭

この作品は、派手な完成度で押すタイプというより、ざらついた録音感や生々しさが前に出る印象の作品として受け取られやすい。ハードロックの骨格に、サイケデリック・ロックらしい広がりや揺らぎが混ざり、そこへローファイな質感が加わることで、音の輪郭が少し荒く残るところに特徴がある。

1981年という時期を考えると、ハードロックやロックの表現が多様化していた時代背景の中で、こうした直線的すぎない手触りが一つの個性になっている。整った大作感よりも、バンドの温度や空気感がそのまま残るタイプの作品として捉えやすい。

聴きどころ

実際に聴くと、きっちり磨き上げた音像というより、演奏の勢いと音の粗さが同居しているところが耳に残る。ギターの歪み、曲の進み方、空間の取り方に、サイケデリック・ロック寄りの感触が見える場面があり、そこにハードロックの押しの強さが重なる構成だ。

全体として、曲ごとの表情を大きく振るというより、同じ温度でぐいっと進める流れに魅力がある。ローファイな録音の質感も含めて、音そのものを作品の要素として聴かせるタイプの一枚と言えそうだ。

同時代の文脈

USロックの中で、1970年代後半から1980年代初頭にかけては、ハードロックの語法にアンダーグラウンドな感触やサイケデリックな要素を残すバンドも少なくない。その流れの中で「Meet Your Ghost」も、洗練よりも手触りを重視した作品として見ると位置がつかみやすい。

特定のヒット曲を前面に押し出すタイプの作品というより、アルバム全体のまとまりや音の質感で印象を残す一枚だ。タイトル曲「Meet Your Ghost」も、作品名を背負う曲として自然に目が向く存在である。

まとめ

Vulcan「Meet Your Ghost」は、1981年のUSロック作品として、サイケデリック・ロック、ローファイ、ハードロックの要素が交差する一枚だ。音の粗さとバンド感、そして少し揺れを含んだ進行が、作品の核になっている。

トラックリスト

• A1 – Prelude
• A2 – High C
• A3 – Lightning
• A4 – Noname
• A5 – Count On Us Next Time
• B1 – One Nighter
• B2 – Untitled Instrumental
• B3 – Title Track
• B4 – The End

関連動画

• Vulcan – Prelude
• Vulcan – High C’
• Vulcan – Lightning
• Vulcan – Noname
• Vulcan – Count On Us Next Time
• Vulcan – Untitled Instrumental
• Vulcan – The End

Khan『Space Shanty』について

Khanは、Steve Hillageを中心に結成されたUKのプログレッシブ・ロック・バンドで、Canterbury sceneに連なる存在として知られるグループだ。活動期間は1971年から1972年までと短く、アルバムは1枚だけ。その唯一の作品が1972年発表の『Space Shanty』になる。

この作品は、Rockを軸にPsychedelic RockとProg Rockの要素がまとまった一枚。Steve Hillageのギターを中心に、Dave Stewart、Nigel Griggs、Eric Peachey、Nick Greenwood、Val Stevensらが参加している。Khanというバンドの全体像をつかむには、まずこのアルバムを聴くのがいちばんわかりやすい位置づけだろう。

作品の位置づけ

『Space Shanty』は、Steve Hillageがのちにソロで展開していく感覚の前段階としても見られる作品だ。Canterbury系らしい演奏の組み立てと、サイケデリックな広がりが同居していて、当時のUKプログレ周辺の流れの中でも、かなりKhanらしい個性が出ている一枚という印象になる。

同時代の文脈で見れば、長尺の展開や複雑なアンサンブルを重視するProg Rockの流れと、より色彩感のあるPsychedelic Rockの感覚が重なる時期の作品として捉えやすい。Canterbury sceneの関連作を追っていると、演奏の細かな受け渡しやリズムの運びに、その系譜らしさが見えてくる。

1972年作品としての流れと1976年盤

オリジナルは1972年の作品で、今回の盤は1976年リリース。作品そのものは1972年のKhanを示すものとして扱える。再発盤として流通した可能性があるため、基本的にはオリジナル作品の内容をそのまま受け継ぐ形で見るのが自然だ。

