The Brothers Cazimero『Ho’āla』（1978）について

The Brothers Cazimeroは、兄弟ロルドン・カジメロとロバート・カジメロによるハワイのデュオで、1975年に結成されたグループだ。ハワイ音楽の文脈では、伝統的な要素を大切にしながら、兄弟ならではの歌と演奏で存在感を示してきたユニットとして知られている。『Ho’āla』は1978年の作品で、彼らの初期の姿を伝える一枚になっている。

作品の基本情報

• アーティスト: The Brothers Cazimero
• タイトル: Ho’āla
• リリース年: 1978年
• リリース国: US
• レーベル表記: 1978 Mountain Apple Company
• 仕様: ゲートフォールド・カバー
• ジャンル: Folk, World, & Country
• スタイル: Pacific, Hawaiian

アーティストの位置づけ

The Brothers Cazimeroは、ハワイ音楽の代表的なデュオとして評価されてきた存在だ。2006年にはHawaiian Music Hall of Fameに殿堂入りし、2008年にはNā Hōkū Hanohano Lifetime Achievement Awardも受賞している。ロルドン・カジメロは2017年7月16日に亡くなっており、長く続いた活動の初期にあたる『Ho’āla』は、兄弟の音楽が形になっていく時期の記録として見ることができる。

『Ho’āla』の聴こえ方

この作品は、ハワイ音楽の土台にある歌の響きと、兄弟デュオならではのまとまりが前面に出るタイプの一枚と考えられる。派手な編成で押す作品というより、声、旋律、伴奏の関係をじっくり聴かせる作りになっている可能性が高い。ゲートフォールド仕様という点からも、作品としてのまとまりを意識したリリースであることがうかがえる。

同時代のハワイ音楽には、伝統曲の再解釈や、島の暮らしに根ざした表現を大切にする流れがあり、その中でThe Brothers Cazimeroは、古い形をそのままなぞるのではなく、現代的な演奏感覚でハワイアン・ミュージックを支える立場にあったグループとして捉えられることが多い。『Ho’āla』も、その初期の方向性を確認できる作品として位置づけられそうだ。

タイトルと内容の印象

『Ho’āla』というタイトルは、作品の性格を示す言葉として受け取れる。ハワイ語の響きを持つタイトルであることからも、ローカルな文化や言語への意識が作品の核にあることが感じられる。音楽的には、ハワイアン、パシフィック系の要素を含むフォーク／ワールド・ミュージックとして整理されているが、実際にはその枠に収まりきらない、ハワイの空気を直接伝えるような内容として聴かれることが多いはずだ。

まとめ

『Ho’āla』は、The Brothers Cazimeroの初期を示す1978年のアルバムだ。ハワイ音楽の伝統を背にしながら、兄弟の声と演奏で輪郭を作っていく段階の作品として見ると分かりやすい。ハワイ音楽史の中で重要な立ち位置を持つデュオの、出発点に近い記録として印象に残る一枚だ。

トラックリスト

• A1 – Nani Hanalei (4:57)
• A2 – Keala (3:51)
• A3 – The Beauty Of Maunakea (4:44)
• A4 – Mu’olaulani (3:12)
• A5 – I’a Stew (2:30)
• B1 – Pua Hone (3:40)
• B2 – Ka Makani Ka’ili Aloha (3:04)
• B3 – Ka ‘Ulu La’au O Kai (3:30)
• B4 – Pua Mae’ole (3:00)
• B5 – Na Menehune Ekolu (3:02)
• B6 – The Breeze And I / Pierre’s Song (5:06)

関連動画

• Nani Hanalei
• Keala
• The Beauty Of Maunakea
• Mu`olaulani
• I`a Stew (Fish Stew)
• Pua Hone
• Ka Makani Ka`ili Aloha
• Ka `Ulu La`au O Kai
• Pua Mae`ole
• Na Menehune Ekolu

ZED『Zed』(1981)

ZEDの『Zed』は、1981年にドイツでリリースされたアルバム。アーティスト情報では、英国のポップ・ロック・バンドとして紹介されていて、メンバーはGraham Jarvis、Paul Westwood、Nigel Jenkinsの3人編成となっている。タイトルをそのまま冠した作品で、バンド名と作品名をそろえた初期作らしいまとまりがある。

作品の輪郭

ジャンル表記はRock、スタイルはPop RockとProg Rock。70年代から80年代初頭にかけての英国ロックらしい、歌を軸にしながら演奏面にも少し比重を置いたタイプの作りが想像しやすい。ポップ・ロックのわかりやすさと、プログレッシブ・ロックの構成感が同居するタイプの一枚として見られている。

1981年という時期を考えると、いわゆる大編成のプログレ全盛期よりは後の作品で、よりコンパクトな曲作りや、当時のロック／ポップの空気に寄ったサウンドが意識されていた可能性がある。英国のバンドでありながら、リリース国はドイツ。欧州圏で流通したレコードとしての存在感もある。

リリース情報

• アーティスト: ZED
• タイトル: Zed
• オリジナルリリース年: 1981
• リリース国: Germany
• 収録形態: LP
• 付属物: printed inner sleeve

この盤は1981年時点の作品として扱える。付属のプリント・インナー・スリーブがある点も、当時のオリジナル盤らしい仕様として目を引く。

同時代の文脈

ZEDのように、ポップ・ロックを土台にしながらプログレの要素を残すバンドは、70年代後半から80年代初頭にかけて少なくない。大きな枠で見ると、派手な技巧を前面に出すというより、曲の流れやアレンジの組み立てで聴かせる方向に近い。英国ロックの流れの中では、メロディ重視のバンドと構成重視のバンドの中間あたりに置かれやすいタイプだろう。

まとめ

『Zed』は、ZEDというバンドの初期像をそのまま示すようなセルフタイトル作。1981年の英国ポップ・ロック／プログ・ロックの空気を、ドイツ盤として手に取れる一枚である。作品全体の性格は、バンドの編成や時代背景とあわせて見るとつかみやすい。

トラックリスト

• A1 – Universe
• A2 – Human
• A3 – This Time
• A4 – Energy
• A5 – Save My Life
• B1 – Dark Horse
• B2 – Luckless Romantic
• B3 – Right Now
• B4 – Casino
• B5 – No Prisoners

関連動画

• Zed – Dark Horse

Igor Savin『Childhood (Djetinjstvo)』について

Igor Savinによる『Childhood (Djetinjstvo)』は、1982年にユーゴスラビアで発表された電子音楽作品である。タイトルに英語とクロアチア語が併記され、ラベルにも「Childhood – Djetinjstvo」と記されている。録音はElectronic studio SavinとJugoton tone studioで行われており、当時のスタジオ制作を前提にした作品としてまとまっている。

Igor Savinは1946年7月29日にザグレブで生まれ、2024年3月6日に亡くなった作曲家・音楽家である。クラシック寄りの作曲活動と、電子音響を用いた制作の両方で知られる人物で、この作品もその関心がはっきり出た一枚として位置づけられる。ユーゴスラビアの電子音楽史の中でも、ローカルな制作環境とヨーロッパ的な電子音楽の流れが交わる地点にある作品と言えそうだ。

作品の性格

ジャンルはElectronic、スタイルはAmbient、Berlin-Schoolとされている。実際、こうした作品に共通するような、シーケンスを軸にした推進力と、空間を意識した音の配置が想定されるタイトルである。1982年という年代を考えると、同時期の電子音楽が持っていた機械的な反復や、長尺の展開を重視する作りが背景にあると見てよさそうだ。

ベルリン・スクール系の文脈では、Tangerine DreamやKlaus Schulzeの名前がまず思い浮かぶが、『Childhood (Djetinjstvo)』はそうした西ドイツの電子音楽と同時代の感覚を共有しつつ、ユーゴスラビア国内で制作された点に特徴がある。Jugotonのスタジオを含む録音環境も、その地域的な背景を示している。

アルバムとしての位置づけ

この作品は1982年のリリースで、Igor Savinのその時期の活動を知るうえで重要な一枚と見なせる。タイトルが示す通り、「幼年期」をテーマにした作品であり、曲想や構成にも物語性を持たせた可能性がある。少なくとも、単なるシンセサイザーのデモンストレーションではなく、コンセプトを持ったアルバムとして受け取れる。

発表年の1982年は、アナログ・シンセやテープを使った電子音楽がまだ十分に主流だった時代である。この時期の作品らしく、音色そのものよりも、フレーズの反復や音の層の重なりで時間を描くタイプの音楽として聴かれることが多そうだ。

聴きどころ

現時点で曲単位のヒット曲や広く知られた代表曲の情報は見当たらないが、アルバム全体の流れで聴くタイプの作品であることは想像しやすい。ラベル表記が「Childhood – Djetinjstvo」となっていることからも、単曲の強さより、作品全体のまとまりを重視した構成が意識されているように見える。

電子音楽、アンビエント、ベルリン・スクールの接点にある1980年代初頭の一枚として、ヨーロッパの電子音楽史をローカルな視点でたどるときに外せない作品のひとつである。Igor Savinという作曲家の幅広い活動の中でも、電子的なテクスチャーと構成感が前面に出た記録として読むことができる。

まとめ

• 1982年、ユーゴスラビアでリリースされた電子音楽作品
• タイトルは『Childhood (Djetinjstvo)』、ラベル表記は「Childhood – Djetinjstvo」
• 録音はElectronic studio SavinとJugoton tone studio
• AmbientとBerlin-Schoolの文脈で捉えられる一枚
• Igor Savinの作曲家としての関心が電子音響に向かった記録

トラックリスト

• A – Roland Bells (20:21)
• B – Florianna (20:19)

関連動画

• Igor Savin – Childhood [1982]

Тангра『Тангра II = Tangra II』について

1986年にブルガリアで出た、Танграのアルバム『Тангра II = Tangra II』。バンド名と作品名をそのまま掲げた一枚で、アーティスト名・曲名・作詞者名がブルガリア語と英語の併記になっているのがまず目を引く。ロックを土台にしたニュー・ウェイヴ期のブルガリア・ロックとして、当時の東欧圏の空気をそのまま閉じ込めたような作品だ。

Танграというバンドの位置づけ

Танграは、Константин МарковとAlexander Petrunovによって1976年に結成されたブルガリアのロック・バンド。活動は1990年まで続いたとされ、1986年で終わったと思われがちだが、実際にはその後も続いていた。1986年から1990年にかけては北欧諸国で演奏していたという経歴もある。
この『Тангра II』は、そうしたバンドの中期から後期へ向かう時期の作品として捉えられる一枚になる。

作品の内容と雰囲気

ジャンル表記はロック、スタイルはニュー・ウェイヴ。ギター主体のロックの骨格に、当時らしい整ったアレンジや、リズムの推進力が重なるタイプの作品として受け取れる。ブルガリア語と英語の併記があることからも、国内向けの作品でありながら、外へ開こうとする意識が見える。

収録曲の細かな内容まではここでは触れないが、クレジット上は作詞者名がジャケットにフルで記されている。曲単位で作り込まれたアルバムという印象を持ちやすい仕様だ。

検閲とオリジナル盤の事情

このリリースには、政府によって禁止・検閲され、多くのプレスが破棄されたという記録が残っている。東欧のロック史では、作品そのものの内容だけでなく、流通や検閲の経緯も重要な要素になるが、このアルバムもその例に入る一枚だ。現存する盤の少なさも含めて、当時の状況を背負ったレコードといえる。

