Category : Folk, World, & Country

Anaconda『Sympathy For The Madman』について

『Sympathy For The Madman』は、UKのアシッド・フォーク・バンド、Anacondaが1969年に録音した作品で、2020年に再発された一枚だ。アーティスト表記はAnaconda、録音はイングランド。Miguel Sergidesが関わったセッションとしても知られている。

音楽性は、フォーク・ロックとサイケデリック・ロックのあいだを行き来する内容として整理されている。60年代末のUKらしい、アコースティックな手触りと、当時のサイケデリック文脈が重なるタイプの作品という位置づけになる。

作品の位置づけ

Anacondaは、1969年に10インチのアセテートを残したグループとして記録されている。この『Sympathy For The Madman』は、その時期のバンドの姿を伝える資料性の高い作品といえる。商業的に広く流通した時代のアルバムというより、当時のセッションや試作盤に近い成り立ちの一枚だ。

1969年という年は、英国のフォーク系ミュージシャンが、よりロック寄りのアレンジやサイケデリックな響きを取り込んでいった時期でもある。Anacondaもその文脈の中に置いて見ることができる。Arcadiumで知られるMiguel Sergidesが関わっている点も、同時代の英国ロック周辺のつながりを感じさせる要素だ。

2020年盤について

2020年盤は500枚限定の再発盤で、オリジナルのアセテート10インチをもとにした復刻的な扱いになっている。単体の外袋仕様で、未開封販売。内袋には、オリジナルのアセテートを写したスキャン再現のインナーが付属している。

オリジナル盤との違いとしては、まず年代の異なる再発であること、そして現物のアセテートをそのまま受け取るのではなく、資料性を重視した再現仕様であることが挙げられる。製造はdeepgroovesによるもので、バイオマス電力とエコ理念を掲げたプレスであることも記されている。

サウンドの印象

実際に聴くと、アコースティックな楽器の輪郭と、60年代末らしいざらついたロック感が前に出るタイプの録音として受け取れる。派手なヒット曲を中心にした作品ではなく、当時の空気をそのまま封じたような性格が強い。曲単位の代表性よりも、全体の流れや音の質感に意味がある一枚だ。

この作品については、シングルヒットや広く知られた代表曲が前面に出ているわけではない。むしろ、限定再発で掘り起こされた点に価値がある。60年代英国のフォーク・ロック、サイケデリック・ロックの周辺を追ううえで、記録として見ておきたいタイトルである。

補足

• アーティスト: Anaconda
• タイトル: Sympathy For The Madman
• オリジナル録音年: 1969年
• 再発盤: 2020年
• 録音地: イングランド
• 関連ミュージシャン: Miguel Sergides
• ジャンル表記: Rock, Folk, World, & Country
• スタイル表記: Folk Rock, Psychedelic Rock

トラックリスト

• A1 – It’s Not Me (3:42)
• A2 – Riding Alone (4:20)
• A3 – Who Are We? (5:36)
• B1 – Outrider (3:40)
• B2 – Sympathy For The Madman (4:20)

関連動画

• Anaconda – Outsider (1969)
• Anaconda – Who Are We?
• Anaconda – It’s Not Me
• Anaconda – Riding Alone
• Anaconda – Sympathy For the Madman 1969

The Patron Saints『Fohhoh Bohob』

The Patron Saintsは、1966年にニューヨークで結成された米国のバンド。The Stones、The Beatles、Jimi Hendrix、Cream、The Butterfield Blues Band、The Doors、Moby Grape、The Yardbirdsなどの影響を受けた5人編成として出発し、1969年には3人編成になっている。そんな流れのなかで録音されたのが『Fohhoh Bohob』で、オリジナルは1969年にバンド自身が100枚限定で自主制作・自主発表した作品である。

2007年にUS盤として再発されたこのレコードは、限定1000枚のリリース。オリジナルの流通がごく少なかった作品だけに、再発盤の存在はこのバンドの記録をたどるうえで重要な位置づけになっている。

作品の位置づけ

このアルバムは、The Patron Saintsが5人編成から3人編成へ移ったあとの時期に残した記録。プロフィールにある通り、1969年6月にアルバムを録音している。バンドが当時どんな音を鳴らしていたかを知るうえで、中心的な資料といえる作品だろう。

また、バンドは現在も活動を続け、新作も発表している。そうした長い活動歴のなかでは、初期の自主制作盤として『Fohhoh Bohob』が特別な意味を持つ。デビュー作というより、バンドの初期像をそのまま封じ込めたアーカイブ的な一枚、という見方がしやすい。

音の方向性

ジャンル表記はRock、Pop、Folk、World, & Country。スタイルにはPower Pop、Psychedelic Rock、Folk、Prog Rock、Honky Tonkが挙がっている。バンドの背景にある60年代後半の米国ロックの文脈を思わせる並びで、同時代のThe Beatles、The Doors、Moby Grape、The Yardbirdsあたりを参照点にした音作りが想像しやすい。

パワー・ポップ寄りのメロディ感、サイケデリック・ロックの感触、フォークやホンキートンクの要素まで含む構成は、当時のロックがひとつの型に収まりきらなかった時期らしい面白さがある。プログレッシブ・ロックの要素も含まれていて、単純なガレージ・ロックに回収されない広がりを持つ作品として見られることが多そうだ。

再発盤について

2007年盤は、オリジナルの100枚限定盤に対して1000枚限定での再発。オリジナル盤が極端に少ないため、この再発盤は作品に触れる現実的な入口になっている。盤の流通量が大きく違う点は、この作品の受け取られ方にも影響していそうだ。

まとめ

『Fohhoh Bohob』は、The Patron Saintsが1969年に残した初期記録。60年代末の米国ロックの気配をまといながら、ポップ、サイケデリック、フォーク、プログレ、ホンキートンクまでを含む広い射程を持つ一枚として整理できる。バンドの出自と活動の継続性を踏まえると、単なる珍盤ではなく、グループの出発点を示す作品として見えてくる。

トラックリスト

• A1 – Flower (4:28)
• A2 – Nostalgia Trip (3:30)
• A3 – Reflections (3:41)
• A4 – Do You Think About Me? (3:10)
• A5 – White Light (5:40)
• B1 – Relax (6:15)
• B2 – My Lonely Friend (4:01)
• B3 – Andrea (5:58)
• B4 – The Goodnight Song (4:20)
• C – Shine Of Heart
• D – Do It Together

関連動画

• Flower
• Nostalgia Trip
• Reflections On A Warm Day
• Do You Think About Me?
• White Light
• Relax
• My Lonely Friend
• Andrea
• The Goodnight Song
• The Patron Saints “Fohhoh Bohob” 1969 *Nostalgia Trip*

Mzylkypop『Kiedy Wilki Zawyja?』について

Mzylkypopによる『Kiedy Wilki Zawyja?』は、2018年に発表された作品で、UKのアーティストMichael Wardの名義による録音だ。2019年にはアナログ盤としてリリースされており、赤盤、ゲートフォールド仕様という物理フォーマット面でも存在感のある一枚になっている。

作品の位置づけ

アーティスト情報は多くないが、Bandcampで公開されていることからも、音源単位で作品を届けるタイプのリリースと見てよさそうだ。タイトルの Kiedy Wilki Zawyja? は「When Will The Wolves Howl?」という意味で、作品全体の印象にもどこか寓話的な輪郭を与えている。

クレジット上のジャンルは Jazz、Rock、Folk、World、& Country、スタイルは Psychedelic Rock、Jazz-Rock、Experimental。実際、こうしたタグが並ぶ作品は、曲ごとに明確な区切りを作るよりも、演奏の流れや音色の変化で聴かせることが多い。Michael Wardのソロ的な作家性が前に出るタイプの作品として捉えやすい。

リリース情報

• オリジナル発表年: 2018年
• アナログ盤リリース年: 2019年
• リリース国: UK
• アーティスト国: UK
• フォーマット: LP
• 仕様: 赤盤、ゲートフォールド・スリーブ
• 枚数: 240枚限定

このLPは240枚限定で、うち100枚はDiscusレーベルに割り当てられている。Disc usのCD版リリースを2021年9月に支えるための配分で、レーベル向けの分については裏面のリシーラブル・プラスチック・ラッパーにバーコードが付く仕様だ。オリジナルの作品に対して、アナログ盤ではコレクター向けの物理的な差異がはっきりしている。

音楽的な輪郭

この作品は、ジャズの即興性、ロックの推進力、フォーク由来の語り口、そして実験的な構成感が、ひとつの流れの中で交差するタイプに見える。タイトル曲らしき言葉を含む作品名からも、ストレートなロック作品というより、音の展開や間の取り方に重心がある印象だ。

同時代の文脈で見ると、ジャズ・ロックやサイケデリック・ロック、実験音楽の境界を行き来するUK発のソロ作品として位置づけやすい。演奏を前面に出しつつ、曲の骨格は崩しすぎない、そのあたりのバランスが聴きどころになりそうだ。

聴きどころとして見える点

実際の音像については手元で確認できる情報が限られるが、こうした編成・タグの作品では、楽器ごとの重なり方や、テーマと即興の切り替えが重要になることが多い。派手なヒット曲で押すというより、アルバム全体の流れで聴かせる作りと考えるのが自然だ。

まとめ

『Kiedy Wilki Zawyja?』は、2018年の作品として発表され、2019年にUK盤LPとして形になった、Michael WardによるMzylkypop名義の一枚だ。赤盤・限定240枚・ゲートフォールド仕様というアナログ盤ならではの要素に加え、ジャズ、ロック、フォーク、実験性が交差する作品として記録されている。タイトルの意味を含め、音だけでなく作品名や物理仕様も含めて印象を残すリリースになっている。