聴きどころ

このアルバムの中心は、やはりSteve Hillageのギター。フレーズの置き方や音の伸びが楽曲の推進力になっていて、バンド全体の演奏もそれに合わせて組み立てられている。大きく派手に押すというより、演奏の切り替わりや展開の変化で引っ張るタイプの作品だ。

いわゆるヒット曲が前面に出るタイプではなく、アルバム全体の流れで聴く性格が強い。曲ごとのまとまりよりも、連続する展開や演奏の手触りに耳が向く一枚、と言えそうだ。

ひとこと

Khanにとって『Space Shanty』は、短命だったバンドの足跡をそのまま残したような作品だ。Steve Hillageのキャリアを起点に、Canterbury sceneとUKプログレのつながりを見ていくうえでも、外せない存在として語られることが多い。

トラックリスト

• A1 – Space Shanty (Incl. The Cobalt Sequence And March Of The Sine Squadrons)
• A2 – Stranded (Incl. Effervescent Psycho Novelty No. 5)
• A3 – Mixed Up Man Of The Mountains
• B1 – Driving To Amsterdam
• B2 – Stargazers
• B3 – Hollow Stone (Including Escape Of The Space Pilots)

関連動画

• Space Shanty (feat. Steve Hillage & Dave Stewart)
• Stranded (feat. Steve Hillage & Dave Stewart)
• Mixed up Man of the Mountains (feat. Steve Hillage & Dave Stewart)
• Driving to Amsterdam (feat. Steve Hillage & Dave Stewart)
• Stargazers (feat. Steve Hillage & Dave Stewart)
• Hollow Stone (feat. Steve Hillage & Dave Stewart)
• Break the Chains (feat. Steve Hillage & Dave Stewart) (Bonus Track)
• Mixed up Man of the Mountains (feat. Steve Hillage & Dave Stewart) (First Version – Bonus Track)

Various『Baubles Vol.One – Down To Middle Earth』について

『Baubles Vol.One – Down To Middle Earth』は、UKのVarious名義で1988年にリリースされたレコードだ。ロックを軸に、ガレージ・ロック、ポップ・ロック、サイケデリック・ロックの要素が並ぶ1枚で、80年代後半の空気の中で、60年代的な感触を引き寄せるような作品として受け取れる。

作品の印象

Various名義の作品なので、特定のバンドの個性を前面に出すというより、収録曲ごとの色合いを楽しむタイプの構成になっている。タイトルからもまとまった企画盤らしさがあり、ロックの中でも、ざらついたギター感、メロディの分かりやすさ、少し浮遊感のある響きが行き来する内容が想像しやすい。

1988年という時期を考えると、同時代のUKロックの流れの中で、よりシンプルなバンド感や、60年代回帰の感覚を持つ作品群と近い位置に置いて語られることがありそうだ。ガレージ・ロックの直線的な勢い、ポップ・ロックの整理された曲作り、サイケデリック・ロックの音の広がりが、ひとつの盤の中で並ぶあたりが見どころになりそうである。

聴きどころ

• ギターの粗さと、曲の輪郭の見えやすさの両立
• ポップ寄りのメロディと、ロックらしい押しの強さ
• サイケデリックな質感が、曲間の空気にどう出るか

ヒット曲や広く知られた代表曲については、この情報からは特定しづらい。各曲の顔ぶれを追いながら、収録順で雰囲気がどう変わるかを見る楽しみ方が合いそうな作品だ。

当時の文脈

80年代後半のUKでは、ロックの中でも過去のスタイルを参照する動きがいくつか見られた時期で、この盤もそうした流れの中で捉えやすい。ガレージ・ロックの荒さ、ポップ・ロックの明快さ、サイケデリック・ロックの色づけが同居する構成は、単独のバンドの自己表現というより、ロックの複数の系譜を一枚に置いたような印象につながる。