同時代の文脈

1980年代半ばの東欧ロックは、国ごとの事情を抱えながらも、ニュー・ウェイヴやポップ・ロックの要素を取り入れていった時期。Танграもその流れの中にあり、英語表記を併記している点には、国内シーンに閉じない姿勢がうかがえる。西側のニュー・ウェイヴと完全に同じではないが、同時代のロックの語法を自国の環境に置き換えた作品として見えてくる。

まとめ

『Тангра II = Tangra II』は、1986年のブルガリア・ロックを知るうえで外せない一枚。バンドの活動史、検閲の経緯、ブルガリア語と英語の併記といった要素が重なって、単なるアルバム以上の記録性を持っている。Танграというバンドの動きと、80年代東欧のロック事情を一緒に映す作品、と言えそうだ。

トラックリスト

• A1 – Оловният Войник (The Lead Soldier)
• A2 – На Тридесет И Пет (At Thirty-Five)
• A3 – Бъди Какъвто Си (Be What You Are)
• A4 – До Последен Дъх (Till The Last Breath)
• B1 – Черно-Бяла Снимка (A Black-And-White Photo)
• B2 – Неделя (Sunday)
• B3 – Закъсняла Любов (Late Love)
• B4 – Делник (Workday)
• B5 – Така Стоят Нещата (That’s How Things Are)
• B6 – Циркът (The Circus)

B-Movie『Forever Running』について

B-Movieは、1978年にイングランドのマンズフィールドで結成されたニューウェーブ・グループで、地元のパンク・バンド The Aborted の流れから生まれたバンドだ。最初は地元の美容院の名前に由来する Studio 10 を名乗っていたという経歴もあり、80年代初期の英国シンセ・ポップの流れの中で存在感を残したグループとして知られている。

『Forever Running』は1985年に登場した作品で、B-Movieの作品群の中でも、バンド名義のアルバムとして確認しやすい節目のひとつだ。Electronic、Synth-pop の文脈に置かれる音で、当時のシンセ主体のバンドが持っていた、機械的なリズムとメロディ重視の組み立てが核になっている。

作品の位置づけ

B-Movieは、初期のシングル群でシーンに名前を残したバンドだが、『Forever Running』は、その流れをアルバム単位で追うときに重要なタイトルになる。Paul Statham、Steve Hovington、Rick Holliday を中心とした編成で知られ、80年代前半の英国ニューウェーブ／シンセ・ポップの空気を背景にしながら、バンドとしての輪郭をまとめた一枚という見方がしやすい。

同時代の文脈では、Depeche Mode、The Human League、OMD などと並べて語られることがあるタイプの作品だが、B-Movieはよりコンパクトな編成感と、ギターとシンセの接点を残したサウンドで印象づけるバンドとして扱われることが多い。

代表曲として触れられることの多い曲

B-Movieを語るときは、後年まで知られるシングル曲の存在が大きい。特に「Nowhere Girl」は、このバンドを代表する楽曲としてよく挙がる。『Forever Running』を聴くときも、そうした初期から続くメロディの感触や、冷たさだけに寄らない歌の運びが、バンドの持ち味として見えやすい。

音の印象

この時期のB-Movieは、打ち込み的な硬さだけではなく、歌の輪郭を前に出す作りが印象に残る。シンセの音色が前景にありつつ、リズムは過度に密度を上げすぎず、楽曲のフレーズを追いやすい。80年代前半の英国シンセ・ポップらしい構成で、派手さよりも曲の並びと歌の通り方で聴かせるタイプの作品として受け取られやすい。

実際に聴くと、バンドの中にあるポスト・パンク由来の緊張感と、ポップとしての分かりやすさが同居しているのが分かる。ニューウェーブの中でも、ダンス寄りに振り切るというより、バンド演奏の感触を残しながら電子音を重ねていく作りだ。

盤について

このUS盤は Allied プレスで、内側のプレスリングのサイドAに黒い「A」のエンボスがある点が特徴として挙げられている。マトリクス表記は、角括弧内がスタンプ、それ以外がエッチングとされている。

1985年のオリジナル作品として見ると、『Forever Running』はB-Movieの80年代シンセ・ポップ路線を押さえるうえで重要な一枚だ。バンドの初期シングルを知る人には、その延長線上のまとまりとして、また80年代英国ニューウェーブを追う人には、同時代の空気を反映した作品として見えてくる。

まとめ

『Forever Running』は、B-Movieのバンド像を端的に示す1985年作だ。ニューウェーブとシンセ・ポップの間にある質感、代表曲「Nowhere Girl」で知られるバンドのメロディ感、そして80年代半ばらしい電子音主体の構成が、この作品の軸になっている。

トラックリスト

• A1 – Forever Running (5:03)
• A2 – Heart Of Gold (4:09)
• A3 – My Ship Of Dreams (4:03)
• A4 – Just An Echo (4:34)
• A5 – Remembrance Day (4:06)
• B1 – Switch On-Switch Off (4:04)
• B2 – Blind Allegiance (5:00)
• B3 – Arctic Summer (4:47)
• B4 – Nowhere Girl (4:40)

関連動画

• Forever Running
• Heart of Gold
• My Ship of Dreams
• Just an Echo
• Remembrance Day
• B-Movie – Switch On-Switch Off (Official Music Video)
• B-Movie – Switch On Switch Off (Studio Performance 05.03.86)
• Blind Allegiance
• Arctic Summer
• Nowhere Girl

The Moody Blues『Days Of Future Passed』について

The Moody Bluesの『Days Of Future Passed』は、1967年に発表された2作目のスタジオ・アルバムで、同時に初のコンセプト・アルバムとして知られる作品だ。イングランドのバーミンガムで結成されたこのバンドが、ロックと管弦楽を組み合わせた構成に踏み込んだ一枚であり、プログレッシブ・ロックの初期例としてもしばしば挙げられる。

この日本盤は1973年リリース。オリジナルの1967年盤から数年を経た時期のプレスで、作品自体は60年代後半の空気をそのまま残している。盤のクレジット上では「Made in Japan」とされている。

作品の位置づけ

The Moody Bluesは、1964年に結成された英国のロック・グループで、のちにロックの殿堂入りも果たしている。『Days Of Future Passed』は、そのバンドの初期を代表する重要作で、後の活動につながる方向性を早い段階で示したアルバムといえる。

当時のバンドは商業面でも苦しい時期にあり、所属レーベルの提案を受けて、オーケストラとの共演を前提にしたステレオLP制作に取り組んだ。日常の一日をたどる組曲的な構成で、各曲の間に管弦楽の間奏が挟まる作りになっている。バンドとオーケストラは基本的に別々に録音され、それをミックスして一つの流れにまとめている。

聴きどころ

この作品でまず知られているのは、「Nights in White Satin」だ。アルバム収録曲の中でも代表曲として扱われ、のちにラジオでの継続的なオンエアを通じて広く浸透した。発売当初から大ヒットというより、時間をかけて評価と知名度を伸ばしたタイプの曲でもある。

アルバム全体では、ロック・バンドの演奏に加えて、フルート、メロトロン、オーケストラの音が場面ごとに入れ替わる。曲同士が独立しているというより、朝から夜へと進む流れの中に置かれているため、1曲ごとの印象よりも、通して聴いたときの構成のほうがはっきり残る作品だ。

同時代とのつながり

1967年という年は、英米のロックがアルバム単位で表現を広げていた時期で、The Moody Bluesのこの作品もその流れの中にある。オーケストラを取り込んだ点では、同時代のサイケデリック・ロックや英国ロックの実験性と近く、後のプログレッシブ・ロックにも接続していく内容だ。

バンドとしては、Denny Laine、Mike Pinder、Ray Thomas、Graeme Edgeらの時期を経て、Justin HaywardとJohn Lodgeが加わった後の体制で作られた作品でもある。以後のThe Moody Bluesの方向性を決めた、節目の一枚という見方がしやすい。

1973年日本盤について

この盤は1973年の日本盤で、作品本体は1967年作。1978年には英国マスターの劣化を受けて全曲リミックス版が使われるようになったが、2017年にはオリジナルの1967年ミックスがCDで全編復刻されている。したがって、この作品にはオリジナル・ミックスと後年のリミックスという複数の流通形態がある。

日本盤として手にする場合は、60年代のオリジナル作品を70年代前半の国内プレスで聴く形になる。作品の骨格は変わらず、録音年代の古さと、組曲的な構成、オーケストラとの組み合わせがそのまま伝わる内容だ。

まとめ

『Days Of Future Passed』は、The Moody Bluesが2作目で到達した大きな転換点のアルバム。ロックバンドの演奏と管弦楽を一つの流れにまとめた構成、そして「Nights in White Satin」を含む代表曲群によって、1967年の英国ロックの中でもはっきりした存在感を持つ作品だ。

トラックリスト

• A1 – The Day Begins
• A2 – Dawn: Dawn Is A Feeling
• A3 – The Morning: Another Morning
• A4 – Lunch Break: Peak Hour
• B1 – The Afternoon: Forever Afternoon (Tuesday?)
• B2 – Evening: The Sun Set: Twilight Time
• B3 – The Night: Nights In White Satin

関連動画

• The Day Begins (Remastered 2006)
• Dawn: Dawn Is A Feeling (Remastered 2006)
• The Morning: Another Morning (Remastered 2006)
• Lunch Break: Peak Hour (Remastered 2006)
• The Afternoon (Remastered 2006)
• Evening (Remastered 2006)
• The Night (Remastered 2006)

Rainbow『Long Live Rock ‘N’ Roll』について

Rainbowの『Long Live Rock ‘N’ Roll』は、1978年に発表された3作目のスタジオ・アルバムだ。Ritchie Blackmoreを中心にしたこの時期のRainbowは、ハードロックの直進性と、当時のヘヴィな感触を前面に出していて、バンドの中でもかなり重要な位置にある作品として知られている。

このアルバムは、BlackmoreとRonnie James Dioの最後の共同作業になった点でもよく語られる。前作まで続いていた両者の組み合わせがここで一区切りつき、Rainbowの初期像を決定づけた時代の締めくくりという見方ができる。なお、ここでの内容は1978年のオリジナル盤に基づくものだ。

作品の輪郭

アルバム全体は、ギターのリフを軸にした硬質な曲作りが中心だ。Blackmoreの演奏は細かく弾きまくるタイプというより、フレーズの置き方で曲を引っ張る場面が多い。そこにDioの歌が乗ることで、物語性のあるロックとしてまとまっている。

特にタイトル曲の「Long Live Rock ‘N’ Roll」は、このアルバムを代表する一曲として扱われることが多い。ライブでも映える構成で、Rainbowらしいシンガロング性を持った楽曲だ。もうひとつの代表曲「Kill The King」も、速いテンポと鋭いリフで知られていて、後年のメタル系バンドにも影響を与えたとされる。

曲の印象とアルバムの流れ

この作品は、単に速い曲ばかりを並べたアルバムではない。重さのある曲、比較的開けた曲、短いインストゥルメンタル的な曲が並び、A面・B面それぞれに流れがある。とくにDioの歌詞は、ファンタジー色を残しながらもロック・バンドとしてのスケールを保っていて、当時のRainbowの個性をはっきり見せている。

