Isopoda『Taking Root』

BelgiumのAalstを拠点にしたプログレッシブ・ロック・バンド、Isopodaが1982年に発表した作品。Rockを軸に、Art RockとProg Rockの要素を組み合わせた一枚で、バンドの初期の姿を伝える内容になっている。

作品の位置づけ

Isopodaはベルギーのプログロ界に属するバンドで、メンバーの入れ替わりを経ながら活動を続けてきたグループ。『Taking Root』は1982年の時点でのバンド像を示す作品として捉えやすい。のちに編成が変わることを考えると、オリジナルメンバー中心の時期を記録した記録でもある。

サウンドの印象

Art Rock寄りの構成感と、Prog Rockらしい展開の多さが見えてくるタイプの作品。リズムは単純に流れるというより、曲ごとに区切りをつけながら進む印象で、ギターとキーボードが曲の輪郭を作っていくような手触りがある。録音も、同時代のロック作品らしい素直な質感で、演奏のまとまりをそのまま捉えた雰囲気。

同時代の文脈

1980年代前半のヨーロッパ・プログレの流れの中に置くと、70年代的な大作志向を引きずりつつ、より整理された構成へ寄っていく時期の空気も感じられる。ベルギーのプログレ・シーンらしい、英米勢とは少し距離のあるローカルな感触もポイントになりそうだ。

メンバー

• Arnold De Schepper
• Luc Vanhove
• Dirk De Schepper
• Geert Amant
• Marc Van Der Schueren
• Guido Rubbrecht
• Walter de Berlangeer

補足

Isopodaは現在もArnold De Schepperが中心となって、弟のLuc Vanhoveや息子たちとともにライブで楽曲を演奏しているという記録がある。『Taking Root』は、そうした現在の活動につながる出発点のひとつとして見られる作品でもある。

トラックリスト

• A1 Taking Root
• A2 The Usual Start
• A3 Endless Streets
• A4 Sunset Alley
• B1 Harbinger
• B2 Girls Will Be Girls
• B3 The Fall
• B4 O.K. With Me
• B5 Join With The Stream

関連動画

• Taking Root
• The Usual Start
• Endless Streets
• Sunset Alley
• Harbinger

Doug Carn『Infant Eyes』（1971）

Doug Carnは、アメリカ出身のジャズ・ミュージシャン／プロデューサーで、ピアノ、オルガン、キーボードを中心に活動した人物だ。『Infant Eyes』は1971年の作品で、ソウル・ジャズとスピリチュアル・ジャズの流れに置かれる1枚として知られている。

作品の輪郭

この時期のDoug Carnは、Black Jazz Records周辺の流れとも重なる存在で、同レーベルにおける初期1970年代ジャズの空気をよく映している。ジャズを土台にしながら、ゴスペルやソウルの感触を持ち込んだ演奏が特徴で、鍵盤を軸にした構成が作品全体を支えている印象だ。

録音の質感は、当時のUSジャズらしい直接的な手触りを持ち、リズムも前に出すぎず、曲の流れに沿って進むタイプ。オルガンやピアノの音が空間を埋めつつ、演奏のひとつひとつがはっきり聴こえる作りになっている。

Doug Carnというアーティストの位置づけ

Doug Carnは、ソウル・ジャズからスピリチュアル・ジャズへつながる文脈のなかで語られることが多い。1970年代前半には、妻のJean Carnとの共演作でも知られ、同時代のジャズ・シーンの中で独自の鍵盤表現を展開していた。Nat Adderley、Shirley Horn、Lou Donaldson、Stanley Turrentineらとの仕事歴もあり、幅広いジャズの現場に関わっていた人物でもある。

同時代とのつながり

『Infant Eyes』のような作品は、Hard Bop以降の流れを受けつつ、よりソウル寄りの響きや精神性を前面に出していく1970年代初頭のジャズの動きと重なる。Bruce McPhersonやCalvin Keysらを含むBlack Jazz系の作品群と並べて語られることもあり、同じ時代の空気を共有している。

まとめ

『Infant Eyes』は、Doug Carnの鍵盤奏者としての個性が、ソウル・ジャズとスピリチュアル・ジャズの接点で表れた1971年作だ。派手さよりも、曲の流れ、音の配置、演奏の呼吸で聴かせるタイプの作品として受け取れる。

トラックリスト

• A1 Welcome (1:15)
• A2 Little B’s Poem (3:50)
• A3 Moon Child (7:56)
• A4 Infant Eyes (9:50)
• B1 Passion Dance (5:58)
• B2 Acknowledgement (8:45)
• B3 Peace (4:30)

関連動画

• Doug Carn ‎”Infant Eyes” [Full Album]
• Welcome
• Little B’s Poem
• Moon Child
• Infant Eyes

Synergy『Sequencer』について

Synergyは、アメリカのシンセサイザー奏者 Larry Fast の名義として知られるプロジェクトで、1970年代半ばから活動を続けてきた。『Sequencer』は1976年の作品として位置づけられる一枚で、電子音楽を軸にしながら、ダウンテンポやシンセポップの要素も感じさせる内容になっている。1979年盤として流通したこのレコードは、Synergyの初期の流れを追ううえで見ておきたいタイトルのひとつだ。

サウンドの印象

中心にあるのは、シーケンサーを使った規則的なリズムと、シンセの音色の重なり。打ち込み的な反復が前に出ながらも、音の輪郭は比較的はっきりしていて、機械的になりすぎないところにこの時期らしさがある。録音の雰囲気も、過度に厚塗りせず、電子音の動きがそのまま伝わるタイプの仕上がり。

メロディ面では、クラシック音楽からの影響を含んだ初期Synergyの流れを思わせる部分があり、そこによりロック寄りの推進力が加わる。電子音楽としての実験性と、曲としてのまとまりの両方を意識した作りに聞こえる。

Synergyというプロジェクトの位置づけ

Larry Fast は、Synergy名義での活動を通して、シンセサイザーを前面に出した作品群を展開してきた。初期作では西洋クラシックの影響や編曲的な発想が目立ち、後年になるほどオリジナル曲の比重が高まり、ロック的な要素も増していく。そうした流れの中で『Sequencer』は、シーケンス処理と電子音の構成が作品の核にある時期の記録として捉えやすい。

同時代の電子音楽やシンセ・ポップの文脈で見ると、機材の存在感をそのまま作品の個性に変えている点が印象的。クラウトロック以後のシンセ主導の作品群や、同時期のアメリカ産エレクトロニクスとも並べて語られそうな内容だが、Synergyはあくまで Larry Fast の制作感覚が前面に出るプロジェクトとして独自性を保っている。

関連する背景

Larry Fast は Synergy 名義だけでなく、Nektar、Tony Levin、Annie Haslam らとの関わりでも知られ、Peter Gabriel のバンドでも活動している。そうした周辺の仕事を踏まえると、『Sequencer』にも単なる電子音の提示にとどまらない、演奏感や構成感への意識が見えてくる。

1970年代のシンセサイザー作品の中でも、シーケンスの反復を軸に曲を組み立てる発想がはっきり出た一枚。Synergy の初期像を知るうえで、押さえておきたいタイトル。

トラックリスト

• A1 S-Scape (5:50)
• A2 Chateau (4:16)
• A3 Cybersports (4:39)
• A4 Classical Gas (3:00)
• Paradox (7:00)
• B2 (Sequence) 14 (11:14)

関連動画

• Synergy ‘S-Scape’ Larry Fast 1976 album ‘Sequencer’

Earth And Fire / Gate To Infinity (1977)

オランダ、Voorschoten / Voorburg 出身のポップ・バンド、Earth And Fireによる1977年の作品。女性ヴォーカルのJerney Kaagmanを中心に、Chris Koertsのギター、Gerard Koertsのキーボードを軸にした編成で知られるグループで、シンフォニック・ロックとポップ・ロックのあいだを行き来するバンドとして位置づけられている。

