Various『Wayfaring Strangers: Lonesome Heroes』について

Various名義で2009年にリリースされた『Wayfaring Strangers: Lonesome Heroes』は、US発のFolk、World、& Countryの流れにあるコンピレーション作品として受け取れる一枚です。タイトルからも伝わる通り、ひとりで道を行くような感触を持つフォーク曲を集めた内容で、Acousticを軸にした編成が中心になっているようです。

この種の作品では、派手な展開よりも、歌声と弦の響き、そして録音の距離感が前に出ます。打ち込みのリズムではなく、ギターや弦楽器の手触り、歌の間合い、空気を含んだ録音の質感が印象に残るタイプの構成が想像しやすいです。静かなテンポ感の中で、ひとつひとつのフレーズを追う楽しさがある作品群といえそうです。

作品の位置づけ

Various名義のため、特定の一人のアーティスト像で語るよりも、フォーク・アコースティックの文脈をまとめて見せる役割が大きい作品です。2000年代後半のリリースとして、古いフォークの感触を現代の盤として聴き直す入口にもなっている、そんな位置づけが見えてきます。

サウンドの印象

• アコースティック楽器中心の編成
• リズムは控えめで、歌と演奏の輪郭が前に出る構成
• 録音は密度よりも距離感が気になるタイプ
• 土着的なフォーク、カントリー寄りの響き

ジャンルの文脈

Folk、World、& Country、そしてAcousticというタグからは、アメリカのフォーク・トラディションを軸にした流れが見えてきます。シンガーソングライター系の弾き語りや、カントリーの素朴な響き、あるいは70年代以降のフォーク再発見の文脈ともつながる内容として捉えやすいです。

タイトルにある「Lonesome Heroes」という言葉も、そうした孤独感や旅の感覚を思わせます。作品全体としては、派手さよりも曲そのものの輪郭を追うタイプのコンピレーションとして記憶されやすい一枚です。

トラックリスト

• A1 Before
• A2 It’s So Profound
• A3 As I Walk
• A4 No Love Lost
• B1 Hummingbirds
• B2 Ooh Pah Do Pah Do
• B3 R.N.B. II
• B4 The Tailor
• B5 Little Children
• C1 Dear Father
• C2 Deep Night
• C3 Autumn
• C4 Good Morning
• D1 Kiss Another Day Goodbye
• D2 I Am The Moonlight
• D3 Close Of The Day
• D4 O’Light

関連動画

• Before
• It’s So Profound
• As I Walk
• No Love Lost
• Hummingbirds

Flyte『Dawn Dancer』について

『Dawn Dancer』は、ベルギー・オランダ混成のプログレッシブ・ロック・バンド、Flyteによる作品。オリジナルは1979年のリリースで、ここで扱う盤は1994年のリリース韓国プレスになる。ジャンルとしてはProg Rock、Symphonic Rockに位置づけられる1枚だ。

バンドの背景

Flyteは、Dutch-Belgianのプログレッシブ・ロック・グループとして知られる。1976年には、ベルギーのBilzen festivalで行われたアマチュア・バンド・コンテストで評価を受け、Steve Miller Band、Steeleye Span、Rick Wakemanらが出演するフェスティバルのステージに立ったという経歴がある。

もともとはGraceという名前で活動していたが、同名のバンドがBritainに存在したため、Flyteへ改名した。活動初期には、King Crimson、Wishbone Ash、Camelといった同時代のプログレ系バンドの楽曲を中心に演奏していた。

アルバムの位置づけ

『Dawn Dancer』はFlyteにとって唯一のアルバムとして記録されている。レーベル事情の影響もあり、当時は広く流通した作品ではなかったようだが、バンドの演奏スタイルをまとめて確認できる作品として位置づけられる。

サウンドの印象

編成を見ると、ギター、エレクトリック・ピアノ、クラヴィネット、シンセサイザー、オルガン、メロトロン、ストリング・アンサンブルまで揃っていて、プログレッシブ・ロックらしい鍵盤主体の厚みが想像しやすい。リズム面ではドラムとパーカッションが複数クレジットされており、拍の動きや打楽器の重なりが前に出る作りだった可能性がある。

音の質感としては、1970年代後半のプログレに見られる、アコースティックとエレクトリックを行き来する構成が似合うタイプ。メロトロンやオルガンの使い方も含め、シンフォニック・ロック寄りの流れを意識しやすい内容だ。

メンバー

• Lu Rousseau – lead vocals, percussion
• Ruud Worthman – acoustic and electric guitars
• Jack van Liesdonck – acoustic and electric piano, clavinet, synthesizer
• Leo Cornelissens – electric organ, mellotron, string ensemble, vocals
• Hans Boeye – drums, percussion
• Hans Marynissen – percussion
• Peter Dekeersmaeker – bass, vocals

同時代とのつながり

バンドがカバーしていたKing Crimson、Wishbone Ash、Camelの名前からも、Flyteの音楽が1970年代プログレの文脈にあることは分かりやすい。ギターの展開、鍵盤のレイヤー、組曲的な構成感を軸にしたタイプの作品として見ていくと、当時のプログレ・シーンの空気が伝わりやすい。

『Dawn Dancer』は、派手なヒット作というより、限られた形で残ったバンドの記録という性格が強い。Flyteというバンドの輪郭をつかむうえで、重要な1枚だ。

トラックリスト

• A1 Woman (4:45)
• A2 Heavy Like A Child (5:27)
• A3 Grace (5:07)
• A4 You’re Free I Guess (5:58)
• B1 Brain Damage (4:48)
• B2 .., You’re Breath Enjoyer (4:15)
• B3 King Of Clouds (4:41)
• B4 Aim At The Head (4:26)

関連動画

• Flyte – Dawn Dancer (1979) (Full Album)
• Woman
• Brain Damage
• King of Clouds
• Heavy, Like a Child

David Bowie「This Is Not America」について

David Bowieによる「This Is Not America」は、1985年に発表された楽曲で、映画「The Falcon And The Snowman」のテーマ曲として知られる1曲。UK出身のボウイが、Electronic、Pop、Stage & Screenの文脈で残した作品で、シンセポップ寄りの質感を持つタイトルになっている。

作品の輪郭

この曲は、映画音楽としての役割を持ちながら、David Bowieのシングル作品としても存在感がある。1980年代半ばのボウイらしい、整った打ち込みのリズムと、音の隙間を生かした録音の雰囲気が印象に残る。派手に押し出すというより、静かな緊張感を保ったまま進む構成。

テーマ曲らしく、映像作品との結びつきが強い一方で、ポップソングとしてのまとまりもある。シンセの質感、抑えめのビート、歌の置き方など、当時のシンセポップや映画主題歌の作り方が見えやすい仕上がりになっている。

David Bowieの中での位置づけ

1985年のボウイは、すでに長いキャリアの中で多様なスタイルを行き来していた時期。「This Is Not America」は、その中でも映画との接点がはっきりした作品で、アーティストとしての幅を示す1曲として見られることが多い。ロックの枠だけでは収まらない活動の一部という位置づけ。

同時代のUKポップやシンセポップの流れとも重なりつつ、映画主題歌としての機能も担うあたりに、1980年代中盤らしい空気がある。ボウイの作品群の中では、アルバム単位の作品とは少し異なる、独立した存在感を持つシングルとして整理できる。

サウンドの特徴

• 打ち込み主体のリズム
• シンセの薄いレイヤー
• 音数を絞った編成
• 映像作品に寄り添うような落ち着いた録音感

まとめ

「This Is Not America」は、1985年のDavid Bowieを知るうえで外せない1曲。映画「The Falcon And The Snowman」のテーマ曲として生まれた背景を持ちながら、シンセポップ、ポップ、映画音楽の要素が交差する作品になっている。UKのポップ・ロックを代表する存在だったボウイの、別の側面が見えやすいタイトル。

トラックリスト

• A This Is Not America (The Theme From The Original Motion Picture “The Falcon And The Snowman”) (3:51)
• B This Is Not America (Instrumental) (3:51)

関連動画

• David Bowie & Pat Metheny Group ‎- This Is Not America (Extended)
• David Bowie & Pat Metheny Group – This Is Not America (Motion Picture ‘The Falcon And The Snowman’)
• David Bowie & Pat Metheny Group – This is Not America, 1985 (HQ Instrumental) + Lyrics