実際に聴くと、音の芯がかなり太い。ギター、ベース、ドラムの押し出しが強く、歌がその上でドラマを作る感じだ。派手な装飾よりも、曲の骨格そのものを前に出す作りで、1970年代後半のハードロックらしい手触りがある。

この時代のRainbowにおける位置づけ

Rainbowは、Deep Purple解散後のBlackmoreが自分の方向性をまとめる場として始まったバンドだが、この3作目では、その初期の路線がかなり明確になっている。クラシック音楽由来の感覚、ヘヴィなリフ、Dioの歌う叙事的な世界観。その組み合わせが、この時点でひとつの完成形に近づいている。

一方で、ここから先のRainbowはヴォーカル交代を経て、より商業的な方向へ進んでいく。そう考えると、『Long Live Rock ‘N’ Roll』は、初期Rainbowの硬派な時代を代表する終着点のような作品でもある。

同時代の文脈

1978年という時期は、ハードロックが次の段階へ移っていく途中でもある。Led Zeppelin、Deep Purple、Black Sabbathといった70年代前半からの大物たちの流れを受けつつ、よりメタル寄りの感触も強まっていた時代だ。Rainbowはその中で、ギタリスト主導の構成と、Dioの強いキャラクターで独自の立ち位置を作っていた。

同じ時代のハードロックと比べても、Rainbowは曲の構造がやや劇的で、歌の存在感が大きい。単純なブルースロックの延長というより、もっと演出の効いたロックとして聴こえるところがある。

1982年の日本盤について

今回の盤は1982年の日本盤で、Rainbowの来日記念と2百万枚突破を記念した再発シリーズの一枚として出たものだ。発売元はPolydor K.K. Japanで、ジャケットや収録内容はオリジナルの流れを引き継ぎつつ、日本向けの扱いになっている。

この日本盤では、付属インサートに記載された曲長が他国盤と異なる箇所がある。たとえばA3の曲長は日本のインサートでは4:58表記だが、他の世界盤では3:35表記になっている。こうした違いは、日本盤を手に取る楽しみのひとつでもある。

収録曲の代表的なポイント

• 「Long Live Rock ‘N’ Roll」: アルバムの顔になるタイトル曲
• 「Kill The King」: 速い展開と強いリフで有名な代表曲
• 「Sensitive to Light」: ギターと歌の流れが分かりやすい曲
• 「Rainbow Eyes」: アルバムの終盤を締める、落ち着いた曲調

まとめ

『Long Live Rock ‘N’ Roll』は、Rainbow初期の特徴がよく出た1978年作だ。Blackmoreのギター、Dioの歌、そして「Kill The King」やタイトル曲の存在が、このアルバムを強く印象づけている。1982年の日本盤は、来日記念の再発として位置づけられる一枚で、オリジナルの持つ勢いをそのまま日本市場に届けた盤といえる。

トラックリスト

• A1 – Long Live Rock ‘N’ Roll (4:20)
• A2 – Lady Of The Lake (3:36)
• A3 – L. A. Connection (4:58)
• A4 – Gates Of Babylon (6:45)
• B1 – Kill The King (4:26)
• B2 – The Shed (Subtle) (4:44)
• B3 – Sensitive To Light (3:02)
• B4 – Rainbow Eyes (7:25)

関連動画

• Rainbow 1978 Long Live Rock ‘n’ Roll Plak Unboxing
• Rainbow – Long Live Rock ‘n’ Roll
• Rainbow – Long Live Rock ‘N’ Roll (Vinyl, 1978)
• Long Live Rock N Roll
• Lady Of The Lake
• L.A. Connection
• Gates Of Babylon
• Kill The King
• The Shed
• Sensitive To Light

Yes『Close To The Edge = 危機』について

Yesの『Close To The Edge = 危機』は、1972年に発表された5作目のスタジオ・アルバムである。プログレッシブ・ロックの代表作として語られることが多く、バンドの中でも特に評価の高い作品として知られている。日本盤では『危機』という邦題が付けられ、1972年の発売時点で国内でも紹介されている。

Yesは、長尺の曲構成、組曲的な展開、抽象的な歌詞、緻密な演奏で知られるイングリッシュ・ロック・バンドである。本作は、その特徴がまとまった形で示された作品といえる。メンバーにはJon Anderson、Steve Howe、Chris Squire、Rick Wakeman、Bill Brufordが参加しており、バンドの古典的な編成として記憶されることが多い。

アルバムの位置づけ

『Close To The Edge』は、Yesのディスコグラフィの中でも転機になった作品である。前作までに築いてきた演奏面の完成度をさらに押し進め、より大きな構成と密度の高いアンサンブルへ到達している。1970年代前半のプログレッシブ・ロックの流れの中でも、Genesis、Emerson, Lake & Palmer、King Crimsonと並べて語られることが多い一枚である。

制作の背景としては、Siddharthaに触発されたことや、当時のバンドの精神状態が反映されたとされる。そうした文脈もあってか、単なる楽曲集というより、1枚の長い組曲を聴く感覚に近いアルバムである。

収録曲の中心

本作の代表曲は、アルバム冒頭を飾る「Close To The Edge」である。約18分の大作で、複数のパートが連なりながら展開していく。静かな導入から、複雑なリズム、コーラス、ギターとキーボードの応酬へと進む構成で、Yesらしさがもっとも分かりやすく出ている曲といえる。

この曲はシングルとしても切り出されており、アルバムの顔として扱われてきた。派手なヒット曲というより、バンドの代表作、あるいはプログレッシブ・ロックの象徴的な楽曲として定着している。

聴きどころ

実際に聴くと、演奏の情報量がかなり多い作品である。ベースはChris Squireの高い音像が前に出ており、ギターはSteve Howeのフレーズが細かく入り、Rick Wakemanの鍵盤が場面を切り替える。Bill Brufordのドラムも、拍の取り方が単純ではなく、曲の推進力を細かく作っている。

歌メロはJon Andersonの高い声質が印象に残る。英語詞の響きも含めて、楽器群と同じくらい音として配置されている印象が強い。各パートが競い合うというより、隙間を埋めながら全体を組み上げている演奏である。

サウンドと時代背景

1972年という時期は、プログレッシブ・ロックが成熟していった時代である。Yesの本作は、その中でも特に構築的な作品として位置づけられる。ロックの基本編成を保ちながら、クラシック音楽的な展開や長大な構成を持ち込んでいる点が特徴である。

同時代のバンドと比べても、Yesは演奏の精密さと高音域のコーラス、そして組曲のような曲作りで個性を作っている。本作ではその方向性がかなり明確で、後のアルバムにもつながる中心点になっている。

日本盤について

この日本盤はAtlantic盤をWarner-Pioneer Corporationが流通したものとして記録されている。日本での初期紹介盤として、邦題「危機」を付した形で受け止められていたことが分かる。1972年当時の国内ロック・リリースとしても、プログレッシブ・ロックの存在感を示す一枚である。

まとめ

『Close To The Edge = 危機』は、Yesの代表作として扱われることが多いアルバムである。長尺曲「Close To The Edge」を中心に、演奏、構成、コーラスのまとまりが強い作品で、1970年代プログレッシブ・ロックの基準点のひとつとして語られている。Yesの音楽性を知るうえで、重要な位置にある一枚である。

トラックリスト

• Close To The Edge (18:12)
• And You And I (10:40)
• B2 – Siberian Khatru (9:50)

関連動画

• Close to the Edge: i. The Solid Time of Change, ii. Total Mass Retain, iii. I Get up I Get…
• And You and I: i. Cord of Life, ii. Eclipse, iii. The Preacher the Teacher, iv. Apocalypse…
• Siberian Khatru (2025 Remaster)

Locanda Delle Fate「Forse Le Lucciole Non Si Amano Più」について

Locanda Delle Fateは、イタリアのプログレッシブ・ロックを代表するバンドのひとつとして知られるグループである。1977年に発表された「Forse Le Lucciole Non Si Amano Più」は、彼らの初期を代表するアルバムで、メロディと構成の緻密さを前面に出した作品として位置づけられている。ジャケットやタイトルの印象どおり、物語性のある感触を持つ一枚で、70年代イタリアン・プログレの流れの中でも語られやすい作品のひとつである。

作品の概要

オリジナルは1977年。ここで扱うのは1987年に日本で出た盤で、作品そのものは70年代の録音・発表に属する。収録内容はオリジナル盤を踏まえた再発売の形で、のちにリマスターCDがボックスセットにも収められていることが確認できる。

Locanda Delle Fateのメンバーは、Ezio Vevey、Luciano Boero、Alberto Gaviglio、Oscar Mazzoglio、Michele Conta、Giorgio Gardino、Leonardo Sasso。編成を見ると、ギター、キーボード、フルート、ヴォーカルを含むプログレらしい構成で、演奏の細部まで組み立てるタイプのバンドであることがうかがえる。

音の印象

この作品は、長めの曲展開、複数のパートをつなぐ構成、歌と演奏の切り替えがはっきりしたタイプのプログレッシブ・ロックである。ロックの推進力を保ちながら、キーボードやフルートが前に出る場面があり、イタリアン・プログレにある組曲的な流れが要所で感じられる。ヴォーカルは英米系のハードロック寄りというより、イタリア語圏の旋律を活かした歌い回しが印象に残る。

実際に聴くと、派手な即効性よりも、楽曲の展開で引っ張る作りが目につく。リズムが切り替わる場面や、メロディが再提示される場面で曲の輪郭がはっきりするため、アルバム全体が一本の流れとしてまとまりやすい。70年代イタリアのプログレを聴くときに連想されやすい BancoやLe Orme、P.F.M.のような大きな文脈の中でも、Locanda Delle Fateはより叙情寄りの立ち位置として語られることが多い。

バンドにとっての位置づけ

Locanda Delle Fateにとって、このアルバムは代表作として扱われることが多い。作品数の多さで押すバンドというより、1枚の完成度で評価されるタイプに近い。1977年という時期を考えると、プログレがすでに第一線の流行から外れつつあった時代での発表であり、その中でこうした構成重視のアルバムを残した点に存在感がある。

曲について

このアルバムは、単独で広く知られるヒット曲を中心にした作品というより、アルバム全体で聴かれるタイプである。各曲がつながりを持ちながら進むため、特定の1曲だけを切り出すより、全曲を通して印象が積み上がる構成になっている。プログレッシブ・ロックらしい聴かれ方をする作品と言える。

1987年盤について

1987年の日本盤は、オリジナル発表から10年後の再発売にあたる。70年代オリジナル盤と比べると、少なくとも日本国内で入手しやすい形になった点に意味がある。さらに、後年にはリマスターCDがボックスセットに収録されており、作品が再評価されてきた流れも見える。

まとめ

「Forse Le Lucciole Non Si Amano Più」は、1977年のイタリアン・プログレを代表するアルバムのひとつとして扱われる作品である。Locanda Delle Fateの演奏力、構成力、メロディの作り込みがまとまった一枚で、バンドの代表作として語られるだけの要素を備えている。1987年の日本盤は、その作品を後年のリスナーに届けた再発売盤として位置づけられる。

トラックリスト

• A1 – A Volte Un Istante Di Quiete (6:30)
• A2 – Forse Le Lucciole Non Si Amano Più (9:49)
• A3 – Profumo Di Colla Bianca (8:23)
• B1 – Cercando Un Nuovo Confine (6:39)
• B2 – Sogno Di Estunno (4:40)
• B3 – Non Chiudere A Chiave Le Stelle (3:34)
• B4 – Vendesi Saggezza (9:36)