作品の輪郭

Gate To Infinity は、Earth And Fireがキーボード面をさらに広げていく時期のアルバム。以前から使っていたハモンド・オルガンに加えて、メロトロンやシンセサイザーもセットに取り入れており、バンドのサウンドに厚みを持たせている。収録曲の構成でも、片面を使った長めの組曲的な展開が含まれていて、同時期のシンフォニック・ロック的な流れが見えやすい一枚。

リズム隊はしっかり前に出すぎず、演奏全体を支える役回り。そこにキーボードの層とギターのフレーズ、Jerney Kaagmanの歌が重なる形で、ポップ寄りの聴きやすさとプログレッシブな組み立てが同居している。録音の雰囲気も、楽器の音を重ねていくタイプの作りで、音像は比較的整理されている印象。

バンドの流れの中で

Earth And Fireは、1969年の「Seasons」や1970年の「Ruby is the One」「Wild & Exciting」、1971年の「Invitation」、1972年の「Memories」などで知られ、オランダ国内でヒットを重ねてきた。アルバム作品では、Song of the Marching Children や Atlantis がよく挙げられることが多く、そこからTo the World of the Future を経て、Gate To Infinity ではシンセサイザーの比重がさらに増していく流れ。

1970年代後半のヨーロッパのロック文脈では、シンフォニック・ロックがポップ寄りの要素と混ざっていく動きも見られる時期で、Earth And Fireもその一角にあるバンドとして捉えやすい。GenesisやYesのような英ロック系の大作志向とは少し距離を取りつつ、メロディを前に出した組み立てが特徴になっている。

メンバーとクレジット

• Jerney Kaagman：ヴォーカル
• Chris Koerts：ギター
• Gerard Koerts：キーボード
• Hans Ziech：ベース
• Ton van der Kleij：ドラム

クレジットには、Mark Stoop、Bert Ruiter、Ton Scherpenzeel、Ab Tamboer、Age Kat、Jons Pistoor、Theo Hurts、Ronnie Meyjes、Lysett、Cees Kalis などの名前も見える。バンドの周辺人脈の広さも、当時のオランダ・ロックの動きとつながっている。

ひとこと

Gate To Infinity は、Earth And Fireがポップ・バンドとしての輪郭を保ちながら、シンフォニックな要素とキーボード主体の展開を押し広げていた時期の一作。1977年のオリジナル盤として、バンドの変化が見えやすいアルバムになっている。

トラックリスト

• Gate To Infinity (17:19)
• B1 78th Avenue (3:02)
• B2 Smile (3:11)
• B3 Green Park Station (2:59)
• B4 Dizzy Raptures (3:17)
• B5 Driftin’ (5:36)

関連動画

• Earh & Fire_Smile
• Earth & Fire – A Princess In Egypt / The Joyous Untruth
• Gate To Infinity: Infinity

Brèche『Carapace Et Chair Tendre』について

『Carapace Et Chair Tendre』は、カナダ・ケベック州シェルブルック周辺のフォークロック・バンド、Brècheが1979年に発表した作品。メンバーはJacques Joubert、Marc Bolduc、Daniel Roussel、Paul Bolducの4人で、フォークを軸にしながら、クラシック、ジャズ、プログレッシブ・ロックの要素も取り込んでいたグループとして知られている。

このバンドはもともとBolducという名前で活動を始め、ケベック各地の出身メンバーが集まって結成された。1976年ごろから活動を始め、2年ほどケベック州内を回りながら演奏と作曲を重ねたのち、1978年にBrècheへ改名している。バンド名は、自分たちの音楽が時代の流れに「裂け目」を入れるようなものだと感じたことに由来するという。

作品の位置づけ

本作はBrècheにとって唯一のアルバム。1979年夏にカナダでリリースされている。地域のトラッド・フォーク系フェスティバルでも演奏していた一方で、音楽の中身はフォークだけに収まらない構成で、プログレ寄りの感触も持っていた点が特徴として挙げられる。

ケベック州では入手しやすい作品ではなく、また出演機会との相性も含めて十分な露出につながらなかったようで、Brècheは広く知られる前に埋もれた存在になっている。1979年10月以降の活動記録が見えなくなっており、1980年初頭には活動を終えたとみられる流れ。

サウンドの印象

サウンドは、アコースティックな手触りを土台にしたフォークロック路線。リズムは素朴さを保ちながらも、楽曲の組み立てにはプログレッシブ・ロック由来の展開が見えるタイプと受け取れる。録音も、派手に作り込むというより、演奏の輪郭をそのまま置いたような質感。

ジャンル表記としてはRock、Folk、World、& Countryにまたがり、スタイルはFolk Rock。ケベックのトラッド／フォークの文脈にいながら、そこから少し外れたところを狙ったアルバム、という見え方がしやすい一枚。

同時代の文脈

1970年代後半のケベック周辺では、フォークやトラッドの流れと、より実験的なロックの感覚が並走していた。Brècheもその交差点にいたグループのひとつで、伝統音楽の場に出ながら、音の作りはプログレ寄りという立ち位置。そうした意味で、同時代のカナダ産フォークロックやケベックのロック史の中でも、少し横道にある存在として見えてくる。

ひとことで

ケベック発のフォークロックを軸に、クラシック、ジャズ、プログレの気配を織り込んだBrècheの唯一作。1979年という時代と、地域の音楽シーンの間で生まれた、記録としても興味深いアルバム。

トラックリスト

• A1 L’hymne (3:31)
• A2 Marianne (3:39)
• A3 La Légende De Jos Kébék (4:56)
• A4 Vent Du Midi (6:15)
• B1 La Fuite (4:06)
• B2 De Justesse (4:56)
• B3 Grandir (6:38)
• B4 Les P’tites Cuillers (3:10)

関連動画

• Brèche ‎– Vent Du Midi [HQ Audio] Carapace Et Chair Tendre, 1979
• Breche – L’ Hymne
• Breche – Marianne
• Brèche – La Fuite
• Brèche ‎– Grandir ( 1979, Prog Folk, Canada )

Disco Light Orchestra「Disco Dance (II)」について

Disco Light Orchestraによる「Disco Dance (II)」は、1980年にルーマニアで登場したディスコ作品です。ジャンルとしてはFunk / Soul、Popの要素を含みつつ、スタイルの軸はディスコに置かれています。タイトルからも伝わる通り、ダンス向けのリズムを前面に出した構成が想像しやすい一枚です。

作品の輪郭

この時期のディスコらしく、一定の拍を保つビート、反復を生かした展開、リズムの推進力が重要な位置を占める作品と見られます。楽曲の進行は、メロディを大きく押し出すというより、グルーヴを積み重ねていくタイプの作りが中心になりやすい流れです。録音の雰囲気も、当時のダンス・ミュージックらしい素朴さと、機能性のあるまとめ方が感じられるタイプの作品として捉えられます。

1980年という位置づけ

1980年は、ディスコが一つのピークを越えつつも、ポップやファンクの文脈へ広がっていた時期です。そのため、この作品も単純なディスコ一辺倒というより、ポップ寄りの聴きやすさと、ファンク由来のリズム感が交差する時代性の中に置けます。ルーマニア発のディスコ作品という点でも、同時代の西欧やアメリカのディスコとは少し違う空気を持つ可能性がある一枚です。

アーティストにとっての意味合い

Disco Light Orchestraについての詳細なプロフィールは多くありませんが、「Disco Dance (II)」は少なくとも1980年時点での代表的なタイトルのひとつとして見やすい作品です。名前にオーケストラを含むことからも、バンド編成やアンサンブルを意識した作りがうかがえる点は興味深いところです。

同時代の文脈

ディスコ、ファンク、ポップが近い距離で混ざっていた時代の作品として見ると、当時のダンス音楽の流れの中に収まります。アメリカの大きなディスコ・シーンとは異なる地域性を持ちながら、反復するビートと踊りやすさを重視する点では、同時代の多くのディスコ作品と共通する部分があると言えます。