Lizzy Mercier Descloux / Lizzy Mercier Descloux

Lizzy Mercier Desclouxは、フランス出身のシンガー、ミュージシャン、作家、画家として知られるLizzy Mercier Desclouxによる1984年の作品だ。ロックを土台に、ラテンの要素やアフロ・キューバン、ジャズダンスの感触を重ねた内容で、同時代のポップやダンス・ミュージックとも地続きに感じられる一枚になっている。

作品の輪郭

このアルバムでは、リズムの組み立てが前面に出ている。打楽器の動きや反復するビートが曲の骨格をつくり、その上に歌と演奏が乗る構成。ロックの感触を保ちながらも、ラテン由来のステップ感や、クラブ寄りのグルーヴが見えやすい。録音も、過度に厚く塗り込めるというより、各パートの動きが追いやすい質感だ。

タイトルとアーティスト名が同じこともあって、本人の個性をそのまま示すような位置づけに見える。フランスのアーティストでありながら、国やジャンルの枠に収まりきらない作り方が、この作品の印象を形づくっている。

サウンドの特徴

• ロックを軸にしたリズム構成
• アフロ・キューバン由来の打楽器感
• ラテンの動きとポップな歌の組み合わせ
• ジャズダンス的な推進力
• 音の輪郭が比較的はっきりした録音

同時代の文脈

1980年代前半の作品として見ると、ニューウェイブ以降の感覚や、ダンス・ミュージックへの接近が背景にある時期だ。ロック、ポップ、ラテン・リズムをつなぐ発想は、当時の実験的なポップ作法とも重なる。談義の中では、ポップの側からリズムの混交を進めたアーティストたちと並べて語られることもありそうだ。

アーティストについて

Lizzy Mercier Desclouxは1956年にパリで生まれ、2004年にコルシカ島サン＝フロランで亡くなった。音楽だけでなく、文章や美術の活動でも知られる人物で、作品ごとに表情を変えながらも、ジャンルの境界をまたぐ姿勢が一貫している。

ひとこと

1984年のこのアルバムは、ロック、ラテン、アフロ・キューバン、ジャズダンスの要素が重なった、Lizzy Mercier Desclouxらしい輪郭の作品として捉えやすい。曲の推進力と、演奏の組み方に耳が向きやすい一枚だ。

トラックリスト

• A1 It’s All My Imagination
• A2 Abyssinia
• A3 Gazelles
• A4 Dolby Sisters Saliva Brothers
• A5 Eclipse
• A6 Les Dents De L’Amour
• B1 Wakwazulu Kwezizulu Rock
• B2 Momo On My Mind
• B3 I’m Liquor
• B4 Queen Of Overdub Kisses
• B5 Sun’s Jive
• B6 All The Same

関連動画

• Sun’s Jive
• Pénélope
• Confidente de la nuit
• Mais où sont passées les gazelles ?
• Dolby Sisters Saliva Brothers

Guillotine「Guillotine」について

1971年にUSで発表された、フレンチ・カナディアンのジャズ・ロック・グループ、Guillotineによる同名アルバム。ジャズ、ロック、ファンク／ソウルの要素を横断しながら、ブルース・ロック、ジャズ・ロック、サイケデリック・ロックの流れの中に置ける作品だ。

作品の輪郭

Guillotineは、Pierre Nadeau、Robert Turmel、Paul Morin、Carole Brevalの4人を中心とした編成。バンド名と同じタイトルを冠したこのアルバムは、グループの基本的な方向性をそのまま示す一枚として捉えやすい。

演奏は、ロック寄りの推進力を土台にしつつ、ジャズ由来の展開やファンクのリズム感を織り込んだ構成が印象に残る。ビートを前へ押し出しながらも、単純に一直線では進まず、曲ごとに間合いや切り替えを持たせる作り。録音の質感も、当時のロック／ジャズ・ロック作品らしい生々しさが感じられるタイプだ。

サウンドの特徴

• ブルース・ロックの骨格を持つギター主体のアプローチ
• ジャズ・ロックらしいインタープレイと展開の変化
• ファンク寄りのリズムが加える推進力
• サイケデリック・ロック由来の音色や揺れのある雰囲気

この時期の北米のジャズ・ロックやジャズ・ロック寄りのロック作品と並べると、Blood, Sweat & TearsやChicagoのようなブラス中心の路線とは少し違い、よりバンド演奏の密度で聴かせる側面が目立つ。ロックとジャズの接点を、よりラフな熱量で扱うタイプの文脈に置ける。

位置づけ

1971年のこのアルバムは、Guillotineというグループの名をそのまま示した初期の記録として見やすい。ジャンルの境界をまたぐ構成で、当時のジャズ・ロックの広がりを反映した一枚という印象だ。

作品全体としては、派手な装飾よりも、演奏の組み立てとリズムの運びで聴かせる内容。ジャズ、ロック、ファンクが同じ場に置かれた時代の空気が、そのまま盤に残っているようなアルバムだ。

トラックリスト

• A1 Hands Of Children (4:31)
• A2 Those Years Have Gone By (5:15)
• A3 Don’t Need Your Love (4:52)
• A4 Anniversary (4:13)
• A5 Feel Better (2:51)
• B1 Crow Bait (2:35)
• B2 If You Don’t Call That Love (4:29)
• B3 Jonathan (4:27)
• B4 I Can’t Believe It (10:39)

関連動画

• Guillotine – Those Years Have Gone By
• GUILLOTINE Guillotine 01 – 02
• GUILLOTINE Guillotine 03 – 04
• GUILLOTINE Guillotine 05 – 06
• GUILLOTINE Guillotine 07 – 08

Karakorum『Prison Bitterness』

UKのアンダーグラウンド・ロック・バンド、Karakorumの作品『Prison Bitterness』。オリジナルのリリースは2021年、こちらの盤は2022年のリリースになる。ジャンルはロック、スタイルはプログレッシブ・ロックとサイケデリック・ロックのあたり。

バンドの輪郭

Karakorumは、1969年から1973年にかけて活動した英国のアンダーグラウンド・ロック・バンドとして紹介されている。東洋的なニュアンスを帯びたプログレッシブ・ロック、そしてリズムを軸にした催眠的な展開が特徴とされるグループ。メンバーはPaul Cobbold、Martin Chambers、James Williamsの3人。

作品の手触り

この作品では、複雑な構成を持つプログレッシブ・ロックの感触と、サイケデリック・ロックの流れが重なっている。リズムの反復が前に出るタイプの音像で、一定の拍を保ちながらも、そこに少しずつずれやうねりが加わっていくタイプの作りが想像しやすい。録音の雰囲気も、派手に整え込むというより、バンドの演奏感を軸にしたものとして受け取れそうだ。

アーティストの位置づけ

Karakorumは、当時の英国ロックの中でもかなり独自性の強い存在として語られている。大きな成功には至らなかったものの、ライブでは人気が高く、バンド側も周囲も高い評価を抱いていたという紹介がある。主流寄りのロックとは距離のある、内省的で複雑なプログレ志向のバンドとして位置づけられているようだ。

同時代の文脈

同時代の英国プログレやサイケデリック・ロックの流れの中で見ると、Karakorumはかなり左寄りの立ち位置にある。演奏の技巧や構成の込み入った作りに加えて、反復リズムの強さが印象に残るタイプで、一般的なアートロックやフォーク寄りのプログレとは少し違う輪郭がある。比較対象としては、同じく実験性を持つ英国のアンダーグラウンド・ロック周辺が思い浮かぶ。

ちょっとしたエピソード

紹介文によると、UKの音楽紙Soundsでは、Alexis KornerのコンサートでKarakorumを見たKeith Moonが彼らを絶賛していたと報じられたという。かなり期待を集めていたバンドだったことがうかがえるエピソード。なお、Karakorumの音源はSeelie Courtのリリースまで世に出ていなかったとされている。

まとめ

『Prison Bitterness』は、英国アンダーグラウンド・ロックの文脈にある、プログレッシブ・ロックとサイケデリック・ロックの要素を持つ作品。反復するリズム、東洋的な響きの気配、複雑な構成が重なる、かなり個性の強い一枚として捉えられる。