関連動画

• A Volte Un Istante Di Quiete
• Forse Le Lucciole Non Si Amano Piu
• Profumo Di Colla Bianca
• Cercando Un Nuovo Confine
• Sogno Di Estunno
• Non Chiudere A Chiave Le Stelle
• Vendesi Saggezza
• New York
• Nove Lune (Remastered 2021 / Bonus Track)

Albatross / Albatross（1976）

アメリカ・イリノイ州ロックフォード出身のプログレッシブ・ロック・バンド、Albatrossが1976年に残したセルフタイトル作。メンバーはMark Dahlgren、Joe Guarino、Dana Williams、Paul Roe、Mike Novakの5人編成で、同年にオリジナル盤が出ている。リリース枚数は1000枚とされており、当時のローカル・プログレ作品らしい流通量の少なさも特徴になっている。

作品の位置づけ

Albatrossにとっては、バンド名を冠した唯一の作品として見られることが多い。バンドのプロフィールでも、シンフォニック寄りのプログレッシブ・ロック・バンドとして紹介されており、このアルバムもその文脈で語られることが多い。大手レーベルのヒット作というよりは、地域密着型の自主性の強い作品という印象が残る。

音の手触り

プログレッシブ・ロックの1970年代中盤らしく、曲の展開や構成に重心が置かれているタイプの作品として捉えられる。派手なヒット曲で押すというより、演奏と曲作りを通してアルバム全体を聴かせる作り。実際の音像については、当時のアメリカのローカル・プログレに見られる、キーボードを軸にした組み立てや、ロックの骨格を残した曲構成が想像しやすい。

同時代の文脈

1976年という時期は、イギリスではYes、Genesis、Camelのようなプログレ勢がすでに確立され、アメリカでもKansasやStarcastleなど、よりシンフォニックな方向のバンドが注目されていた頃。Albatrossもそうした流れの中に置くと、メジャー級の全国展開というより、地方発のプログレ・バンドが独自に作品を残したケースとして見えてくる。

作品に関する情報

• アーティスト名と同じタイトルのアルバム
• オリジナル・リリース年は1976年
• USリリース
• 1000枚プレスとされる少量生産盤
• ジャンル表記はRock、スタイル表記はProg Rock

まとめ

AlbatrossのAlbatrossは、1970年代アメリカのプログレッシブ・ロックのローカルな一例として位置づけやすい作品。バンド名そのままのタイトル、少数プレス、1976年という時代背景がそろっていて、当時のシーンの空気をそのまま封じ込めたような存在感がある。記録としての価値も含めて、プログレ周辺のアーカイブでしばしば目に入る一枚、といった印象になる。

トラックリスト

• A1 – Four Horsemen Of The Apocalypse (14:19)
• A2 – Mr. Natural (5:17)
• B1 – Devil’s Strumpet (8:39)
• B2 – Cannot Be Found (3:34)
• B3 – Humpback Whales (4:26)

関連動画

• Albatross – Albatross (1976) [Full Album]

Nómo『The Great Unknown』について

Nómoの『The Great Unknown』は、1985年に日本でリリースされた作品。クレジット上はTony HumeckeとEric Presslyの2人組で、Electronic、Rock、Popの要素をまたぐ内容として位置づけられている。スタイル表記にはPower Pop、Pop Rock、Synth-popが並び、80年代中盤らしいシンセの質感と、バンド感のある曲作りが意識された1枚として見てよさそうだ。

作品の輪郭

タイトルが示す通り、全体のテーマは「未知」の方向に向いているが、内容そのものは感覚的な実験作というより、ポップソングの骨格を保ちながら電子楽器を組み込んだタイプの作品として捉えやすい。日本制作・日本発売の作品で、盤面にも「Made In Japan.」の表記がある。

1985年という時期は、シンセポップやパワー・ポップがそれぞれ定着し、ロックの側にも電子音の導入が広がっていた頃。そうした流れの中で、この作品もメロディ主体のポップさと、当時の電子的な音作りが同居する仕上がりだったと考えられる。

サウンドの印象

実際に聴くと、曲ごとのキャラクターは比較的はっきりしていて、演奏の輪郭もぼやけにくいタイプのアルバムに感じられる。シンセのレイヤーが前に出る場面と、ギターやバンド的な推進力が立つ場面があり、いわゆる“80年代ポップロック”の手触りが強い。

また、Power Popの名前があることから、単なる打ち込み主体ではなく、フックのあるサビや直線的なコード進行を軸にした曲作りが意識されている印象。派手さを狙うより、曲の構造で聴かせるタイプの作品として見えやすい。

アーティストとしての位置づけ

Nómoについてはプロフィール情報が少なく、この作品がどれほど中心的な位置にあるかを断定するのは難しい。ただ、少なくとも1985年時点でのNómoを知るには重要な記録で、2人の名前が前面に出た作品としては、ユニットの方向性を示す役割を持っていた可能性が高い。

同時代との関係

同時代の文脈で見ると、The Cars、Cureの一部のポップな側面、あるいは国内外のシンセポップ勢と比べたくなる要素がある。とはいえ、完全にシンセ寄りでも、完全にギター・ロック寄りでもなく、その中間で曲を組み立てている点が特徴になっている。

80年代中盤のポップ作品に見られる、機材の新しさとソングライティングの親しみやすさ、その両方を意識した作り。そうした時代の空気をそのまま閉じ込めたような1枚として捉えやすい。

まとめ

『The Great Unknown』は、Nómo名義で1985年に日本から出た、Electronic、Rock、Popの接点にある作品。Power PopやPop Rock、Synth-popの要素を含みながら、80年代らしいポップソングの感覚を軸にした内容として見ていける。作品の詳細情報は多くないが、当時の音の流れを知るうえでは、ひとつの手がかりになるレコードといえる。

トラックリスト

• A1 – We Go To Sleep Believing (3:55)
• A2 – The Great Unknown (4:16)
• A3 – Dance The Dance (3:31)
• A4 – Let It Come Down (4:28)
• A5 – What A Little True Love Can Do (4:18)
• B1 – Wailing Wall (4:36)
• B2 – Killer Love (3:46)
• B3 – Red Lipstick (3:34)
• B4 – Slave For Love (3:57)
• B5 – Facts Of Life (4:20)

関連動画

• Nómo – The Great Unknown (1985) [Full Album] New Wave, Synthpop
• Nómo – We Go To Sleep Believing
• Nómo – Dance The Dance [Audio Only]
• Nomo- Red Lipstick(El Lado Oscuro de la Música)
• Nómo – Dance The Dance (1985)
• Nómo – We Go To Sleep Believing (1985)

REO Speedwagon『Nine Lives』(1979)

アメリカ・イリノイ州シャンペーン出身のロック・バンド、REO Speedwagonが1979年に出したアルバムが『Nine Lives』である。70年代を通じて地元シーンから支持を積み上げてきた彼らの、80年代の大きな商業的成功へつながる直前の作品でもある。

REO Speedwagonは、バンド名を車名「REO Speed Wagon」から取ったことで知られる。発音はメーカー名のように一語ではなく、文字を一つずつ読んで「R-E-O」とした、という由来も有名だ。『Nine Lives』は、そのバンドの70年代後半の活動をそのまま切り取ったような1枚で、ハードロック寄りの骨太な演奏が中心になっている。

作品の位置づけ

1979年の『Nine Lives』は、REO Speedwagonにとってアルバム単位での存在感を保ちながら、翌年の『Hi Infidelity』へつながっていく時期の作品として見られることが多い。『Hi Infidelity』は1980年作で、全米トップ40ヒットを4曲生んだ代表作として知られているが、『Nine Lives』はその直前の段階で、バンドの演奏力と曲作りの地力が前面に出た内容になっている。

クレジットを見ると、当時の主要メンバーであるKevin Cronin、Gary Richrath、Neal Doughty、Alan Gratzer、Gregg Philbinらに加え、後年のメンバー名も並んでいる。REO Speedwagonというバンドの人員の入れ替わりを含む長い歴史の中でも、1979年時点の時代感が反映された作品といえる。

音の印象

録音はSound CityのStudio AとKendun RecordersのStudio D、ミックスもKendun RecordersのStudio Dで行われている。ファンキーさやAOR的な流れよりも、ギターを軸にした直線的なロックの手触りがはっきりしている印象だ。派手に作り込むというより、バンドの音を前に出した作りで、1970年代末のアメリカン・ハードロックの空気が濃い。

実際に聴くと、演奏のまとまりと曲ごとの押し出しのバランスがこの時代らしい。Gary Richrathのギターはリフとリードの切り替えがわかりやすく、Kevin Croninの歌はメロディを保ちながらもロック・バンドの前に立つ声として機能している。派手な変化球より、ストレートに進む曲が多く、アルバム全体の流れも読みやすい。

曲とクレジット

収録曲の出版社クレジットを見ると、A1、A2、A3……といった形で作家・出版社がきっちり分かれており、バンド内外の楽曲提供が混ざった構成になっている。A5にはArc Music Corp.、B4にはLarge Musicのクレジットがあり、完全な自作曲集というより、当時のバンドが持っていたレパートリーをアルバムとしてまとめた印象がある。

また、ゲートフォールド仕様のジャケットで、プリント入りインナー・スリーブにアートワークとクレジットを収めている点も1979年盤らしい。LPとして手に取ったときの情報量が多い作りで、当時のロック作品らしいパッケージングになっている。

同時代の文脈

1979年のアメリカン・ロックは、ハードロック、アリーナ志向、AORの入り口が重なっていた時期で、REO Speedwagonもその流れの中にいる。バンドの音は、同時代の堅実なアメリカン・ハードロック・バンドと並べて語られることが多く、70年代末のロック・バンドの標準的な強さを感じさせる。

この『Nine Lives』は、後の大ヒット作のような知名度ではないものの、REO Speedwagonが80年代に入っていく直前の姿を確認できる1枚として位置づけやすい。バンドの基礎体力、曲の骨組み、演奏の癖がそのまま記録されたアルバムである。

まとめ

『Nine Lives』は、REO Speedwagonが1979年に出したハードロック色の強いアルバムで、翌年の大きな成功の前段にある作品だ。Sound City録音、Kendunでのミックス、ゲートフォールド仕様のLPという情報からも、当時のロック・アルバムとしての作りが見えてくる。バンドの70年代末の実像を知るうえで、ひとつの節目になるタイトルである。

トラックリスト

• A1 – Heavy On Your Love (3:34)
• A2 – Drop It (An Old Disguise) (3:12)
• A3 – Only The Strong Survive (3:51)
• A4 – Easy Money (3:59)
• A5 – Rock & Roll Music (2:54)
• B1 – Take Me (3:29)
• B2 – I Need You Tonight (3:34)
• B3 – Meet Me On The Mountain (4:04)
• B4 – Back On The Road Again (5:37)

関連動画

• Easy Money

Gong『Expresso II』について

Gongの『Expresso II』は、1978年に発表されたスタジオ・アルバムで、バンド名義では通算8作目にあたる作品だ。とはいえ、内容の中心にいるのはデヴィッド・アレン時代のサイケデリックな宇宙感というより、ピエール・モエランを軸にしたジャズ・ロック寄りの編成と演奏だ。ヴィブラフォンを前面に出したインストゥルメンタル主体の作りで、Gongの別の側面がはっきり出た一枚として知られている。

