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Patrice Witt『For D’js And Long Highways』について

Patrice Wittはフランスのキーボーディスト／作曲家で、For D’js And Long Highwaysは1982年にフランスでリリースされた作品だ。ジャンルはElectronic、Jazz、Rock、スタイルはProg Rock、Ambient、Fusionに位置づけられている。ひとことで言えば、キーボードを軸にしたインストゥルメンタル寄りの作品として受け止めやすい1枚で、同時代のプログレッシブ・ロックやフュージョンの流れの中に置くと見通しがつきやすい。

作品の位置づけ

このアルバムは、Patrice Wittにとってソロ名義の初期作にあたる。ジャケットには「Vent D’Estのピアニストによる初のソロ・アルバム、Pierre Moerlen参加」といった内容のステッカーが付くものもあるようで、バンド活動とは別に、キーボード奏者としての個性を前面に出した作品として扱われていることがわかる。1982年という時期を考えると、プログレの語法とエレクトロニックな質感、ジャズ由来の演奏感覚が近い距離で並ぶ時代性も見えやすい。

音の輪郭

この作品の核にあるのは、キーボードのフレーズと音色の組み立てだろう。ロックの推進力、ジャズの流れ、エレクトロニックなレイヤーが重なり、派手な歌ものというよりは、演奏と構成の変化で聴かせるタイプの内容として捉えられる。フュージョンの手触りもあり、当時のフランス周辺のプログレ／インストゥルメンタル作品と並べて語られることがありそうだ。

同時代の比較対象としては、キーボード主導のプログレや、ジャズ・ロックの延長にある作品群が思い浮かぶ。Pierre Moerlenの参加がクレジットされる点からも、リズム面にしっかりした推進力が入る構図が見えてくる。こうした背景を踏まえると、単なるソロ・キーボード作品というより、バンド的な緊張感を持ったインスト作品として受け取られやすい。

リリース情報

• アーティスト: Patrice Witt
• タイトル: For D’js And Long Highways
• オリジナルリリース年: 1982年
• リリース国: フランス
• アーティストの国: フランス
• ジャンル: Electronic / Jazz / Rock
• スタイル: Prog Rock / Ambient / Fusion

まとめ

For D’js And Long Highwaysは、1982年のフランスで生まれた、キーボード奏者Patrice Wittのソロ作品だ。プログレ、アンビエント、フュージョンの要素が同居し、同時代のインストゥルメンタル作品の流れの中で見ていける内容。派手なヒット曲で押すというより、演奏の組み立てや音色の変化で輪郭を作るタイプのアルバムとして記憶されやすい1枚だ。

トラックリスト

• A1 – On The Edge Of Time (4:23)
• A2 – Just The Sound Of Your Name (4:50)
• A3 – Mandragore (3:20)
• A4 – Blind Eyes (3:56)
• A5 – Dreams Of Sun (5:40)
• B1 – Catfish (3:18)
• B2 – Crying Guitar Reggae (3:08)
• B3 – Gypsy Queen (2:50)
• B4 – You’re Just Seventeen (4:06)
• B5 – Exodus Space Flight To Cygnus X1 (5:22)

関連動画

• PATRICE WITT – Just The Sound Of Your Name (1982)

Fermáta『Pieseň Z Hôľ = Song From Ridges』について

Fermátaの『Pieseň Z Hôľ = Song From Ridges』は、1977年にチェコスロバキアで発表された作品。スロバキアのジャズ・ロック・グループとして活動したFermátaらしい、ジャズとロックを軸にしたインストゥルメンタル志向のアルバムとして位置づけられる。František GriglákとTomáš Berkaを中心に1973年から続くバンドの流れの中で、70年代後半の時点での到達点を示す一枚といえる。

サウンドの輪郭

ジャンルはJazz、Rock、スタイルはFusion、Jazz-Funk、Jazz-Rock。ギターとキーボードを中心に、リズム隊がしっかり前に出る構成が想像しやすい。演奏は、ロックの推進力とジャズ由来の展開感が同居するタイプで、リフの切れ味やアンサンブルの運びが聴きどころになりやすい。70年代のヨーロッパ産ジャズ・ロックらしい、硬質な手触りとバンド演奏の密度が感じられる作品群の中に置ける内容だ。

アーティストの位置づけ

Fermátaはチェコスロバキアのスロバキア系ジャズ・ロック・グループで、František GriglákとTomáš Berkaが中心となって活動してきた。1973年の結成以降、70年代の作品はバンドの初期像を形作る重要な時期にあたる。この『Pieseň Z Hôľ = Song From Ridges』も、その流れの中でバンドの演奏性や作曲面を確認しやすい一枚として見られる。

同時代の文脈

同時代のヨーロッパでは、ジャズ・ロックやフュージョンが各地で発展していた。Fermátaの音楽もその文脈にあり、英国や北欧のプログレッシブ寄りジャズ・ロックと並べて語られることがある。ギターを前面に出したアプローチや、ロックの骨格を保ちながらジャズの要素を組み込む作りは、この時期のジャンルの特徴と重なる。

参加メンバー

クレジットには、Fedor Frešo、Karol Oláh、František Griglák、Peter Oláh、Tomáš Berka、Anton Jaro、Laco Lučenič、Cyril Zeleňák、Pavol Kozma、Martin Valihora、Juraj Kuchárek、Juraj Bartovič、Martin Hanzel、Dalibor Jenis、Peter Szapu、Roman Chovanec、Eva Straková、Marius Bartoň、Milan Ruček、Peter Preložník、Márius Bartoň、Jindřich G. Plánka、Jakub Hittrich、Igor Skovayが並ぶ。複数の演奏家が関わることで、曲ごとの色合いに幅が出る編成だったことがうかがえる。

まとめ

『Pieseň Z Hôľ = Song From Ridges』は、Fermátaの初期を代表する1977年の作品として、ジャズ・ロック／フュージョンの文脈で捉えやすいアルバムだ。ギター主導の推進力、鍵盤を含むアンサンブル、そして70年代東欧ジャズ・ロックの流れ。そうした要素がまとまった一枚として見えてくる。