トラックリスト

• A1 – Witch Drones
• A2 – She Turns To Dust
• A3 – Slumber Pin
• A4 – Sylwia’s List
• A5 – The God Of Claws
• B1 – Last Exit To Lublin
• B2 – Elphame
• B3 – Red White And Blue
• B4 – Narky Monkey
• B5 – TV Lives

関連動画

• Witch Drones / The State
• She Turns to Dust
• Slumber Pin
• Sylwia’s List
• God of Claws
• Last Exit to Lublin
• Elphame
• Red White and Blue
• A Narky Monkey
• TV Lives

Chuck & Mary Perrin『The Chuck And Mary Perrin Album』について

Chuck & Mary Perrinは、兄妹によるフォーク・デュオ。『The Chuck And Mary Perrin Album』は1968年に録音された作品で、アメリカとヨーロッパのレーベル事情を経て2015年に再発盤が出たレコードだ。アコースティックな演奏を軸にしたフォーク・ロック作品として案内されている。

作品の成り立ち

このアルバムは、1968年12月の金曜日と土曜日に、イリノイ州サウス・パーキンのGolden Voice Sound Studiosでライヴ録音されたものとされている。オリジナルはChuck Perrin自身のレーベル、Webster’s Last Wordから出ていた盤で、2015年盤はその音源を原盤テープからリマスターした再発盤。ライナーノートにあたる情報として、未公開写真を収めたインサートと歌詞が付属し、見開きジャケットも当時の仕様を再現した形になっている。

再発盤のポイント

2015年盤は、Wah Wah Records Supersonic Sounds（EU）とLight In The Attic（USA）による流通で、ライセンス再発という位置づけ。オリジナル盤のゲートフォールド仕様を踏襲しつつ、音源面ではオリジナルテープからのリマスターが売りになっている。コレクション的には、初出時の空気感を残しながら、資料面を補った再発盤という印象だ。

音楽性と聴きどころ

ジャンル表記はRock、Folk、World, & Country、スタイルはFolk Rock、Acoustic。ChuckとMaryの兄妹デュオという編成から、声の重なりやギターの弾き方が曲の中心にある作品として受け取れる。大編成のロックというより、歌と演奏の距離が近いタイプの録音。ライヴ録音であることも含めて、スタジオ作品よりも演奏の呼吸が見えやすい盤だ。

1960年代末のアメリカのフォーク・ロック周辺には、シンガー・ソングライター的な書き方と、伝統曲やアコースティックな手触りを行き来する作品が多い。このアルバムも、その時代の流れの中で聴かれる1枚といえる。兄妹デュオという点では、男女の歌声の対比や、素朴なアンサンブルを持つフォーク・アクトと並べて語られることがありそうだ。

作品の位置づけ

Chuck & Mary Perrinにとっては、兄妹デュオとしての表現を記録したアルバム。オリジナル盤が自前のレーベルから出ていることもあり、活動の実態がそのまま反映された作品として見えやすい。2015年の再発で、その音源と当時の仕様があらためて整理されている形だ。

まとめ

『The Chuck And Mary Perrin Album』は、1968年録音の兄妹フォーク・デュオ作品を、2015年に原盤テープからリマスターして復刻したレコード。見開きジャケットの再現、未公開写真、歌詞付きのインサートなど、当時の資料性も意識した再発盤になっている。アコースティック主体のフォーク・ロックとして、ライヴ録音ならではのまとまりが感じられる一枚。

トラックリスト

• A1 – Commencement (3:27)
• A2 – Violets Of Dawn (2:56)
• A3 – Mornings (3:23)
• A4 – You Knew All Along (3:09)
• A5 – Don’t Know Why I Love You Like I Do (1:55)
• B1 – Song For Canada (4:10)
• B2 – Babe Can You See (2:30)
• B3 – Circus Of Sour (2:40)
• B4 – Younger Generation (2:45)
• B5 – To A Better Life (2:30)

関連動画

• Commencement
• Violets of Dawn
• Mornings
• You Knew All Along
• Don’t Know Why I Love You Like I Do
• Song for Canada
• Babe Can You See
• Circus of Sour
• Younger Generation
• To a Better Life

Tim Buckley『The Late Great Tim Buckley – An Anthology』について

Tim Buckleyは、1960年代後半から70年代前半にかけて活動したアメリカのシンガーソングライターだ。フォークを出発点にしながら、のちには実験的なアレンジや即興性を取り入れた作品へ進み、短い活動期間の中で独自の位置を築いた人物として知られる。1978年にオーストラリアで出た本作『The Late Great Tim Buckley – An Anthology』は、その歩みをまとめた編集盤で、本人の死後に出た初のLPでもある。収録はオーストラリアとニュージーランドに限られていた。

作品の成り立ち

このアンソロジーには、Tim Buckley、Goodbye and Hello、Happy Sad、Greetings from L.A.、Sefronia の5枚のスタジオ・アルバムからの音源が収められている。初期のフォーク寄りの曲から、後年のよりソウル/R&B色のある曲までを横断する内容で、ひとつの時代だけを切り取るというより、キャリア全体の流れを見せる構成になっている。

Tim Buckleyの作品をまとめて聴くと、まず声の存在感が際立つ。高音域の伸びやフレーズの運びが印象に残りやすく、歌そのものが曲の中心にあるタイプだ。本作でも、その個性が異なる時期の録音を通して確認できる。フォーク・ロックの輪郭がはっきりした曲もあれば、演奏の隙間やリズムの揺れが前に出る曲もあり、同じアーティストの編集盤でも単調になりにくい。

Tim Buckleyという位置づけ

Tim Buckleyは、商業的な大ヒットで知られるタイプではないが、作品ごとの振れ幅が大きい。初期はフォーク・シンガーとして出発しながら、Happy Sad、Lorca、Starsailor では実験性や即興性を強めていった。その流れの中で、後年のアルバムではより分かりやすいポップ/R&B志向にも向かっている。本作は、その変化を短く追えるまとめ方になっている。

同時代のフォークやシンガーソングライターの文脈で見ると、Bob DylanやJoni Mitchellのように言葉と曲作りが重視される流れとは共通点がある一方、Tim Buckleyは声と音域の使い方でかなり独自の印象を残す。実験寄りの時期は、ジャズや前衛的なロックの周辺とも接点がある。編集盤としては、その幅を見せる役割が強い。

収録内容から見えるもの

本作はベスト盤というより、複数のアルバムから選んだアンソロジーとしての性格がはっきりしている。代表曲だけを並べる編集ではなく、時期ごとの変化を意識した構成に見える。Tim Buckleyの主要なアルバムを持っていない場合でも、どの時期にどんな方向へ進んだかをつかみやすい内容だ。

収録元に Greetings from L.A. や Sefronia が入っている点も、この編集盤の性格を示している。初期のフォーク色だけでなく、キャリア後半の商業的な方向へ寄せた時期まで含めているので、Tim Buckleyを「実験的な人」とだけ捉えないための入口にもなっている。

リリース時の意味

1975年に28歳で亡くなったTim Buckleyにとって、1978年のこのLPは死後に出た初のアルバムとして位置づけられる。しかも発売地域がオーストラリアとニュージーランドに限られていたため、当時の本国市場での定番編集盤というより、地域限定のアーカイブ的な意味合いが強い。オリジナルのスタジオ作品を補う形で、彼の足跡を後から整理した一枚といえる。

まとめ

『The Late Great Tim Buckley – An Anthology』は、Tim Buckleyの短いキャリアを5枚のスタジオ・アルバムからたどる編集盤だ。フォーク、フォーク・ロック、実験的な要素、後年のより商業的な方向までを一枚に収め、声と曲作りの独自性を確認しやすい内容になっている。Tim Buckleyの全体像をつかむうえで、時期の違いが見えやすいコンピレーションだ。

トラックリスト

• A1 – Aren’t You The Girl
• A2 – Understand Your Man
• A3 – I Never Asked To Be Your Mountain
• A4 – Once I Was
• A5 – Morning Glory
• A6 – Move With Me
• B1 – Strange Feelin’
• B2 – Sweet Surrender
• B3 – Make It Right
• B4 – Dolphins

Felt『Felt』について

Feltは、アメリカ・アラバマ州ハンツビルで結成されたプログレッシブ・ブルース／ジャズ／サイケ・ロック系のバンドで、1971年に唯一のアルバムを残したグループとして知られている。この『Felt』はそのオリジナル作の再発盤で、2000年にイタリアでリリースされた一枚だ。

バンドはMyke Jacksonを中心に1970年に始動し、Myke Jackson、Tommy Gilstrap、Mike Neel、Allan Dalrymple、Stan Leeの編成で作品を残した。プロフィールとしては、ブルースやジャズの要素を土台にしながら、当時のサイケデリック・ロックの流れとも接続するタイプのバンドと見られている。

作品の位置づけ

『Felt』は、Feltにとって1971年の唯一のアルバムという位置づけになる。後年になって再評価が進んだタイプの作品で、2012年には2作目が完成したとされているが、この盤に収められているのはあくまで1971年のオリジナル・アルバムの再発盤だ。

再発盤のクレジットには、Nasco盤の再発であること、レーベル面にComet Recordsのウェブサイトとメールアドレスが記載されていること、さらにジャケットやラベルの表記に「Recorderd at Woodland Sound Studios」という綴りの誤りがあることが記されている。盤としては2000年イタリア盤ならではの情報が入った仕様になっている。