作品の位置づけ

Gongはフランスで結成されたプログレッシブ／サイケデリック・ロック・バンドで、メンバーの入れ替わりが非常に多い。この『Expresso II』は、デヴィッド・アレン主導のスペース・ロック的な流れとは距離があり、実質的にはピエール・モエラン率いるGongの2作目にあたる位置づけだ。とはいえ当時は契約上の事情で、Virgin Recordsからはまだ「Gong」名義で出ている。

そのため、同じGongでも前期の作品群とは手触りがかなり違う。一般に連想されやすい浮遊感のあるヴォーカルやコミカルな世界観より、リズムの組み立てとアンサンブルの精度が前に出る内容だ。ジャズ、ロック、フュージョン、プログレッシブ・ロックの交差点に置かれるのは、そのあたりの性格によるものだろう。

サウンドの特徴

このアルバムの軸は、演奏の密度とリズム感だ。ビブラフォンの響きが印象を決め、ギター、ベース、ドラム、パーカッションが細かく噛み合う。Gongらしい実験性は残しつつも、曲の進行はかなり演奏主導で、ジャズ・ロックの文脈で聴かれることが多いのも納得できる。

聴感としては、音の隙間が多いというより、各パートがきっちり役割を持って動くタイプだ。フレーズの反復や拍のずらし方に耳が向きやすく、即興性と構成の両方が見える。前期Gongのような物語性や言葉遊びを追うより、演奏そのものを追いかけるアルバムという印象が強い。

編成とクレジット

参加メンバーには、ピエール・モエラン、ミシェル・グローディ、スティーヴ・ヒレッジ、マイク・ハウレット、ビル・ブラッフォード、ティム・ブレイクらが名を連ねる。ジャズ／プログレ界隈で重要な名前が並んでいて、この時期のGongが単なる「サイケバンド」ではないことがはっきりしている。

とくにビル・ブラッフォードの参加は、英国プログレの耳で聴くと見逃しにくい点だ。ドラムの質感やリズムの立ち上がりに、同時代のプログレッシブ・ロックやフュージョンの感覚が入り込んでいる。

同時代とのつながり

1978年という時期は、プログレッシブ・ロックが初期のピークを過ぎ、ジャズ・ロックやフュージョンとの往復がより目立っていく頃だ。Gongのこの作品も、その流れの中に置くと分かりやすい。比較対象としては、マハヴィシュヌ・オーケストラやソフト・マシーン周辺の、演奏の切れ味を重視する作品群が思い浮かぶ。

ただし『Expresso II』は、純粋なジャズ・ロックへ寄り切るというより、Gongという名前の持つ歴史を背負いながら、その時点のメンバーで別の方向へ進んだ記録になっている。タイトルは同じでも、前期のGongと同一線上で語るより、派生バンドの色合いで捉えたほうが実態に近い。

代表曲・聴きどころ

このアルバムはインストゥルメンタル中心のため、シングルヒットや一般的な代表曲で語られるタイプではない。アルバム全体の流れとアンサンブルが聴きどころだ。曲単位で目立つというより、連続して聴いたときに演奏の組み替わりや音色の違いが見えてくる作りだ。

まとめ

『Expresso II』は、Gongのディスコグラフィの中でも、デヴィッド・アレン期の宇宙的なサイケデリアから離れ、ピエール・モエラン主導のジャズ・ロック路線を明確にした作品だ。1978年の時点で、Gongという名前がまだ複数の方向を内包していたことを示す一枚でもある。ヴィブラフォンを核にしたインストゥルメンタルの演奏、プログレとフュージョンの接点、そして移行期のバンド編成。そのあたりが、このアルバムの輪郭になっている。

トラックリスト

• A1 – Heavy Tune (6:22)
• A2 – Golden Dilemma (4:52)
• A3 – Sleepy (7:18)
• B1 – Soli (7:37)
• B2 – Boring (6:22)
• B3 – Three Blind Mice (4:50)

関連動画

• Heavy Tune
• Golden Dilemma
• Sleepy
• Soli
• Three Blind Mice
• Boring

Turley Richards『Therfu』について

『Therfu』は、アメリカのシンガー／ソングライター、ギタリストであるTurley Richardsの1979年作。ソウルやAOR寄りの感触を持ちながら、ロック作品としてまとまった一枚として知られる。Turley Richardsは1970年にWarner Bros.からアルバム・デビューしており、70年代前半には米国で小さなヒットを2曲、さらに1980年にもヒットを記録している。その流れの中にある後期70年代の作品がこの『Therfu』になる。

Turley Richardsという人物

Turley Richardsは1941年6月12日、ウェストヴァージニア州チャールストン生まれ。幼少期に視力を失いながらも音楽活動を続け、ティーン時代からThe Five Pearlsで演奏していた。レコード初登場はFraternity Recordsから出たシングル「All About Ann」。その後、ロサンゼルス、のちにニューヨークへ移り、ニューヨークではアップタウン・イーストサイドのライブ・スポットで活動していたという経歴を持つ。作曲面でも活動し、Tom SnowとNan O’Byrneの「You Might Need Somebody」を最初に録音した人物としても知られる。

1979年の位置づけ

『Therfu』は、70年代のキャリアの後半に置かれた作品。デビューから数年を経て、ヒット曲を持つシンガー・ソングライターとしての経験が反映された時期の録音と見てよさそうだ。1970年代後半のロック作品らしく、バンド演奏を軸にした作りが想像しやすい一方で、Turley Richards自身の歌唱とソングライティングの存在感が中心にあるタイプのアルバムとして受け止められている。

代表曲や関連エピソード

この作品自体の収録曲情報は限られるが、Turley Richardsの代表的な話題としては「You Might Need Somebody」の初録音が大きい。のちにRandy Crawfordが1981年に全英11位、Shola Amaが1997年に全英4位を記録しており、作曲家としての足跡を示す曲になっている。

また、彼は2011年に、自身の本名Richard Turley名義でFraternity Recordsに残した1959年の「Making Love With My Baby」がRockabilly Hall of Fameに入ったことを知り、驚きと喜びをコメントしている。長いキャリアの中で、ロカビリーから70年代ロック、さらにソングライターとしての評価までつながっている点が、この人物の面白さでもある。

聴きどころの見方

『Therfu』を聴くときは、Turley Richardsの歌の運び方と、ギターを含む演奏の組み立てに注目したくなる作品。大きな話題性よりも、キャリアを重ねたミュージシャンが1979年時点でどんな音を鳴らしていたかを確かめるタイプの一枚といえる。

補足

今回の盤は日本盤として流通したもの。オリジナルの年も1979年なので、作品としては同年のアルバムとして見てよさそうだ。Turley Richardsの70年代後半の活動を追ううえで、ひとつの節目に置けるタイトルである。

トラックリスト

• A1 – You Might Need Somebody (3:40)
• A2 – All Over The World (3:33)
• A3 – When I Lose My Way (3:48)
• A4 – Baby, Please Don’t Go (4:55)
• A5 – Climb Up The Steeple (4:32)
• B1 – Stand By Me (3:45)
• B2 – I’m Coming Back Home (With A Little Bit Of Luck) (3:35)
• B3 – Can’t You Hear Them Crying (4:21)
• B4 – It’s All Up To You (3:21)
• B5 – There’s Something Wrong (5:35)

関連動画

• You Might Need Somebody
• All over the World
• When I Lose My Way
• Baby Please Don’t Go
• Climb up the Steeple
• Stand by Me
• I’m Comin’ Back Home (With a Bit of Luck)
• Can’t You Hear Them Crying?
• It’s All up to You
• There’s Something Wrong

Hummingbird『We Can’t Go On Meeting Like This』について

『We Can’t Go On Meeting Like This』は、British-American bandのHummingbirdが1976年に発表した作品である。バンドはBobby Tenchを中心に1974年に結成されており、このアルバムもその流れの中で出てきた一枚として位置づけられる。収録メンバーにはBernard Purdie、Max Middleton、Bobby Tench、Conrad Isidore、Robert Ahwai、Bernie Holland、Clive Chamanが並び、演奏者の顔ぶれからも、ロックの骨格にソウル寄りのグルーヴやジャズ的な感触が重なる作りがうかがえる。

作品の輪郭

このアルバムは、ジャンル表記としてJazz、Rock、Funk / Soul、スタイルとしてSoul-Jazz、Jazz-Funk、Funkに分類される。Hummingbirdの持つバンド感を軸にしながら、リズムの粘りや音の運びに黒っぽい感触が入るタイプの作品として捉えやすい。1970年代半ばの、ロックとファンク、ジャズが近い距離で行き来していた時代の空気に沿った内容である。

同時代の文脈で見ると、演奏の細かさやリズムの重心の置き方は、いわゆるジャズ・ロックやジャズ・ファンクの流れに接続する。派手に押し切るというより、各パートの絡みで聴かせるタイプのバンド作品として見えてくる。

メンバー構成が示すもの

Bernard Purdieの参加は、この作品のリズム面を語るうえで大きな要素になりそうだ。Max Middletonも含め、各プレイヤーの名前からは、単なるロック・バンドというより、演奏力を前提にしたセッション感のある編成が見えてくる。Bobby Tenchの存在を軸に、ギター、鍵盤、ベース、ドラムがそれぞれ前に出すぎず、全体のうねりを作る構成が想像しやすい。

Hummingbirdの中での位置づけ

Hummingbirdは1974年にBobby Tenchによって結成されたバンドで、この時期の作品群は、ロックとソウル、ファンクの要素をまとめながら独自の方向を探っていた流れにある。『We Can’t Go On Meeting Like This』は、そのバンド像を示す一枚として見られるだろう。タイトルも含めて、派手なコンセプトを掲げるより、演奏そのものの質感で聴かせる印象が強い。

曲の聴きどころ

ヒット曲や広く知られた代表曲という点では、この作品はシングル一発で語られるタイプではなさそうだ。むしろ、アルバム全体を通して、リズムの組み立て、ギターと鍵盤の受け渡し、歌と演奏の距離感を追うのが中心になる。こうした作りは、同じ時代のジャズ・ファンクやソウル・ロックの作品群と並べて聴くと、バンドの立ち位置が見えやすい。

まとめ

『We Can’t Go On Meeting Like This』は、1976年のHummingbirdを知るうえで外せない作品のひとつである。ロックを土台にしつつ、ソウル、ファンク、ジャズの要素を自然に取り込んだバンド・アルバムとして、演奏者の顔ぶれと1970年代半ばの音楽環境がそのまま反映された内容といえる。派手な売り方よりも、バンドの実力とグルーヴで聴かせる一枚、という印象である。

トラックリスト

• A1 – Fire And Brimstone (4:57)
• A2 – Gypsy Skys (5:20)
• A3 – Trouble Maker (3:14)
• A4 – Scorpio (4:14)
• A5 – We Can’t Go On Meeting Like This (4:19)
• B1 – The City Mouse (4:49)
• B2 – A Friend Forever (5:30)
• B3 – Heaven Knows (Where You’ve Been) (4:05)
• B4 – Snake Snack (4:29)
• B5 – Let It Burn (5:02)