トラックリスト

• A1 Pieseň Z Hôľ = Song From Ridges
• A2 Svadba Na Medvedej Lúke = Marriage On A Bears Meadow
• A3 Posledný Jarmok V Radvani = The Last Fair In Radvaň
• B1 Priadky = Spinning
• B2 Dolu Váhom = Downstream Váh
• B3 Vo Zvolene Zvony Zvonia = Bells Are Ringing In Zvolen

関連動画

• Fermáta ► Posledný jarmok v Radvani [HQ Audio] Pieseň z Hôľ 1977
• Fermáta – Pieseň Z Hôľ
• Fermáta – Pieseň z hôľ (song from ridges) Slovak Progressive Rock
• Fermáta: Pieseň z Hôľ / Song From Ridges (Slovakia/Czechoslovakia, 1977) [Full Album]

Mahavishnu Orchestra『Between Nothingness & Eternity = 虚無からの飛翔』について

Mahavishnu Orchestraの『Between Nothingness & Eternity = 虚無からの飛翔』は、1973年に発表されたライブ盤。ジャズとロックのあいだを強い推進力で行き来する、このバンドらしさがまとまって出た作品として知られている。John McLaughlinを中心に、Jan Hammer、Jerry Goodman、Rick Laird、Billy Cobhamというオリジナル編成の緊張感が、そのまま記録された一枚。

作品の位置づけ

Mahavishnu Orchestraは1971年にニューヨークで結成されたジャズ・フュージョン・バンドで、1971年から1973年にかけてColumbiaに強烈なアルバムを残した。その流れの中にあるのが本作で、バンドの初期の勢いをライブの形で捉えた記録という位置づけになる。スタジオ盤とはまた違って、演奏の切れ味や各メンバーの反応が前に出やすい内容。

サウンドの特徴

音の中心にあるのは、McLaughlinのギターを軸にした高速の展開と、Billy Cobhamのドラムが生む強い推進力。そこにJan Hammerのキーボード、Jerry Goodmanのヴァイオリンが重なり、ジャズの即興性とロックの直進性が同時に立ち上がる。複雑な拍子感やアンサンブルの密度がありつつ、演奏そのものはかなり生々しい印象。スタジオで整えた音というより、会場の空気ごと押し出すような質感。

同時代の文脈

1970年代前半のジャズ・ロック、フュージョンの流れの中でも、Mahavishnu Orchestraは特に強い存在感を持つグループとして語られることが多い。Miles Davisの電化以後の流れや、Tony Williams Lifetimeとも近い文脈にありながら、よりロック寄りの圧を持つバンドとして受け取られやすい。ジャンル表記としてはJazz、Rock、Fusion、Jazz-Rock、Prog Rockが並ぶが、その境界の上を走るような音作りが特徴的。

録音について

本作は1973年8月にCentral Parkで録音された記録。ライブならではの一回性が作品の核になっている。演奏の密度、即興の応酬、曲の展開の速さが、そのままアルバムの印象につながっている。

ひとことで言うと

『Between Nothingness & Eternity = 虚無からの飛翔』は、Mahavishnu Orchestraの初期編成が持っていた鋭さと緊張感を、そのままライブとして封じ込めた作品。ジャズとロックの接点にある1973年の空気を感じやすい一枚として、バンドの代表的な時期を知るうえでも重要な記録になっている。

トラックリスト

• A1 Trilogy (The Sunlit Path / La Mere De La Mer / Tomorrow’s Story Not The Same) (12:01)
• A2 Sister Andrea (8:22)
• B Dream (21:24)

関連動画

• The Mahavishnu Orchestra – Between Nothingness & Eternity [remastered] [HD] full album

Isotope「Illusion」について

Isotopeは、1970年代の英国ジャズ・ロック／フュージョンを代表するバンドのひとつで、ギタリストのGary Boyleを中心に活動したグループです。ここで取り上げる「Illusion」は1974年の作品として知られ、ギター、キーボード、ベース、ドラムが前に出る編成で、ジャズの即興性とロックの推進力が交差する内容になっています。

作品の位置づけ

Isotopeはメンバーの入れ替わりが多いバンドですが、「Illusion」はそうした流れの中で作られた時期の一枚です。Gary Boyleのギターを軸に、Brian Millerの作曲感覚や、Hugh Hopper、Geoff Downes、Jeff Clyne、Frank Roberts、Nigel Morris、Laurence Scott、Dan K. Brownといったメンバーの参加が重なり、バンドの輪郭がよく見える作品として聴かれます。

サウンドの印象

この時代のIsotopeらしく、演奏は緻密さと勢いの両方を持っています。フュージョン寄りのジャズ・ロックらしい、リズムの切り替わりやアンサンブルの動きがはっきりした作りで、ギターと鍵盤が前景に出る場面が印象に残ります。音数は多めでも、各パートの役割が見えやすいタイプのサウンドです。

同時代の文脈

1970年代前半の英国では、カンタベリー系を含むジャズ・ロックの動きが活発で、ソフト・マシーン周辺や、そこから派生するミュージシャンたちの流れと並べて語られることがあります。Isotopeもその文脈の中で、ロックのバンド感とジャズの展開力をつなぐ存在として位置づけられることが多いです。

注目点

• Gary Boyleのギターを中心にしたジャズ・ロック作品
• Brian Millerの作曲感覚が核になったバンド色
• 1970年代英国フュージョンの流れを感じやすい内容
• メンバー交代の多い時期のIsotopeを示す一枚

まとめ

「Illusion」は、Isotopeというバンドの持つジャズ・ロック的な性格を、演奏と編成の両面から見せる作品といえる。ギター、キーボード、リズム隊が前に出る構成で、1970年代中盤の英国フュージョンの空気がそのまま反映された一枚として捉えやすい。

トラックリスト

• A1 Illusion (3:54)
• A2 Rangoon Creeper (5:54)
• A3 Spanish Sun (7:45)
• A4 E-Dorian (2:00)
• B1 Frog (2:30)
• B2 Sliding Dogs, Lion Sandwich (5:59)
• B3 Golden Selection (5:13)
• B4 Marin County Girl (2:06)
• B5 Lily Kong (2:33)
• B6 Temper Tantrum (3:42)