音の特徴

この作品は、ジャンル表記としてはRock、Blues、Folk、World, & Country、スタイルとしてPsychedelic Rockに分類されている。バンドの出自を踏まえると、ブルース寄りのリフやジャズ的な展開、サイケデリックな響きが混ざる構成が中心になっているタイプと受け取れる。

実際の音像としては、ハードに押し切るロックというより、楽曲の流れや演奏の間合いに重心が置かれる作品として語られることが多い。アメリカ南部のバンドらしいルーツ感と、70年代初頭の実験性が同居する一枚という見方がしやすい。

同時代の文脈

1971年前後の南部アメリカでは、ブルースやカントリーの土台に、ロックの拡張表現を重ねるバンドが各地で登場していた。Feltもその流れの中で捉えやすく、同時代のサイケデリック寄りのバンドや、ジャズ感覚を持つロック・アンサンブルと並べて語られることがある。

ただし、派手なヒット曲で知られるタイプではなく、アルバム単位で聴かれる作品として扱われることが多い。代表曲の存在よりも、バンド全体の演奏と曲の流れに特徴がある一枚だ。

再発盤としての見どころ

2000年のイタリア盤は、1971年のNasco盤をもとにした再発で、オリジナル盤を手に入れにくい状況では重要な存在になっている。レーベル情報や表記の違い、バーコードの有無など、再発盤らしい仕様の差も確認できる。

オリジナルの時代感をそのまま残した作品を、後年の再発で聴ける形にした盤として見ると、この『Felt』はバンドの活動初期を知るうえでまとまりのある資料性を持つアルバムだ。

トラックリスト

• A1 – Look At The Sun (3:18)
• A2 – Now She´s Gone (5:29)
• A3 – Weepin´Mama Blues (4:40)
• A4 – World (5:36)
• B1 – The Change (10:00)
• B2 – Destination (6:43)

関連動画

• Felt – Felt 1971 (full album)
• Felt – Look at the Sun
• Felt – Now She’s Gone
• Felt – Weepin’ Mama Blues
• Felt – World
• Felt – The Change.wmv
• Felt – Destination
• FELT – World

Alice Island Band『Splendid Isolation』について

Alice Island Bandの『Splendid Isolation』は、1974年に作品としてまとまった、スペイン発のレコードです。盤としては2019年にリリースされたもので、オリジナル作品をあらためて楽しめる形になっています。収録内容は、フォークやバラードの要素を軸にした、歌もの中心の作品と見てよさそうです。

作品の成り立ち

このアルバムは1968年の夏に構想され、1973年のクリスマスに録音されたとされています。制作の時間差がはっきりしていて、完成までにかなり長い期間を経た作品です。2019年盤には4ページの歌詞インサートが付属し、限定500枚でのリリースでした。

クレジット上で確認できるメンバーはTim Phillipsです。アーティストの詳細プロフィールや関連情報は多く出ていませんが、作品単位で見ると、かなり個人的な視点と手触りを持ったレコードに見えます。

音の方向性

ジャンル表記はPop、Folk、World、& Country、スタイルはFolk、Ballad。実際のところ、派手なアレンジを前面に出すタイプというより、歌と曲の流れを中心に聴かせる作りが想像しやすいです。タイトルの『Splendid Isolation』という言葉にも、外側へ広く開くというより、内側に向かって丁寧に組み上げた印象があります。

フォーク寄りのバラード作品は、同時代のシンガーソングライターや英国圏のフォーク作品と並べて語られることが多いですが、この作品もその流れの中で、語り口の強さや曲の輪郭を味わうタイプのアルバムとして受け取れそうです。

2019年盤について

2019年盤は再発としての位置づけで、オリジナルの1974年盤に対して、歌詞インサート付きで入手しやすい形になっているのが特徴です。限定500枚という点も含めて、コレクション性のあるリリースでした。オリジナル盤との細かな音質差や編集差については、確認できる範囲では明記されていません。

聴きどころの見方

• 1968年に構想、1973年に録音という制作の時間差
• 歌詞インサート付きの2019年再発盤
• フォーク、バラード寄りの曲作り
• 限定500枚のプレス

曲名や代表曲の情報は確認できませんでしたが、アルバム単位でじっくり聴くことで、制作時期の長さや歌詞の存在感が見えてくるタイプの作品といえそうです。

トラックリスト

• A1 – Goodbye Cindy
• A2 – Smoke
• A3 – She Is An Island
• A4 – Stranger In A Crowd
• A5 – Anna Clare
• A6 – The Man That I Am
• A7 – Everything That Meets My Eyes
• B1 – Sleepiness
• B2 – The Lover
• B3 – Hostages
• B4 – Devil’s Island
• B5 – Nickel Island
• B6 – As I Get Older
• B7 – Package Tour Mona Lisa

関連動画

• Alice Island Band [UK] – a_3. She’s An Island.
• The Alice Island Band [UK, Folk Rock 1974] As I Get Older
• Alice Island Band ‎– Splendid Isolation
• ALICE ISLAND BAND

Kapela Ze Wsi Warszawa「Uwodzenie / Waterduction」について

Kapela Ze Wsi Warszawaは、ポーランドのフォーク・バンドとして知られるグループで、この「Uwodzenie / Waterduction」は2020年の作品として扱われるタイトルだ。リリース国もポーランドで、ジャンル表記はFolk, World, & Country、スタイルはFolk。バンド名のとおり、ワルシャワの村の音楽を思わせる土着感と、現代的な編成をあわせ持つグループとして認識されている。

この盤は2022年リリースのもの。オリジナル作品の年は2020年なので、作品そのものは2020年時点の内容として見るのが自然だ。盤としては後年に出た形になる。

作品の輪郭

収録名からもわかるように、この作品はポーランドの伝統音楽を軸にした世界観を持つ。Kapela Ze Wsi Warszawaは、民謡の旋律やリズムをベースにしながら、バンド編成で立体的に聴かせるタイプのグループで、アコースティックな響きと合奏の推進力が前に出ることが多い。クレジットされているメンバー数も多く、合奏としての厚みが作品の要点になっている印象だ。

参加メンバーは Paweł Mazurczak、Maja Kleszcz、Magdalena Sobczak、Maciej Szajkowski、Wojciech Krzak、Mariusz Dziurawiec、Sylwia Świątkowska、Piotr Gliński、Miłosz Gawryłkiewicz、Wiktoria Długosz、Anna Jakubowska、Ksenia Malec、Marcin Kozak、Małgorzata Śmiech、Ewa Wałecka、Robert Jaworski、Katarzyna Szurman。人数の多さからも、単独のシンガー中心というより、複数の演奏者が重なっていく構成が想像しやすい。

Kapela Ze Wsi Warszawaというバンドの位置

このグループは、ポーランドのフォークを現在形で扱う存在として語られることが多い。伝統音楽をそのまま保存するというより、バンドとしての演奏感を前に出しながら聴かせるスタイルで、同時代のヨーロッパ民俗音楽の流れの中でも存在感がある。ワールド・ミュージック系の文脈でも見かけることがあり、ポーランドの地方音楽を広く伝える役割も担っている。

関連サイトとしては、公式サイト http://www.kzww.pl/、http://www.warsawvillageband.net/、Facebookページ https://www.facebook.com/WarsawVillageBand/ がある。Myspaceにもアーカイブ的なページが残っている。

聴きどころとして見えやすい点

実際に触れると、こうしたバンドの作品は、旋律の反復とアンサンブルの積み重ねが軸になりやすい。メロディを細かく飾る場面、リズムを強く押し出す場面、声と楽器が近い距離で絡む場面など、フォークの基本的な要素が前面に出る形が想像しやすい。タイトルにも英語表記の Waterduction が添えられていて、作品名の見せ方にも現代的な意識がうかがえる。

2020年のオリジナル作品、2022年盤という時間差もあり、作品を追う際はこの2つの年を分けて見ると整理しやすい。オリジナルの時点での内容を軸に、のちの盤で流通したものとして捉えるのがよさそうだ。

まとめ

「Uwodzenie / Waterduction」は、Kapela Ze Wsi Warszawaらしいポーランド・フォークの文脈にある作品だ。大人数のメンバー編成、伝統音楽を土台にした合奏感、そして2020年作品としての位置づけがポイントになる。ポーランドの民俗音楽を現在のバンド表現で聴かせるグループとして、このタイトルもその流れの中に置いて理解しやすい一枚だ。

トラックリスト

• A1 – Uroda
• A2 – Oracja Do Wody
• A3 – Spławiany
• A4 – Uwodzenie
• A5 – Potopielka
• B1 – Chasydzki Z Urzecza
• B2 – Rzeceńka
• B3 – Krępiański
• B4 – Kołyska

関連動画

• Oracja do wody

Tim Hardin「Painted Head」について

Tim Hardinは、アメリカのフォーク・シンガー／ソングライターとして知られる人物だ。
「If I Were a Carpenter」や「Reason to Believe」といった楽曲で広く名前が残っているが、「Painted Head」は1972年に発表された作品で、彼のフォーク・ブルース寄りの持ち味がまとまった一枚として位置づけられる。

作品の輪郭

このレコードは1981年に日本でリリースされた盤で、ジャケットや資料に日本語インサートが付いた仕様になっている。
オリジナルは1972年の作品なので、盤としては後年の再発にあたる。日本盤ならではの丁寧な付属物がある点も、この時期の輸入盤・国内再発らしいところだ。