まとめ

「Disco Dance (II)」は、1980年のルーマニアで生まれたディスコ作品として、Funk / SoulとPopの要素を含みながらダンス志向をはっきり示す一枚です。作品全体の輪郭は、当時のディスコらしいリズムの持続感と、時代のポップ感覚が交わるところにあります。

トラックリスト

• A1 Young Men (Oameni Tineri) (3:07)
• A2 Gimme, Gimme, Gimme (Dă-mi, Dă-mi, Dă-mi) (3:32)
• A3 Babe, It’s Up To You (Baby, Depinde De Tine) (2:54)
• A4 Kingston, Kingston (2:43)
• A5 You’re The Greatest Lover (Ești Marea Mea Dragoste) (2:44)
• B6 Trojan Horse (Calul Troian) (3:12)
• B7 Lay Love On You (Ți-am Dat Dragostea) (2:52)
• B8 Amor, Amor (Dragoste, Dragoste) (3:01)
• B9 Follow Me, Follow You (Urmează-mă, Te Urmez) (3:29)
• B10 She’s In Love With You (Ea Te Iubește) (2:56)
• C1 Hooray, Hooray, It’s A Holi Holiday (Ura, Este Vacanță) (2:59)
• C2 Crazy Little Thing Called Love (Mica Nebunie Numită Dragoste) (2:15)
• C3 Boy, Oh Boy (Oh, Băiatule) (2:25)
• C4 Da’Ya’Think I’m Pretty (Crezi Că Sînt Drăguță ?) (3:37)
• C5 Boogie Rhythm For You (Ritm De Boogie Pentru Tine) (3:52)
• D6 Tragedy (Tragedie) (3:16)
• D7 Bang, Bang (2:44)
• D8 Don’t Bring Me Down (Nu Mă Distruge) (2:40)
• D9 Whatever You Want (Orice Dorești) (3:05)
• D10 Chiquitita (3:56)

関連動画

• Disco Light Orchestra – 12″ Boogie rhythm for you
• Disco Light Orchestra-Boy,oh boy (Oh baiatule)
• Disco Light Orchestra-Bang bang
• Disco Light Orchestra-Boogie rhythm for you(Ritm de boogie pentru tine)
• Disco Light Orchestra-Whatever you want(Orice doresti)

The Railway Children『Native Place』について

『Native Place』は、UKのインディー・ロック・バンド、The Railway Childrenが1990年に発表した作品。メンバーはGary Newby、Brian Bateman、Stephen Hull、Guy Keeganの4人で、ギターを軸にした編成によるバンドらしいまとまりがある。Rock、Popの要素を含みつつ、スタイルとしてはIndie Rockに位置づけられる一枚。

バンドは1984年にイギリスのウィガンで結成され、Factory系の流れを経てVirginへ進んだ経歴を持つ。90年代初頭のUKインディー・シーンを背景にしたグループで、この『Native Place』もその時代の空気を感じさせる作品として受け取られている。

サウンドの印象

演奏は、ギターの輪郭をはっきり見せながら、リズム隊が曲の流れを支えるタイプ。派手に押し切るというより、ビートの推進力とメロディの運びで聴かせる作り。録音の質感も、当時のUKインディーらしい、少し乾いた手触りが残る印象。

ロックの骨格の上にポップな感触を重ねたバランスで、同時代のギターバンドの文脈に置いて聴かれることが多そうな一作。The Railway Childrenの中でも、バンドの輪郭が比較的見えやすい時期の作品として捉えられる。

バンドの流れの中で

『Native Place』は、The Railway Childrenにとって90年時点の到達点のひとつ。インディー・ロックの文脈からメジャー・レーベル期へ進んでいく過程の中にあり、バンドの活動史を追ううえでも重要な位置にある。

同時代のUKギターバンドと並べて語られることもありそうな内容で、Factory Records周辺の系譜や、Virgin期のインディー・ポップ／ギターロックの流れを思わせるところもある。

作品の基本情報

• アーティスト: The Railway Children
• タイトル: Native Place
• オリジナルリリース年: 1990年
• 国: UK
• ジャンル: Rock / Pop
• スタイル: Indie Rock

1990年のUKインディー・ロックを軸に、バンドの持ち味を見せる作品として整理できる一枚。

トラックリスト

• A1 Every Beat Of The Heart
• A2 Music Stop
• A3 You’re Young
• A4 Because
• A5 Cotton Counting
• A6 It’s Heaven
• B1 Something So Good
• B2 Collide
• B3 Native Place
• B4 Fall On
• B5 Harbour Force
• B6 Blue Sky

関連動画

• The Railway Children – Something So Good (HQ)
• The Railway Children – Music Stop
• RAILWAY CHILDREN – BECAUSE [1990]

Sebastian Agnello「Head Roach」について

「Head Roach」は、Sebastian Agnelloによる1971年の作品。アーティストはカナダ出身のシンガー／ソングライター／ミュージシャン／プロデューサーで、Sound Canada Recording Centreのハウスバンドでも長く活動していた人物として知られている。ジャンルはFolk, World, & Country、スタイルはFolk。アコースティックな手触りを軸にした、当時のフォーク・シーンの流れの中に置いて聴ける一枚という印象。

作品の位置づけ

1971年という時期は、フォークがシンガーソングライター寄りの表現や、録音作品としてのまとまりを強めていった時代。Sebastian Agnelloもその文脈の中で、歌と演奏を前面に出した形で作品を残している。USで制作・流通された盤として見れば、同時代の北米フォークの空気を感じやすいタイトル。

サウンドの印象

音の中心は、歌と弦楽器の組み合わせに置かれているタイプ。派手な装飾よりも、演奏の間合いやリズムの取り方、録音の近さが印象に残りやすい。フォーク作品らしい素朴な質感を持ちながら、曲ごとの運びで聴かせる構成になっているように受け取れる。

同時代とのつながり

1970年代初頭のフォーク作品としては、アメリカやカナダのシンガーソングライター系の流れと重ねて語りやすい。アーティスト自身が制作現場にも関わっていた背景を踏まえると、単なる弾き語りの記録というより、当時の録音文化の中で形になった作品として見えてくる。

リリース情報

• アーティスト: Sebastian Agnello
• タイトル: Head Roach
• オリジナル・リリース年: 1971年
• 盤のリリース年: 2005年
• 国: US
• ジャンル: Folk, World, & Country
• スタイル: Folk

1971年のフォーク作品として、Sebastian Agnelloの活動と北米の同時代的な音楽の流れをつなぐ一枚。

トラックリスト

• A1 Let’s Go To The Drug Store (1:20)
• A2 Don’t Step On That Roach (3:04)
• A3 My Baby Put A Spell On Me (2:29)
• A4 Jack The Ripper (2:21)
• A5 Ballad Of The Werme (3:06)
• A6 Werme’s Woman (2:34)
• A7 Toking Alone (2:03)
• B1 Cut Up #1 (0:23)
• B2 They Call Her Pig (2:05)
• B3 Cut Up #2 (0:24)
• B4 Life In A Bottle (3:06)
• B5 Cut Up #3 (0:23)
• B6 Air Pollution Blues (1:43)
• B7 Cut Up #4 (0:20)
• B8 Booking Agent Blues (3:14)
• B9 Cut Up #5 (3:17)

関連動画

• Sebastian – Head Roach (1971) FULL ALBUM { Folk }
• Sebastian – Let’s go to the Drug Store (1972)
• Sebastian – Don’t step on that roach
• Sebastian – Jack the ripper
• Sebastian – Werme’s woman

Tangerine Dream『Force Majeure』

1979年のTangerine Dreamによるアルバム。電子音楽とロックのあいだを行き来しながら、ベルリン・スクールの流れをよく示す作品として位置づけられる一枚だ。アーティストの中心人物であるEdgar Froeseを軸に、Christopher Franke、Klaus Krügerらが参加し、シンセサイザーとリズムを前面に出した構成になっている。

作品の輪郭

この時期のTangerine Dreamは、初期の実験色の強い展開から、シーケンサーを使った反復と拍の明確さへと重心を移していた時期にあたる。『Force Majeure』でも、その流れがはっきりしていて、電子音のレイヤーが積み重なるなかに、ロック寄りの推進力が見える。音の密度は高いが、演奏の輪郭は比較的追いやすい印象だ。