関連動画

• Isotope ► Sliding Dogs & Lion Sandwich [HQ Audio] Illusion 1974
• Illusion
• Rangoon Creeper
• Spanish Sun
• E-Dorian

Praxis『La Eternidad De Lo Efimero』について

メキシコのPraxisが1988年に発表した『La Eternidad De Lo Efimero』は、ジャズとロックを軸にしたプログレッシブ・ロック／フュージョン作品である。Ricardo Moreno、Héctor Hernández、Bernardo Anaya、Héctor Rosasの4人による編成で、演奏を中心に組み立てられたアルバムとして聴こえてくる。

タイトルはスペイン語で、作品全体の印象もその言葉どおり、流れのある構成と、細かく組み替えられるアンサンブルの動きが目立つ。ロックの推進力とジャズ由来の演奏感が同居していて、リズムの切り替えや楽器同士の掛け合いに耳が向く内容だ。

サウンドの特徴

この作品の核にあるのは、プログレッシブ・ロックらしい展開の多さと、フュージョン的な演奏の機動力である。ギターや鍵盤、リズム隊が一体になって進み、曲ごとに拍子やフレーズの組み方を変えながら進行していくタイプの音作りが想像しやすい。派手な歌ものというより、演奏そのものを軸にした構成のアルバムとして受け取られやすいだろう。

音の質感としては、1980年代後半の録音らしい輪郭のはっきりした鳴りが似合う。ロックの硬さとジャズの流動感が並び、メキシコのプログレ／フュージョン文脈の中でも、演奏重視の作品として位置づけられそうだ。

作品の位置づけ

『La Eternidad De Lo Efimero』は、Praxisにとって1988年の時点での到達点を示す一枚として見られる。バンド名義での初出作品として、グループの持つ演奏志向や作曲の方向性がまとまって表れている印象である。

同時代の文脈でいうと、英米のプログレやジャズ・ロックだけでなく、ラテン圏のインストゥルメンタル系フュージョンやプログレッシブ・ロックとも接点を持つタイプの作品と考えやすい。複雑な構成、演奏の切れ味、ロックとジャズの往復といった要素は、ジャンルの中でも比較の軸になりやすい部分だ。

まとめ

• アーティスト: Praxis
• タイトル: La Eternidad De Lo Efimero
• オリジナルリリース年: 1988年
• 国: メキシコ
• ジャンル: Jazz, Rock
• スタイル: Prog Rock, Fusion

演奏の組み立てを前面に出した、ジャズとロックの接点にあるアルバムである。プログレッシブな展開とフュージョン的な流れが重なり、1980年代後半のメキシコ産インストゥルメンタル作品として印象に残る一枚だ。

トラックリスト

• A1 Al Filo Del Abismo
• A2 Praxis
• A3 No Se Quien Soy Desde Que Se Quien Eres
• B1 Equinoccio
• B2 La Eternidad De Lo Efimero

関連動画

• PRAXIS La Eternidad de lo Efímero (1987:Rock Progresivo Mexicano)
• PRAXIS- La Eternidad de lo Efímero
• Praxis Equinoccio Mexican Progressive Rock Iconoclasta

Energy『Energy』について

スウェーデン、ストックホルム出身のロック・バンド、Energyのアルバム『Energy』。もともとはAllrite名義で活動を始めたグループで、ジャズの要素を含んだプログレッシブ・ロックを演奏していたバンドとして知られている。ここで取り上げる作品は1974年作として位置づけられる内容で、盤としては2014年にドイツでリリースされたものだ。

バンドの背景

Energyは、Amadeo Nicoletti、Björn Inge、Alvaro Is、Bosse Norlénの4人による編成。アーティスト情報を見るかぎり、出発点はAllriteという名前で、その後Energyとして活動していった流れがある。スウェーデンの1970年代プログレ・シーンの中でも、ロックにジャズの語法を重ねたタイプのバンドとして見てよさそうだ。

サウンドの特徴

ジャンル表記はJazz、Rock、スタイルはFusion、Prog Rock。実際の聴きどころも、そうした並びに沿うものになっている。ロックの推進力を土台にしながら、ジャズ寄りのフレーズや展開を差し込む構成で、演奏中心の組み立てが想像しやすい。ギター、ベース、ドラムの動きに、鍵盤やアンサンブルの絡みが加わるタイプの質感で、70年代中盤の欧州プログレらしい手触りがある。

1970年代スウェーデン・プログレの文脈

同時代の北欧プログレには、長尺の展開やジャズ・ロック寄りの構成を持つグループが少なくない。Energyもその流れの中に置けるバンドで、純粋なハードロックでも、ジャズそのものでもない中間的な位置が印象に残る。フュージョン的な感覚とプログレッシブ・ロックの構成感、その両方を行き来する作品として捉えやすい。

作品の位置づけ

『Energy』は、バンド名をそのまま掲げたアルバムという点でも、グループの輪郭を示す一枚と見られる。アーティスト名と作品名が一致しているため、当時のバンドの方向性をまとめて示す性格が強い。1974年という時代性を考えると、欧州のプログレやジャズ・ロックの空気を反映した記録としても読み取りやすい。

まとめ

Energy『Energy』は、スウェーデンのロック・バンドがジャズの要素を取り入れたプログレッシブ・ロックを展開した作品。1974年のオリジナル作として、70年代中盤の欧州ジャズ・ロック／フュージョン系プログレの文脈に置けるアルバムだ。

トラックリスト

• A1 Subtle Forces (4:59)
• A2 Metamorphisis / Impressions (7:39)
• A3 Up To Seven (5:26)
• B1 Porta Marina (10:26)
• B2 John (6:32)

関連動画

• Energy – Porta Marina (1974)

Robert Wyatt『’68』について

Robert Wyattの『’68』は、2013年にリリースされた作品。ジャズとロックを土台にしながら、フュージョンや実験性のある方向へも目を向けた内容で、Wyattのキャリアを振り返るうえで重要な位置づけの1枚として扱われている。