サウンド面では、フォークを土台にしつつ、ブルース・ロックの要素が重なる構成。
Tim Hardinの作品らしく、歌と曲の骨格が前に出るタイプで、派手なアレンジで押すというより、言葉とメロディの流れで聴かせる印象がある。

Tim Hardinというアーティストの中で

Tim Hardinは、同時代のフォーク・シーンの中でも、シンガーとしての存在感とソングライターとしての評価が強い人だ。
自作曲が多くのアーティストにカバーされてきたことからも、楽曲そのものの強さがよくわかる。特に「If I Were a Carpenter」は、Bobby Darin、Joan Baez、Johnny Cash、The Four Tops、Robert Plantなど、多くの歌手に取り上げられた代表曲として知られている。

また「Reason to Believe」も重要な楽曲で、Rod Stewartのヒットでも広く知られる。
こうした曲と比べると、「Painted Head」はヒット曲の単独の知名度で押すというより、アルバム全体でTim Hardinの書く歌の手触りを追う作品という見え方になりやすい。

ジャンルの文脈

この作品は、Rock、Blues、Folk、World, & Countryという広い枠で整理されている。
実際のところ、60年代フォークの延長線上にあるシンガー・ソングライター作品として聴かれることが多そうだが、そこにブルース・ロックの感触が加わることで、単なる弾き語り中心の作品とは少し違う輪郭を持つ。

同時代の感覚でいえば、フォークの語り口とロックの帯域を行き来するアーティストたち――たとえばより広い意味でのシンガー・ソングライター作品群の中に置くと、Tim Hardinの独特な書き方が見えやすい。
歌詞を前面に出しながら、曲の流れ自体で引っ張るタイプの一枚、と言えそうだ。

まとめ

「Painted Head」は、Tim Hardinの代表曲で知られる作家性を、アルバム単位で確かめられる作品だ。
1972年のオリジナル作品を、1981年の日本盤で聴く形になるため、当時の日本での受け止め方も含めて残された一枚として見ておくと、より位置づけがつかみやすい。

トラックリスト

• A1 – You Can’t Judge A Book By The Cover (4:09)
• A2 – Midnight Caller (3:09)
• A3 – Yankee Lady (4:24)
• A4 – Lonesome Valley (4:29)
• A5 – Sweet Lady (3:44)
• B1 – Do The Do (3:44)
• B2 – Perfection (3:02)
• B3 – Till We Meet Again (3:11)
• B4 – I’ll Be Home (5:42)
• B5 – Nobody Knows You When You’re Down And Out (6:23)

Harris Chalkitis「Marita」

「Marita」は、フランスで1975年にリリースされたHarris Chalkitisの作品。作曲、編曲、歌唱、マルチインストゥルメンタリストとして知られるHarris Chalkitisが、パリのBarclay Studiosで1975年4月から5月にかけて録音した一枚である。ジャズ、ロック、ファンク、ポップ、フォークの要素をまたぐ作風で、ジャズロック、ジャズファンク、プログレッシブ・ロック、ディスコの文脈でも語られる作品になっている。

作品の輪郭

Harris Chalkitisは1945年にカイロで生まれ、幼少期に家族とともにギリシャへ移った人物。作曲家、オーケストレーター、シンガー、マルチインストゥルメンタリストとして活動し、後年はQueen Samanthaのプロデュースでも知られるほか、Demis Roussos、Mireille Mathieu、Dalidaなどの作曲も手がけている。その経歴を踏まえると、「Marita」も単独の歌手作品というより、作編曲の手腕が前面に出るタイプのレコードとして位置づけやすい。

録音はパリのBarclay Studios。℗表記も1975年のBarclayで、フランス盤として同年の空気をそのまま閉じ込めた資料性のあるレコードといえる。ジャズ寄りのリズム感、ロックの推進力、ファンクのうねり、そして当時のポップ／ディスコの感触が並ぶところに、この時代のヨーロッパ制作らしい混ざり方が見える。

サウンドの印象

この作品のポイントは、ジャンルの切り替えがはっきりしていること。ジャズ・ロックやジャズ・ファンクの文脈では演奏の密度が前に出やすく、プログレッシブ・ロックの要素では展開の組み立てが目立つ。そこにディスコ的なビート感や、ポップ、フォーク、ワールド・ミュージックの要素が重なっているため、単一の型に収まらない作りになっている。

実際に聴くと、歌ものとしての輪郭と、編曲の細かい動きの両方が見えやすいタイプの作品になりそうだ。メロディを追いながらも、伴奏のリズムや管弦の配置に耳が向く盤だろう、という印象である。

時代背景とつながり

1975年という年は、ヨーロッパのポップスやフュージョン、ディスコ前夜のサウンドが交差していた時期。フランス制作のレコードとして見ると、シャンソン的な歌心と、当時の国際的なソウル／ファンク感覚の接点にある作品とも捉えやすい。Harris Chalkitisの後年のプロデュースワークや大衆歌謡への関わりを考えても、この時期の仕事は彼の幅広い作曲・編曲感覚を示す一枚といえる。

代表曲やヒット曲として広く知られる定番曲の情報は見当たらないが、制作年、録音場所、参加した音楽的文脈をたどると、70年代フランス盤の中でも作り手の個性が出る作品として見ていける。

盤について

この盤は1975年のフランス盤。ラベルにはMade in Franceの表記があり、当時のBarclay系プレスとして出回ったものだとわかる。プレスリングの仕様も1975年のフランス国内プレスに特徴的なものとされている。

Harris Chalkitisのキャリアを追ううえで、「Marita」は、作曲家・編曲家としての感覚と、当時のフランス録音の空気が重なる一枚として押さえておきたい作品である。

トラックリスト

• A1 – Marita (3:45)
• A2 – Funny She Loves Me (2:18)
• A3 – Right On Moving (2:49)
• A4 – Always On My Mind (2:37)
• A5 – Without You (4:15)
• B1 – Introduction Moog (0:59)
• B2 – Glory Of A Love Song (3:25)
• B3 – Morning Sunshine (2:47)
• B4 – New York City (3:47)
• B5 – With A Smile (2:35)
• B6 – Let Me Go My Way (2:42)

関連動画

• Harris Chalkitis – Funny She Loves Me
• Harris Chalkitis – Marita.wmv
• Harris Chalkitis ‎- Without You
• Harris Chalkitis – Ridin’ free living’ lonely
• HARRIS CHALKITIS – WITHOUT YOU

Kings Of Convenience『Peace Or Love』について

Kings Of Convenienceは、ノルウェー・ベルゲン出身のデュオ。Erlend ØyeとEirik Glambek Bøeの2人によるユニットで、どちらも歌い、どちらも作曲を手がける。細かなギターの絡みと、落ち着いた歌声で知られるグループだ。

『Peace Or Love』は2021年にリリースされた作品で、Kings Of Convenienceにとってこの時期の活動をそのまま反映したアルバムとして聴ける1枚。リリース国はヨーロッパ盤。ジャンル表記はPop、Folk、World, & Country、スタイルはFolk、Indie Popとなっている。

作品の印象

この作品では、Kings Of Convenienceらしい、音数を抑えたアレンジと、2人の歌声の呼吸が前に出る構成が中心になる。ギターのフレーズは細かく、演奏の隙間がそのまま曲の輪郭になっているタイプ。派手な展開で押す作品というより、声と弦の動きで曲を組み立てる作りだ。

聴き進めると、メロディの見せ方がかなり丁寧なことがわかる。短いフレーズの反復や、声の重なり方で曲を進める場面が多く、Kings Of Convenienceの既知の持ち味がそのまま出ている印象。いわゆるインディー・フォークやインディー・ポップの文脈に置くと、余白のある編曲と柔らかい歌唱が軸になる作品として見やすい。

アーティストにとっての位置づけ

Kings Of Convenienceは、デビュー以降、派手さよりも曲の細部を積み上げるスタイルで知られてきたユニット。この『Peace Or Love』も、その延長線上にあるアルバムとして捉えやすい。ベルゲン出身という背景も含め、北欧のインディー・フォークらしい静かな手触りを感じさせる。

同時代のインディー・フォーク、インディー・ポップの流れの中では、Broken Social Sceneのような大編成の動きとは対照的で、Sufjan StevensやThe Acornの一部作品に見られるような、音の配置を細かく整える方向と比べやすい。とはいえ、Kings Of Convenienceはあくまで2人の声とギターのやり取りに重心がある。

ひとこと

『Peace Or Love』は、Kings Of Convenienceの名前から連想しやすい、控えめな編曲とデュオの歌の組み合わせがそのまま表に出た作品。2021年作として、彼らの持ち味を確認できるアルバムだ。

トラックリスト

• A1 – Rumours (4:09)
• A2 – Rocky Trail (3:30)
• A3 – Comb My Hair (3:06)
• A4 – Angel (3:15)
• A5 – Love Is A Lonely Thing (2:45)
• A6 – Fever (3:56)
• B1 – Killers (3:53)
• B2 – Ask For Help (4:07)
• B3 – Catholic Country (3:00)
• B4 – Song About It (3:04)
• B5 – Washing Machine (2:46)

関連動画

• Kings of Convenience ft Feist – Love is a Lonely Thing
• Rumours
• Catholic Country
• Fever
• Love Is A Lonely Thing
• Angel
• Comb My Hair
• Ask For Help
• Killers
• Song About It

Hako Yamasaki『歩いて』（1980）について

山崎ハコの『歩いて』は、1980年に日本でリリースされた作品。フォークを軸にしながら、ロック、ブルース、ポップスの要素もにじむ一枚で、アコースティックな手触りを土台にした歌世界が印象に残る。1970年代のフォーク・ブームをくぐり抜けてきた山崎ハコの流れの中でも、80年代に入る時期の作品として位置づけられるタイトルだ。