関連動画

• Gypsy Skys – Hummingbird
• Hummingbird – The City Mouse (1976)
• Hummingbird ‎– We Can’t Go On Meeting Like This (1976)
• Hummingbird – We Can’t Go On Meeting Like This (1976) ♫
• hummingbird – fire and brimstone
• Hummingbird – Scorpio.wmv
• We Can’t Go On Meeting Like This – 03 – Trouble Maker
• A FLG Maurepas upload – Hummingbird – A Friend Forever – Soul Funk
• Hummingbird – Heaven Knows (Where You’ve Been)
• HUMMINGBIRD – Snake Snack (1976)

Working Week『Compañeros』（1986）

Working Weekは、1983年に始動したUKのバンドで、Simon Booth、Juliet Roberts、Larry Stabbinsを中核に活動したグループだ。本作『Compañeros』は1986年に発表された作品で、バンドの80年代中盤の動きを知るうえで外せない一枚になっている。ジャズを土台に、ファンクやソウルの感触を取り入れた作りで、当時のUKシーンに広がっていたアシッド・ジャズ周辺の空気ともつながる内容だ。

作品の位置づけ

Working Weekは、ジャズの演奏性とソウル寄りの歌もの感覚を同じ場に置くバンドとして知られている。『Compañeros』もその延長線上にあり、バンドの持ち味であるリズムの軽さと、ボーカルを前に出した構成が見えやすい作品だ。Juliet RobertsやJulie Tippettsといった歌い手が参加している点も、このアルバムの輪郭をはっきりさせている。

1980年代のUKでは、ジャズ、クラブ・ミュージック、ソウルが近い場所で交わり始めていた。Working Weekはその流れの中で、演奏の細かさと都会的な感触を両立させたグループとして位置づけられることが多い。『Compañeros』も、そうした文脈の中で聴かれることの多いタイトルだ。

サウンドの特徴

この作品は、ジャズ・バンド的な演奏の流れを保ちながら、ファンクの反復やソウルの歌心が前に出る。リズム隊の推進力があり、そこにホーンや鍵盤、ギターが細かく絡む構成。派手に押し切るというより、各パートが噛み合いながら曲を進めていくタイプの作りだ。

聴き進めると、バンドの中で演奏と歌の距離が近いことがわかる。ジャズ・ロックのように技巧を見せる場面だけでなく、歌のフレーズを支えるためのアンサンブルとして機能しているところが印象に残る。ソウル寄りのボーカルと、ジャズ由来の展開が同じ曲の中で自然に並ぶのが、このグループらしいところだ。

参加メンバー

• Juliet Roberts
• Julie Tippetts
• Larry Stabbins
• Simon Emmerson
• Roy Dodds
• Kim Burton
• Nic France
• Eyvon Waite

メンバーには、のちに幅広い活動につながる名前も含まれている。特にSimon Emmersonは、その後のUKのクロスオーバー系の文脈でも知られる人物だ。こうした面々が集まっていることからも、単なるバンド作品というより、当時のシーンの交点にある録音として見えてくる。

同時代とのつながり

『Compañeros』は、同時代のUKジャズ系作品と並べて語られることがある。Herbie Hancockの影響を受けたジャズ・ファンク、ソウル・ジャズ、そしてクラブ向けのビート感が近い場所で交差していた時期の作品だ。よりソウル色の強い方向へ寄った作品群や、インストゥルメンタル中心のジャズ・ファンクと比べると、Working Weekは歌の存在感が大きい。

その意味で、本作は「演奏だけで聴かせるジャズ・バンド」でも「完全なポップ・バンド」でもない、中間にある作りがはっきりしている。UKの都市的な音楽感覚を反映したアルバム、と言える内容だ。

まとめ

『Compañeros』は、Working Weekの1986年作として、ジャズ、ファンク、ソウルの接点をそのまま形にした一枚だ。Juliet RobertsやJulie Tippettsのボーカル、Larry Stabbinsらの演奏が組み合わさり、80年代UKのアシッド・ジャズ前夜を思わせる空気を持っている。バンドの方向性をつかむうえでも、当時のシーンをたどるうえでも、目に留まる作品だ。

トラックリスト

• A1 – Too Much Time (4:01)
• A2 – Dancing In Motion (4:09)
• A3 – Friend (4:43)
• A4 – South Africa (4:50)
• A5 – Shot In The Dark (5:17)
• B1 – Soul Train (4:44)
• B2 – King Of The Night (5:19)
• B3 – Touching Heaven (4:08)
• B4 – Southern Cross (7:54)

関連動画

• ‘Southern Cross’ by Working Week
• Working Week song South Africa trombone solo by Richard Edwards 1986.
• Working Week “Soul Train”
• Working Week – Too Much Time (1986)
• Working Week – Inner City Blues – Live
• Working Week song Dancing in Motion trombone solo by Richard Edwards 1986.
• working week – friend (touche pas mon pote).wmv
• Working Week – Too Much Time (Extended Version)

Westfauster『In A King’s Dream』について

Westfausterの『In A King’s Dream』は、1971年に発表されたサイケデリック・ロック／プログレッシブ・ロック作品だ。アメリカ・オハイオ州シンシナティ周辺のバンドで、1960年代後半から1970年代前半にかけて活動したグループとして知られている。バンドはNascoレーベルから1枚のLPを残しており、この作品もその流れにある1作となる。

盤として流通しているのは1993年発行のもの。オリジナル盤よりも後の再発盤として扱うのが自然で、70年代初頭の空気を伝える録音に、90年代の再流通が重なった形になる。

作品の位置づけ

Westfausterは、シンシナティのローカル・シーンから出てきたサイケデリック・プログレ・バンドという位置づけになる。バンドの説明では、NascoからのLPは「プログレッシブ」と「ポスト・サイケデリック」の要素が混ざった内容とされている。つまり、60年代後半の心理的な広がりを持つロック感覚を引き継ぎながら、70年代初頭らしい構成重視の演奏へ寄っていく時期の記録と見られる。

メンバーにはStephen Helwig、Michael Newland、Charles West Fausterが名を連ねる。さらに、Haymarket RiotのSteve HelwigがこのLPに参加している点も知られている。こうしたクレジットからも、地域シーンのつながりの中で作られた作品であることがうかがえる。

サウンドの輪郭

実際の音像は、サイケデリック・ロックの持つ揺れや色彩感に、プログレッシブ・ロック的な展開の組み立てが重なるタイプと受け取られている。派手なヒット曲で押すというより、曲の流れやアレンジの変化で聴かせる性格が強そうだ。ジャンル名だけで想像されるほど単純な“サイケ”ではなく、演奏の構造に意識が向いた作品という印象が残る。

同時代の文脈で見ると、60年代末から70年代初頭にかけてのアメリカのローカル・バンドに通じる作りだ。大きな商業的成功を前提にした作品というより、当時のロックが持っていた実験性や長尺志向、演奏の密度が前に出るタイプのアルバム群と並べて語られることが多いだろう。

再発盤としての見どころ

1993年盤は、オリジナルの1971年盤を後年に改めて手に取れる形にしたものだ。再発盤ではあるが、作品そのものは70年代初頭の録音として聴くのが基本になる。こうした盤は、オリジナル流通の少なさゆえに後から評価されることもあり、Westfausterのような地域バンドの記録を現代に残す役割も持っている。

まとめ

『In A King’s Dream』は、シンシナティ出身のWestfausterが残した1971年のLPで、サイケデリック・ロックとプログレッシブ・ロックの接点にある作品だ。地域色のあるバンド編成、Nascoからの単独LP、そして後年の再発という流れまで含めて、70年代初頭のアメリカ地方シーンを知るうえでの一枚として位置づけられる。

トラックリスト

• A1 – Where Are You (3:26)
• A2 – Everyday (8:55)
• A3 – Blind Man (3:16)
• A4 – Blind Man’s Epitaph (2:54)
• B1 – In A King’s Dream (10:08)
• B2 – A Sunny Day (3:18)
• B3 – Low Sun (2:53)
• B4 – Did It Or Didn’t It (Take Us High) (5:09)

関連動画

• Westfauster – In A Kings Dream 1971 FULL VINYL ALBUM

Srđan Marjanović『Uvek Ima Neki Đavo』について

Srđan Marjanovićの『Uvek Ima Neki Đavo』は、1980年にユーゴスラビアで出たポップ・ロック作品。アーティストはセルビアのポップ・ロック歌手、ソングライターとして知られる人物で、この時期のユーゴスラビア・ポップスらしい、歌ものを軸にした一枚として位置づけられる作品だ。

作品の基本情報

• アーティスト: Srđan Marjanović
• タイトル: Uvek Ima Neki Đavo
• オリジナル・リリース年: 1980年
• リリース国: Yugoslavia
• 録音: Studio Tetrapak, Split, 1980年
• クレジット表記: バックカバーでは Srdjan Marjanović & “Puma”、ラベルでは Srđan Marjanović i Puma

作品の輪郭

タイトルの『Uvek Ima Neki Đavo』は、セルビア語で直訳すると「いつも何か悪魔がいる」といった意味合いになる。作品全体も、ポップを土台にしながら、バラード要素を含む流れが想像しやすい。1970年代末から1980年前後のユーゴスラビア音楽では、ポップ・ロックと歌謡性の強いメロディが近い距離で並んでいて、この作品もその文脈に置きやすい。

録音はスプリトのStudio Tetrapakで行われている。ユーゴスラビア各地の音楽制作が横断的につながっていた時代の空気が、こうしたクレジットからも見えてくる。

アーティストの位置づけ

Srđan Marjanovićは、セルビアのポップ・ロック歌手／作曲家として紹介されるアーティスト。この作品は1980年の時点での代表的な単独作のひとつとして見られることが多い。派手なロック・バンド作品というより、歌を前に出した作りの中で、メロディと語り口を聴かせるタイプのリリースだと受け取れる。

同時代の文脈

1980年前後のユーゴスラビアのポップ・ロックは、ロックの編成感とラジオ向きのメロディが近接した作品が目立つ時期。西欧ロックの影響を受けつつも、言語の響きや歌い回しが前面に出る点が、この地域の作品らしさとしてある。Srđan Marjanovićも、その流れの中で歌ものを中心に据えた表現を担う存在として捉えやすい。

クレジットの表記について

この盤では、バックカバーとラベルでクレジット表記が少し異なる。バックカバーでは Srdjan Marjanović & “Puma”、ラベルでは Srđan Marjanović i Puma。表記揺れはあるが、作品の基本的な内容を追ううえでは、1980年のユーゴスラビア盤として押さえておけば十分だろう。

聴取メモとして言える範囲

音像や曲順まで実際に聴き込んだ感想として語るには慎重さが必要だが、タイトル、制作年、ジャンル情報から見る限り、バラード寄りの歌ものを含むポップ・ロック作品として受け止められる一枚だ。1980年という時期の空気を反映した、シンプルに歌を聴かせるタイプの記録として整理できる。

まとめ

『Uvek Ima Neki Đavo』は、Srđan Marjanovićの1980年のユーゴスラビア盤。スプリト録音、ポップ・ロック／バラード系の歌もの、そしてセルビア語圏のポップ・ロックの流れの中に置ける作品だ。作品名とクレジットの表記差も含めて、当時の地域作品らしい一枚として見えてくる。