1988年オリジナルのUK盤として、80年代のリリースらしいまとまりを持ちながら、内容面ではより古いロックの感覚に触れるタイプの作品として見てよさそうだ。

まとめ

『Baubles Vol.One – Down To Middle Earth』は、Various名義の1988年UKロック作品として、ガレージ・ロック、ポップ・ロック、サイケデリック・ロックの要素が並ぶ1枚である。作品全体の輪郭は、曲ごとの性格や並び方に目を向けるとつかみやすいタイプだ。

トラックリスト

• A1 – Things (Goin’ Round In My Mind) (2:31)
• A2 – Any Way The Wind Blows (2:59)
• A3 – The French Girl (2:55)
• A4 – The Man Who Paints Pictures (6:48)
• A5 – Tendency To Be Free (2:36)
• A6 – Full Cycle (6:00)
• A7 – You Must Be A Witch (2:43)
• B1 – Six Feet Down (2:33)
• B2 – Down To Middle Earth (2:49)
• B3 – A Visit With Ashiya (3:32)
• B4 – More Than It Seems (3:19)
• B5 – Pale Dream (2:31)
• B6 – Forgotten Man (2:20)
• B7 – Nightmare Of Percussion (2:48)

関連動画

• Girl (I`m Waiting For You) – Merrell Fankhauser & H.M.S. Bounty
• Anyway The Wind Blows (Version A)
• The Sonics – Anyway The Wind Blows
• The Daily Flash – “The French Girl”
• Man Who Paints The Pictures
• ILL WIND – ‘Full Cycle’ (1968)
• Rabbit Mackay – Tendency To Be Free
• The Lollipop Shoppe-You must be a Witch
• THE DRUIDS OF STONEHENGE- Six Feet Down (1968)

Ozric Tentacles『Erpland』について

Ozric Tentaclesは、1983年にイングランド・サマセットで結成された、プログレッシブ／スペース／サイケデリック・ロックのバンドだ。電子音とロックを行き来する編成で知られ、40年にわたって30作以上のアルバムを発表している。中心人物はギタリストのEd Wynneで、長い活動のなかでも彼が唯一のオリジナル・メンバーとして在籍を続けている。

『Erpland』は1990年の作品。今回の盤は2024年リリースのものとして扱われる。Ozric Tentaclesの中でも、電子音のレイヤーとバンド演奏の推進力が前面に出た時期を示すアルバムとして位置づけられる作品だ。

作品の輪郭

ジャンル表記はElectronicとRock、スタイルはAmbient、Space Rock、Psychedelic Rock。曲の流れを追っていくと、リズム隊の反復の上にシンセやフルート、ギターが重なり、場面ごとに密度を変えながら進んでいく構成が印象に残る。Ozric Tentaclesらしい、演奏主体のインストゥルメンタル志向がはっきりした内容だ。

実際に聴いていくと、曲ごとの区切りよりも全体の連続感が強く、アルバム単位で聴く性格がかなり濃い。Space Rockの文脈で語られることが多いのも納得しやすい作りで、同時代のサイケデリック／プログレッシブ系インスト作品と並べて聴かれることがあるのも自然なところだ。

バンドの中での位置づけ

Ozric Tentaclesは編成の変化が多いバンドだが、そのなかでもEd Wynneのギター、キーボード、プログラミングを軸にした作りは一貫している。『Erpland』も、その核がよく見える一枚だと言えそうだ。1990年という時期を考えると、アナログ的なバンド感と電子的な処理が同居する、グループの持ち味がまとまっている作品として捉えやすい。

聴きどころとして名前が挙がりやすい曲

本作を語るうえでは、タイトル曲「Erpland」がまず中心に置かれることが多い。アルバムの輪郭を端的に示す曲として扱われやすく、バンドの代表的な一面をまとめて感じられる存在だ。

また、アルバム全体を通じて、フルートやシンセが前に出る場面と、ギターがリズムを押し出す場面の切り替わりが見どころになる。特定のヒット曲で引っ張るというより、曲間の流れと音の配置で聴かせるタイプの作品だ。

2024年盤について

2024年盤として流通しているこのエディションは、オリジナルの1990年作を現在の形で聴ける盤として見てよさそうだ。Ozric Tentaclesの作品群を追ううえでは、初期からのサウンドの流れを確認できる一枚でもある。