サウンドの輪郭

全体の中心にあるのは、ギターを軸にしたシンプルな響きと、声の存在感。派手な装飾で押すというより、言葉と旋律を前に出す作りで、フォークの直線的な感触がよく出ている。アコースティックな質感が強く、曲ごとの温度差や呼吸がそのまま伝わってくるタイプの作品として受け取れる。

山崎ハコというアーティストの文脈

山崎ハコは、1957年生まれ、大分県日田市出身の日本のフォーク・シンガーソングライター、ギタリスト、女優。1970年代のフォーク・ブーム期から存在感を示し、その後も長く作品を発表し続けてきた。『歩いて』は、そうした活動の流れの中で、80年代初頭の山崎ハコの表現を確認できる作品として見ておきたい。

同時代とのつながり

この時期の日本のフォークやシンガーソングライターの作品には、歌詞の輪郭をはっきり聴かせる作りや、ギター主体の編成を基調にしたものが多い。山崎ハコの音楽も、その文脈の中で語られることが多く、フォークの語法を保ちながら、ブルースやロックの感触も差し込むあたりに特徴がある。派手さよりも、歌の芯で聴かせる方向性。

作品の位置づけ

『歩いて』は、山崎ハコのディスコグラフィーの中で、80年代に入った時期の一作として見ると流れがつかみやすい。1970年代のフォーク・ブームの延長線上にありつつ、時代の変化の中でも自分の歌の形を保っている、そんな印象のタイトルだ。

まとめ

『歩いて』は、山崎ハコの持つ直線的な歌声、アコースティック中心の響き、フォークを土台にした表現がまとまった1980年の作品。日本のフォーク／シンガーソングライター史の流れの中でも、彼女の立ち位置を確認しやすい一枚といえる。

トラックリスト

• A1 夢
• A2 我が里
• A3 道を探せ
• A4 黒いバス
• A5 小さな海
• B1 歪み板
• B2 何もいらない
• B3 君は自由か
• B4 13の女の子
• B5 歩いて

関連動画

• Hako Yamasaki – Aruite (1980) / 山崎ハコ – 歩いて

Folk Crusaders『紀元貮阡年 (With The Folk Crusaders)』について

ザ・フォーク・クルセダーズは、日本のフォーク・ポップ・ロックの流れを語るうえで外せないグループだ。活動期間は長くないものの、その後の日本の音楽や芸能の場で各メンバーが長く活躍していくことでも知られている。

この『紀元貮阡年 (With The Folk Crusaders)』は1968年の作品として扱われる一枚で、フォーク・ロック、ポップ・ロック、ノベルティの要素が並ぶ。ロック、ポップ、フォーク、さらに日本の歌謡的な感覚も重なるあたりに、このグループらしさが見えやすい作品だ。

サウンドの印象

音の中心は、アコースティックな手触りを残したフォーク寄りのバンド・サウンドだ。そこに軽いポップ感やユーモラスな仕掛けが加わり、肩の力を抜いて聴ける質感につながっている。派手な演奏で押すというより、言葉の運びやメロディの分かりやすさが前に出るタイプの作品といえる。

当時の日本のフォークやポップスの文脈で見ると、アメリカやイギリスのフォーク・ロックの影響を受けつつ、日本語の歌として自然に落とし込んでいる点が特徴的だ。ザ・フォーク・クルセダーズは、同時代のフォーク・グループの中でも、風刺や遊び心を持たせた表現で印象を残した存在として語られることが多い。

アーティストにとっての位置づけ

ザ・フォーク・クルセダーズは短命なグループながら、メンバーのその後のキャリアを含めて日本の音楽史で重要な名前だ。この時期の作品は、グループの方向性を知るうえでの手がかりになりやすい。フォークの素朴さとポップスの聞きやすさ、その両方を持った時代性のある記録という見方ができる。

代表曲として知られる曲

ザ・フォーク・クルセダーズを語るときは、「帰って来たヨッパライ」が代表曲として挙がることが多い。コミカルな作りと強い印象の残る歌い回しで広く知られ、グループの存在を大きく印象づけた一曲だ。この作品群も、その延長線上にある遊び心や歌ものとしての強さを感じさせる。

まとめ

『紀元貮阡年 (With The Folk Crusaders)』は、1968年の日本のフォーク・ポップ・ロックを確認できる作品だ。フォークの響き、ポップな親しみやすさ、少しひねりのあるノベルティ感が同居していて、ザ・フォーク・クルセダーズというグループの輪郭が見えやすい一枚になっている。

トラックリスト

• A1 紀元貮阡年 = 2,000 A.D. Break Down (1:37)
• A2 帰って来たヨッパライ = I Only Live Twice (3:20)
• A3 悲しくてやりきれない = Unbearably Sad (3:04)
• A4 ドラキュラの恋 = Dracula Fell In Love (2:15)
• A5 水虫の唄 = I’m Happy Just To Be With You (2:48)
• A6 オーブル街 = Rue Auble (2:08)
• B1 さすらいのヨッパライ = From West With Love (3:01)
• B2 花のかおりに = Flowers In Lover’s Hair (3:00)
• B3 山羊さんゆうびん (2:24)
• B4 レディー・ジェーンの伝説 = The Legend Of Lady Jane (3:00)
• B5 コブのない駱駝 = Magical Mystery Camel (3:14)
• B6 何のために = What For (3:04)

関連動画

• コブのない駱駝 _ Magical Mystery Camel (Japan, 1968)
• The Folk Crusaders ‎– 紀元貮阡年
• 帰って来たヨッパライ（1967）／ザ・フォーク・クルセダーズ

Malicorne『Malicorne』(1977)

フランスのエレクトリック・フォークを代表するグループ、Malicorneによる1977年作。バンド名をそのまま冠した作品で、同年のオリジナル・リリースとしては4作目のLPにあたる。タイトルを持たない時期の流れを受けつつ、グループの輪郭がよりはっきり見える一枚だ。

作品の位置づけ

Malicorneは1973年、Gabriel YacoubとMarie Yacoubを中心に始動したフランスのグループで、伝承曲や民謡の要素をロックの編成へ持ち込んだ存在として知られる。この『Malicorne』は、そうした路線を継続しながら、バンドとしてのまとまりを前面に出したアルバムとして位置づけられる。資料上では「Malicorne 4」や、冒頭曲にちなむ「Nous Sommes Chanteurs De Sornettes」と呼ばれることもある。

サウンドの特徴

ジャンル表記はRock、Folk、World & Country、スタイルはFolk Rock。アコースティック楽器を軸にしつつ、エレクトリックな響きが加わる構成で、民謡由来の旋律とロックのリズム感が並ぶ。楽器編成には、ギターやフィドル系の弦楽器、打楽器、笛や旋律楽器が入り、声の重なりも重要な要素になっている。派手なロック色というより、伝承音楽の素材を整理しながら組み立てた質感が印象に残るアルバムだ。

同時代の文脈

1970年代のヨーロッパでは、フォーク・リバイバルとロックの接近が各地で進んでいた。Malicorneもその流れの中にあり、英米のフォーク・ロックとは少し違う、フランスの伝承曲や地方色を土台にしたアプローチを取っている。比較対象としては、同時代のブリティッシュ・フォーク・ロックや、伝承音楽を現代的に編み直すタイプのバンドが思い浮かぶ。

内容曲について

冒頭曲「Nous Sommes Chanteurs De Sornettes」がアルバムの別称にも使われている。作品全体を通して、こうした曲名が示す通り、物語性のある歌と伝承的なメロディが中心に置かれている印象だ。代表曲を一曲に絞って語るタイプの作品というより、アルバム全体の流れで聴かれることが多い一枚といえる。

補足

Malicorneはその後もメンバー交代や活動停止を挟みながら続き、1988年にはいったん終止符が打たれたが、2010年以降に再結成の動きがあった。そうした長い活動史の中で見ると、この1977年作は、グループの中核がしっかり機能していた時期の記録として捉えやすい。

トラックリスト

• A1 Nous Sommes Chanteurs De Sornettes – Gavotte (2:40)
• A2 Couché Tard Levé Matin (3:53)
• A3 Daniel Mon Fils (2:40)
• A4 Le Déserteur – Le Congé (5:19)
• A5 La Blanche Biche (6:35)
• B1 Bacchu Ber (1:58)
• B2 Le Jardinier Du Couvent (9:03)
• B3 Misère (2:27)
• B4 La Fiancée Du Timbalier (5:49)
• B5 Ma Chanson Est Dite (0:27)

関連動画

• Malicorne – Le déserteur – Le congé (officiel)
• Malicorne – Nous sommes chanteurs de sornettes – Gavotte (officiel)
• Malicorne – Couche tard, lève matin (officiel)
• Malicorne – Daniel mon fils (officiel)
• Malicorne – La blanche biche (officiel)

Manduka / Manduka

Mandukaの『Manduka』は、チリで1972年に発表されたアルバムで、ブラジル出身のシンガー／コンポーザー、Mandukaの初期作品として知られる一枚です。フォークを軸に、ラテン、ワールド・ミュージックの要素が重なる内容で、70年代前半の南米らしい空気をまとった作品として位置づけられます。

作品の輪郭

Mandukaは1952年、リオデジャネイロ州ペトロポリス生まれの音楽家で、詩人Thiago de Melloの息子としても知られます。70年代初頭にチリへ移り、現地で最初期のアルバムを発表しながら、他の音楽家たちと活動を重ねていきました。この『Manduka』は、そうした時期の仕事のひとつで、彼のキャリアの出発点を示す作品といえる内容です。