トラックリスト

• A1 Arnold Collins In Drag (3:44)
• A2 Living My Life (2:59)
• A3 Prisoners Bitterness (4:05)
• B1 Breakfast (5:20)
• B2 When The War Is Over (4:34)

関連動画

• Karakorum – Prison Bitterness (UK, 1969) [Full Album]
• Karakorum – Arnold Collins In Drag
• Karakorum – Living My Life
• Karakorum – Prison Bitterness
• Karakorum – Breakfast

Ian McCulloch「September Song」について

Ian McCullochの「September Song」は、1984年にUKでリリースされた作品である。Echo And The Bunnymenの中心人物として知られる彼のソロ名義の楽曲として、バンド活動とは少し違う視点から、その声と作曲の輪郭が見えやすい一曲になっている。

作品の位置づけ

Ian McCullochは、もともとEcho And The Bunnymenのシンガー／ギタリストとして知られる存在で、1970年代にはThe Crucial Threeにも関わっていた経歴を持つ。「September Song」は、そうしたキャリアの流れの中で出てきた1984年の作品で、彼の個性が前面に出るソロ側の記録として見ることができる。

サウンドの印象

ジャンルはRock、スタイルはArt Rockに分類されている。音の作りは、直線的に押し切るロックというより、リズムの間や音の置き方に意識が向いたタイプの印象がある。録音の空気感も含めて、単純な勢いだけではなく、少し距離を取ったような質感が残るところが特徴として挙げられそうだ。

Ian McCullochの歌声は、Echo And The Bunnymenの文脈でも重要な要素だが、この曲でもその存在感が作品全体の軸になっている。派手に展開するというより、フレーズの運びと声の置き方で引っ張る構成。

同時代とのつながり

1980年代前半のUKロックには、ポストパンク以降の流れを受けた、少し内省的で構築的なアプローチが多く見られる。この曲も、その時代の空気とつながる部分がある。Echo And The Bunnymen周辺の感触を思わせつつ、Art Rock寄りの整理された組み立てが見える点が印象的である。

ひとことでまとめると

Ian McCullochの歌と曲の作りが、バンドとは違う距離感で記録された1984年の一曲。UKロックの流れの中で、声の存在感と構成の緊張感が残る作品として捉えやすい。

トラックリスト

• A September Song (Long Version) (4:10)
• B1 September Song (Short Version) (3:33)
• B2 Cockles And Mussels (2:40)

関連動画

• September Song (Long Version)
• Ian McCulloch – September Song
• Ian McCulloch-September Song
• Cockles and Mussels – Ian McCulloch

Continuum『Continuum』について

Continuumの『Continuum』は、1971年にUKで発表されたアルバム。グループ名と同じタイトルを冠した作品で、バンドの輪郭をそのまま示すような一枚だ。Continuumは、1967年にオランダでハンガリー出身のマルチ奏者Yoel Schwarczによって構想され、その後UKへ移って独自のプログレッシブ・ミュージックを展開したグループとして知られている。ロックを土台にしながら、クラシック由来の要素や異なる文化圏の感覚を織り込んだ作りが特徴になる。

サウンドの印象

ジャンル表記はRockとClassical、スタイルはProg Rock。実際の音像も、その組み合わせを反映したものとして捉えやすい。リズムは単純なロックの推進力だけに寄らず、曲の流れに合わせて変化しやすい構成。演奏の質感は、バンド・アンサンブルのまとまりと、室内楽的な組み立ての両方が感じられるタイプだ。録音の雰囲気も、当時のUKプログレらしい生々しさを残しつつ、楽器の重なりを前に出す方向にある。

バンドの中での位置づけ

Continuumは活動期間中に2枚のアルバムを残しており、この『Continuum』はその名をバンド自身に重ねた初期の作品として見やすい。グループの音楽性をまとめた入口のような一枚で、クラシック志向とロックの接点を探る姿勢が前面に出る。

同時代の文脈

1971年という時期は、UKのプログレッシブ・ロックが多様化していた頃。大きな編成や組曲的な構成、クラシックの引用や室内楽的な発想は、この時代の潮流とも重なる。Continuumもその流れの中にありつつ、単なるロック・バンドというより、異なる音楽文化を接続する方向へ進んでいた点が目立つ。

メンバー

• Peter Billam
• John Warren
• Harvey Troupe
• Dick Wildman
• Yoel Schwarcz
• Mike Hart
• Tim Rice

メンバー数も含めて、アンサンブルの厚みを意識した編成だったことがうかがえる。ロックとクラシックの間を行き来する作り、1971年のUKプログレという背景、そのあたりを押さえると、この作品の輪郭はつかみやすい。

トラックリスト

• A1 Invention
• A2 Allemande And Blues
• A3 Allegro
• A4 Bourée
• Legend Of Childe Harold

関連動画

• Invention
• Allemande and Blues
• Continuum – Allegro
• Bourée Legend of Childe Harold

Syd Barrett『Crazy Diamond』について

Syd Barrettの『Crazy Diamond』は、1993年にUSでリリースされた作品。アーティストとしてのSyd Barrettは、Pink Floydの初期を支えた存在として知られ、その後のソロ活動も含めて、サイケデリック・ロックの文脈でよく語られる人物です。本作も、その流れの中にある一枚として捉えやすい内容です。

タイトルからも連想しやすい通り、Syd Barrettという人物像と切り離しにくい作品名。音楽面では、ロックを軸にしながら、60年代後半のサイケデリック・ロックに通じる感触が置かれています。リズムは比較的素直に進み、音の質感には当時の時代感を思わせるところが残る、そんな印象です。

サウンドの印象

派手に作り込むというより、楽曲の骨格や音の並びを追いやすいタイプの聴こえ方。ギターを中心にしたロックの手触りに、サイケデリック寄りの揺れが重なる場面もあり、Pink Floyd周辺の流れを思い浮かべる人もいそうです。ただし、あくまでSyd Barrett本人の個性を軸にした作品として見るのが自然です。

位置づけ

Syd Barrettのキャリア全体で見ると、Pink Floyd脱退後のソロ期から続く名前を追ううえでの一枚。短い活動期間ながら、その後の音楽に残した影響は大きく、本作もそうした流れの中で扱われることが多いです。60年代のアンダーグラウンド・シーンを背景に持つアーティストの作品として、時代の空気を感じさせる要素があります。

同時代・ジャンルの文脈

ジャンルはRock、スタイルはPsychedelic Rock。60年代末の英国サイケデリック・ロックと重ねて語られることが多いタイプの音楽で、同時代のPink Floydや、同じく実験性を含んだロックの流れと比較されやすい存在です。音数を積み上げるというより、曲の輪郭やフレーズの癖で印象を残すタイプの作品として見られます。

エピソード

Syd BarrettはPink Floydの初期メンバーとして注目を集めたあと、精神的な問題などもあり、バンドを離れることになります。その後はソロ活動を行い、音楽業界から距離を置いた時期も長く続きました。1975年にはPink Floydの録音現場に姿を見せたエピソードも知られており、彼の名前は作品そのものだけでなく、そうした周辺の出来事も含めて語られることが多いです。

『Crazy Diamond』も、Syd Barrettという人物の歩みを背景に置くと、単なるロック作品以上の重みを持って見えてくる一枚です。

トラックリスト

• A1 Terrapin (5:02)
• A2 Octopus (3:44)
• B1 Baby Lemonade (4:07)
• B2 Effervescing Elephant (1:51)

関連動画

• Syd Barrett-Terrapin
• Syd Barrett – Effervescing Elephant
• Syd Barrett – Octopus

Scritti Politti「Provision」について

Scritti Polittiの「Provision」は、1988年にリリースされた作品。イギリス・リーズで結成されたバンドながら、ここではUSリリースの盤として流通した一枚で、グループのポップ志向がはっきり出た時期のアルバムとして位置づけられる。

アーティストの輪郭

Scritti Polittiは、1977年に結成されたBritish band。中心にいるのは、カーディフ出身のシンガーソングライター、Green Gartsideで、グループの歴史を通して唯一継続して在籍したメンバーとして知られる。メンバーの入れ替わりを重ねながらも、作品ごとに音の組み立てを変えてきたバンドという印象がある。