派手な説明を必要としない、演奏と音の層で成立しているアルバム。Ozric Tentaclesのディスコグラフィーのなかでも、スペース・ロックとサイケデリック・ロックの要素がまとまった代表的な一作として見られている。

トラックリスト

• A1 Eternal Wheel (8:20)
• A2 Toltec Spring (3:03)
• A3 Tidal Convergence (7:14)
• B1 Sunscape (4:02)
• B2 Mysticum Arabicola (9:15)
• B3 Cracker Blocks (5:40)
• C1 The Throbbe (6:22)
• C2 Erpland (5:32)
• C3 Valley Of A Thousand Thoughts (6:32)
• D1 Snakepit (3:18)
• D2 Iscence (4:38)
• D3 A Gift Of Wings (9:47)

関連動画

• Ozric Tentacles – Erpland [Full Album]
• Eternal Wheel (2020 Ed Wynne Remaster)
• Toltec Spring (2020 Ed Wynne Remaster)
• Tidal Convergence (2020 Ed Wynne Remaster)
• Sunscape (2020 Ed Wynne Remaster)
• Mysticum Arabicola (2020 Ed Wynne Remaster)
• Crackerblocks (2020 Ed Wynne Remaster)
• The Throbbe (2020 Ed Wynne Remaster)
• Valley Of A Thousand Thoughts (2020 Ed Wynne Remaster)
• Snakepit (2020 Ed Wynne Remaster)

Regal Worm「Worm!」について

「Worm!」は、UKのアーティスト、Regal Wormによる2022年の作品。メンバーはJarrod Goslingで、Rockを軸に、Prog Rock、Psychedelic Rock、Art Rockの要素を重ねた内容になっている。ソロ・プロジェクトとしての色合いが強く、ひとりの手で組み上げた作品らしいまとまりが感じられる一枚。

サウンドの印象

ジャンルの並びからも分かる通り、演奏の流れや構成にひねりを持たせたプログレ寄りの作りが中心。そこにサイケデリック・ロックの浮遊感、アート・ロックらしい組み立ての細かさが加わるタイプで、直線的に進むロックというより、曲ごとの展開や音の重なりを追っていく感触がありそうだ。音の質感としては、ロックの骨格を保ちながらも、少し距離を置いた視点で作られたような印象につながる。

アーティストの位置づけ

Regal WormはUKのロック文脈の中でも、プログレやサイケデリック寄りの表現と相性がよさそうな存在。Jarrod Goslingの個人名義に近い形で展開されているため、バンドの合奏感よりも、作家性や構成の意図が見えやすい作品群として捉えられる。2022年作の「Worm!」も、その流れの中にある一作と見てよさそうだ。

同時代・ジャンルの文脈

Prog Rock、Psychedelic Rock、Art Rockという組み合わせからは、70年代的な構成美や実験性を引き継ぎつつ、現代の録音感でまとめた作品像が思い浮かぶ。UKのプログレ系アーティストに見られる、複雑さと聴きやすさの境目を行き来するタイプの作品群と近い立ち位置にある。

関連情報

• アーティスト名: Regal Worm
• 作品名: Worm!
• リリース年: 2022年
• 国: UK
• メンバー: Jarrod Gosling
• ジャンル: Rock
• スタイル: Prog Rock, Psychedelic Rock, Art Rock

なお、代表曲やヒット曲として特定の曲が広く知られているかどうかは、この作品情報からは読み取れない。作品全体の構成や音の流れを楽しむタイプのアルバムとして見るのが自然だろう。

トラックリスト

• A1 Regal Wishbone (3:55)
• A2 Don’t Freak Out The Creatures (4:33)
• A3 Dindy Super (2:45)
• A4 The Steppe Nomad Space Program (9:14)
• B1 Bong Song (2:42)
• B2 Chlorophyllia (4:38)
• B3 Green Beetle, Plate 31 (4:23)
• B4 Is There Anything Blacker Than A Black Cat? (3:57)
• B5 Hop (2:39)