同時代のチリや周辺地域のフォーク／シンガーソングライター作品と比べても、政治や詩の気配を含んだ語り口が見えやすい一枚です。ブラジルのMPBや南米フォークの流れの中で聴かれることも多いタイプのアルバムです。

サウンドの特徴

音の中心はアコースティックな編成で、ギターを軸にした弾き語り感、言葉の輪郭が前に出る作りが印象的です。派手な装飾よりも、歌と演奏の距離の近さが際立つタイプで、録音全体にも1970年代初頭の素朴な質感が残っています。フォークらしい直線的な進行の中に、ラテン圏ならではのリズム感が差し込まれるところも見どころです。

Mandukaのキャリアの中で

このアルバムのあと、Mandukaはアルゼンチン、ベネズエラ、ヨーロッパへと活動の場を移し、各地で作品を発表していきます。そうした後年の広がりを踏まえると、『Manduka』は彼の音楽活動の原点にあたる記録として聴ける作品です。のちに多国籍な展開を見せる前段階として、ここでは南米のフォーク／シンガーソングライターとしての輪郭がはっきりしている印象です。

関連する文脈

Mandukaは、ブラジルの詩や歌を横断する表現者として語られることが多く、同時代の南米フォーク、プロテスト・ソング、MPBの流れと近い場所にあります。彼の周辺にはLos JaivasやPablo Milanés、Naná Vasconcelosといった名前も並び、南米の音楽家たちが国境を越えてつながっていた時代背景もうかがえます。

まとめ

『Manduka』は、Mandukaの初期の立ち位置をそのまま伝えるアルバムです。アコースティック中心の構成、歌詞を重視したフォーク寄りの作り、そして70年代南米の空気感。そうした要素がまとまった一枚として、彼の音楽をたどるうえで重要な記録になっています。

トラックリスト

• A1 Brasil 1500 (10:30)
• A2 Entra Y Sale (5:46)
• A3 Naranjita (5:10)
• B1 De La Tierra (4:21)
• B2 Patria Amada Idolatrada Salve Salve (4:56)
• B3 Oiticumana (2:05)
• B4 De Un Extranjero (4:54)
• B5 Qué Dirá El Santo Padre (4:46)

関連動画

• Naranjita
• Manduka (Vinyl, RE, Linn LP12 Sondek – Krystal)
• Manduka – Cantar Venezolano

Bridget St. John『Thank You For…』について

Bridget St. Johnの『Thank You For…』は、1972年に発表された作品で、ブリティッシュ・フォークの流れを感じさせる1枚だ。John PeelのDandelionレーベルで知られる彼女にとって、1969年から1972年にかけての活動期を代表する時期の作品群のひとつに数えられる。

盤としては2010年のリリースで、オリジナル発表から時間を置いて改めて流通したタイトルになる。Bridget St. Johnの初期の作品を追ううえで、彼女の歌とギターの距離感をつかみやすい内容といえる。

サウンドの印象

ジャンル表記はFolk、スタイルはFolk。派手な装飾よりも、弾き語りを軸にした構成が中心で、音数を抑えた作りが耳に残る。ギターの手触りと声の近さが前に出るタイプで、室内的な空気を持ったフォーク作品という印象だ。

John Martynをギター面での手本として挙げていることもあり、単純な伴奏にとどまらない弦の運び方や、歌との間合いに特徴がある。ブリティッシュ・フォークの文脈の中でも、Kate Bush以前の女性シンガーソングライター像とは少し違う、素朴さと演奏の確かさが同居したタイプと受け取れる。

Bridget St. Johnにとっての位置づけ

Bridget St. Johnは、1969年から1972年のあいだにJohn PeelのDandelionレーベルで3枚のアルバムを残したことで知られる。この時期は彼女の評価が高まった時期でもあり、『Thank You For…』もその流れの中にある作品だ。

また、BBC RadioやPeel sessionsへの参加も多く、当時のUKの大学やフェスティバル・サーキットで活動していたことからも、ライブ感覚の強いシンガーソングライターとして受け止められていたことがうかがえる。

同時代の文脈

同じ時代の英国フォークには、Nick DrakeやJohn Martynのように、歌とギターの細かなニュアンスを重視するアーティストがいる。Bridget St. Johnもそうした流れの中で語られることが多く、内省的な曲作りと、アコースティックな編成のバランスがポイントになっている。

John Peelが彼女を「この国で最も優れた女性シンガーソングライター」と評したことでも知られていて、当時の評価の高さを示すエピソードとしてよく引かれる。

関連する活動

Bridget St. Johnは自作だけでなく、Mike Oldfield、Kevin Ayers、Robin Frederickとの仕事でも知られる。後年にはNick Drakeへのトリビュート公演で「Northern Sky」と「One of These Things First」を歌い、2006年にはフランスのミニマル系ミュージシャン、Colleenとともに日本ツアーも行っている。

『Thank You For…』は、そうした長い活動歴の出発点に近い時期の記録として見ると、彼女の歌とギターの基本形が見えやすい作品だ。

まとめ

『Thank You For…』は、1972年のブリティッシュ・フォークの空気をそのまま伝えるような、静かな手触りのある作品だ。Bridget St. Johnの初期代表作群の一角として、歌、ギター、間合いの取り方が端的に表れている。

トラックリスト

• A1 Nice (3:19)
• A2 Thank You For… (3:33)
• A3 Lazarus (4:20)
• A4 Goodbaby Goodbye (2:07)
• A5 Love Minus Zero, No Limit (3:18)
• B1 Silver Coin (3:04)
• B2 Happy Day (3:55)
• B3 Fly High (3:19)
• B4 To Leave Your Cover (3:21)
• B5 Every Day (4:30)
• B6 A Song Is As Long As It Wants To Go On (1:07)

関連動画

• Nice
• Thank You For…
• Lazarus
• Goodbaby Goodbye
• Love Minus Zero, No Limit

Palmeira『Palmeira』について

Palmeiraは、ブラジル音楽の要素を取り入れたオランダのバンドで、1979年から1985年まで活動したグループである。1983年に唯一のアルバム『Palmeira』を発表しており、この作品はそのグループの活動を知るうえで中心になる1枚だ。編成はLodewijk Hulsman、Angelo Noce Santoro、Jeanette Van Der Pligt、Hans Van Vugt、Jehanne Hulsmanの5人。

作品の位置づけ

このアルバムは、Palmeiraにとって唯一のアルバムとして残る作品である。ジャズクラブやナイトクラブでの演奏を重ねていたバンドの、活動のまとまりを示す記録として見ることができる。ブラジル音楽を下敷きにしながら、ジャズやフォーク、ワールド・ミュージックの要素が自然に重なっている。

サウンドの印象

ジャンル表記はJazz、Latin、Folk、World、& Country、スタイルはBossanova、MPB。ボサノヴァ由来のリズム感と、MPBらしい歌ものの流れが軸にありそうだ。打楽器やギターの細かな動き、声の重なりが前に出るタイプの音像が想像しやすい。派手に押し切るというより、演奏の呼吸や間合いを大事にした作りのアルバムとして捉えられる。

リリースについて

オリジナルのリリースは1983年。盤のリリース年は2007年で、日本盤として流通している。オリジナル時点の作品を、後年に改めて手に取りやすくした形の1枚といえる。

同時代の文脈

ブラジル音楽の感触を持ちながら、ヨーロッパのジャズやクラブ文化の中で鳴っているところがPalmeiraらしいところである。ボサノヴァ、MPB、ラテン・ジャズの周辺にある音楽と並べて聴くと、当時のクロスオーバーな空気が見えやすい。

作品のエピソード

Palmeiraは私的制作の形で500枚のみアルバムを残したとされており、『Palmeira』はその唯一の作品である。バンドの活動期間や演奏の場を考えると、ライブ現場で育ったアンサンブルの記録としても見えてくる。

関連情報として、アーティストのBandcampページも公開されている。作品の輪郭をつかむ入口としては、そのあたりから確認するのもよさそうだ。

トラックリスト

• A1 Trilhos Urbanos (5:18)
• A2 Undu (8:56)
• A3 Baixa De Sapateiro (6:12)
• A4 Telephone (3:05)
• B1 Living In More Than One Way (5:27)
• B2 Amanhecer (3:22)
• B3 Mania De Voce (7:52)
• B4 Tapajos (5:36)

関連動画

• Palmeira-Track-01-Trilhos Urbanos (1983).
• Palmeira-Track-02-Undiu (1983).
• Palmeira-Track-03-Na Baixa Do Sapateiro (1983).
• Palmeira-Track-04-Telephone (1983).
• Palmeira-Track-05-Living In More Than One Way (1983).