この作品の立ち位置

「Provision」は、Synth-popとFunkを軸にしたポップ作品。80年代後半らしい打ち込みの輪郭と、リズムを前に出した作りが見えやすい時期で、Scritti Polittiの中でも、ソングライティングとスタジオ・サウンドの整理された関係が目立つ一枚といえる。

Green Gartsideを中心に、David Gamson、Fred Maher、Simon Emmerson、Alan Murphy、Rhodri Marsden、Rob Smoughton、Niall Jinks、Tom Morley、Joe Cang、Matthew Kay、Dicky Moore、Paul Strohmeyerらがクレジットされている。編成の広さも含めて、バンドというより制作単位としての側面が感じられる構成。

サウンドの特徴

サウンドは、シンセの質感が前面に出たポップス寄りの作り。ビートは細かく整えられ、ファンク由来の跳ね方を持ちながらも、全体の輪郭はかなり明瞭。録音の雰囲気も、音の分離がはっきりしていて、各パートが役割を分担するように並ぶ印象がある。

• シンセ主体のアレンジ
• ファンクのリズム感
• ポップ寄りの構成
• 音の配置が整理された録音

同時代とのつながり

1988年という時期を考えると、80年代後半のソウル、ファンク、シンセ・ポップの接点にある作品として見えやすい。ニュー・ウェイヴ以降の流れの中で、洗練されたポップ・プロダクションを志向した作品群と並べて語られることもありそうだ。ジャンルの枠では、当時の洗練されたポップ・アレンジの文脈に置きやすい。

まとめ

「Provision」は、Scritti Polittiのポップ性とスタジオ志向がまとまった1988年の一枚。Green Gartsideを軸にしたバンドの変遷の中で、Synth-popとFunkをつなぐ時期の記録として見える作品。

トラックリスト

• A1 Boom! There She Was (4:57)
• A2 Overnite (4:43)
• A3 First Boy In This Town (Lovesick) (4:22)
• A4 All That We Are (3:31)
• A5 Best Thing Ever (3:50)
• B1 Oh Patti (Don’t Feel Sorry For Loverboy) (4:20)
• B2 Bam Salute (4:33)
• B3 Sugar And Spice (4:10)
• B4 Philosophy Now (4:44)

関連動画

• Boom! There She Was
• Overnite
• All That We Are
• Best Thing Ever
• Oh Patti (Don’t Feel Sorry for Loverboy)

The Wild Swans『Young Manhood』（1988）

The Wild Swansの『Young Manhood』は、1988年にUKでリリースされた作品。RockとPopを基調にしながら、Pop RockやIndie Rockの輪郭も見える一枚で、ポール・シンプソンを中心とした流れをたどるうえでも位置づけがつかみやすいタイトルです。

作品の輪郭

バンドにはPaul Simpsonをはじめ、Ian Broudie、Ian McNabb、Chris Sharrock、Les Pattinsonなど、UKのインディー／ポップ・ロック周辺で知られる名前が並びます。人員の多さもあって、ひとつの固定したバンド像というより、当時のUKシーンの交差点にあるような顔ぶれです。

サウンドは、ギターを軸にしたロックの流れの中に、ポップ寄りの整理された曲調が差し込まれるタイプ。リズムはきっちり前へ進み、録音も過度に装飾されすぎない印象で、80年代後半のUKインディーらしい手触りがうかがえます。派手さよりも、曲の組み立てやアンサンブルの見通しのよさに耳が向きやすい作品です。

アーティストの中での位置づけ

The Wild Swansは、Paul Simpsonの活動を軸に語られることが多いバンドです。『Young Manhood』は、その流れの中で1988年時点のまとまりを示す一作として見やすいタイトルでしょう。作品単体というより、UKインディー／ポップ・ロックの文脈の中で、複数のミュージシャンが関わる形で残された記録という側面もあります。

同時代とのつながり

同時代のUK作品としては、The La’sやThe Lightning Seeds、あるいはEcho & the Bunnymen周辺を思わせる耳もあるかもしれません。とはいえ、ここでは大きくドラマを作るより、メロディとバンドの鳴りをまっすぐに置く感触が中心。インディー・ロックの文脈にありながら、ポップ・ソングとしての整え方も意識された一枚という見方ができそうです。

まとめ

『Young Manhood』は、1988年のUKロック／ポップの空気を映したThe Wild Swansの作品。複数のミュージシャンが関わる編成、ギター中心のバンド・サウンド、そしてインディーとポップの間を行き来する構成が印象に残るタイトルです。

トラックリスト

• A Young Manhood
• B1 Holy, Holy
• B2 The World Of Milk And Blood

関連動画

• Young Manhood
• Holy Holy
• Wild Swans – Young Manhood (Official Music Video)

Isopoda『Taking Root』

BelgiumのAalstを拠点にしたプログレッシブ・ロック・バンド、Isopodaが1982年に発表した作品。Rockを軸に、Art RockとProg Rockの要素を組み合わせた一枚で、バンドの初期の姿を伝える内容になっている。

作品の位置づけ

Isopodaはベルギーのプログロ界に属するバンドで、メンバーの入れ替わりを経ながら活動を続けてきたグループ。『Taking Root』は1982年の時点でのバンド像を示す作品として捉えやすい。のちに編成が変わることを考えると、オリジナルメンバー中心の時期を記録した記録でもある。

サウンドの印象

Art Rock寄りの構成感と、Prog Rockらしい展開の多さが見えてくるタイプの作品。リズムは単純に流れるというより、曲ごとに区切りをつけながら進む印象で、ギターとキーボードが曲の輪郭を作っていくような手触りがある。録音も、同時代のロック作品らしい素直な質感で、演奏のまとまりをそのまま捉えた雰囲気。

同時代の文脈

1980年代前半のヨーロッパ・プログレの流れの中に置くと、70年代的な大作志向を引きずりつつ、より整理された構成へ寄っていく時期の空気も感じられる。ベルギーのプログレ・シーンらしい、英米勢とは少し距離のあるローカルな感触もポイントになりそうだ。

メンバー

• Arnold De Schepper
• Luc Vanhove
• Dirk De Schepper
• Geert Amant
• Marc Van Der Schueren
• Guido Rubbrecht
• Walter de Berlangeer

補足

Isopodaは現在もArnold De Schepperが中心となって、弟のLuc Vanhoveや息子たちとともにライブで楽曲を演奏しているという記録がある。『Taking Root』は、そうした現在の活動につながる出発点のひとつとして見られる作品でもある。

トラックリスト

• A1 Taking Root
• A2 The Usual Start
• A3 Endless Streets
• A4 Sunset Alley
• B1 Harbinger
• B2 Girls Will Be Girls
• B3 The Fall
• B4 O.K. With Me
• B5 Join With The Stream

関連動画

• Taking Root
• The Usual Start
• Endless Streets
• Sunset Alley
• Harbinger

Doug Carn『Infant Eyes』（1971）

Doug Carnは、アメリカ出身のジャズ・ミュージシャン／プロデューサーで、ピアノ、オルガン、キーボードを中心に活動した人物だ。『Infant Eyes』は1971年の作品で、ソウル・ジャズとスピリチュアル・ジャズの流れに置かれる1枚として知られている。

作品の輪郭

この時期のDoug Carnは、Black Jazz Records周辺の流れとも重なる存在で、同レーベルにおける初期1970年代ジャズの空気をよく映している。ジャズを土台にしながら、ゴスペルやソウルの感触を持ち込んだ演奏が特徴で、鍵盤を軸にした構成が作品全体を支えている印象だ。

録音の質感は、当時のUSジャズらしい直接的な手触りを持ち、リズムも前に出すぎず、曲の流れに沿って進むタイプ。オルガンやピアノの音が空間を埋めつつ、演奏のひとつひとつがはっきり聴こえる作りになっている。

Doug Carnというアーティストの位置づけ

Doug Carnは、ソウル・ジャズからスピリチュアル・ジャズへつながる文脈のなかで語られることが多い。1970年代前半には、妻のJean Carnとの共演作でも知られ、同時代のジャズ・シーンの中で独自の鍵盤表現を展開していた。Nat Adderley、Shirley Horn、Lou Donaldson、Stanley Turrentineらとの仕事歴もあり、幅広いジャズの現場に関わっていた人物でもある。