録音の雰囲気は、硬質なシンセの質感と、一定のリズムが前に出る作り。曲によっては、静かな展開から少しずつ拍が立ち上がり、そこにメロディが乗っていく流れがある。ベルリン・スクールの代表格として語られる理由が、そのまま音の組み立てに表れている。

アーティストの中での位置づけ

Tangerine Dreamは、1970年代にシンセサイザーとシーケンサーを使った電子音楽をロックの文脈へ広げたグループとして知られる。『Phaedra』以降の流れを受けつつ、『Force Majeure』ではよりロック的な手触りが見えやすい。1970年代後半の同グループの変化を追ううえで、ひとつの節目として捉えられる作品だ。

この頃の同時代的な文脈としては、クラウトロック周辺の実験性と、より構築的な電子音楽の接点が思い浮かぶ。電子音の反復や長尺の展開は、同じベルリン・スクール系の流れにあるアーティストとも比較されやすい。

まとめ

『Force Majeure』は、Tangerine Dreamの1979年作として、シンセ主体の構築とロック的な推進力が並ぶアルバム。初期の実験性と、後年のより整理されたサウンドのあいだに位置するような内容で、当時のバンドの方向性を確認しやすい一枚といえる。

トラックリスト

• A Force Majeure (18:18)
• B1 Cloudburst Flight (7:21)
• B2 Thru Metamorphic Rocks (14:15)

関連動画

• Force Majeure – Tangerine Dream (1979) FULL ALBUM
• Force Majeure
• Cloudburst Flight
• Thru Metamorphic Rocks

PYG『Free With PYG』（1971）について

『Free With PYG』は、1971年に日本で発表されたPYGの作品。ザ・タイガースやザ・スパイダースのメンバーを含む編成で結成された、短期間だけ活動した日本のロック・グループによる一枚である。ロックを土台に、ブルース・ロックとハード・ロックの要素を前面に出した内容として位置づけられる。

バンドの輪郭

PYGは、沢田研二、萩原健一、岸部修三、井上堯之、堀内“オーガン”など、当時の日本のロック／歌謡シーンで存在感のあるメンバーが集まったグループ。活動期間は長くなく、アルバム2作とシングル5枚を残して翌年には解散している。そのため、本作はグループの初期のまとまりをそのまま記録したような一枚として見られることが多い。

サウンドの印象

サウンドは、ギターを軸にしたバンド演奏が中心。リズム隊が前に出る場面があり、曲によっては重さのあるビートと、歯切れのよい演奏が並ぶ。ブルース・ロック寄りの粘りと、ハード・ロック的な押しの強さが同居していて、当時の日本のロックが洋楽の流れをどう受け止めていたかが見えやすい内容になっている。

録音の質感は、1971年らしい生々しさを残したもの。各楽器の輪郭が比較的はっきりしていて、スタジオでのバンド感を重視した作りに感じられる。

作品の位置づけ

このアルバムは、PYGというグループの出発点を示す作品として捉えやすい。後の日本のロックバンドにもつながる、スター級のメンバーを集めた編成、そして歌謡曲の文脈だけでは収まらないバンド・サウンドが同居している点が印象的。時代としては、英米のブルース・ロックやハード・ロックが広く浸透していた頃で、日本でもそうした流れを受けた作品が次々と出ていた。その中でPYGは、個々のキャリアの強さとバンドとしての試行が重なる存在といえる。

まとめ

『Free With PYG』は、1971年の日本のロックを語るうえで外しにくい一枚。メンバーの顔ぶれ、ブルース・ロックとハード・ロックを行き来する演奏、短命バンドならではのまとまりが、そのまま記録された作品になっている。

トラックリスト

• A1 Black Night
• A2 Walking My Shadow
• A3 Every Mother’s Son
• A4 Country Comfort
• A5 Bitch
• B1 Speed King
• B2 Cowboy
• B3 Love In Vain
• B4 To Love Somebody
• B5 Travelin’g In The Dark
• C1 The Day I Knew A Love
• C2 A Road Named No Return
• C3 Nothing Free
• C4 Sympathy For The Devil
• C5 I Put A Spell On You
• D1 Now The Time For Love
• D2 I Want To Take You Higher
• D3 Babe, I’m Gonna Leave You
• D4 To Pray

関連動画

• FREE with PYG [Live] [Disc 1]
• FREE with PYG [Live] [Disc 2]
• PYG「FREE with PYG」田園コロシアムライブ音源 (萩原健一さん追悼 3/26) Disc 1
• PYG「FREE with PYG」田園コロシアムライブ音源 (萩原健一さん追悼 3/26) Disc 2

Depeche Mode「People Are People」について

Depeche Modeの「People Are People」は、1984年に発表された作品で、1985年盤として日本でリリースされたレコードだ。イングランド・エセックス州バジルドンで結成されたこの電子音楽バンドは、80年代のシンセポップを代表する存在のひとつとして知られている。

この時期のDepeche Modeは、初期の軽快なシンセポップから少しずつ音の輪郭を変えながら、打ち込み主体のリズムと機械的な質感を前面に出していく流れの中にある。「People Are People」も、その変化をよく示すタイトルとして位置づけられる作品だ。

サウンドの特徴

この曲は、硬めのビートと反復するシーケンス、はっきりしたリズムの組み立てが印象に残る。シンセの音色は装飾的というより、機能的に曲を押し進める役割が強く、ヴォーカルとの対比も明確だ。録音の質感も、80年代前半のエレクトロニック・ポップらしい整理された響きにまとまっている。

同時代のシンセポップやニュー・ウェイヴの流れの中でも、Depeche Modeは遊びのあるポップさだけでなく、より硬質でストレートな構成を強めていく段階に入っていた。Human LeagueやYazoo、OMDと並べて語られることの多い時期でもある。

作品の位置づけ

「People Are People」は、Depeche Modeが英国のニュー・ウェイヴ／シンセポップの枠を越えて、より広い層に存在感を示していく流れの中にある。1983年の「Construction Time Again」、1984年の「Some Great Reward」と続く時期で、バンドの作曲面を担うMartin Goreの色がさらに濃くなっていく局面でもある。

この頃のラインアップは、Dave Gahan、Martin Gore、Andy Fletcher、Alan Wilderを中心とした体制。後のDepeche Modeにつながる、打ち込みと人力の感触が混ざるバンド像が固まりつつある時期と見てよさそうだ。

日本盤としての魅力

1985年に日本で出たこの盤は、当時の国内リリースとして手に取れる点も興味深い。アートワークや帯、国内盤ならではの情報量も含めて、80年代中盤のDepeche Modeを日本で追ううえでの一枚という印象だ。

「People Are People」は、Depeche Modeの初期から中期へ向かう流れを確認できる作品として、シンセポップの変化をたどるうえでも見ておきたいタイトルだ。

トラックリスト

• A1 People Are People
• A2 Now This Is Fun
• A3 Love In Itself
• A4 Work Hard
• A5 Told You So
• B1 Get The Balance Right
• B2 Leave In Silence
• B3 Pipeline
• B4 Everything Counts
• B5 Master And Servant

関連動画

• Depeche Mode – People Are People (Official Video)
• Depeche Mode – Everything Counts (Official Music Video)
• Depeche Mode – People Are People (Official Video)

Alain Markusfeld / Contemporus

Alain Markusfeldの1979年作「Contemporus」は、ElectronicとRockを軸にした作品で、Prog RockやJazz-Rockの文脈でも語られる一枚。オリジナルのリリース年がそのまま作品の出発点になっていて、1970年代後半の流れの中で位置づけやすいアルバムだ。

作品の輪郭

アーティストのプロフィールを見ると、Alain Markusfeldはフランス・パリ出身のシンガー／ソングライターで、若い頃からバンド活動やセッション、作曲の仕事を重ねてきた人物。1970年代には、歌とバンドリーダー的な立場から、マルチインストゥルメンタルなソロ表現へと重心を移していった流れがあり、この作品もその延長線上にあるように見える。