作品の成り立ち

タイトルの通り、1968年に関わる音源をまとめたアルバムで、Robert Wyattの音楽活動の初期をたどる構成になっている。Wyattは1960年代にWilde Flowers、続いてSoft Machineを共同結成し、ロンドンのサイケデリック・アンダーグラウンドの文脈で活動を広げていった人物。Soft MachineはJimi Hendrix Experienceの前座としてアメリカ・ツアーも行っており、その時期の空気がこの作品にもつながっている。

Wyatt自身は、のちにソロ活動でも独自の足跡を残していくが、『’68』はそうした本格的なソロ期の前段階にあたる時期を示す資料的な意味合いも持つ。本人のライフワークにおける“欠けていた部分”を埋めるような位置づけ、と説明されている。

サウンドの特徴

ジャズ由来の流れとロックの推進力が同居し、そこに実験的な組み立てが重なるタイプの内容。Soft Machine周辺の時代を思わせる、時に流動的で、時にリズムの切り替わりがはっきりした手触りがある。いわゆる歌もの中心ではなく、演奏の動きや構成そのものを追う楽しみが大きい作品だ。

同時代の文脈で見ると、Canや周辺のプログレッシブ／アヴァン寄りのロック、あるいはジャズ・ロックの展開と並べて語られやすい領域。Robert Wyattの名前が出るときに連想される、柔らかな声のソロ作品とはまた違い、バンドの変化や即興性が前に出る場面が想像しやすい。

リリース情報

• オリジナルリリース年: 2013年
• リリース国: US
• ジャンル: Jazz, Rock
• スタイル: Fusion, Experimental

フォーマットについて

2013年10月8日にリリースされ、アナログ盤、CD、デジタル配信で展開された。アナログ盤は白盤の初回プレスから始まり、その後も色違いのプレスが重ねられている。デジタル版には「Rivmic Melodies (Radio Edit)」がボーナストラックとして収録されている。

Robert Wyattという人物

Robert Wyattは1945年、イングランドのブリストル生まれ。1960年代半ばにWilde Flowersを共同結成し、1966年にはSoft Machineを共同結成した。Soft Machineは1967年に初のシングルを発表し、1968年にはJimi Hendrix Experienceの全米ツアーに同行している。

その後、Wyattはソロ活動へ移り、1973年の事故によって下半身不随となったのちも、車椅子で演奏と録音を続けてきた。『’68』は、そうした長いキャリアの中でも、出発点の時代を見つめ直す作品として受け取れる。

ひとこと

『’68』は、Robert Wyattの初期キャリアとSoft Machine周辺の空気をたどるうえで、かなり見通しのいい1枚。ジャズ、ロック、実験性が交差する時代の記録として、当時の流れがそのまま残っているような内容だ。

トラックリスト

• A1 Rivmic Melodies (18:17)
• A2 Chelsa (5:00)
• B1 Slow Walkin’ Talk (3:00)
• B2 Moon In June (20:33)

関連動画

• Robert Wyatt – Rivmic Melodies [excerpt]

Tako『Tako』について

『Tako』は、ユーゴスラビアのプログレッシブ・ロック・バンド、Takoが1978年に発表したアルバムである。編成は、Dušan Ćućuz、Slobodan Felekatović、Miroslav Dukić、Đorđe Ilijin、Sava Bojićらによるもの。ジャンル表記としてはジャズ、ロックにまたがり、スタイル面ではプログレッシブ・ロック、スペース・ロック、フュージョンの要素を含む作品とされている。

作品の位置づけ

Takoは1970年代後半に活動したバンドで、アルバムは『Tako』（1978）と『U vreći za spavanje』（1980）の2作が知られている。本作『Tako』は、その初期を代表する1枚という位置づけになる。バンドの活動時期と重なる1978年の発表で、グループの基本的な音楽性を示す作品として見られることが多い。

サウンドの特徴

編成にはベース、ドラム、ギター、キーボードに加えてフルートやハープも含まれており、ロックの骨格の上に鍵盤や管楽器の要素を重ねる構成がうかがえる。プログレッシブ・ロックらしい曲展開に、ジャズ由来のフレーズやフュージョン寄りの動きが差し込まれるタイプの作りだと捉えやすい。スペース・ロックの表記もあるため、音の抜けや広がりを意識した場面も想像しやすい。

同時代の文脈

1970年代後半の東欧圏では、英米のプログレッシブ・ロックやジャズ・ロックの影響を受けつつ、各地のバンドが独自の解釈で作品を作っていた。Takoもその流れにあるグループのひとつで、演奏力を前面に出したロックと、組曲的な構成や即興性を感じさせる要素が接点になっている。比較の対象としては、同時代のプログレッシブ・ロックやジャズ・ロック系バンドの文脈で語られることが多そうなタイプである。

まとめ

『Tako』は、1978年当時のユーゴスラビア産プログレッシブ・ロックの空気を伝えるアルバムで、ロック、ジャズ、フュージョンの要素が交差する作品である。バンドの初期像を知るうえで、ひとつの基点になるレコードと言えそうだ。

トラックリスト

• A1 Wake Up (4:48)
• A2 Synthesis (4:55)
• A3 Merging Of Sunlight Into The Memory Of Sand (6:35)
• A4 Lena (4:43)
• B1 Miniature (2:55)
• B2 Second Side Of Me (16:26)
• B3 Journey To The South (3:42)

関連動画

• Tako – Minijatura [1978 Heavy Prog instrumental. Yugoslavia]
• Tako – Probudi se

Sloche『Stadacone』について

Slocheは、カナダ・ケベック州のプログレッシブ・ロック／フュージョン・バンド。『Stadacone』は1976年に発表された作品で、ジャズとロックを行き来する構成と、変拍子を含む演奏で知られるグループの代表的な一枚として語られることが多い。

メンバーはAndré Roberge、Martin Murray、Réjean Yacola、Pierre Hébert、Caroll Bérard、Gilles Chiasson。ギター、キーボード、ベース、ドラムを軸にしたアンサンブルで、プログレッシブ・ロックの組曲的な展開と、フュージョン寄りの機動力をあわせ持つ作りになっている。