Rhombus Of Doom『Rhombus Of Doom』について

Rhombus Of Doomの『Rhombus Of Doom』は、1998年にUKでリリースされたセルフタイトル作。ロックを軸に、Acid RockとPsychedelic Rockの要素を持つ作品として位置づけられる一枚です。Liverpoolで結成されたEnglish rock bandの流れの中にあり、ex-WalkingseedsのベーシストLee Websterを起点に、ex-StairsのギタリストGed Lynnも参加していたバンドです。

サウンドの輪郭

ジャンル表記どおり、直線的なロックだけでなく、音の揺れや反復を含んだサイケデリック寄りの感触が見えてきます。Acid Rockらしい硬質なギターの押し出しと、Psychedelic Rock由来の展開感が重なるタイプで、90年代後半のUKロックの中でも、オルタナティブな文脈に置ける内容です。派手に整えた音作りというより、バンドの演奏感を前に出した質感が想像しやすい作品です。

バンドの文脈

メンバーにはGed Lynnの名があり、Liverpool周辺のロック・シーンに接続する経歴も見えてきます。Lee WebsterのWalkingseeds、Ged LynnのStairsという前歴からも、90年代UKのギター・ロックやアンダーグラウンド寄りの流れとのつながりがうかがえます。Rhombus Of Doomは、その延長線上で鳴っているバンドとして捉えやすい存在です。

作品としての位置づけ

セルフタイトルの作品という点では、バンド名そのものを前面に出した初期の代表作として受け取られやすい一枚です。少なくともこの時点でのRhombus Of Doomの音像や方向性を示す記録として、バンドの輪郭をつかむ入口になっていると見てよさそうです。

まとめ

『Rhombus Of Doom』は、1998年のUKロックの中で、Acid RockとPsychedelic Rockの要素を織り込んだセルフタイトル作。Liverpool発のバンドらしい背景と、前身バンドを通じた人脈も含めて、当時のギター・ロックの周辺を知る手がかりになる作品です。

トラックリスト

• A1 The Key Of Joy
• A2 The Second Aether
• A3 Land-0-Smiles
• B1 Disco-In-Furness
• B2 Rhombus Of Doom
• B3 I Love You/Paul
• B4 Nosin’ Aroun’
• B5 Flegenheimer

The Ghost – For One Second

The Ghostは、英国バーミンガム出身のロック・バンド。活動期間はごく短く、1960年代末から1970年代初頭にかけての一時期に存在したグループとして知られている。For One Secondは1970年の作品で、ダークなイメージとサイケデリックな感触をあわせ持つバンドの個性が見えやすい一枚だ。

作品の輪郭

サウンドの中心にあるのは、伸びのあるハーモニー、荒さを残したギター、そしてFarfisaオルガンの響き。曲調はロックを土台にしながら、当時の英国サイケデリック・ロックらしい要素が重なっていく。派手に展開するというより、音の層や質感で引っ張るタイプの作品として捉えやすい。

メンバーはPaul Eastment、Charlie Grima、Daniel MacGuire、Shirley Kent、Terry Guy。編成としては、ボーカルとバンド演奏のバランスがはっきりした時代のロック・バンドらしい顔ぶれだ。

バンドの位置づけ

The Ghostは長く活動したグループではなく、短い活動期間の中で印象を残した存在といえる。For One Secondは、その限られた活動の中でバンドの方向性を示す資料性のある作品として見られることが多い。英国のサイケデリック・ロックの文脈では、同時代のバンド群と並べて語られることもある。

音の特徴

• ハーモニーが前に出る構成
• ギターは切れ味よりも粗さを残した質感
• オルガンが曲の色合いを決める場面
• ロックの骨格にサイケデリックな処理を重ねた作り

このあたりは、1960年代末から1970年頃の英国ロックに見られる感触と重なる部分がある。派手なヒット曲で押すというより、バンドの音像そのものを聴かせるタイプの一枚として受け取れる。

1970年のオリジナル作品、1987年盤

オリジナルは1970年のリリース。手元の盤は1987年のものとして流通している。作品そのものは1970年当時の空気を反映した内容で、バンドの短い活動期を映す記録としても興味深い。