サウンド面では、ロックの骨格に電子的な質感が重なり、演奏の組み立てにジャズ・ロック的な流れが感じられるタイプ。リズムは単純に押し出すというより、曲ごとの展開に合わせて動きがつく印象で、録音の空気も1970年代末らしい落ち着きを持っている。

アーティストの流れの中で

Alain Markusfeldは、サイケデリック・ロックから多文化的なインストゥルメンタル表現へと徐々に移っていったとされる。この「Contemporus」も、そうした変化の途中にある作品として見ると、ロック、電子音、そして演奏主体の構成が自然につながってくる。

同時代の感覚でいえば、Prog RockやJazz-Rockの広がりの中にありつつ、よりインストゥルメンタルな方向へ寄っていく流れ。比較の対象としては、ドイツのPopol Vuhが挙げられることもあるように、メロディやバンド編成だけでなく、音の重ね方や空気の作り方にも意識が向いている印象だ。

ひとことで

1979年という時期のロックと電子音の接点を、Alain Markusfeldの経歴と重ねて捉えやすい作品。歌ものとしてだけでなく、演奏と構成の流れで聴くと輪郭が見えやすい一枚。

トラックリスト

• A1 Oasis Under The Stars (L’Oasis Sous Les Étoiles) (4:10)
• A2 The Floating Soul (L’Âme Flottante) (3:42)
• A3 Jazz In Casablanca (Jazz À Casablanca) (3:04)
• A4 Fiesta Atomika (Fiesta Atomikâ) (3:41)
• A5 It’s Raining On The Third Millenium (Il Pleut Sur Le Troisième Millénaire) (4:17)
• Contemporus
• B.1 1st Movement (3:06)
• B.2 2nd Movement (5:05)
• B.3 3rd Movement (5:00)
• B.4 4th Movement (6:22)

関連動画

• Alain Markusfeld – It’s Raining On The Third Mill
• Alain Markusfeld – Lame Flottante

Donovan / Donovan

Donovanは、スコットランド出身のシンガーソングライター、ギタリストであるDonovanによる1975年の作品。ロック、ポップ、フォーク、カントリーの要素をまたぐ活動で知られるアーティストの、70年代半ばの一枚として位置づけられる。

作品の輪郭

本作は1975年のリリースで、同年のDonovanの音楽的な姿をそのまま伝えるタイトル作。フォークを土台にしながら、クラシック・ロック寄りの感触も見える内容で、アコースティックな響きとバンド的な推進力が並ぶ構成になっている。派手さを前面に出すというより、曲の流れや言葉の運びを追いやすい作りの印象。

録音の雰囲気は、70年代のフォーク・ロックらしい距離感がある。リズムは過度に主張せず、ギターや歌のラインを支える形で進むことが多く、音の重なりも比較的すっきりしている。ポップな輪郭とフォークの語り口が同居するタイプのサウンド。

アーティストとしての位置づけ

Donovanは1960年代から活動を続け、フォーク、ロック、ポップを横断してきた人物。1975年という時期は、初期のフォーク色と、その後に広がったロック寄りの感覚が接続されるタイミングとして見ることができる。のちにRock and Roll Hall of FameとSongwriters Hall of Fameに名を連ねることになるが、この作品もその作家性の延長線上にある一枚。

同時代との関係

文脈としては、同時代のフォーク・ロックやクラシック・ロックの流れに置きやすい。Bob Dylan周辺に通じる語り口、あるいは英国フォーク系の流れを思わせる場面もあるが、Donovan自身の持つポップ寄りの感覚が加わっているところが特徴になっている。

まとめ

1975年のDonovanを知るうえで、タイトル通りにアーティスト像が前に出る作品。フォークの素地、ロックの推進力、ポップの親しみやすさが並ぶ内容で、70年代半ばの空気を反映した一枚として受け止めやすい。

トラックリスト

• A1 Universal Soldier (2:10)
• A2 To Sing For You (2:43)
• A3 Colours (2:44)
• A4 To Try For The Sun (2:36)
• A5 Hey Gyp (Dig The Slowness) (3:10)
• A6 Candy Man (3:26)
• B1 Catch The Wind (2:16)
• B2 Josie (3:25)
• B3 Remember The Alamo (3:02)
• B4 Donna, Donna (2:54)
• B5 Circus Of Sour (1:50)
• B6 Sunny Goodge Street (2:52)

Vent D’Est / Vent D’Est

フランスのロック・グループ、Vent D’Estによる同名作品。1980年のリリースで、プログレッシブ・ロックの流れに位置づけられる一枚です。メンバーはJean-Luc Siegler、Jean-Luc Wysocki、Christian Devot、Patrice Witt、Jean-Marc Fischer。フランス国内で発表されたアルバムとして、当時の欧州ロックの空気をそのまま切り取ったような存在感があります。

作品の輪郭

演奏面では、リズムの切り替えや曲の展開を重視した組み立てが中心になりやすいタイプの作品といえそうです。ロックの基本形を土台にしながら、パートごとの流れをつなげていく作りで、いわゆる直進型のロックとは少し距離のある印象。楽器同士の重なりや、曲の中での起伏を聴かせる構成が、プログレらしい要素として見えてきます。

サウンドの印象

録音の質感は、80年代初頭らしい手触りを感じさせるものとして捉えられそうです。派手に作り込むというより、各楽器の輪郭を見せながら進むタイプの音像。ギター、キーボード、リズム隊のやり取りが前に出ることで、曲の流れに細かな表情がついていく構図です。音の厚みよりも、パートの配置や展開の変化が耳に残る一枚。

当時の文脈

1980年という時期は、プログレッシブ・ロックが70年代的な大きな広がりから少し形を変えていく時期でもあります。そのなかでフランスのバンドが残したこのアルバムは、英米の有名バンドとは少し違うローカルな感触を持つ作品として見えてきます。派手な知名度よりも、同時代の欧州ロックの一断面として記憶されるタイプの作品。

ひとこと

Vent D’Estという名前と同じタイトルを持つこのアルバムは、バンドそのものの輪郭をそのまま示すような一作。作品全体を通して、ロックを軸にしながらも、構成の積み上げや演奏の組み合わせで聴かせる内容です。フランスのプログレ系作品の流れをたどるうえで、ひとつの地点として置いておきたいアルバム。

トラックリスト

• A1 Traveller
• A2 La Toile
• A3 Your Eyes
• A4 La Dame En Noir
• B1 La Madonne Des Sleepings
• B2 California’s Calling
• B3 Eastwind
• B4 Nighttime

関連動画

• Vent D’Est – Vent D’Est (1980) FULL ALBUM [Progressive Rock]
• Vent D’est – Traveller

Velocette / Fourfold Remedy

VelocetteのFourfold Remedyは、1998年にUKで登場したインディー・ロック／インディー・ポップ作品。北ロンドンで1997年に結成された4人組による初期のまとまった1枚として位置づけられる作品で、ロックとポップのあいだを行き来する内容になっている。

バンドの背景

Velocetteは、Comet Gainの元メンバー4人によって始まったグループ。プロフィール上でも、初期曲のいくつかがComet Gainの未発表セカンド・アルバム用に録音されていたことが触れられている。そうした経緯もあって、出発点から同時代のUKインディー・シーンとのつながりが見えやすいバンドだ。

作品の位置づけ

Fourfold Remedyは、Velocetteの名前で出た初期作品として、バンドの輪郭を示す1枚と見られる。NMEやMelody Makerに好意的に扱われた時期の流れもあり、メインストリームへの大きな突破よりも、当時のインディー・シーンの中で注目された存在だったことがうかがえる。

サウンドの印象

ジャンル表記はRock、Pop、スタイルはIndie Rock、Indie Pop。こうした情報からは、ギターを軸にした曲作りと、旋律を前に出した構成が中心にある作品像が浮かぶ。録音の質感も、1990年代後半のUKインディーらしい、過度に整えすぎない手触りを持つタイプとして捉えられる。