サウンドの特徴

この作品の軸は、複雑なリズムと流れるような演奏の組み合わせにある。ロックの推進力を持ちながら、ジャズ由来の間合いや即興性が入り、楽曲は細かく展開していく。シンセサイザーや鍵盤の使い方も印象的で、音の重なりがはっきりした質感になっている。

全体としては、70年代中期のカナダ産プログレらしい作り。同時代のフレンチ・カナディアン圏のプログレや、ジャズ・ロック寄りのバンドと並べて語られることがある。音の密度は高めだが、演奏の輪郭は比較的くっきりしている。

作品の位置づけ

Slocheはケベックのプログレ・シーンの中で名前が挙がるグループのひとつで、『Stadacone』はその活動を知るうえで重要な作品とされることが多い。バンドのプロフィールにある通り、プログレッシブ・ロックとフュージョンの接点に立つバンド像が、そのまま出た内容と見てよさそうだ。

同時代との関係

1970年代のカナダでは、英語圏・フランス語圏それぞれで個性的なプログレ／フュージョン系バンドが活動していた。Slocheもその流れの中にあり、技巧的な演奏、長めの構成、ジャズ寄りのリズム感といった要素で、当時のプログレ・ファンの文脈に置かれることが多い。

盤について

ここで扱う盤は2019年リリースのもの。オリジナルの1976年作を後年にあらためて聴ける形にしたアイテムとして位置づけられる。

まとめ

『Stadacone』は、Slocheというケベックのプログレ／フュージョン・バンドの性格がよく見える一枚。ジャズとロックの接点、複雑な展開、70年代カナダ産らしい演奏主導の作りが、作品全体を形づくっている。

トラックリスト

• A1 Stadaconé (10:10)
• A2 Le Cosmophile (5:36)
• A3 Il Faut Sauver Barbara (4:13)
• B1 Ad Hoc (4:30)
• B2 La “Baloune” De Varenkurtel Au Zythogala (4:55)
• B3 Isacaaron (Ou Le Démon Des Choses Sexuelles) (11:18)

関連動画

• Sloche ► Isacaaron [HQ Audio] Stadaconé 1976
• Sloche ► Le Cosmophile [HQ Audio] Stadaconé 1976

Passport「Garden Of Eden」について

「Garden Of Eden」は、ドイツのジャズ・フュージョン・バンド、Passportの1979年作。Klaus Doldingerを中心に1970年に結成され、Passport名義では1971年から活動してきたグループの、70年代後半の一枚にあたる作品だ。ジャンルとしてはJazzを軸に、Fusion、Jazz-Funk、Prog Rockの要素が重なる内容。

Passportというバンドの位置づけ

Passportは、Klaus Doldingerのサックスを核に、編成やメンバーを変えながら活動してきたユニットとして知られている。ジャズの即興性を保ちながら、ロック寄りの推進力やファンクのリズム感を取り込んでいく流れが、このバンドの持ち味として見えやすい。1979年の「Garden Of Eden」も、その延長線上に置ける作品といえそうだ。

サウンドの輪郭

この時期のPassportらしく、演奏の軸は明確なビートと電気的な質感にある。ジャズのフレーズが前に出つつ、リズム隊は一定の推進力を保ち、曲によってはジャズ・ファンク寄りの粘りも感じられる。そこにプログレッシブ・ロック由来の展開感が重なる場面もあり、単純にジャズの枠だけでは収まりにくい作り。

音の印象としては、70年代後半のフュージョンらしい、楽器同士の密度が高いアンサンブル。サックス、キーボード、ベース、ドラムがそれぞれ役割を持ちながら進んでいくタイプで、リズムの組み立てが聴きどころになりやすい。

時代背景とジャンルの文脈

1979年は、ジャズ・フュージョンが広く定着していた時期でもある。Passportのように、ヨーロッパ発のジャズ・ロック／フュージョンを展開するバンドは、同時代のWeather ReportやReturn to Forever、Mahavishnu Orchestra周辺の流れと並べて語られることが多い。もっとロック寄りの感触では、ジャズとプログレをまたぐ作品群との共通点も見えやすい。

参加メンバーについて

クレジットにはKlaus Doldingerをはじめ、Udo Lindenberg、Alphonse Mouzon、Curt Cress、Wolfgang Haffner、Kristian Schultze、Patrick Scales、Peter O’Maraら、多くの名前が並ぶ。Passportが時期ごとに柔軟な編成でサウンドを組み立ててきたことを示す顔ぶれだ。

作品としての見どころ

「Garden Of Eden」は、Passportのフュージョン路線がはっきり見える1979年のアルバムとして捉えやすい一枚。ジャズの演奏力、ファンクのリズム、ロックの推進力が重なった作品で、バンドの70年代後半の姿を確認できる内容になっている。

トラックリスト

• A1 Big Bang (3:53)
• Garden Of Eden
• A3 Snake (4:49)
• B1 Gates Of Paradise (3:47)
• B2 Dreamware (5:00)
• B3 Good Earth Smile (5:04)
• B4 Children’s Dance (3:39)

関連動画

• PASSPORT – Big Bang.wmv
• PASSPORT – Snake.wmv
• Garden of Eden (Light II)
• Garden of Eden (Light I)
• Garden of Eden (Dawn)

Krokofant『Q』について

『Q』は、ノルウェー・Kongsberg出身のジャズ／プログレッシブ・トリオ、Krokofantによる2019年の作品。メンバーはAxel Skalstad、Jørgen Mathisen、Tom Hasslanの3人で、ジャズとロックの要素を軸にした編成になっている。

バンド紹介でも触れられている通り、Krokofantはプログレッシブ・ロックとジャズの両方のリスナーに向けた要素を持つグループで、推進力のあるリズム、メロディの厚み、演奏力の高さが特徴とされる。『Q』でも、その方向性がそのまま表れている印象だ。

サウンドの印象

ジャンル表記はJazz、Rock、スタイルはFusion、Prog Rock。音の作りとしては、ジャズ由来の即興性と、ロック寄りの直線的なドライブ感が並ぶ構成になりやすいタイプの作品といえる。リズムは前へ進む力があり、ギター、サックス、ドラムの絡みで密度を作る展開が中心になっている。