The Ghostの関連情報としては、近年の資料や紹介記事でもこの作品が取り上げられている。バンドの残した音源をたどるうえで、For One Secondはひとつの中心になるタイトルだ。

トラックリスト

• A1 For One Second
• A2 The Castle Has Fallen
• A3 Time Is My Enemy
• A4 Night Of The Warlock
• A5 I’ve Got To Get To Know You
• A6 Indian Maid
• B1 Me & My Loved Ones
• B2 In Heaven
• B3 The Storm
• B4 When You’re Dead
• B5 Hearts & Flowers
• B6 Too Late To Cry

関連動画

• When You’re Dead
• Hearts And Flowers
• In Heaven
• Time Is My Enemy
• Too Late To Cry
• For One Second
• Night Of The Warlock
• Indian Maid
• My Castle Has Fallen
• The Storm

Nazz『Nazz III』について

Nazzは、1967年にフィラデルフィアで結成されたアメリカのサイケデリック／ガレージ・ロック・バンドだ。トッド・ラングレンが在籍していたことでも知られ、のちにソロで評価を高める前夜の姿がこのグループにはある。『Nazz III』は1971年に出た作品で、バンドの代表的な初期作とは少し距離のある位置づけにある。

サウンドの印象

この作品は、いわゆる60年代末のNazzらしい、硬めのギターとロックの直進性を軸にした手触りがある。サイケデリック・ロックの要素を含みながらも、演奏は比較的ストレートで、曲の輪郭がはっきりしたタイプの音像だ。派手な装飾よりも、バンド・サウンドのまとまりや推進力が前に出る。

バンドの流れの中での位置づけ

Nazzは、商業的には大きな成功を得ないまま1969年に解散している。そのため『Nazz III』は、バンドの活動期を振り返るうえでの一枚として見るとわかりやすい。トッド・ラングレンが多才なソングライター／マルチ奏者として存在感を示していた時期の延長線上にある作品でもある。

同時代とのつながり

同時代のアメリカン・ロックの文脈では、ヤードバーズ由来の影響や、ガレージ・ロック、サイケデリック・ロックの流れが重なる。Nazzもそのあたりの空気を共有していて、後のラングレンのソロ作とは別の、バンド単位の荒さと勢いが魅力になっている。

代表曲について

Nazzの代表曲としては、トッド・ラングレン作の「Open My Eyes」や「Hello It’s Me」がよく知られている。バンドの名前を広く残したのは、こうした楽曲の存在が大きい。『Nazz III』を聴くときも、そうした初期Nazzの流れを踏まえた作品として捉えると整理しやすい。

クレジット

• アーティスト: Nazz
• タイトル: Nazz III
• オリジナル・リリース年: 1971年
• 盤のリリース年: 1984年
• 国: US
• ジャンル: Rock
• スタイル: Psychedelic Rock

メンバーには、Todd Rundgren、Otto Capobianco、Thom Mooney、Carson Van Osten、Robert “Stewkey” Antoni、Rich Carley、Dave Palan、Dennis Barth が名を連ねている。Nazzというバンドの輪郭を、トッド・ラングレンの初期キャリアとあわせて見ていくうえで、押さえておきたい一枚だ。

トラックリスト

• A1 Some People (3:38)
• A2 Only One Winner (3:02)
• A3 Kicks (3:47)
• A4 Resolution (2:40)
• A5 It’s Not That Easy (2:36)
• A6 Old Time Lovemaking (2:24)
• A7 Magic Me (3:04)
• B1 Loosen Up (1:24)
• B2 Take The Hand (2:15)
• B3 How Can You Call That Beautiful? (3:39)
• B4 Plenty Of Lovin’ (3:43)
• B5 Christopher Columbus (3:20)
• B6 You Are My Window (6:00)

関連動画

• Nazz – Nazz III (1971) (+bonus tracks)
• Some People
• Only One Winner
• Kicks
• Resolution

CMU『Open Spaces』について

CMUは、1970年代初頭に活動したイギリスのバンドで、アートロック、ジャズロック、フォークを混ぜたような音作りに、サイケデリック・ロックの要素を重ねたグループです。男女ツイン・ヴォーカルを核にした編成が特徴で、当時としてはかなり目立つ存在でした。