同時代の文脈

1990年代後半のUKでは、インディー・ロックとインディー・ポップの境目を行き来するバンドが多く、Velocetteもその流れの中にある。Comet Gain周辺の文脈を持ちながら、よりポップな輪郭を伴う点は、当時のシーンを知るうえでひとつの手がかりになりそうだ。

クレジット

• アーティスト: Velocette
• タイトル: Fourfold Remedy
• リリース年: 1998年
• リリース国: UK
• メンバー: Sam Pluck, Sarah Bleach, Jaxx Coombes, Phil Sutton
• ジャンル: Rock, Pop
• スタイル: Indie Rock, Indie Pop

トラックリスト

• A1 Reborn
• A2 Bitterscene
• A3 La Sirena
• A4 Unkind
• A5 Where Are We?
• B1 Get Yourself Together
• B2 Spoiled Children
• B3 Submarines
• B4 Someone’s Waiting
• B5 That Ain’t Mine

関連動画

• Velocette – “Bitterscene” (‘Last Days of Disco’ montage)
• Velocette ~ “Where Are You?” (‘The Deep’ opening w/ Jacqueline Bisset & Nick Nolte)
• Velocette – Get Yourself Together
• Velocette – Spoiled Children
• Reborn

Patrick O’Hearn『Between Two Worlds』

Patrick O’Hearnの『Between Two Worlds』は、1987年に登場した電子音楽作品。ベーシストとして知られるPatrick O’Hearnが、自身の音楽性をインストゥルメンタル寄りのサウンドに結びつけた時期の一作として聴かれるタイトルです。ジャンルはElectronic、スタイルはDowntempoとAmbientに位置づけられています。

作品の輪郭

この作品では、リズムが前面に出すぎず、流れを保ちながら進む構成が印象的です。音の重なりは細かく、打ち込みの拍感と空間の広がりが同居するタイプのサウンド。録音全体も、輪郭のはっきりした電子音と、余白を残した響きが組み合わさった印象です。

タイトルの通り、二つの領域のあいだを行き来するような感触もあり、エレクトロニックな質感と、アンビエント寄りの静けさが並んでいる作品といえそうです。派手な展開で押すというより、一定のテンポ感を保ちながら音色の変化で聴かせる作り。

アーティストとしての位置づけ

Patrick O’Hearnは1954年生まれのアメリカ人ベーシストで、Missing PersonsやFrank Zappaとの活動でも知られています。その経歴を踏まえると、『Between Two Worlds』はバンド演奏の文脈から、よりソロ的で、電子音楽の表現へと視点を移した時期の作品として見えてきます。1980年代後半のアンビエント／ダウンテンポの流れの中でも、演奏感と電子的な構成の両方が意識された一枚という印象です。

同時代の空気

1987年という時期は、シンセサイザーや打ち込みを軸にしたインストゥルメンタル作品が広がっていた頃でもあります。『Between Two Worlds』もその流れの中にあり、静かな展開と電子音の質感を重ねる作りは、同時代のアンビエントやダウンテンポ系の作品と並べて語られることがありそうです。

補足

• アーティスト: Patrick O’Hearn
• タイトル: Between Two Worlds
• オリジナルリリース年: 1987年
• リリース国: Japan
• ジャンル: Electronic
• スタイル: Downtempo, Ambient

Patrick O’Hearnのディスコグラフィーの中でも、電子音楽と静かな推進力が前に出た作品として受け取れそうな一枚です。

トラックリスト

• A1 Rain Maker (3:54)
• A2 Sky Juice (4:48)
• A3 Cape Perpetual (5:33)
• A4 Gentle Was The Night (3:57)
• A5 Fire Ritual (5:04)
• B1 87 Dreams Of A Lifetime (5:56)
• B2 Dimension D (4:55)
• B3 Forever The Optimist (5:04)
• B4 Journey To Yoroba (3:49)
• B5 Between Two Worlds (4:42)

関連動画

• Journey To Yoroba – Patrick O’Hearn
• RainMaker
• Patrick O’Hearn – Gentle Was the Night (1987)
• Patrick O’Hearn – Dimension D
• [1987] Patrick O’Hearn – Between Two Worlds (Full Album)

David J『Etiquette Of Violence』について

『Etiquette Of Violence』は、UKのミュージシャン、David Jによる1983年の作品。ロックを軸にしながら、オルタナティヴ・ロック、ニュー・ウェイヴ、実験的な要素を含む一枚として位置づけられる。David Jはイングランド・ノーサンプトン出身のベーシスト、David John Haskinsとして知られ、UKのポストパンク以降の文脈ともつながる存在。

サウンドの印象

この作品は、リズムの輪郭を保ちながらも、一般的なロックの直進性だけに寄らない作りになっている。ベースを土台にした推進力、ニュー・ウェイヴ寄りの乾いた質感、実験的な処理が重なる構成。録音の空気感も、過度に装飾的ではなく、音の配置や間が前に出るタイプの印象。

ギターやリズムの動きが単純に押し切るというより、細かなフレーズの積み重ねで展開していくタイプの作品として捉えやすい。ロックの形式の中に、80年代初頭らしいひねりが入っている感じ。

アーティストの中での位置づけ

David Jにとっては、ベーシストとしての背景がそのまま反映された作品のひとつと見られる。バンド的な感覚とソロ的な表現のあいだを行き来するような立ち位置で、彼の音楽性を確認しやすい時期の記録とも言えそうだ。

同時代のUKシーンでいうと、ポストパンクからニュー・ウェイヴへ向かう流れの中に置いて聴ける内容。Bauhaus周辺に通じる緊張感や、当時の実験的なロックの感触を思わせる部分もある。

まとめ

『Etiquette Of Violence』は、1983年のUKロックの空気を背景にしつつ、オルタナティヴ、ニュー・ウェイヴ、実験性を重ねた作品。David Jの音楽的な輪郭が、比較的わかりやすく見える一枚として捉えられる。

トラックリスト

• A1 I Hear Only Silence Now (3:13)
• A2 No One’s Sending Roses (2:35)
• A3 The Fugitive (2:34)
• A4 Betrayal (3:29)
• A5 Joe Orton’s Wedding (2:30)
• A6 The Promised Land (2:27)
• B1 ‘With The Indians Perminent’ (2:49)
• B2 Say Uncle (3:49)
• B3 Disease (2:43)
• B4 Roulette (2:56)
• B5 Saint Jacqué (3:01)

関連動画

• I Hear Only Silence Now
• No One’s Sending Roses
• The Fugitive
• Betrayal
• Joe Orton’s Wedding

The Orient Express『The Orient Express』

The Orient Expressによるセルフタイトル作。オリジナルのリリースは1969年で、フォーク・ロックとサイケデリック・ロックを軸にした作品として位置づけられる。メンバーはFarshid Golesorkhi、Bruno Giet、Guy Durisの3人編成。

作品の概要

このバンドはヨーロッパ出身で、その後アメリカへ移り、最終的にカリフォルニアで本作の録音に至っている。東洋的なリズム感を西洋のロックに取り込もうとする背景があり、バンド名にもその志向が表れているように見える。1960年代末のサイケデリック・ロックの流れの中で、フォーク由来の要素と当時の実験的な空気が重なる一枚。

サウンドの印象

リズムは打楽器の存在感が目立つ構成になりやすく、曲の進行にも推進力がある。ギターはフォーク・ロックらしい輪郭を保ちながら、サイケデリック・ロックらしい揺れや広がりを含む場面がある。録音全体には、当時のロック作品らしい生々しさと、スタジオでの試行錯誤が同居しているような雰囲気。

時代背景と位置づけ

1969年という年は、フォーク・ロックがロックの中に定着し、サイケデリックな表現がさまざまな形で展開していた時期。その文脈の中で本作は、アメリカ西海岸の空気と、ヨーロッパ由来の感覚、さらに中東的なリズムへの関心が交差する作品として捉えられる。バンドの来歴そのものが、内容にも反映されている印象。