Akira Ito『やすらぎの道 心気・Japanesque』について

Akira Itoによる『やすらぎの道 心気・Japanesque』は、1981年に日本で登場した作品だ。ジャンルはElectronic、Folk、World、& Countryにまたがり、スタイルとしてはExperimentalとAmbientに位置づけられている。日本のニューエイジ／ロック系の流れの中で、電子音と素朴な要素を組み合わせた作品として見ていける一枚だ。

タイトルから受ける印象どおり、内容も音のつくりも、派手さよりも流れや呼吸を意識した方向にあるように見える。電子的な質感を土台にしながら、民俗音楽や自然な響きを思わせる要素が重なっていくタイプで、実験性と静けさが同居するあたりがこの作品の特徴といえそうだ。

サウンドの輪郭

この作品は、いわゆるロックの強いビートやポップな展開を前面に出すというより、音の重なりや空気感で聴かせるタイプだろう。Ambient的な広がりの中に、Electronicらしい構成感があり、そこへFolkやWorld & Countryの感触が差し込まれることで、単なる電子音楽には収まらない手触りになっている。

音色の面では、硬質なシンセだけで押し切るというより、やわらかさや余白のある響きが想像しやすい。細かな動きよりも、ひとつの場面がゆっくり立ち上がっていくような作りの印象だ。

Akira Itoの中での位置づけ

Akira Itoは1945年生まれの日本のロック／ニューエイジ系ミュージシャンで、レーベル運営にも関わった人物として知られる。そうした背景を踏まえると、『やすらぎの道 心気・Japanesque』は、単独のアルバムというより、当時の日本の電子音楽やニューエイジ的な感覚を示す一作として見ることができる。1981年という時期も、実験的な音作りと環境音楽的な発想が広がっていた時代の空気と重なる。

同時代の文脈

この時期の日本では、電子音楽、アンビエント、ニューエイジ、そして民俗的な要素を取り込む動きが少しずつ広がっていた。Akira Itoのこの作品も、その流れの中に置くと理解しやすい。海外のアンビエントや実験音楽と並べて語られることもありそうだが、音の輪郭には日本的な感覚を意識した方向性が見える。

作品名にある「Japanesque」という語も、その立ち位置を示すキーワードとして受け取れる。日本的な要素を、単純な引用ではなく、電子的な構成の中にどう組み込むかというテーマがにじむタイトルだ。

まとめ

『やすらぎの道 心気・Japanesque』は、1981年の日本で生まれた、実験性とアンビエント性をもつ作品だ。電子音楽を軸にしながら、フォークやワールド系の手触りを交え、静かな流れの中で独自の景色をつくっている。Akira Itoの活動をたどるうえでも、当時の日本のニューエイジ／実験音楽の空気を知るうえでも、ひとつの手がかりになりそうな一枚だ。

トラックリスト

• A1 生命源 (4:05)
• A2 曙光 (2:21)
• A3 誕生(予言者) (2:40)
• A4 意(おもい) (5:25)
• A5 修習思惟 (3:45)
• A6 放射光 (3:09)
• “子供達へ”
• B1 警句(Epigram) (2:14)
• B2 六大…地・水・火・風・空(物質)識(精神) (2:10)
• B3 火の国 (2:41)
• B4 自覚 (5:05)
• B5 命(みこと) (5:07)
• B6 旅する人へ (2:56)

関連動画

• 自覚
• 曙光
• 警句(Epigram)
• 意(おもい)
• 旅する人へ

Karen Beth『The Joys Of Life』について

Karen Bethは、アメリカのニューエイジ・フォーク系シンガー／ソングライター、パフォーマーとして知られるアーティストである。『The Joys Of Life』は1969年に発表された作品で、ロック、フォーク、カントリーの流れの中に置ける内容となっている。

作品の位置づけ

1969年という時代は、アメリカン・フォークがフォーク・ロックへ広がり、アコースティックな弾き語りの感覚とバンド・サウンドが近づいていった時期である。このアルバムも、その文脈の中で聴きやすい一枚として捉えられる。アーティスト本人の表現が前面に出るタイプの作品で、Karen Bethの音楽性を知るうえでの初期の記録といえるだろう。

サウンドの印象

ジャンル表記はRock、Folk、World, & Country、スタイルはFolk RockとAcoustic。そこから想像できる通り、派手な装飾よりも、アコースティック楽器の手触りや、歌の輪郭を生かした作りが中心になっていそうだ。フォークの語り口にロックの推進力が少し重なるような質感で、当時のアメリカ西海岸系フォーク・ロックやシンガーソングライター作品と近い空気を持つ可能性がある。

同時代とのつながり

1960年代後半のアメリカでは、Joni Mitchell、Judee Sill、Joan Baezのようなシンガーソングライターやフォーク系アーティストが、それぞれのやり方で個人の歌を前に出していた。Karen Bethの『The Joys Of Life』も、その時代のフォーク寄りの表現のひとつとして見ると流れがつかみやすい。派手なロック・アルバムというより、歌と演奏の距離感を大事にした作品という印象である。

まとめ

『The Joys Of Life』は、1969年のアメリカン・フォーク／フォーク・ロックの空気を反映した作品として整理できる。アコースティックな感触を軸に、歌の存在感を前に置いたアルバムとして、Karen Bethの初期像を伝える一枚といえる。

トラックリスト

• A1 It’s All Over Now
• A2 In The Morning
• A3 I Know That You Know
• A4 The Joys Of Life
• A5 Something To Believe In
• A6 April Rain
• B1 White Dakota Hill
• B2 Come December
• B3 Song To A Shepherd
• B4 Nothing Lasts
• B5 Tomorrow’s A New Day

関連動画

• It’s Over Now
• In The Morning
• I Know That You Know
• The Joys Of Life
• Something To Believe In

Francesco Guccini「Opera Buffa」について

「Opera Buffa」は、イタリアのシンガーソングライター、Francesco Gucciniが1973年に発表した作品。Gucciniは1940年6月14日、モデナ生まれで、イタリアのフォーク／カンツォーネ系の流れの中で語りを含む表現を得意とするアーティストとして知られている。

この作品は、ジャンル表記ではNon-Music、Pop、Folk、World、& Country、スタイルではChanson、Spoken Wordにまたがる内容。音楽だけで押し切るというより、言葉の比重が大きい作りで、語りと歌が行き来する構成が想像しやすい。派手な演出よりも、言葉の運びや話法そのものを聴かせるタイプの一枚という印象がある。

作品の位置づけ

1973年という時期は、Gucciniが作家性を強めていた時代にあたる。イタリアのシンガーソングライターたちが、政治や社会、個人の記憶を歌詞に持ち込んでいった流れの中で考えると、この作品もその文脈に置いて見やすい。ZuccheroやLucio Dallaのようなポップ寄りのアーティストとは少し距離があり、より言葉中心のカンツォーネ／フォークの系譜に近い。

タイトルの「Opera Buffa」は、オペラ・ブッファを思わせる言い回しで、作品全体にも演劇的な感触を与えている。内容の細部は作品を通して確かめたいところだが、少なくとも形式面では、一般的なポップ・アルバムとは違う手触りがある。

サウンドの質感

サウンドは、華美なアレンジで押すというより、声と言葉を前に出した作りとして捉えやすい。Spoken Wordの要素が示す通り、朗読や語りに近い場面が軸になっていると見てよさそうだ。フォーク由来の素朴さと、シャンソン的な語り口が並ぶところに、この作品の輪郭がある。

同時代の文脈

1970年代前半のイタリアでは、カンツォーネが単なる流行歌にとどまらず、文章性の強い表現へ広がっていった時期でもある。Francesco Gucciniは、その中でも歌詞の重みを強く意識した人物として知られていて、「Opera Buffa」もそうした流れの一部として見ると分かりやすい。フォーク、シャンソン、語りの要素が交差する作品群の中に位置する一枚だ。

アーティストについて

Francesco Gucciniはモデナ出身のイタリア人ソングライター、フォークシンガー。イタリア語の言葉運びを重視した作品で評価されてきたアーティストで、公式サイトや各種紹介ページでもその作家性が前面に出ている。「Opera Buffa」は、そうしたGucciniの持ち味を確認しやすい1973年作として見ておくと整理しやすい。

基本情報

• アーティスト: Francesco Guccini
• タイトル: Opera Buffa
• オリジナルリリース年: 1973年
• リリース国: Italy
• アーティストの国: Italy
• ジャンル: Non-Music / Pop / Folk, World, & Country
• スタイル: Chanson / Spoken Word

Francesco Gucciniの1973年作として、歌と語りの境界を行き来する作品。イタリアのカンツォーネとフォークの文脈の中で、言葉の存在感が際立つ一枚だ。

トラックリスト

• A1 Il Bello (2:17)
• A2 Di Mamme Ce N’è Una Sola (4:25)
• A3 La Genesi (7:00)
• B1 Fantoni Cesira (3:00)
• B2 Talkin’ Sul Sesso (6:00)
• B3 La Fiera Di San Lazzaro (5:40)

関連動画

• Francesco Guccini – Opera Buffa- La Genesi
• Francesco Guccini – Talkin sul sesso
• Francesco Guccini – Fantoni Cesira
• Il bello – Francesco Guccini (cover)

Earthforce『Earthforce』について

Earthforceの『Earthforce』は、2021年にUSでリリースされた作品。ジャンルはRockを軸に、Folk、World、& Countryの要素を含み、スタイルとしてはFolk Rock、Acid Rock、Psychedelic Rockに位置づけられている。メンバーにはTony Pettitt、John Lathey、Steve Bayfield、Raymond Critchell、Jenie Critchell、Mick Marsh、John Bland、James Gleave、Alan Shipgoodが参加している。

サウンドの輪郭

フォーク・ロックを土台にした構成の中へ、アシッド・ロックやサイケデリック・ロックの感触が重なるタイプの作品として見えてくる。ギターを中心にしたロックの流れに、フォーク由来の素朴さや土の匂いが差し込むような組み合わせで、ジャンル名からも当時のサイケデリック周辺の文脈が意識される内容といえる。

一方で、World、& Countryの要素もクレジットされており、単なるギターロックに収まらない広がりを持つ作品として整理できる。音像の細部は作品全体の聴感に委ねられるものの、ロックの推進力と民謡的な手触りが同居する構図が見えやすい。