同時代とのつながり

『Infant Eyes』のような作品は、Hard Bop以降の流れを受けつつ、よりソウル寄りの響きや精神性を前面に出していく1970年代初頭のジャズの動きと重なる。Bruce McPhersonやCalvin Keysらを含むBlack Jazz系の作品群と並べて語られることもあり、同じ時代の空気を共有している。

まとめ

『Infant Eyes』は、Doug Carnの鍵盤奏者としての個性が、ソウル・ジャズとスピリチュアル・ジャズの接点で表れた1971年作だ。派手さよりも、曲の流れ、音の配置、演奏の呼吸で聴かせるタイプの作品として受け取れる。

トラックリスト

• A1 Welcome (1:15)
• A2 Little B’s Poem (3:50)
• A3 Moon Child (7:56)
• A4 Infant Eyes (9:50)
• B1 Passion Dance (5:58)
• B2 Acknowledgement (8:45)
• B3 Peace (4:30)

関連動画

• Doug Carn ‎”Infant Eyes” [Full Album]
• Welcome
• Little B’s Poem
• Moon Child
• Infant Eyes

Synergy『Sequencer』について

Synergyは、アメリカのシンセサイザー奏者 Larry Fast の名義として知られるプロジェクトで、1970年代半ばから活動を続けてきた。『Sequencer』は1976年の作品として位置づけられる一枚で、電子音楽を軸にしながら、ダウンテンポやシンセポップの要素も感じさせる内容になっている。1979年盤として流通したこのレコードは、Synergyの初期の流れを追ううえで見ておきたいタイトルのひとつだ。

サウンドの印象

中心にあるのは、シーケンサーを使った規則的なリズムと、シンセの音色の重なり。打ち込み的な反復が前に出ながらも、音の輪郭は比較的はっきりしていて、機械的になりすぎないところにこの時期らしさがある。録音の雰囲気も、過度に厚塗りせず、電子音の動きがそのまま伝わるタイプの仕上がり。

メロディ面では、クラシック音楽からの影響を含んだ初期Synergyの流れを思わせる部分があり、そこによりロック寄りの推進力が加わる。電子音楽としての実験性と、曲としてのまとまりの両方を意識した作りに聞こえる。

Synergyというプロジェクトの位置づけ

Larry Fast は、Synergy名義での活動を通して、シンセサイザーを前面に出した作品群を展開してきた。初期作では西洋クラシックの影響や編曲的な発想が目立ち、後年になるほどオリジナル曲の比重が高まり、ロック的な要素も増していく。そうした流れの中で『Sequencer』は、シーケンス処理と電子音の構成が作品の核にある時期の記録として捉えやすい。

同時代の電子音楽やシンセ・ポップの文脈で見ると、機材の存在感をそのまま作品の個性に変えている点が印象的。クラウトロック以後のシンセ主導の作品群や、同時期のアメリカ産エレクトロニクスとも並べて語られそうな内容だが、Synergyはあくまで Larry Fast の制作感覚が前面に出るプロジェクトとして独自性を保っている。

関連する背景

Larry Fast は Synergy 名義だけでなく、Nektar、Tony Levin、Annie Haslam らとの関わりでも知られ、Peter Gabriel のバンドでも活動している。そうした周辺の仕事を踏まえると、『Sequencer』にも単なる電子音の提示にとどまらない、演奏感や構成感への意識が見えてくる。

1970年代のシンセサイザー作品の中でも、シーケンスの反復を軸に曲を組み立てる発想がはっきり出た一枚。Synergy の初期像を知るうえで、押さえておきたいタイトル。

トラックリスト

• A1 S-Scape (5:50)
• A2 Chateau (4:16)
• A3 Cybersports (4:39)
• A4 Classical Gas (3:00)
• Paradox (7:00)
• B2 (Sequence) 14 (11:14)

関連動画

• Synergy ‘S-Scape’ Larry Fast 1976 album ‘Sequencer’

Earth And Fire / Gate To Infinity (1977)

オランダ、Voorschoten / Voorburg 出身のポップ・バンド、Earth And Fireによる1977年の作品。女性ヴォーカルのJerney Kaagmanを中心に、Chris Koertsのギター、Gerard Koertsのキーボードを軸にした編成で知られるグループで、シンフォニック・ロックとポップ・ロックのあいだを行き来するバンドとして位置づけられている。

作品の輪郭

Gate To Infinity は、Earth And Fireがキーボード面をさらに広げていく時期のアルバム。以前から使っていたハモンド・オルガンに加えて、メロトロンやシンセサイザーもセットに取り入れており、バンドのサウンドに厚みを持たせている。収録曲の構成でも、片面を使った長めの組曲的な展開が含まれていて、同時期のシンフォニック・ロック的な流れが見えやすい一枚。

リズム隊はしっかり前に出すぎず、演奏全体を支える役回り。そこにキーボードの層とギターのフレーズ、Jerney Kaagmanの歌が重なる形で、ポップ寄りの聴きやすさとプログレッシブな組み立てが同居している。録音の雰囲気も、楽器の音を重ねていくタイプの作りで、音像は比較的整理されている印象。

バンドの流れの中で

Earth And Fireは、1969年の「Seasons」や1970年の「Ruby is the One」「Wild & Exciting」、1971年の「Invitation」、1972年の「Memories」などで知られ、オランダ国内でヒットを重ねてきた。アルバム作品では、Song of the Marching Children や Atlantis がよく挙げられることが多く、そこからTo the World of the Future を経て、Gate To Infinity ではシンセサイザーの比重がさらに増していく流れ。

1970年代後半のヨーロッパのロック文脈では、シンフォニック・ロックがポップ寄りの要素と混ざっていく動きも見られる時期で、Earth And Fireもその一角にあるバンドとして捉えやすい。GenesisやYesのような英ロック系の大作志向とは少し距離を取りつつ、メロディを前に出した組み立てが特徴になっている。

メンバーとクレジット

• Jerney Kaagman：ヴォーカル
• Chris Koerts：ギター
• Gerard Koerts：キーボード
• Hans Ziech：ベース
• Ton van der Kleij：ドラム

クレジットには、Mark Stoop、Bert Ruiter、Ton Scherpenzeel、Ab Tamboer、Age Kat、Jons Pistoor、Theo Hurts、Ronnie Meyjes、Lysett、Cees Kalis などの名前も見える。バンドの周辺人脈の広さも、当時のオランダ・ロックの動きとつながっている。

ひとこと

Gate To Infinity は、Earth And Fireがポップ・バンドとしての輪郭を保ちながら、シンフォニックな要素とキーボード主体の展開を押し広げていた時期の一作。1977年のオリジナル盤として、バンドの変化が見えやすいアルバムになっている。

トラックリスト

• Gate To Infinity (17:19)
• B1 78th Avenue (3:02)
• B2 Smile (3:11)
• B3 Green Park Station (2:59)
• B4 Dizzy Raptures (3:17)
• B5 Driftin’ (5:36)

関連動画

• Earh & Fire_Smile
• Earth & Fire – A Princess In Egypt / The Joyous Untruth
• Gate To Infinity: Infinity

Brèche『Carapace Et Chair Tendre』について

『Carapace Et Chair Tendre』は、カナダ・ケベック州シェルブルック周辺のフォークロック・バンド、Brècheが1979年に発表した作品。メンバーはJacques Joubert、Marc Bolduc、Daniel Roussel、Paul Bolducの4人で、フォークを軸にしながら、クラシック、ジャズ、プログレッシブ・ロックの要素も取り込んでいたグループとして知られている。

このバンドはもともとBolducという名前で活動を始め、ケベック各地の出身メンバーが集まって結成された。1976年ごろから活動を始め、2年ほどケベック州内を回りながら演奏と作曲を重ねたのち、1978年にBrècheへ改名している。バンド名は、自分たちの音楽が時代の流れに「裂け目」を入れるようなものだと感じたことに由来するという。

作品の位置づけ

本作はBrècheにとって唯一のアルバム。1979年夏にカナダでリリースされている。地域のトラッド・フォーク系フェスティバルでも演奏していた一方で、音楽の中身はフォークだけに収まらない構成で、プログレ寄りの感触も持っていた点が特徴として挙げられる。