メンバーにまつわる背景

プロフィールによると、Farshid Golesorkhiは左岸で生まれ、Bruno Gietはイランで打楽器に関心を持ち、Guy Durisはベルギー出身のパイロット兼ギタリストだったという。3人はパリで出会い、その後アメリカへ渡ってニューヨークのイースト・ヴィレッジを経由し、カリフォルニアに落ち着いたとされる。そうした移動の歴史自体が、作品の成り立ちを示す要素になっている。

ひとことで

フォーク・ロックの骨格に、サイケデリックな感触と異文化由来のリズム感が重なる1969年のセルフタイトル作。バンドの移動の歴史と、当時のロックの広がりがそのまま結びついたような一枚。

トラックリスト

• A1 Fruit Of The Desert
• A2 Dance For Me
• A3 Layla
• A4 Birds Of India
• A5 Train To Bombay
• A6 Caravan Of Silk
• B1 Azaar
• B2 For A Moment
• B3 Impulse (42 Drums)
• B4 A Little Star
• B5 Cobra Fever

関連動画

• The Orient Express – Self-Titled (1969) | Raga Rock / Middle Eastern Psych | Full Vinyl Rip
• The Orient Express – Fruit Of The Desert
• The Orient Express – Dance For Me
• The Orient Express – Layla
• The Orient Express – Birds of India (1969)

Warp 9「Fade In, Fade Out」について

Warp 9の「Fade In, Fade Out」は、1986年に発表された作品。ニューヨークのエレクトロ・シーンを背景に登場したグループが、Motownでよりソウル寄りの方向へ進んだ時期の一枚として位置づけられる。

アーティストとしてのWarp 9は、Strikers解散後にMilton “Boe” Brownが参加したことから始まり、のちにKatherine JoyceとChuck Wansleyがボーカルを担う形へ移行した。Lotti GoldenとRichard Scherは制作と楽曲面を支え、メンバーにはAda Dyer、Carolyn Harding、Richard Scher、Lotti Golden、Milton Brown、Kathrine Joyce、Chuck Wansleyがクレジットされている。

サウンドの印象

ジャンル表記はElectronic、Funk / Soul、スタイルはElectro。打ち込みを軸にしたリズムと、ファンク由来の跳ねる感触、ソウル寄りの歌の組み合わせが、この作品の中心にある。初期エレクトロに見られる機械的なビート感を残しつつ、モータウン期らしい整理された録音の空気も感じられる構成。

同時代のニューヨーク・エレクトロや、シンセを前面に出したR&Bの流れの中で聴かれることが多そうな内容。Afrika Bambaataa周辺のエレクトロや、クラブ志向のファンクと並べて語られる場面も想像しやすい。

作品の位置づけ

Warp 9にとっては、初期のエレクトロ色から、よりソウルフルな表現へと寄った時期を示すタイトル。グループの編成やボーカルの変化も含めて、サウンドの方向性が少し広がった段階として見える。

1986年のUS盤として出たこの「Fade In, Fade Out」は、80年代半ばのエレクトロ／ファンク／ソウルの接点をそのまま切り取ったような一枚。派手にジャンルを飛び越えるというより、当時の空気の中で電子音と歌の比重を調整していく流れが感じられる作品。

トラックリスト

• A1 Skips A Beat (3:50)
• A2 Dirty Looks (5:41)
• A3 Big Fun (5:18)
• A4 Reach For Your Star (5:25)
• B1 The Cutting Edge (5:31)
• B2 King Of Hearts (5:25)
• B3 You’ll Get Over It (4:32)
• B4 To The Last Drop (5:00)

関連動画

• Warp9 – Fade In Fade Out (1986) – A1 – Skips A Beat
• Warp9 – Fade In Fade Out (1986) – A2 – Dirty Looks
• Warp9 – Fade In Fade Out (1986) – A3 – Big Fun
• Warp9 – Fade In Fade Out (1986) – A4 – Reach For Your Star
• Warp9 – Fade In Fade Out (1986) – B1 – The Cutting Edge

Mose Jones『Mose Knows!』について

『Mose Knows!』は、US出身のサザン・ロック・バンド、Mose Jonesが1974年に発表した作品。メンバーはJimmy O’Neill、Steve McRay、Bryan Cole、Randy Lewisの4人で、ジャンルはロック、スタイルはサザン・ロックに位置づけられる。

作品の輪郭

サザン・ロックという枠の中で、バンド名義らしいまとまりと、70年代前半のUSロックらしい感触が見える一枚。ギター主体のバンド・サウンドを軸に、リズムは前へ進むタイプの組み立てになりやすく、土の匂いのする質感と、ライブ感を残した録音の雰囲気が想像しやすい。

同時代のサザン・ロック周辺で語られる流れを思わせる部分もあり、Allman Brothers BandやLynyrd Skynyrdのようなバンド群と同じ時代感の中に置いて聴かれることが多そうな作品だ。とはいえ、Mose Jonesならではの編成と演奏のまとまりが前面に出るタイプのアルバムでもある。

アーティストにとっての位置づけ

Mose Jonesにとっては、1974年という早い時期に提示された代表的な一作として見られることが多いはずのタイトル。バンドの方向性やサウンドの基礎を示す作品として、グループの輪郭をつかむ入口になりやすい。

サウンドの印象

• ギターを中心にしたバンド編成
• ロックの骨格に、南部色のある進行
• 70年代USロックらしい生々しい録音の空気
• 派手さよりも、演奏のまとまりが前に出る構成

まとめ

『Mose Knows!』は、1974年のUSサザン・ロックの空気をそのまま切り取ったような一枚。Mose Jonesというバンドの基本線を知るうえで、まず名前が挙がる作品として位置づけられる内容だ。

トラックリスト

• A1 Keep On Trying (3:17)
• A2 Everyone Before You (6:42)
• A3 Mose Knows (3:56)
• A4 Would Be (3:49)
• B1 Gift (2:46)
• B2 Home (6:34)
• B3 Does Your Mama Know About Me (3:41)
• B4 Stood Up (4:00)
• B5 Just Another Highway Song (2:39)

関連動画

• Mose Jones – Mose Knows !
• Mose Jones ♪ Would Be
• Mose Jones – Does Your Mama Know About Me

The Comsat Angels / You Move Me (One Good Reason)

1984年のThe Comsat Angelsによる「You Move Me (One Good Reason)」。イングランドのシェフィールドとドンカスターを拠点にしたポストパンク・バンドによる、同年のUK盤として出た1枚である。ロックを軸に、オルタナティヴ・ロックやニュー・ウェイヴの流れに置ける作品として見えてくる内容。

作品の位置づけ

The Comsat Angelsは1978年結成、1995年に活動を終えたバンド。初期のポストパンクを背景にしながら、のちにはより整理された曲構成や、硬質なバンド・サウンドを前面に出していく印象がある。「You Move Me (One Good Reason)」も、そうした流れの中にある1984年の楽曲として捉えやすい。

Kevin Bacon、Steve Fellows、Andy Peake、Mik Glaisherに加え、Terry Todd、Simon Andersonがクレジットされている。

サウンドの印象

リズムはきっちりと前に進み、ギターは輪郭を保ったまま曲を支えるタイプ。録音も過度に飾らず、各パートの分離が見えやすい作りに感じられる。ニュー・ウェイヴ寄りの整理された感触と、オルタナティヴ・ロックの直線的な押し出しが同居している。

同時代のUKロックの文脈で見ると、同じくポストパンク以降の緊張感を持ちながら、よりメロディと構成を重視するバンド群とのつながりが意識しやすい。The Comsat Angelsらしい、派手さよりも曲の運びで聴かせるタイプの一曲として置けそうである。

バンドの流れの中で

1984年という時期は、バンドの初期衝動だけではなく、曲作りやアレンジのまとまりがより前に出てくる時期でもある。「You Move Me (One Good Reason)」は、その時点でのバンドの方向性を示す作品のひとつとして見られる。