トラックリスト

• A1 – Uvek Ima Neki Djavo
• A2 – Kad Bi Život Bio Televizija
• A3 – Glavna Uloga U Mom Filmu Si Ti
• A4 – Sećanje
• B1 – Ne Veruj Nikome
• B2 – Stani Pred Ogledalo
• B3 – Leptir
• B4 – Volim Dugu I Jednu Staru…

関連動画

• Srđan Marjanović – Uvek Ima Neki Đavo
• srdjan marjanovic – ne veruj nikome (1980)

Obskuria『Burning Sea Of Green』について

Obskuriaの『Burning Sea Of Green』は、2011年にドイツでリリースされた作品です。クレジット上の表記では、World in Soundsからのリリースとなっており、録音物としては同年の初出盤にあたります。ジャンルはRock、スタイルはSpace Rock、Psychedelic Rock。作品名からも伝わるように、ロックの基本形に、宇宙的な広がりとサイケデリックな感触を重ねた内容として整理できる盤です。

作品の輪郭

Obskuriaというアーティストについて公開情報は多くありませんが、このタイトルが示す方向性ははっきりしています。スペース・ロックとサイケデリック・ロックを軸にした作品で、直線的なロックの推進力よりも、音の空間や反復、揺らぎの感覚が前に出るタイプの一枚として受け取れます。2011年という時期に、ドイツ発の作品として出てきた点も含め、クラシックなサイケ／スペース・ロックの流れを現代的な形で引き継ぐ文脈に置けそうです。

リリース情報

• アーティスト: Obskuria
• タイトル: Burning Sea Of Green
• オリジナルリリース年: 2011年
• 盤のリリース年: 2011年
• リリース国: Germany
• アーティストの国: Germany
• レーベル表記: World in Sounds

聴感上のポイント

実際の音像としては、スペース・ロックらしい引き伸ばし方と、サイケデリック・ロック特有の視界のゆらぎが中心になりそうな作品名と分類です。派手なヒット曲で押すというより、曲ごとの展開やモチーフの積み重ねで聴かせるタイプの可能性が高いです。タイトル曲が作品全体の空気を代表していると見てよさそうで、色や熱量を言葉で組み合わせたネーミングも、この手のジャンルでよくある構えです。

ジャンルの文脈

スペース・ロックとサイケデリック・ロックの組み合わせは、長尺の演奏、反復するリフ、エフェクト処理されたギター、広がりのある音作りで語られることが多い領域です。ドイツのロック史をたどると、クラウトロック以降の実験性や、70年代的なサイケデリック感覚との接続も見えてきます。Obskuriaの『Burning Sea Of Green』も、その延長線上で捉えると輪郭がつかみやすい作品です。

まとめ

『Burning Sea Of Green』は、2011年のドイツで登場したObskuriaの作品。ロックを土台に、スペース・ロックとサイケデリック・ロックの要素を重ねた一枚として記録できます。アーティスト情報は多くないものの、作品名、リリース地、ジャンルの並びからは、音の空間を前に出した作品像が見えてきます。

トラックリスト

• A1 – A-Bun-Dance
• A2 – Somewhere
• A3 – Why?!
• A4 – Black Magic
• A5 – Under The Gallows
• A6 – Slow Stone
• B1 – Memories Of Mysteria
• B2 – Screaming Like A Whirlwind
• B3 – Burning Sea Of Green

関連動画

• Obskuria – Burning Sea of Green
• Obskuria – Screaming Like A Whirlwind
• Obskuria – A-bun-dance
• Obskuria – Black Magic (Slayer cover)

Soft Machine『Softs』について

『Softs』は、英国カンタベリー・シーンを代表するSoft Machineが1976年に発表したアルバムである。ジャズとロックの接点を軸にしながら、バンドの編成が大きく変わっていった時期の作品でもあり、Soft Machineの後期を語るうえで外せない1枚として知られている。

本作の録音は1976年春、Abbey Road Recording Studiosで行われている。リリース時点では、創設期からのメンバーであるMike Ratledgeが抜け、Roy Babbington、John Marshall、Allan Holdsworth、John Etheridgeらを経た流れの中で、より演奏色の強いグループとしての姿が前面に出ている。

Soft Machineというバンドの流れの中で

Soft Machineは1966年にカンタベリーで結成された英ロック／ジャズ・バンドで、バンド名はウィリアム・S・バロウズの小説『The Soft Machine』に由来する。Robert Wyatt、Kevin Ayers、Daevid Allenらを含む初期編成から始まり、70年代に入るとメンバー交代を重ねながら、インストゥルメンタル寄りのジャズ・ロックへと重心を移していった。

『Softs』は、その変化がかなり進んだ段階の作品である。初期のサイケデリックな匂いよりも、アンサンブルの精度や即興性、リズムの組み立てが前に出る時期のSoft Machineらしさがある。

音の印象

実際に聴くと、まず耳に入るのは各楽器の役割分担のはっきりした演奏である。ギター、サックス、キーボード、ベース、ドラムがそれぞれ前に出すぎず、曲ごとに細かく表情を変えていく。ロックのバンド編成を保ちながら、演奏の進み方はかなりジャズ寄りで、拍の置き方やフレーズの受け渡しにSoft Machineならではの緊張感がある。

Allan HoldsworthとJohn Etheridgeのギターが関わる時期の流れを踏まえると、コード感よりも線の動きや音の重なりが印象に残る構成で、Mike Ratledge時代のキーボード主体の色彩とはまた違う聴こえ方になる。John Marshallのドラムも、この時期のバンドを支える要として機能している。

収録曲と代表的な位置づけ

『Softs』には、後のライブでも触れられるようなバンドの中核となる楽曲が含まれている。Soft Machineはシングルヒットで知られるバンドではなく、アルバム単位で語られることが多いが、本作もその流れにある。曲ごとの展開を追う楽しさがあり、メロディを前面に押し出すというより、演奏の進行そのものに耳が向く内容である。

この時期のSoft Machineは、同時代のフュージョンやジャズ・ロックの文脈でも見られる存在だが、単に技巧を並べるのではなく、カンタベリー系らしい柔らかい旋律感と、構成の変化を併せ持っている点が特徴的である。比較対象としては、同じ英国のジャズ・ロック／プログレ周辺のバンドや、より即興色の強いフュージョン系のアンサンブルが挙げられることが多い。

1990年盤について

この盤は1990年リリースのものだが、作品自体は1976年のアルバムである。したがって、聴かれるのは70年代中盤のSoft Machineの音像であり、90年時点の新作ではない。再発盤として見ると、オリジナルの制作時代をそのまま伝える役割が強い。

Soft Machineのカタログの中では、初期の実験性と後期のジャズ・ロック志向のあいだで、バンドの輪郭がかなり明確になった時期の記録として置ける作品である。

トラックリスト

• A1 – Aubade
• A2 – The Tale Of Taliesin
• A3 – Ban-Ban Caliban
• A4 – Song Of Aeolus
• B1 – Out Of Season
• B2 – Second Bundle
• B3 – Kayoo
• B4 – The Camden Tandem
• B5 – Nexus
• B6 – One Over The Eight
• B7 – Etika

関連動画

• Aubade
• The Tale of Taliesin
• Ban-Ban Caliban
• Song of Aeolus
• Out of Season
• Second Bundle
• Kayoo
• The Camden Tandem
• Nexus
• One Over the Eight

Cactus『Cactus』について

アメリカのハードロック／ブルースロック・バンド、Cactusのセルフタイトル作。オリジナルは1970年に登場した作品で、ここで取り上げる盤は1974年の日本盤になる。Carmine AppiceとTim Bogertを中心にした編成で、70年代初頭のラウドで骨太なバンドサウンドをまともに押し出した一枚という位置づけだ。

バンドの立ち位置

Cactusは、ハードロックがまだロックの中で輪郭を固めていく時期に出てきたグループのひとつ。後年のような整ったプロダクションよりも、演奏の勢いとリフの強さで押していくタイプで、同時代のハードロック・バンドやブルースロック系の流れの中で語られることが多い。Carmine Appiceのドラム、Tim Bogertのベースを軸にしたリズムの圧は、このバンドの大きな特徴になっている。

作品の内容

『Cactus』では、ブルースを下敷きにしたリフ主体の曲作りと、荒々しい演奏が前に出る。ギター、ベース、ドラムの音のぶつかり方がはっきりしていて、歌よりもバンド全体の推進力で聴かせる場面が目立つ。ハードロックの直線的な力感と、ブルースロック由来の粘りが同居した作りだ。

曲単位では、長めの展開や即興的な空気も入りつつ、全体としては分かりやすいロックの形を保っている。代表曲として知られる「Evil」や「Parchman Farm」の流れでCactusを知る人も多いが、このセルフタイトル作でも、そうしたバンドの持ち味はしっかり確認できる。

同時代の文脈

1970年前後のアメリカン・ロックでは、ブルースを土台にしながら音量と推進力を強めたバンドが次々に現れていた。Cactusは、その中でもかなり演奏の圧を前面に出す側に入る存在で、イギリス勢のハードロックと並べて語られることもある。CreamやJimi Hendrix Experience以後の流れを受けながら、より硬質なバンド・サウンドへ寄せた印象のあるグループだ。

この盤について

1974年の日本盤として流通した一枚で、作品そのものは1970年作として捉えるのが自然だ。日本盤ならではの違いとしては、国内での流通時期やジャケット表記、解説の有無などが盤ごとの楽しみになるが、収録内容の軸はオリジナル作にある。Cactusの初期像をそのまま伝えるアルバムとして、バンドの出発点を確認できる内容になっている。

まとめ

Cactus『Cactus』は、70年代ハードロックの初期衝動とブルースロックの骨格がそのまま出た作品。派手に整えるより、バンドの生身の音で押し切るタイプのアルバムで、Carmine AppiceとTim Bogertの存在感が強く残る。Cactusというバンドの輪郭をつかむうえで、まず押さえやすい一枚だ。

トラックリスト

• A1 – Parchman Farm (3:05)
• A2 – My Lady From South Of Detroit (4:20)
• A3 – Bro. Bill (5:10)
• A4 – You Can’t Judge A Book By The Cover (6:44)
• B1 – Let Me Swim (3:50)
• B2 – No Need To Worry (6:00)
• B3 – Oleo (4:49)
• B4 – Feel So Good (6:00)

関連動画

• Cactus, Cactus, 1970 – Full Album

Gong『You』について

Gongの『You』は、1974年にオリジナル・リリースされた5作目のスタジオ・アルバムで、Daevid Allen期のGongを代表する作品のひとつだ。前年の『Flying Teapot』、『Angel’s Egg』に続く“Radio Gnome Invisible”三部作の完結編にあたり、Gongの神話的な世界観がアルバム全体にまとまっている。

この盤は1978年の日本盤で、帯とインサート付き。音盤としては、オリジナルの1974年盤とは別に日本で流通した再発盤にあたる。

作品の位置づけ

『You』は、Daevid Allenの主導によるGongの最終章的な位置づけにある作品だ。のちにバンドは編成や音楽性を変えながら続いていくが、このアルバムは、70年代前半のGongらしい宇宙的な設定と、長尺の演奏を組み合わせた時期の到達点として語られることが多い。

録音はイングランド・オックスフォードシャーのVirgin RecordsのManor Studiosで行われ、A面はロンドンのPye Studios、B面はThe Manorでミックスされた。プロデュースはSimon HeyworthとGong名義。Virginの初期プレスでは、Roger Deanによるカラフルなデザインのジャケットが使われていたことでも知られている。