質感としては、演奏の輪郭がはっきりしたタイプ。複雑な拍子や細かな展開を使いながらも、フレーズの流れは比較的つかみやすい部類に入る。ジャズ・ロックの文脈でいえば、フュージョンの流れとプログレッシブ・ロックの構成感が重なる位置づけ。

作品の位置づけ

Krokofantは、ジャズとプログレッシブ・ロックの接点にあるバンドとして知られている。『Q』もその路線を示す2019年の1枚で、バンドの持ち味である演奏の精度と、バンド全体の一体感が前面に出る作品として見られる。

同時代のジャズ・ロックやプログレッシブ系の作品と比べても、派手な装飾より演奏の密度を軸にしている点が目につく。北欧のジャズ・ロックらしい整理された音像と、ロックバンドとしての押し出しが同居するところが、このグループの特徴になっている。

まとめ

『Q』は、Krokofantの持つジャズとロックの接点を、2019年時点の形で示した作品。メロディ、推進力、演奏の緊張感が並ぶ一枚として、バンドの輪郭をつかみやすい内容になっている。

トラックリスト

• A1 Q – Part 1
• A2 Q – Part 2
• B1 Q – Part 3
• B2 Q – Part 4
• CD1 Q – Part 1
• CD2 Q – Part 2
• CD3 Q – Part 3
• CD4 Q – Part 4

関連動画

• Q – Part 1
• Q – Part 4
• Q – Part 2

Mauro Pagani / Mauro Pagani

イタリアのコンポーザー、マルチ・インストゥルメンタリストであるMauro Paganiのセルフタイトル作。オリジナルは1978年、ここで扱う盤は1979年のリリースになる。ジャズ、ロック、フォーク、ワールド・ミュージックをまたぐ内容で、スタイル面ではフュージョンとアヴァンギャルドに位置づけられている。

作品の輪郭

Paganiは、Premiata Forneria Marconiでフルートとヴァイオリンを担当していた経歴でも知られる人物。このソロ作でも、そうした出自がそのまま反映されたような、楽器の動きが前面に出る構成が想像しやすい。ロックの推進力に、ジャズ寄りの即興性やフォーク由来の音色感が重なるタイプの作品として捉えられる。

リズムは直線的に押し切るというより、拍の置き方に揺れや間がありそうな作り。音の質感も、電気的なバンド・サウンドだけでなく、アコースティックな響きや管弦的なレイヤーが混ざる印象がある。ジャンル表記どおり、整理されたロック盤というより、複数の要素を行き来する構成のレコードといえる。

当時の文脈

1970年代後半のイタリア周辺では、プログレッシブ・ロックの流れを受けつつ、ジャズや民族音楽の要素を取り込んだ作品が少なくない。Mauro Paganiのこのアルバムも、その文脈の中で語られることが多そうな一枚。PFMでの活動を経たソロ作という点でも、バンドの枠を外れて個人の音楽性を示す位置づけが見えてくる。

サウンドの印象

派手な歌モノというより、演奏の組み立てや音色の切り替えに目が向くタイプ。フルート、ヴァイオリン、ギター、パーカッションなどの組み合わせから、旋律の連なりとリズムの重なりが少しずつ形を変えていくような手触りがありそうだ。ジャズ・ロックの緊張感と、フォーク的な土台が同居する感覚。

作品としての位置づけ

セルフタイトルということもあり、Mauro Pagani自身の音楽的な輪郭を示す意味合いが強い作品として見やすい。PFMのメンバーとして知られる前歴と、その後の作曲家・プロデューサーとしての活動をつなぐ、ひとつの節目のような存在。イタリアン・プログレやフュージョンの周辺に関心を向けると、自然に視界に入ってくるアルバムだろう。

トラックリスト

• A1 Europa Minor (6:03)
• A Argiento (4:41)
• A3 Violer D’Amores (2:39)
• A4 La Città Aromatica (3:32)
• B1 L’Albero Di Canto (Part 1) (4:50)
• B2 Choron (5:23)
• B3 Il Blu Comincia Davvero (5:13)
• B4 L’Albero Di Canto (Part 2) (3:51)

関連動画

• La Città Aromatica – Mauro Pagani
• Mauro Pagani e Demetrio Stratos L’albero di canto + Первый учитель
• – MAURO P. – ( – Ascolto ASC 20093 – 1978 – ) – FULL ALBUM

The Golden Palominos / The Golden Palominos

1983年に登場した、The Golden Palominos名義のファースト・アルバム。米国とカナダを拠点にしたプロジェクトで、Anton Fierを中心に動いている点が大きな特徴になっている。ジャズ、ロック、ファンク／ソウルをまたぐ構成で、抽象的な感触とフリー・ファンク、アヴァンギャルド寄りの要素が交差する1枚。

作品の輪郭

このアルバムでは、Bill Laswell、Arto Lindsay、Bootsy Collins、Nicky Skopelitis、John Zorn、Syd Straw、Lori Carson、David Moss、Peter Blegvad、Jody Harris、Amanda Kramer、Lydia Kavanaghといった名前が並ぶ。参加メンバーの顔ぶれだけ見ても、ひとつのバンドというより、異なる背景の演奏者が集まったプロジェクト作品としての性格が伝わってくる。

サウンドは、一定のビートを土台にしながらも、演奏の隙間や音色の切り替えが目立つタイプ。ファンクのグルーヴ、ロックの推進力、ジャズ由来の即興性が同じ曲の中でぶつかり合う場面もありそうな内容で、まとまりよりも動きの多さが印象に残る構成になっている。

当時の文脈

1980年代前半のニューヨーク周辺を思わせる、ジャンルの境界をまたぐ流れの中に置くと見えやすい作品でもある。Bill LaswellやJohn Zornの周辺で語られるような、実験性の強いロック／フリー・ミュージックの文脈とも重なりやすい。ファンクの身体感覚と、前衛的な処理が同居するところが、この時期らしいポイントになっている。