のちにオリジナル・ラインナップで2009年のSensoria Festival出演を行い、さらに別編成で同年10月にもUKで数公演を実施、2010年12月のシェフィールド公演を最後に再結成期を終えている。そうした後年の動きまで含めると、この時期の音源はバンドの中核を知る手がかりとしても重要な位置にある。

トラックリスト

• A You Move Me (One Good Reason) (Long Version) (5:37)
• B1 Land (4:10)
• B2 Eye Of The Lens (Live Version) (4:02)

関連動画

• The Comsat Angels – You Move Me (One Good Reason) (Long Version) (1984)
• COMSAT ANGELS – You move me (One Good Reason) 1984

Rabbitt『Boys Will Be Boys!』について

『Boys Will Be Boys!』は、南アフリカのロック・バンド、Rabbittによる作品で、オリジナルは1976年のリリース。ここで取り上げる盤は1977年盤で、バンドの代表的な時期を伝える一枚として扱える内容だ。RabbittはもともとThe Conglomerationとして始まり、1972年にRabbittへ発展したという経歴を持つ。

バンドの輪郭

メンバーはDuncan Faure、Trevor Rabin、Neil Cloud、Ronald Friedman。ロックを軸にした編成で、当時のバンドらしい推進力のある演奏が中心にある。特にTrevor Rabinの存在は大きく、後年の活動も含めて名前が知られるが、この時期はバンドとしてのまとまりが前面に出ている印象だ。

サウンドの印象

音の立ち上がりは比較的はっきりしていて、リズムの押し出しが強いタイプのロックとして捉えやすい。ギターが前に出る場面もあり、リフを軸に曲を進める構成が目立つ。録音も、過度に飾り立てるよりは演奏の勢いをそのまま残す方向に寄っているように感じられる。

同時代のロックと比べると、ハードロック寄りの推進力や、70年代中盤らしいバンド・サウンドの感触がある。英国系ロックの文脈で語られることもありそうだが、Rabbittの場合は南アフリカのバンドという出自がまず印象に残るところだ。

作品の位置づけ

『Boys Will Be Boys!』は、Rabbittが活動の中で築いたバンド像を示す一作として見やすい。デビュー期の勢いを引き継ぎつつ、演奏面のまとまりを確認できる時期の作品という受け取り方ができる。バンドの名前を追ううえでも、Trevor Rabinを含むこの編成を知るうえでも、ひとつの基点になっている。

まとめ

南アフリカ発のロック・バンドRabbittによる『Boys Will Be Boys!』は、1970年代ロックの流れの中で、バンドの演奏感と時代性をそのまま伝える作品だ。ギター主体の進行、まっすぐなリズム、バンドとしての一体感。そうした要素がまとまった一枚として見えてくる。

トラックリスト

• A1 Something’s Going Wrong With My Baby (3:51)
• A2 Savage (4:43)
• A3 Lifeline (6:00)
• A4 Locomotive Breath (3:44)
• B1 Hard Ride (4:06)
• B2 Baby’s Leaving (2:22)
• B3 Eventides (2:33)
• B4 Looking For The Man (3:03)
• B5 Death Of Tulio (0:25)
• B6 Charlie (2:51)

関連動画

• Rabbitt – Something’s Going Wrong With My Baby/Eventides/Looking For The Man
• Rabbitt – Lifeline.avi
• Rabbitt – Locomotive breath (LP version)
• Rabbitt – Hard ride
• Rabbitt – Looking for the man

Michael Hoenig / Departure From The Northern Wasteland

Michael HoenigのDeparture From The Northern Wastelandは、1978年に発表された電子音楽作品。ドイツ出身の作曲家・ミュージシャンであるHoenigによる初期のソロ作として知られ、アンビエントとベルリン・スクールの流れをつなぐ1枚として語られることが多い作品だ。

作品の輪郭

全体としては、シンセサイザーを中心にした長尺の展開が軸になっている。明確なビートで押す場面よりも、反復するフレーズや音の重なりで時間を進めていく構成。リズムは前面に出過ぎず、音の層が少しずつ変化していくタイプの作りになっている。

録音の質感は、当時の電子音楽らしい素朴さを残しつつ、空間の広がりを意識した印象。冷たさだけに寄り切らず、旋律の流れが見える場面もあり、機械的な処理と手触りのある音像が同居しているように感じられる。

Michael Hoenigという人物

Hoenigは1952年生まれのドイツ人音楽家で、ソロ活動だけでなく映画音楽でも知られている。長くロサンゼルスで活動し、現在はイビサ島に住んでいるというプロフィールもある。ソロ作品は数が多いわけではないが、後年の活動まで含めると、作曲家としての仕事の比重も大きい人物だ。

また、1970年代にはAsh Ra TempelやThe Cosmic Jokers周辺の文脈にも関わっており、ベルリン・スクールの周辺にある電子音楽の空気を共有していたことがうかがえる。そうした背景を踏まえると、この作品も単独のソロ作というより、当時のドイツ電子音楽の流れの中で位置づけて見えやすい。

同時代とのつながり

この時期の電子音楽といえば、Klaus SchulzeやTangerine Dreamのような長大なシーケンスを軸にした作風が思い浮かぶ。Hoenigの作品もその周辺にありつつ、より静かな展開や空間処理に意識が向いている場面がある。いわゆるベルリン・スクールの文脈の中で、派手さよりも構成の流れを聴かせるタイプの作品として見られているようだ。

ひとこと

1978年という時代の電子音楽らしく、シンセサイザーの音色そのものが主役になっている作品。派手な展開よりも、音が少しずつ移り変わっていく過程に耳が向く1枚だ。

トラックリスト

• A Departure From The Northern Wasteland (20:53)
• B1 Hanging Garden Transfer (10:56)
• B2 Voices Of Where (6:19)
• B3 Sun And Moon (4:16)

関連動画

• Michael Hoenig – Departure from the Northern Wasteland (remastered 2023)

Edwyn Collins「Coffee Table Song」について

「Coffee Table Song」は、スコットランド出身のシンガー／ソングライター、Edwyn Collinsによる1989年の作品。RockとPopのあいだを行き来する彼らしい一曲で、ジャンル表記としてはPop Rockに収まる内容です。UKで生まれた作品らしく、メロディの輪郭を大事にしながら、バンドサウンドの手触りを前に出した仕上がりになっています。

作品の位置づけ

Edwyn Collinsは、歌手、作曲家、ミュージシャンに加えて、イラストレーターやレコード・プロデューサー、テレビ俳優としても活動してきた人物。1980年代後半という時期のこの曲は、彼のソロ活動の流れのなかでも、ポップ寄りの感覚とロックの骨格がほどよく接続された時期の一作として見てよさそうです。派手さを前面に出すタイプというより、楽曲そのものの組み立てで聴かせるタイプの印象。

サウンドの印象

リズムは過度に込み入らず、テンポ感も比較的すっきりした部類。録音の質感も、1989年のUKポップロックらしい、乾いた輪郭とバンドのまとまりが感じられる方向です。ギター、ベース、ドラムが前に出る中で、歌メロが自然に乗っていく構成。

同時代のUKロック／ポップの流れで見ると、派手な装飾よりも、曲のフックと演奏の手触りを重視するタイプの作品として捉えやすいかもしれません。インディー寄りの感覚と、ラジオ向きのポップさのあいだにある距離感も、この時期のEdwyn Collinsらしさにつながっているように見えます。

Edwyn Collinsというアーティスト

• 出身: スコットランド、エディンバラ
• 生年: 1959年
• 活動: シンガー、ソングライター、ミュージシャン、イラストレーター、プロデューサーなど
• 活動拠点: UKの音楽シーン

こうした背景を踏まえると、「Coffee Table Song」も、単なるポップソングというより、作り手としての感覚がよく出た一曲として受け取れそうです。1989年のUKポップロックの空気を、そのまま閉じ込めたようなタイトル。

トラックリスト

• A1 Coffee Table Song
• B1 Judas In Blue Jeans
• B2 Out There (0:55)

関連動画

• Coffee Table Song