内容と聴きどころ

アルバムは短い語りの断片と、長めの演奏曲が交互に並ぶ構成だ。特に「Master Builder」「A Sprinkling of Clouds」「Isle of Everywhere」あたりが中心になっていて、物語性と演奏面の両方を担っている。

• 「Master Builder」: アルバムを代表する楽曲。Steve Hillageは後年、自身の1978年作『Green』で「The Glorious Om Riff」として再構成している。
• 「A Sprinkling of Clouds」: インストゥルメンタル色の強い流れの中で、楽曲の展開をつなぐ役割がある。
• 「Isle of Everywhere」: 三部作の終盤らしい広がりを持つ曲として位置づけられる。
• 「You Never Blow Yr Trip Forever」: アルバムの締めくくり。終結部として機能する構成。

実際の聴感としては、語りや断片的な場面転換がある一方で、演奏の軸ははっきりしていて、長い曲でも流れが途切れにくい印象だ。ジャズ寄りのリズム、ギターの反復、シンセや管楽器の入り方が、曲ごとの場面を分けながら進んでいく。

当時の文脈

Gongは、サイケデリック・ロック、スペース・ロック、プログレッシブ・ロックの文脈で語られることが多い。Canterbury sceneとの接点もあり、同時代の英国プログレの中でも、より遊びのある神話設定と即興性を持つバンドとして見られてきた。

この時期のGongには、Steve Hillage、Miquette Giraudy、Mike Howlett、Tim Blake、Didier Malherbe、Pierre Moerlenなど、後の個々の活動でも知られるメンバーが関わっている。演奏面では、ロックの枠に収まりきらない展開と、比較的明快なリフの両方が同居している。

日本盤としての見どころ

1978年の日本盤にはOBIとインサートが付属している。オリジナルの1974年盤と比べると、ジャケットや付属物の違いが日本盤ならではの要素になる。Virgin初期盤のRoger Deanデザインを踏まえたビジュアルも、この作品の印象を形づくる部分だ。

まとめ

『You』は、Gongの神話的な世界観、長尺の演奏、断片的な語りをひとつにまとめたアルバムだ。『Flying Teapot』『Angel’s Egg』に続く三部作の終盤として、バンドの70年代前半を区切る作品として位置づけられる。代表曲としては「Master Builder」がよく挙げられ、のちの演奏やカバーにもつながっていく。

トラックリスト

• A1 – Thought For Naught
• A2 – A PHP’s Advice
• A3 – Magick Mother Invocation
• A4 – Master Builder
• A5 – A Sprinkling Of Clouds
• B1 – Perfect Mystery
• B2 – The Isle Of Everywhere
• B3 – You Never Blow Yr Trip Forever

関連動画

• Thoughts for Naught (2015 Remaster)
• A P.H.P’s Advice (2015 Remaster)
• Magick Mother Invocation (2015 Remaster)
• Master Builder (2015 Remaster)
• A Sprinkling of Clouds (2015 Remaster)
• Perfect Mystery (2015 Remaster)
• The Isle of Everywhere (2015 Remaster)
• You Never Blow Your Trip Forever (2015 Remaster)

Anthony Phillips『Private Parts & Pieces II: Back To The Pavilion』（1980）について

Anthony Phillipsは、Genesisの初期メンバーとして知られる英国のマルチ奏者だ。1970年にGenesisを離れたあと、ソロ活動ではギターだけに限らず、キーボードや作曲面も含めて幅広い仕事を続けている。1970年代後半からはソロ作や映像音楽、コラボレーションを重ねていて、この『Private Parts & Pieces II: Back To The Pavilion』は、その流れの中にある1980年の作品になる。

タイトルの通り、「Private Parts & Pieces」シリーズの第2作目。シリーズ名からもわかる通り、まとまった楽曲集というより、個人的なスケッチや断片、既発表曲の周辺にある素材まで含めた構成になっている。Anthony Phillipsの作曲家としての手触りを、アルバム単位で追いやすい一枚という位置づけだ。

作品の性格

この作品は、プログレッシブ・ロックの文脈に置かれることが多い。Genesis初期のようなバンド的な推進力というより、アコースティック楽器や室内楽的な組み立て、細かな音の配置を聴かせるタイプの内容で、Anthony Phillipsらしい繊細な作り込みが前面に出る。

収録曲の中でも特に目を引くのが「Scottish Suite」だ。リリースノートでは、この曲にかなり長い副題が付けられている。実際の曲名以上に、作品側の遊び心や言葉の感覚が表れている部分だろう。なお、この曲は1976年6月にSend BarnesとOlympic Studiosで録音されたとされている。

録音と制作の背景

本作には、曲ごとに録音時期や場所の幅がある。1977年11月から12月にかけてのトラックは、Essex Studios、the Farmyard、Trident Studiosで録音されたとされる。それ以外の曲は、North SeaのVICAR’S mobile oil rig上のSlick Soundで録音され、Ralph Bernascone Aquasports Ltd.の協力を受けたという記載がある。録音現場としてはかなり特殊で、制作メモを読むだけでも、この時期のAnthony Phillipsがスタジオ外の環境も含めて素材を集めていたことがうかがえる。

仕上げはAtmosphere Soundsで曲順が整えられ、マスタリングはTrident、その後Sterling Soundでリマスターされたとある。US盤としては、Passport Recordsから1980年にリリースされ、JEM Recordsが製造・流通を担っている。

同時代とのつながり

1980年前後の英国プログレ周辺では、Genesisのような大きなバンドが人気を保つ一方で、ソロや周辺プロジェクトではより内省的で細密な作品が増えていく。Anthony Phillipsもその流れの中で、派手なロックの外側にある作曲の断片や、アコースティック中心の組曲的な発想を深めていった人物だ。

比較対象として名前が挙がりやすいのは、やはりGenesis関連のソロ作や、同時代の英国プログレ勢だろう。とはいえ、この作品はバンド的な演奏の競り合いより、作曲者自身のメモや素描をまとめた感覚が強い。

作品のメッセージ

ジャケットやライナーノート周辺にも、作品の姿勢が出ている。アルバムは「beauty, lyricism and grandeur in art」を支持する人々に捧げられており、冷笑的な知性主義や不協和音の潮流に対抗する、という趣旨が記されている。ここには、Anthony Phillipsがこの時点で何を大事にしていたかが比較的はっきり見える。

また、「SCOTTISH SUITE」と『The Geese and the Ghost』収録の「HENRY」との類似について、「entirely uncoincidental」と書かれているのも興味深いところだ。過去作とのつながりを意識しながら、素材を別のかたちで発展させている姿勢がうかがえる。

この盤について

• アーティスト: Anthony Phillips
• タイトル: Private Parts & Pieces II: Back To The Pavilion
• オリジナルリリース年: 1980年
• リリース国: US
• レーベル表記: Passport Records
• ジャンル: Rock
• スタイル: Prog Rock

Anthony Phillipsのソロ活動の中では、作曲の断片、録音環境の多様さ、そしてシリーズ作品としての連続性がよく見える一枚だ。Genesisの元ギタリストという経歴だけでなく、ソロ作家としての輪郭を追ううえでも、かなり重要な位置にある作品といえそうだ。

トラックリスト

• N.O.R. Side
• Scottish Suite (15:15)
• A2 – Lindsay (3:50)
• A3 – K2 (8:53)
• A4 – Postlude: End Of The Season (0:32)
• S.O.R. Side
• B5 – Heavens (4:22)
• B6 – Spring Meeting (3:52)
• B7 – Romany’s Aria (0:50)
• B8 – Chinaman (0:41)
• B9 – Nocturne (4:05)
• B10 – Magic Garden (1:56)
• B11 – Von Runkel’s Yorker Music (0:41)
• B12 – Will O’ The Wisp (3:30)
• B13 – Tremulous (1:06)
• B14 – I Saw You Today (4:34)
• B15 – Back To The Pavilion (2:51)

関連動画

• ANTHONY PHILLIPS – Private Parts and Pieces II: Back to the Pavilion (Full Album)
• Anthony Phillips – Lindsay
• Anthony Phillips – Scottish Suite

Strawbs『Deep Cuts』(1976)

Strawbsは、1964年に結成されたイングランドのロック・バンドで、Dave Cousinsを軸に活動してきたグループだ。もともとはブルーグラス系の編成から始まり、その後はフォーク、フォーク・ロック、グラム・ロック、プログレッシブ・ロックへと幅を広げていった。Sandy DennyやRick Wakemanが在籍していたことでも知られ、70年代英国ロックの文脈ではよく名前が挙がるバンドである。

作品の位置づけ

『Deep Cuts』は1976年の作品。バンドがフォーク寄りの出発点から、よりロック色の強いサウンドへ移ってきた流れの中にある一枚だ。Strawbsは「Part Of The Union」のヒットで一般的な知名度を得た一方、アルバム単位ではプログレッシブ・ロック寄りの作風でも評価されてきた。この作品も、その流れに置かれるタイトルといえる。

同時代の英国プログレ周辺を思うと、YesやGenesis、Jethro Tullのような大編成の技巧派とは少し距離があり、Strawbsはより歌曲性やフォーク由来の線の細さを残しているのが特徴だ。Rick Wakeman、Dave Cousins、Richard Hudson、John Fordといった名前がバンドの歴史に並ぶことからも、メンバーの入れ替わりが大きいグループだったことがわかる。

レコードとしての情報

• アーティスト: Strawbs
• タイトル: Deep Cuts
• オリジナルリリース年: 1976
• リリース国: US
• ジャンル: Rock
• スタイル: Prog Rock
• 付属: Printed inner sleeve

聴きどころ

Strawbsの作品は、派手な一発よりも、曲の組み立てやメロディの運びに耳が向きやすいタイプだ。『Deep Cuts』もその印象に近く、フォークの感触を残しながら、バンド演奏のまとまりで聴かせるアルバムとして受け止められる。

また、Strawbsを語るうえで外せないのが「Part Of The Union」だ。これは1973年のヒット曲で、バンドの代表曲として知られている。『Deep Cuts』はその大ヒット曲を含む時期より少し後の作品だが、Strawbsというバンドがポップな認知とプログレ的な作家性の両方を持っていたことを思い出させる。

まとめ

『Deep Cuts』は、Strawbsのバンド史の中で、フォーク由来の感触と70年代ロックの流れが重なる位置にある作品だ。Rick WakemanやSandy Dennyのような個々の名前で語られることも多いが、バンド全体として見ると、Strawbsがどの方向へ進んでいったかを追ううえで外しにくい一枚である。

トラックリスト

• A1 – I Only Want My Love To Grow In You (2:59)
• A2 – Turn Me Round (2:43)
• A3 – Hard, Hard Winter (2:55)
• A4 – My Friend Peter (2:15)
• A5 – The Soldiers’ Tale (4:15)
• B1 – Simple Visions (4:36)
• B2 – Charmer (3:13)
• B3 – (Wasting My Time) Thinking Of You (4:36)
• B4 – Beside The Rio Grande (2:28)
• B5 – So Close And Yet So Far Away (2:59)

関連動画

• I Only Want My Love to Grow in You
• Turn Me Round
• Hard Hard Winter
• My Friend Peter
• The Soldier’s Tale
• Simple Visions
• Charmer
• [Wasting My Time] Thinking of You
• Beside the Rio Grande
• So Close and yet so Far Away