作品の位置づけ

アーティスト情報は多くないが、2021年のこの『Earthforce』は、Earthforceという名義の作品をそのまま示すタイトル作。バンド名と同名のアルバムという形で、グループの輪郭を端的に示す一枚として受け取れる。

参加メンバーが多いことからも、単独のソングライター色だけでなく、複数の演奏者が関わるアンサンブル性が意識される。フォーク・ロックやサイケデリック・ロックの系譜にある作品として、1960年代後半から1970年代初頭のロック文脈を思わせる要素が並ぶ。

関連する文脈

この手のサウンドは、同時代のフォーク・ロックやサイケデリック・ロックの流れと並べて語られることが多い。アコースティックな響きとエレクトリックな展開の往復、硬質なロックの推進力と民俗的な旋律感の接点といった点で、ジャンルの交差が見どころになる。

作品やアーティストに関する情報は限られているが、関連サイトではEarthforceの紹介が見つかる。こうした断片をたどることで、作品の背景や位置づけが少しずつ見えてくるタイプのアルバムといえる。

まとめ

『Earthforce』は、フォーク・ロックを基点にサイケデリック・ロックへ触れる2021年作。ロックの骨格、フォークの手触り、そしてアシッドな揺らぎが重なる一枚として、Earthforceという名義の輪郭を示している。

トラックリスト

• A1 Dawn (7:20)
• A2 Song Of The Morning (7:25)
• A3 Carnmenyn (4:23)
• A4 Jenie’s Song (3:26)
• B1 Keep Moving (5:21)
• B2 Wild Mountain Thyme (3:46)
• B3 Wandering (6:36)
• B4 Moonrise (6:49)

関連動画

• Earthforce – A solstice song

Hako Yamasaki「流れ酔い唄」について

「流れ酔い唄」は、山崎ハコが1978年に発表した作品である。フォークを軸にしながら、ロックやブルースの要素もにじむ一枚で、当時の日本のシンガーソングライター作品らしい、歌とギターを中心にした作りが印象に残る。

作品の位置づけ

山崎ハコは1970年代のフォーク・ブームを支えた存在のひとりで、10代のうちから作品を重ねてきたアーティストである。1978年の「流れ酔い唄」は、その活動がすでに広く知られ始めていた時期のアルバムとして捉えやすい。初期の持ち味である、言葉の強さと歌い回しの確かさが前面に出る時期の作品といえる。

サウンドの特徴

全体としては、アコースティックな手触りを軸にしたフォーク色の強い内容で、そこに少しざらついたロック感、ブルース寄りの進行、土の匂いのする歌の温度が重なる。サイケデリックというスタイル表記もあるが、派手な装飾よりも、曲の流れや響きの中に独特の揺れが出るタイプの作品として受け取りやすい。

録音の空気感も、当時の日本のフォーク作品らしい近さがあり、歌声の輪郭がはっきり伝わる。静かな場面でも、ただ柔らかいだけではなく、声の芯が残る感じがある。

同時代の文脈

1970年代後半の日本では、フォークの流れがシンガーソングライターの表現へと広がっていった時期である。「流れ酔い唄」もその文脈の中に置くと見えやすい。山崎ハコの作品は、同時代の女性フォーク歌手の中でも、私小説的な語り口と、少し硬質な歌の運びが特徴として語られやすい。

比較対象としては、同じ時代のフォーク系シンガーソングライターや、ブルース感覚を持つ日本語ロックの流れが思い浮かぶ。とはいえ、この作品はそうした要素をそのままなぞるというより、山崎ハコ自身の歌い方に収束している印象である。

曲目について

作品全体としては、アルバム単位で聴かれる性格が強い。特定のヒット曲だけを押し出すタイプというより、曲ごとの言葉と声の重なりで流れを作る一枚としてまとまっている。

まとめ

「流れ酔い唄」は、1978年時点の山崎ハコの表現を知るうえでわかりやすい作品である。フォークを基調にしながら、ロックやブルースの気配も抱えたサウンド、そして歌そのものの存在感。1970年代日本のシンガーソングライター作品の中でも、山崎ハコらしさが前に出たアルバムとして位置づけやすい。

トラックリスト

• A1 流れ酔い唄 (5:17)
• A2 罪 (4:43)
• A3 青信号 (3:56)
• A4 うちと一緒に (3:43)
• A5 ヨコハマ (5:08)
• B1 さいなら (6:36)
• B2 今日からは (5:48)
• B3 きまぐれ (4:02)
• B4 夜明け前 (7:00)

関連動画

• 山崎ハコ [Hako Yamasaki] | Album: 流れ酔い唄 [Nagare Yoi Uta] | Folk-Blues-Jazz | Japan | 1978
• 山崎ハコ～流れ酔い唄

Mark McGuire『VDSQ – Solo Acoustic Volume Two』について

Mark McGuireは、アメリカ・オハイオ州クリーヴランド生まれのギタリストで、ソロ活動に加えてEmeraldsのメンバーとしても知られるアーティストだ。ギターを軸にしながら、ボーカル、テープ、キーボードなども扱う人物で、この『VDSQ – Solo Acoustic Volume Two』は2009年に発表された作品になる。

作品の輪郭

本作は、タイトルの通りアコースティック・ギターを中心に据えた内容で、ジャンルとしては Folk, World, & Country、スタイルとしては Acoustic、Folk に位置づけられている。エレクトリック寄りの音作りで知られる文脈とは少し距離を置き、弦の鳴りや指のタッチがそのまま伝わるような、素朴な質感が前に出る一枚という印象だ。

音の重なりや派手な展開で押すタイプではなく、ギターのフレーズを軸にした静かな進行が中心になりそうな作品だ。アコースティック・フォークの基本線に沿いながら、Mark McGuireらしい演奏感がにじむ位置づけとして捉えられる。

Mark McGuireというアーティストの中で

Mark McGuireは、Emeraldsでの活動を通じて知られる一方、ソロではギター表現を中心にした作品を展開している。本作は、そのソロ活動の中でもアコースティックな側面を示すタイトルとして見ておける。バンドでの音響的なアプローチとは別に、個人の演奏に近い距離感を感じさせる内容になっている可能性が高い。

同時代の文脈

2000年代後半のアメリカでは、インディー・フォークやアコースティック・ギターを軸にした作品が多く見られた時期でもある。Mark McGuireのように、実験的なバックグラウンドを持ちながらフォーク／アコースティックの形式に向かう動きは、この時代の流れの中でも興味深い位置だ。純粋なシンガーソングライター作品というより、演奏そのものに意識が向いたギター作品として受け取られやすいだろう。

まとめ

『VDSQ – Solo Acoustic Volume Two』は、2009年のMark McGuireによるアコースティック・ギター作品として整理できる。Emeraldsでの活動ともつながるアーティストの輪郭を踏まえると、ソロでの弦楽器表現を確認できる一作として見えてくる。ジャンル表記はフォーク寄りだが、演奏の質感を楽しむタイプの作品として位置づけられる。

トラックリスト

• A1 At First Sight
• A2 Vitamins
• A3 Second Thoughts
• B1 Front Porch Breeze
• B2 Burning Leaves

関連動画

• Mark McGuire – Front Porch Breeze
• Mark McGuire- Beginning of Winter- VDSQ

Devendra Banhart「Ma」について

Devendra Banhartは、テキサス生まれのベネズエラ系アメリカ人シンガーソングライター／ヴィジュアル・アーティスト。フォークを軸にしながら、カントリー、トラディショナル、サイケデリックな感触を行き来してきた人で、2019年作の「Ma」もその流れの中にある作品だ。

タイトルの「Ma」は、アーティスト自身の表現の中でもかなり端的な一作という印象がある。大きく飾り立てるというより、歌とアコースティックな響きを中心に置いた作りで、声の近さや弦の鳴り方が前に出るタイプのアルバム。フォークの基本形に沿いながら、曲ごとの輪郭を丁寧に見せる構成になっている。

サウンドの特徴

本作は、いわゆる派手なバンドサウンドよりも、素朴な質感が印象に残る。ギターや歌の距離感が近く、演奏の細部が聴き取りやすい。フォークの枠組みの中で、メロディの運びや言葉の置き方に重心がある作りだ。

Devendra Banhartの作品群の中では、実験性の強い側面よりも、歌そのものを見せる方向に寄っている時期の一枚として捉えやすい。初期から続くフォーク・リファレンスを踏まえつつ、より落ち着いた視点でまとめられたアルバムという見方もできる。

作品の位置づけ

2019年の「Ma」は、Devendra Banhartのディスコグラフィの中で、フォーク・シンガーとしての輪郭をあらためて確認できる作品だ。派手な話題性よりも、曲作りと歌唱のバランスに目が向く内容で、彼の作家性を知るうえで分かりやすい一枚になっている。

同時代のフォーク周辺の動きと比べても、アコースティックな編成やパーソナルな歌詞の置き方に耳が向くタイプで、フォーク・リバイバル以降の流れの中にある作品として整理しやすい。Cat PowerやIron & Wineのように、歌の質感を軸に聴かれるアーティスト群と並べて語られることもある。

まとめ

「Ma」は、Devendra Banhartのフォーク志向がまっすぐに出た2019年作。音の数を詰め込むより、歌と演奏の距離感を保ちながら、曲の輪郭を見せるアルバムだ。フォーク、ワールド、カントリーの要素を背景に持ちながら、全体としてはかなりストレートな歌ものとして聴ける内容になっている。