ケベック州では入手しやすい作品ではなく、また出演機会との相性も含めて十分な露出につながらなかったようで、Brècheは広く知られる前に埋もれた存在になっている。1979年10月以降の活動記録が見えなくなっており、1980年初頭には活動を終えたとみられる流れ。

サウンドの印象

サウンドは、アコースティックな手触りを土台にしたフォークロック路線。リズムは素朴さを保ちながらも、楽曲の組み立てにはプログレッシブ・ロック由来の展開が見えるタイプと受け取れる。録音も、派手に作り込むというより、演奏の輪郭をそのまま置いたような質感。

ジャンル表記としてはRock、Folk、World、& Countryにまたがり、スタイルはFolk Rock。ケベックのトラッド／フォークの文脈にいながら、そこから少し外れたところを狙ったアルバム、という見え方がしやすい一枚。

同時代の文脈

1970年代後半のケベック周辺では、フォークやトラッドの流れと、より実験的なロックの感覚が並走していた。Brècheもその交差点にいたグループのひとつで、伝統音楽の場に出ながら、音の作りはプログレ寄りという立ち位置。そうした意味で、同時代のカナダ産フォークロックやケベックのロック史の中でも、少し横道にある存在として見えてくる。

ひとことで

ケベック発のフォークロックを軸に、クラシック、ジャズ、プログレの気配を織り込んだBrècheの唯一作。1979年という時代と、地域の音楽シーンの間で生まれた、記録としても興味深いアルバム。

トラックリスト

• A1 L’hymne (3:31)
• A2 Marianne (3:39)
• A3 La Légende De Jos Kébék (4:56)
• A4 Vent Du Midi (6:15)
• B1 La Fuite (4:06)
• B2 De Justesse (4:56)
• B3 Grandir (6:38)
• B4 Les P’tites Cuillers (3:10)

関連動画

• Brèche ‎– Vent Du Midi [HQ Audio] Carapace Et Chair Tendre, 1979
• Breche – L’ Hymne
• Breche – Marianne
• Brèche – La Fuite
• Brèche ‎– Grandir ( 1979, Prog Folk, Canada )

Disco Light Orchestra「Disco Dance (II)」について

Disco Light Orchestraによる「Disco Dance (II)」は、1980年にルーマニアで登場したディスコ作品です。ジャンルとしてはFunk / Soul、Popの要素を含みつつ、スタイルの軸はディスコに置かれています。タイトルからも伝わる通り、ダンス向けのリズムを前面に出した構成が想像しやすい一枚です。

作品の輪郭

この時期のディスコらしく、一定の拍を保つビート、反復を生かした展開、リズムの推進力が重要な位置を占める作品と見られます。楽曲の進行は、メロディを大きく押し出すというより、グルーヴを積み重ねていくタイプの作りが中心になりやすい流れです。録音の雰囲気も、当時のダンス・ミュージックらしい素朴さと、機能性のあるまとめ方が感じられるタイプの作品として捉えられます。

1980年という位置づけ

1980年は、ディスコが一つのピークを越えつつも、ポップやファンクの文脈へ広がっていた時期です。そのため、この作品も単純なディスコ一辺倒というより、ポップ寄りの聴きやすさと、ファンク由来のリズム感が交差する時代性の中に置けます。ルーマニア発のディスコ作品という点でも、同時代の西欧やアメリカのディスコとは少し違う空気を持つ可能性がある一枚です。

アーティストにとっての意味合い

Disco Light Orchestraについての詳細なプロフィールは多くありませんが、「Disco Dance (II)」は少なくとも1980年時点での代表的なタイトルのひとつとして見やすい作品です。名前にオーケストラを含むことからも、バンド編成やアンサンブルを意識した作りがうかがえる点は興味深いところです。

同時代の文脈

ディスコ、ファンク、ポップが近い距離で混ざっていた時代の作品として見ると、当時のダンス音楽の流れの中に収まります。アメリカの大きなディスコ・シーンとは異なる地域性を持ちながら、反復するビートと踊りやすさを重視する点では、同時代の多くのディスコ作品と共通する部分があると言えます。

まとめ

「Disco Dance (II)」は、1980年のルーマニアで生まれたディスコ作品として、Funk / SoulとPopの要素を含みながらダンス志向をはっきり示す一枚です。作品全体の輪郭は、当時のディスコらしいリズムの持続感と、時代のポップ感覚が交わるところにあります。

トラックリスト

• A1 Young Men (Oameni Tineri) (3:07)
• A2 Gimme, Gimme, Gimme (Dă-mi, Dă-mi, Dă-mi) (3:32)
• A3 Babe, It’s Up To You (Baby, Depinde De Tine) (2:54)
• A4 Kingston, Kingston (2:43)
• A5 You’re The Greatest Lover (Ești Marea Mea Dragoste) (2:44)
• B6 Trojan Horse (Calul Troian) (3:12)
• B7 Lay Love On You (Ți-am Dat Dragostea) (2:52)
• B8 Amor, Amor (Dragoste, Dragoste) (3:01)
• B9 Follow Me, Follow You (Urmează-mă, Te Urmez) (3:29)
• B10 She’s In Love With You (Ea Te Iubește) (2:56)
• C1 Hooray, Hooray, It’s A Holi Holiday (Ura, Este Vacanță) (2:59)
• C2 Crazy Little Thing Called Love (Mica Nebunie Numită Dragoste) (2:15)
• C3 Boy, Oh Boy (Oh, Băiatule) (2:25)
• C4 Da’Ya’Think I’m Pretty (Crezi Că Sînt Drăguță ?) (3:37)
• C5 Boogie Rhythm For You (Ritm De Boogie Pentru Tine) (3:52)
• D6 Tragedy (Tragedie) (3:16)
• D7 Bang, Bang (2:44)
• D8 Don’t Bring Me Down (Nu Mă Distruge) (2:40)
• D9 Whatever You Want (Orice Dorești) (3:05)
• D10 Chiquitita (3:56)

関連動画

• Disco Light Orchestra – 12″ Boogie rhythm for you
• Disco Light Orchestra-Boy,oh boy (Oh baiatule)
• Disco Light Orchestra-Bang bang
• Disco Light Orchestra-Boogie rhythm for you(Ritm de boogie pentru tine)
• Disco Light Orchestra-Whatever you want(Orice doresti)

The Railway Children『Native Place』について

『Native Place』は、UKのインディー・ロック・バンド、The Railway Childrenが1990年に発表した作品。メンバーはGary Newby、Brian Bateman、Stephen Hull、Guy Keeganの4人で、ギターを軸にした編成によるバンドらしいまとまりがある。Rock、Popの要素を含みつつ、スタイルとしてはIndie Rockに位置づけられる一枚。

バンドは1984年にイギリスのウィガンで結成され、Factory系の流れを経てVirginへ進んだ経歴を持つ。90年代初頭のUKインディー・シーンを背景にしたグループで、この『Native Place』もその時代の空気を感じさせる作品として受け取られている。

サウンドの印象

演奏は、ギターの輪郭をはっきり見せながら、リズム隊が曲の流れを支えるタイプ。派手に押し切るというより、ビートの推進力とメロディの運びで聴かせる作り。録音の質感も、当時のUKインディーらしい、少し乾いた手触りが残る印象。

ロックの骨格の上にポップな感触を重ねたバランスで、同時代のギターバンドの文脈に置いて聴かれることが多そうな一作。The Railway Childrenの中でも、バンドの輪郭が比較的見えやすい時期の作品として捉えられる。

バンドの流れの中で

『Native Place』は、The Railway Childrenにとって90年時点の到達点のひとつ。インディー・ロックの文脈からメジャー・レーベル期へ進んでいく過程の中にあり、バンドの活動史を追ううえでも重要な位置にある。

同時代のUKギターバンドと並べて語られることもありそうな内容で、Factory Records周辺の系譜や、Virgin期のインディー・ポップ／ギターロックの流れを思わせるところもある。

作品の基本情報

• アーティスト: The Railway Children
• タイトル: Native Place
• オリジナルリリース年: 1990年
• 国: UK
• ジャンル: Rock / Pop
• スタイル: Indie Rock