位置づけ

The Golden Palominosにとっては、プロジェクトの出発点にあたる作品。Anton Fierが中心に立ち、参加者を入れ替えながら音の方向を作っていく形の原型として捉えやすい。後年の展開を知る前提でも、この1枚には最初期ならではの輪郭の強さがある。

ひとこと

ジャンル名だけでは収まりきらない組み合わせで、リズムの重さと音の飛び方が同居するアルバム。1983年の作品として、ジャズ、ロック、ファンクの交差点にある記録という見方がしやすい。

トラックリスト

• A1 Clean Plate (6:32)
• A2 Hot Seat (5:13)
• A3 Under The Cap (5:32)
• A4 Monday Night (6:29)
• B1 Cookout (4:38)
• B2 I.D. (6:45)
• B3 Two Sided Fist (7:42)

関連動画

• The Golden Palominos (1983)
• Clean Plate
• Hot Seat
• Under the Cap
• Monday Night

Bill Bruford’s Earthworks「Earthworks」について

Bill Bruford’s Earthworks名義による「Earthworks」は、1987年にUKで登場したジャズ作品。アーティスト名そのものを冠したタイトルで、バンドの初期像をそのまま示すような位置づけの1枚になっている。Bill Brufordはドラマーとして知られ、このプロジェクトでもリズムの組み立てが作品全体の軸になっている印象がある。

作品の輪郭

ジャンルはJazz、スタイルはFusionとContemporary Jazz。演奏の重心は、いわゆるロック寄りの推進力よりも、細かいリズムの運びやアンサンブルの絡みに置かれているように見える。ドラムが前に出すぎず、各楽器の動きが噛み合う構成。録音も、各パートの輪郭を追いやすいタイプの仕上がりとして受け取れる。

メンバーにはBill Brufordのほか、Mick Hutton、Iain Ballamy、Tim Harries、Tim Garland、Django Bates、Patrick Clahar、Mark Hodgson、Steve Hamiltonといった名前が並ぶ。時期によって編成の変化があるバンドなので、個々の奏者の個性が作品ごとに表れやすいグループでもある。

Bill Brufordにとっての位置づけ

Earthworksは、1986年に結成された英国のジャズ・バンドで、2009年まで活動した。Bill Brufordのキャリアの中では、プログレッシブ・ロックの文脈で知られる活動とは別に、ジャズの側面を前面に出したプロジェクトとして見られることが多い。1987年作のこのアルバムは、その出発点にあたる作品として扱える。

同時代の文脈

1980年代後半の英国ジャズは、フュージョンの要素とコンテンポラリー・ジャズの感覚が重なる場面が多く、この作品もその流れの中に置けそうだ。複雑な拍子感やアンサンブル重視の作りは、同時代のジャズ・ロックや英国系の実験性とも近い印象につながる。

まとめ

「Earthworks」は、Bill Brufordのドラマーとしての視点が前に出た、1987年の英国ジャズ作品。リズムの組み立て、楽器同士の応答、ジャンルの境目をまたぐ編成感、そのあたりが見どころになっている。

トラックリスト

• A1 Thud (4:10)
• A2 Making A Song And Dance (5:52)
• A3 Up North (5:19)
• A4 Pressure (7:25)
• B1 My Heart Declares A Holiday (4:35)
• B2 Emotional Shirt (4:45)
• B3 It Needn’t End In Tears (5:04)
• B4 The Shepherd Is Eternal (1:50)
• B5 Bridge Of Inhibition (4:15)

関連動画

• My Heart Declares A Holiday
• Up North
• The Shepherd Is Eternal
• Emotional Shirt
• It Needn’t End In Tears

Dexter Wansel「Life On Mars」について

Dexter Wanselの「Life On Mars」は、1976年にリリースされたソロ作品で、フィラデルフィア出身のキーボード奏者、作曲家、アレンジャー、プロデューサーとしての持ち味がよく出た1枚である。ジャズ、ファンク、ソウル、R&Bを横断する音作りで知られるWanselらしく、ここでも鍵盤を軸にした演奏と、当時のフィリー・ソウル周辺の洗練された空気がまとまっている。

サウンドの印象

収録曲は、ジャズ・ファンクやフュージョン、ディスコの要素を含みつつ、リズムの輪郭がはっきりした作りが印象的である。ベースとドラムが前に出る場面でも、上もののシンセやコードワークが細かく動き、音の層が厚い。録音全体も、70年代のソウル作品らしい整った質感で、派手さよりも編曲の流れが聴きどころになっている。

Dexter Wanselにおける位置づけ

Wanselは、Philadelphia International Recordsのサウンド形成に深く関わった人物としても知られている。「Life On Mars」は、その活動と並行して展開されたソロ作のひとつで、作曲家・アレンジャーとしての手腕が前面に出た作品といえる。のちの「Voyager」や「Time Is Slipping Away」と並べて語られることも多く、70年代モダン・ソウルの流れの中で見ても重要なタイトルである。

同時代とのつながり

この時期のフィラデルフィア周辺では、洗練されたストリングス・アレンジや滑らかなグルーヴを持つソウル作品が多く生まれていた。Dexter Wanselの音楽もその文脈にありつつ、シンセサイザーの使い方やジャズ寄りのコード感によって、より機械的な質感と都会的な空気を加えている。ジャズ・ファンク、フュージョン、ソウルの境目を行き来する感触で、同時代のプロデュース作品とも自然に接続する内容である。

作品まわりのエピソード

この作品のLPジャケットには、Rudolph de Harakによる“The Light Tunnel”が背景として使われている。もともと1971年に制作されたこの光のトンネルは、ニューヨークの127 John Streetにあったもので、後に解体された。写真映えする場所として知られ、ミュージシャンのプロモーション写真にも使われたという記録が残っている。視覚面でも、作品の時代感を伝える要素になっている。

2013年盤について

ここで扱うのは2013年にリリースされた盤で、オリジナルの1976年作としての「Life On Mars」である。70年代の空気をそのまま伝えるタイトルとして、Dexter Wanselの代表作のひとつに数えられている。

トラックリスト

• A1 A Prophet Named K.G. (4:20)
• A2 Life On Mars (5:50)
• A3 Together Once Again (4:23)
• A4 Stargazer (3:20)
• B1 One Million Miles From The Ground (5:00)
• B2 You Can Be What You Wanna Be (5:04)
• B3 Theme From The Planets (4:53)
• B4 Rings Of Saturn (3:43)

関連動画

• Dexter Wansel – Life On Mars (US, 1976) [Full LP] {Jazz-Funk, Soul, Fusion, Disco} ★★★FANTASTIC★★★

Gary Boyle / Step Out!