『Open Spaces』は、1971年にTransatlanticから登場したCMUの1作目。2019年に出たこの盤は、そのオリジナル作品をあらためて聴けるリリースです。バンドの出発点を示すアルバムとして、CMUの輪郭がつかみやすい内容になっています。

サウンドの印象

音の中心にあるのは、サイケデリックな感触とブルース寄りの組み立てです。派手に作り込むというより、素朴さを残しながら進む曲が多く、ところどころに変わった音響処理や不思議な音の断片が差し込まれます。プログレ的な構成感と、70年代初頭らしいラフさが同居したアルバムという印象です。

男女の歌声が重なる場面もこのバンドらしいところで、James GordonとLarraine Odellのヴォーカルの対比が、曲の表情をはっきりさせています。演奏面では、キーボード、ギター、フルート、パーカッション、ドラムがそれぞれに動き、単なるロック・バンド以上の広がりを持っている。

バンドの位置づけ

CMUは、のちに2作目『Space Cabaret』を1973年に発表しますが、そちらではメンバーが大きく入れ替わり、メロトロンやスペーシーなシンセサイザーの存在感も増していきます。そうした変化を踏まえると、『Open Spaces』は、より初期の姿を記録した作品として位置づけやすいです。

同時代の文脈では、Arthur BrownやAFFINITYと比較されることがあり、CURVED AIRを好むリスナーにも触れられることがあるようです。実際、この時期の英国プログレやサイケの周辺にある、少しひねりのある感触が共有されている。

メンバー

• James Gordon
• Larraine Odell
• Roger Odell
• Terry Mortimer
• Ian Hamlett
• Ed Lee
• Steve Cook
• Richard Joseph
• Leary Hasson

まとめ

『Open Spaces』は、CMUの初期像をそのまま映したような1枚で、ブルースの骨組みにサイケデリックな色合いとプログレ的な展開を重ねた作品です。派手な大作というより、バンドの個性が少しずつ見えてくるタイプのアルバム。70年代英国ロックの周辺をたどるうえで、ひとつの手がかりになる内容です。

トラックリスト

• A1 Henry (4:49)
• A2 Voodoo Man (4:41)
• A3 Slow And Lonesome Blues (5:13)
• A4 Chantecleer (6:18)
• B1 Japan (2:50)
• B2 Clown (2:40)
• B3 Mystical Sounds (3:15)
• B4 Open Spaces (11:55)

関連動画

• CMU Open Spaces 1971 UK Prog,JazzBlues,Folk,Space Rock
• CMU – Henry
• CMU – Mystical Sounds
• CMU – Open Spaces
• CMU – Vodoo Man (by EarpJohn)

Smash「Glorieta De Los Lotos」について

「Glorieta De Los Lotos」は、スペインのプログレッシブ・ロック・バンド、Smashによる1970年の作品。バンドはセビリアで結成され、スペインのアンダーグラウンド・シーンを通じて存在感を高めたグループで、アンダルシア・ロックの先駆けとして語られることが多い。プログレッシブ・ロックとフラメンコの要素を結びつけた点に、このバンドらしさがはっきり出ている。

サウンドの特徴

ジャンル表記はRock、Blues、スタイルはPsychedelic Rock、Prog Rock。音の印象としては、ロックの骨格を保ちながら、サイケデリックな浮遊感とブルース由来の粘りを重ねた作りになっている。そこにアンダルシア音楽の感触が入り、同時代のKing Crimson系のプログレや、よりサイケデリックな感触を持つバンドとも比較されやすい内容だ。

ギター、シタール、バイオリン、フルート、ボーカルなどの編成もあって、楽器の色合いがそのまま曲の輪郭になっているタイプの作品といえる。派手な装飾よりも、リズムや音色の組み合わせで聴かせる場面が目立つ。

Smashにとっての位置づけ

Smashは、スペインのプログレッシブ・ロック史の中でも重要なグループのひとつ。MódulosやMàquina!と並び、スペイン国内でプログレッシブ・ロックを発展させたバンドとして挙げられることが多い。「Glorieta De Los Lotos」は、そうした流れの中で、バンドの方向性を示す作品として捉えやすい。