1990年のUKインディー・ロックを軸に、バンドの持ち味を見せる作品として整理できる一枚。

トラックリスト

• A1 Every Beat Of The Heart
• A2 Music Stop
• A3 You’re Young
• A4 Because
• A5 Cotton Counting
• A6 It’s Heaven
• B1 Something So Good
• B2 Collide
• B3 Native Place
• B4 Fall On
• B5 Harbour Force
• B6 Blue Sky

関連動画

• The Railway Children – Something So Good (HQ)
• The Railway Children – Music Stop
• RAILWAY CHILDREN – BECAUSE [1990]

Sebastian Agnello「Head Roach」について

「Head Roach」は、Sebastian Agnelloによる1971年の作品。アーティストはカナダ出身のシンガー／ソングライター／ミュージシャン／プロデューサーで、Sound Canada Recording Centreのハウスバンドでも長く活動していた人物として知られている。ジャンルはFolk, World, & Country、スタイルはFolk。アコースティックな手触りを軸にした、当時のフォーク・シーンの流れの中に置いて聴ける一枚という印象。

作品の位置づけ

1971年という時期は、フォークがシンガーソングライター寄りの表現や、録音作品としてのまとまりを強めていった時代。Sebastian Agnelloもその文脈の中で、歌と演奏を前面に出した形で作品を残している。USで制作・流通された盤として見れば、同時代の北米フォークの空気を感じやすいタイトル。

サウンドの印象

音の中心は、歌と弦楽器の組み合わせに置かれているタイプ。派手な装飾よりも、演奏の間合いやリズムの取り方、録音の近さが印象に残りやすい。フォーク作品らしい素朴な質感を持ちながら、曲ごとの運びで聴かせる構成になっているように受け取れる。

同時代とのつながり

1970年代初頭のフォーク作品としては、アメリカやカナダのシンガーソングライター系の流れと重ねて語りやすい。アーティスト自身が制作現場にも関わっていた背景を踏まえると、単なる弾き語りの記録というより、当時の録音文化の中で形になった作品として見えてくる。

リリース情報

• アーティスト: Sebastian Agnello
• タイトル: Head Roach
• オリジナル・リリース年: 1971年
• 盤のリリース年: 2005年
• 国: US
• ジャンル: Folk, World, & Country
• スタイル: Folk

1971年のフォーク作品として、Sebastian Agnelloの活動と北米の同時代的な音楽の流れをつなぐ一枚。

トラックリスト

• A1 Let’s Go To The Drug Store (1:20)
• A2 Don’t Step On That Roach (3:04)
• A3 My Baby Put A Spell On Me (2:29)
• A4 Jack The Ripper (2:21)
• A5 Ballad Of The Werme (3:06)
• A6 Werme’s Woman (2:34)
• A7 Toking Alone (2:03)
• B1 Cut Up #1 (0:23)
• B2 They Call Her Pig (2:05)
• B3 Cut Up #2 (0:24)
• B4 Life In A Bottle (3:06)
• B5 Cut Up #3 (0:23)
• B6 Air Pollution Blues (1:43)
• B7 Cut Up #4 (0:20)
• B8 Booking Agent Blues (3:14)
• B9 Cut Up #5 (3:17)

関連動画

• Sebastian – Head Roach (1971) FULL ALBUM { Folk }
• Sebastian – Let’s go to the Drug Store (1972)
• Sebastian – Don’t step on that roach
• Sebastian – Jack the ripper
• Sebastian – Werme’s woman

Tangerine Dream『Force Majeure』

1979年のTangerine Dreamによるアルバム。電子音楽とロックのあいだを行き来しながら、ベルリン・スクールの流れをよく示す作品として位置づけられる一枚だ。アーティストの中心人物であるEdgar Froeseを軸に、Christopher Franke、Klaus Krügerらが参加し、シンセサイザーとリズムを前面に出した構成になっている。

作品の輪郭

この時期のTangerine Dreamは、初期の実験色の強い展開から、シーケンサーを使った反復と拍の明確さへと重心を移していた時期にあたる。『Force Majeure』でも、その流れがはっきりしていて、電子音のレイヤーが積み重なるなかに、ロック寄りの推進力が見える。音の密度は高いが、演奏の輪郭は比較的追いやすい印象だ。

録音の雰囲気は、硬質なシンセの質感と、一定のリズムが前に出る作り。曲によっては、静かな展開から少しずつ拍が立ち上がり、そこにメロディが乗っていく流れがある。ベルリン・スクールの代表格として語られる理由が、そのまま音の組み立てに表れている。

アーティストの中での位置づけ

Tangerine Dreamは、1970年代にシンセサイザーとシーケンサーを使った電子音楽をロックの文脈へ広げたグループとして知られる。『Phaedra』以降の流れを受けつつ、『Force Majeure』ではよりロック的な手触りが見えやすい。1970年代後半の同グループの変化を追ううえで、ひとつの節目として捉えられる作品だ。

この頃の同時代的な文脈としては、クラウトロック周辺の実験性と、より構築的な電子音楽の接点が思い浮かぶ。電子音の反復や長尺の展開は、同じベルリン・スクール系の流れにあるアーティストとも比較されやすい。

まとめ

『Force Majeure』は、Tangerine Dreamの1979年作として、シンセ主体の構築とロック的な推進力が並ぶアルバム。初期の実験性と、後年のより整理されたサウンドのあいだに位置するような内容で、当時のバンドの方向性を確認しやすい一枚といえる。

トラックリスト

• A Force Majeure (18:18)
• B1 Cloudburst Flight (7:21)
• B2 Thru Metamorphic Rocks (14:15)

関連動画

• Force Majeure – Tangerine Dream (1979) FULL ALBUM
• Force Majeure
• Cloudburst Flight
• Thru Metamorphic Rocks

1971年11月10日にポリドールから2枚組LP（MR 9096/7）としてリリースされた『FREE with PYG』は、グループ・サウンズ（GS）の頂点を極めたスターたちが集結し、逆風と偏見の中で日本の本格的ニュー・ロックの夜明けを切り拓いた伝説のスーパーグループPYGによる圧巻の実況録音盤だ。

1971年8月16日、田園コロシアムに鳴り響いた咆哮

GSブームが急速に終息へ向かう中、ザ・タイガースから沢田研二（ジュリー）と岸部修三（後の岸部一徳 / サリー）、ザ・テンプターズから萩原健一（ショーケン）と大口広司、そしてザ・スパイダースから井上堯之と大野克夫という、当時の音楽シーンを揺るがすトップタレントが合流して結成されたPYG。しかし当時、彼らが直面したのは過酷な現実であった。かつての女性ファンからは戸惑われ、日比谷野音やロック・フェスに集まる硬派なロック信奉者からは「商業主義のアイドル」と蔑まれ、「帰れコール」や空き缶が飛び交う激しいバッシングに晒された。

本作は、1stスタジオ盤『PYG!』発表直後の1971年8月16日、東京・田園コロシアムで開催された野外コンサート「SOUND IN COLOSSEUM」の熱気を生々しく刻みつけている。偏見を力づくでねじ伏せるかのような凄まじい気迫と音圧が、溝から溢れ出す。

洋楽ハードロックの肉体化と対照的なツイン・ヴォーカル

幕開けを飾るディープ・パープルの「Black Night」と「Speed King」から、その演奏力の高さに圧倒される。井上堯之のギブソン・レスポールが放つ獰猛なディストーション、大野克夫の唸りを上げるハモンドオルガン、そして岸部・大口のリズム隊による地を這うようなヘヴィ・グルーヴは、英米の一流ハードロック／ブルース・ロック勢と完全にタメを張るものだ。

ザ・ローリング・ストーンズの「Bitch」や「悪魔を憐れむ歌（Sympathy For The Devil）」、レッド・ツェッペリンの「Babe, I’m Gonna Leave You」、スライ＆ザ・ファミリー・ストーンの「I Want To Take You Higher」に至るまで、当時の最新鋭ロックを過不足なく肉体化。そして何より、沢田研二の伸びやかで気品ある艶やかな歌声と、萩原健一の喉を絞り出すような粗野でソウルフルなシャウトという、全く個性の異なるツイン・ヴォーカルの火花散る交錯が聴く者を揺さぶる。