Gary BoyleのStep Out!は、1980年作として捉えたいジャズ・フュージョン作品。英国出身のギタリスト／ヴォーカリストであるBoyleのキャリアの中でも、70年代のジャズ・ロック路線を経た後の流れが見えやすい1枚です。日本制作・日本盤の1981年リリースという点も、この時期の国内ジャズ／フュージョンの受容と重なるところがあります。

作品の輪郭

ジャンルはJazz、スタイルはFusion。ギターを軸にした演奏を中心に、リズムの推進力とフレーズの切り返しで聴かせるタイプの内容として受け取れます。ジャズの即興性とロック寄りの拍感が交わるあたりに、この時代のフュージョンらしい手触りがある作品です。

録音の雰囲気も、過度に飾り立てるというより、各パートの動きが追いやすい整理された印象につながります。ギターの音色、リズム隊の組み立て、曲ごとの流れが前に出る構成。派手さ一辺倒ではなく、演奏の運びそのものを聴かせるタイプのアルバムという見方ができそうです。

Gary Boyleの位置づけ

Gary Boyleは1941年生まれの英国人ギタリスト／ヴォーカリストで、70年代にはジャズ・ロック・バンドIsotopeのメンバーとして活動していた人物です。Step Out!は、その文脈を引き継ぎながら、よりソロ・アーティストとしての立ち位置を示す作品のひとつとして見てよさそうです。

Isotopeのようなジャズ・ロック系の流れと並べると、同時代のフュージョン・ギタリストたち、たとえば英国圏のジャズ／ロック周辺で活動したプレイヤーたちとのつながりも感じやすいです。アメリカのフュージョンとは少し温度の違う、英語圏ジャズ・ロックの延長線上に置ける内容です。

まとめ

Step Out!は、Gary Boyleのギターを軸にした1980年のジャズ・フュージョン作品。70年代ジャズ・ロックの流れを踏まえつつ、80年代初頭の感触へつながる一枚として位置づけられるアルバムです。日本盤として1981年に出たことも含め、当時のフュージョンの広がりを感じさせるタイトルです。

トラックリスト

• A1 Jeanies Dance (4:48)
• A2 Numb Thumb (4:26)
• A3 Step Out (4:39)
• A4 Periscope (5:00)
• B1 Fuchi Cé Pesta (3:57)
• B2 Thinking Of You (3:41)
• B3 Gitte (4:46)
• B3 So Many Times Before (5:24)

関連動画

• Gary Boyle – Step Out! 1980
• Gary Boyle – Jeanies Dance (1980)
• Gary Boyle – Numb Thumb
• Gary Boyle ✧ Periscope ✧ Vinyl
• Gary Boyle – Thinking Of You [Denmark] Jazz, Funk (1980)

Paco De Lucía / Interpreta A Manuel De Falla = 炎

スペインのフラメンコ・ギタリスト、Paco De Lucía が Manuel De Falla の作品を取り上げたアルバム。フラメンコを土台にしながら、ラテン／フュージョンの感触もにじむ一枚で、1978年の作品として位置づけられる。日本盤は1979年リリース。

作品の輪郭

タイトルが示す通り、Manuel De Falla の楽曲世界を Paco De Lucía のギターで読み替えた内容。クラシック寄りの旋律や構成を、フラメンコの奏法とリズム感で組み直していく流れが軸になる。演奏の中心はあくまでギターで、音数を詰め込みすぎないぶん、フレーズの切れや間合いがはっきり伝わる印象。

サウンドの特徴

アコースティック・ギターの立ち上がりが明瞭で、爪弾きの粒立ちやラスゲアードの輪郭がそのまま前に出る録音。フラメンコ特有の拍の推進力がありつつ、組曲的な流れでは硬質な響きも感じられる。リズムは細かく動きながらも、全体としては整理された印象で、フュージョン的な広がりよりも、演奏の精度が際立つタイプの聴こえ方。

Paco De Lucíaにおける位置づけ

Paco De Lucía は、フラメンコの伝統を軸にしながら、ジャズやフュージョンの演奏家とも共演を重ねてきた人。この作品も、その活動の中で、フラメンコ・ギターをクラシック作品の解釈へと持ち込む流れのひとつとして見える。El Camarón de la Isla との仕事や、John McLaughlin、Al Di Meola らとの共演で知られる時期とも地続きの感触。

同時代の文脈

1970年代後半のヨーロッパでは、伝統音楽とジャズ、クラシックの境界をまたぐ作品が増えていた時期でもある。そうした流れの中で、フラメンコの語法を保ちながら、作曲家 Manuel De Falla の楽曲を別の角度から捉え直す試みとして聴ける。

ひとこと

フラメンコの演奏技法、クラシック作品の輪郭、そして当時のクロスオーバー感覚が重なる一枚。Paco De Lucía のギターの細部を追う楽しみが中心になる作品。

トラックリスト

• A1 Danza De Los Vecinos = 隣人たちの踊り (3:09)
• A2 Danza Ritual Del Fuego = 火祭りの踊り (4:22)
• A3 Introducción Y Pantomima = 序奏とパントマイム (2:59)
• A4 El Paño Moruno = ムーア人の織物 (1:27)
• A5 Danza Del Molinero = 粉屋の踊り (3:04)
• B1 Danza = スペイン舞曲 (3:23)
• B2 Escena = 情景 (1:25)
• B3 Canción Del Fuego Fátuo = きつね火の歌 (4:04)
• B4 Danza Del Terror = 恐怖の踊り (1:48)
• B5 Danza De La Molinera = 粉屋の女房の踊り (4:01)

関連動画

• Paco de Lucia – Danza
• Paco de Lucia – Danza del Molinero