メンバーと背景

クレジットには、Manuel Molina、Gualberto、Antonio S. Rodríguez、Julio Matito、Silvio Fernándezの名前が見える。中心人物のGualberto Garcíaはマルチ・インストゥルメンタリストとして知られ、バンドの音作りを支えた存在。Manuel MolinaはのちにLole y Manuelでも活動し、アンダルシア系の音楽とのつながりがその後にも続いていく。

同時代の文脈

1970年前後のヨーロッパでは、プログレッシブ・ロックが各地で独自の形に広がっていた時期。Smashはその中でも、英米の模倣ではなく、スペイン、とくにアンダルシアの音楽的背景を持ち込んだ点が特徴になる。ロック、ブルース、サイケデリア、フラメンコの接点にある作品として聴かれることが多い。

ひとことでまとめると

「Glorieta De Los Lotos」は、Smashのアンダルシア・ロック的な個性が見えやすい1970年作。プログレッシブ・ロックの枠組みの中に、サイケデリックな音の広がりと地域色のあるフレーズを織り込んだ、時代と土地の両方が出た作品だ。

トラックリスト

• A1 Forever Walking
• A2 Light Blood, Dark Bleeding
• A3 Free As The Green Little Men
• A4 Tove And All That
• A5 It’s Only Nothing
• A6 Glorieta De Los Lotos
• A7 Nazarin Again
• B1 Love Millonaire
• B2 Sitting On The Truth
• B3 Ottenos
• B4 Ahimsa
• B5 Rock And Roll

関連動画

• Smash ‎– Glorieta de los Lotos (1970) – FULL ALBUM
• Smash – Glorieta de los lotos (Álbum Completo 1970)

Three Seasons「Life’s Road」について

「Life’s Road」は、スウェーデン出身のロック・バンド、Three Seasonsによる2011年作だ。メンバーは、Sartez Faraj（guitars, vocals）、Olle Risberg（bass）、Christian Eriksson（drums）、Malin Ahlbergで構成されている。バンドは元Siena RootsのSartez Farajと、元Mouth of ClayのOlle Risbergを中心に結成された経歴を持つ。

作品の位置づけ

Three Seasonsにとっては、バンドの初期を示すタイトルであり、2011年時点の音像をそのまま記録した作品と見てよさそうだ。リリース国はヨーロッパで、アーティストの活動拠点とも重なる流れになっている。

サウンドの特徴

ジャンルはロック、スタイルはAcid Rock、Psychedelic Rock、Hard Rockに分類されている。ギターを軸にした構成、リズムの押し出し、サイケデリック寄りの展開が重なるタイプの内容が想像しやすい。60年代末から70年代初頭のハードロックやアシッド・ロックの文脈に接続する作りで、同系統のバンドと並べて語られることがありそうだ。

バンドの背景

Three Seasonsは、Siena RootsやMouth of Clayといった周辺シーンの流れをくむメンバーによって始まったバンドだ。そうした背景からも、単なる懐古的なロックというより、ヴィンテージ感のある音作りを現代のバンド編成で鳴らす、という方向性がうかがえる。

まとめ

「Life’s Road」は、Three Seasonsの出発点を示す2011年の作品であり、アシッド・ロック、サイケデリック・ロック、ハードロックの要素を軸にした一枚だ。スウェーデン発のロック・バンドとしての輪郭をつかむうえで、基本になる作品といえる。

トラックリスト

• A1 Too Many Choices (4:59)
• A2 Cold To The Bone (4:32)
• A3 Down To The Bottom (5:30)
• B1 Each To Their Own (11:04)
• B2 Feel Alive (5:09)
• C1 An Endless Delusion (10:03)
• C2 Moving On (5:27)
• D1 Since Our First Day (10:32)
• D2 Life’s Road (6:51)

関連動画

• Three Seasons – Life’s Road [LIVE]
• Three Seasons – Moving On
• Three Seasons – Down to the bottom
• Three Seasons – An Endless Delusion