もちろん、「花・太陽・雨」「戻らない日々」「自由に歩いて愛して」といったPYGのオリジナル曲のスケール感も素晴らしい。後に「井上堯之バンド」として『太陽にほえろ!』や『傷だらけの天使』の劇伴で70年代日本のサウンドトラック史を塗り替える名手たちの原点が、この熱狂のライヴ空間に凝縮されている。

1984年に北米市場（日本では1985年初頭にワーナー・パイオニア／MuteよりP-13097として発売）に向けて編纂されたDepeche Modeのコンピレーション・アルバム『People Are People』は、初期のポップなシンセポップからインダストリアル／EBM（エレクトロニック・ボディ・ミュージック）の先駆的音響へと劇的な飛躍を遂げた彼らの過渡期を捉えた重要盤だ。

ベルリンHansa Studiosでの金属音サンプリングとギャレス・ジョーンズの手腕

ヴィンス・クラークの脱退後、アラン・ワイルダー（Alan Wilder）が正式加入し、マーティン・ゴア（Martin L. Gore）がソングライティングの主導権を握ったデペッシュ・モード。彼らはMuteレーベル主宰のダニエル・ミラー（Daniel Miller）、そしてエンジニアのギャレス・ジョーンズ（Gareth Jones）と共に西ベルリンの壁の前に佇むHansa Mischraum（ハンサ・スタジオ）へと乗り込んだ。

そこで彼らが導入したのが、当時最新鋭だったサンプラーSynclavierおよびE-mu Emulatorである。スタジオ周辺の工事現場や廃工場から採集した鉄パイプの打撃音、鉄屑を転がす音、コンクリートの破砕音をデジタルサンプリングし、シーケンサーでリズミカルに構築するアインシュテルツェンデ・ノイバウテン的な手法をポップ・ミュージックのフォーマットへと見事に昇華させた。

世界ブレイクへの起爆剤となったインダストリアル・ポップ

表題曲「People Are People」は、人種差別や偏見への問いかけを冷徹なインダストリアル・ビートと荘厳な合唱コーラスに乗せたアンセムであり、西ドイツで1位、全英4位、そして米ビルボードで初のトップ20入り（13位）を果たし、彼らを世界的スタジアム・アクトへと押し上げる契機となった。

本作は、アルバム未収録シングルやB面曲を巧みに網羅している点でも価値が高い。ショーム（中世木管楽器）のサンプリングが印象的な資本主義風刺の名曲「Everything Counts」をはじめ、禁断のSM趣味をポップに昇華した「Master And Servant」、金属片のビートだけで歌い上げるミニマルな「Pipeline」、さらに12インチB面のレアトラック「Now This Is Fun」や「Work Hard」まで、80年代中期の音響革新が凝縮されている。

ブライアン・グリフィン（Brian Griffin）による印象的な労働者階級的写真とマーティン・アトキンスのアートワークも含め、英国エレクトロニック・ポップがヘヴィな肉体性とメッセージ性を獲得した歴史的瞬間を刻印した名盤である。

1979年に仏名門エレクトロニック／アヴァンギャルド・レーベルEgg（米盤はVisa Records）からリリースされたAlain Markusfeldのアルバム『Contemporus』は、70年代フレンチ・プログレッシブ／スペース・ロックを牽引した異才ギタリストが、シンセサイザーと生楽器の多重録音によって幽玄な音宇宙を構築した名盤だ。

Eggレーベル黄金期とマルチ奏者としての円熟

アラン・マルクスフェルド（Alain Markusfeld）は、70年代初頭にサイケデリック・ロック作『Le Monde en Étages』などでデビューして以来、フラメンコや地中海音楽のエッセンスを取り入れた流麗なアコースティック・ギターと、先鋭的な電子音響を融合させてきたパリ出身の鬼才である。エルドン（Heldon）やリシャール・ピナス、ヴァンゲリス、ティム・ブレイクらを擁した伝説のEggレーベルにおいて、彼は『Platock』（1977年）、『Desert Noir』（1978年）と傑作を連発した。

三部作の集大成となった本作では、プロデューサーのジョルジュ・バクリ（Georges Bacri）と名エンジニアのクロード・アシャール（Claude Achallé）がバックアップ。マルクスフェルド自身がギターのみならず、ARP PolyphonicおよびARP Prosoloistシンセサイザー、ピアノ、オルガン、マリンバ、パーカッション類をほぼ一人で演奏・多重録音し、妻パトリシア・マルクスフェルドの幻想的なスキャットが彩りを添えている。

地中海の風情と壮大なシンセシス組曲「Contemporus」

アナログLPのA面には、乾いた大地とオリエンタリズムを感じさせる短編群が並ぶ。「L’Oasis Sous Les Étoiles」の瞑想的なアコースティック・アルペジオから、「Jazz À Casablanca」のエキゾチックなジャズ・ロック感覚、マリンバと電子パーカッションが躍動する「Fiesta Atomikâ」まで、無国籍でシネマティックな情景が立ち現れる。

そしてB面全体を占める大作組曲「Contemporus（全4楽章・約20分）」は本作の白眉だ。ミニマルに反復するARPシンセのアルペジオ・シーケンスを土台に、クラシカルなアコースティック・ピアノと幽玄なギターが静かに重なり、やがて雄大なコズミック・シンフォニーへと昇華していく。クラウトロックのKosmische Musik（宇宙音楽）やマニュエル・ゲッチングの諸作とも共鳴する、静謐なトリップ感を湛えたフレンチ・プログレ屈指のインストゥルメンタル絵巻である。

1975年に米ATV／Pye Recordsからリリースされた『Donovan』（The Pye History Of British Pop Musicシリーズ）は、後に『The New York Rocker』を創刊する高名な音楽評論家アラン・ベトロック（Alan Betrock）が選曲を手掛け、スコットランド出身の吟遊詩人ドノヴァンが1965年に残した初期パイ・レコーズ音源の真髄を凝縮した秀逸な回顧録だ。

アラン・ベトロックのキュレーションと名匠Sterling Soundでのカッティング

ミッキー・モストのプロデュースのもと「Sunshine Superman」や「Mellow Yellow」でサイケデリック・ポップの寵児となる前夜、ドノヴァン・リーチ（Donovan Leitch）はウディ・ガスリーやボブ・ディラン直系のフォーク・シンガーとして英パイ・レコーズからデビューを果たした。テリー・ケネディ、ピーター・イーデン、ジェフ・スティーヴンスが手掛けた1965年の1st『What’s Bin Did and What’s Bin Hid』および2nd『Fairytale』の初期カタログは、長らく英国フォーク黎明期の貴重なマイルストーンとして位置づけられてきた。

本作は、米国ATV傘下のパイが企画した英国ポップ史シリーズの1枚として編纂されたもの。型押し（エンボス加工）が施された質感豊かな特殊ジャケットに包まれ、ランアウトにはニューヨークの名門Sterling Soundによる刻印が刻まれている。初期アコースティック期の素朴な響きが、瑞々しいダイナミズムをもって蘇る。

英国フォークの夜明けとジャズ・フォークへの萌芽

全英チャート4位を記録しドノヴァンの名を一躍知らしめたデビュー・シングル「Catch The Wind」や「Colours」の叙情的なフィンガーピッキングはもちろん、バフィー・セント＝メリー作の反戦歌「Universal Soldier」に宿る切迫したメッセージ性は今なお色褪せない。

さらに注目すべきは、後のペンタングル結成に繋がる名ベーシスト、ダニー・トンプソン（Danny Thompson）のウッドベースをフィーチャーした「Sunny Goodge Street」だ。ロンドンのボヘミアン文化やドラッグ・カルチャーの情景をジャジーなコード進行で描写したこの曲は、英国アシッド・フォーク／ジャズ・フォークの先駆的傑作として高く評価されている。また、荒削りなリズム＆ブルースのビートを弾き語りで叩きつける「Hey Gyp (Dig The Slowness)」（後にジ・アニマルズがカバー）など、単なるディランの追従者にとどまらないドノヴァンの非凡なオリジナリティが浮き彫りになる選曲構成である。