DISQ - Vinyl records review

The Idle Race – The Birthday Party (1968)

The Idle Race『The Birthday Party』

1968年に登場した、The Idle Raceのアルバム。バーミンガム出身の英ロック・バンドによる作品で、ジャンルとしてはロック、スタイルとしてはサイケデリック・ロックに位置づけられる1枚だ。Jeff Lynneが在籍していたことでも知られ、のちの活動をたどる上でも重要な時期の記録になっている。

バンドの流れの中で

The Idle Raceは、Birmingham, UKのシーンから現れたグループで、1966年から1972年まで活動した。The Birthday Partyは、その初期の代表作として見られることが多い作品だ。バンドの編成にはJeff Lynneをはじめ、Bob Lamb、Steve Gibbons、Dave Pritchard、Bob Wilsonらが関わっている。

この時期のThe Idle Raceは、同時代の英国ロックらしい流れの中にありつつ、サイケデリック・ロック寄りの色合いを持つバンドとして語られることがある。The Beatles以後のポップ感覚や、The Move、The Kinks周辺にも通じる、メロディを軸にしたロックの文脈に置かれることも少なくない。

サウンドの印象

音の作りは、60年代後半らしい録音の質感が前に出るタイプ。リズムは比較的きっちりしていて、そこに細かなアレンジや少しひねった展開が重なる印象だ。派手な音圧で押すというより、曲ごとの仕掛けや、ギター、コーラス、録音の空気感で聴かせるタイプの作品といえる。

サイケデリック・ロックとしては、いわゆる極端な実験性よりも、ポップソングの形を保ちながら少し視界をずらすような作り。英国の60年代後半らしい、軽さと細工のバランスがある。

作品の位置づけ

The Idle Raceにとっては、アルバム単位での足跡を残した初期の重要作。Jeff Lynneの参加作として見られる一方で、バンド全体の持ち味もはっきり残る内容になっている。のちにメンバーの動きが変わっていくことを考えると、この時点の編成と音像を記録した作品としての意味も大きい。

1968年という年は、英国ロックがサイケデリックの要素を取り込みながら、より曲作り重視の方向へ広がっていた時期でもある。その文脈の中で見ると、『The Birthday Party』は華やかさよりも、細部の作り込みとバンドらしいまとまりが印象に残るアルバムだ。

メンバー

Jeff Lynne
Bob Lamb
Steve Gibbons
Dave Pritchard
Bob Wilson
Dave Walker
Mike Hopkins
Roger Spencer
Greg Masters
Dave Carroll

60年代英国ロックの流れを、そのままの温度で残したような作品。The Idle Raceというバンド名とともに、Jeff Lynneのキャリア初期をたどるうえでも押さえておきたい1枚だ。

トラックリスト

A1 The Skeleton And The Roundabout (2:16)
A2a Happy Birthday (3:16)
A2b The Birthday (2:09)
A3 I Like My Toys (1:45)
A4 The Morning Sunshine (2:45)
A5 Follow Me Follow (2:45)
A6 Sitting In My Tree (2:50)
B1 On With The Show (2:20)
B2 Lucky Man (2:35)
B3 (Don’t Put Your Boys In The Army) Mrs. Ward (2:10)
B4 Pie In The Sky (2:23)
B5 The Lady Who Said She Could Fly (2:17)
B6 The End Of The Road (2:05)

Robert Fripp『Network』について

Robert Frippの『Network』は、1985年にUKで登場した作品。King Crimsonの中心人物として知られるFrippが、ギターやキーボード、制作面まで含めて自分の音楽性を前に出してきた時期の一枚で、電子音楽とロックのあいだを行き来する内容になっている。

作品の位置づけ

FrippはKing Crimsonの創設メンバーであり、継続的に活動を支えてきた人物でもある。そうしたバンド活動と並行して、FrippertronicsやSoundscapesにつながるような、ギターを使った音響的なアプローチを長く追求してきた。本作も、その流れの中で捉えやすい作品といえる。

ジャンル表記としてはElectronic、Rockが並び、スタイルにはAlternative Rock、Synth-pop、Ambientが入る。ロックの骨格を残しながら、シンセや処理された音色を重ねていく方向性が見えてくる構成。

サウンドの印象

リズムは前面に出すぎず、一定の拍を保ちながら進む場面が目立つ。音の輪郭ははっきりしていて、演奏の密度よりもレイヤーの重なりで曲を組み立てるタイプの印象。録音の空間も、楽器の一つひとつを近くに置くというより、電子的な質感を含めて全体をまとめる方向に寄っている。

ギター主体の作品というより、キーボードやシンセの色が強く出る場面があり、当時のシンセポップやアンビエントの文脈ともつながって聴こえる。とはいえ、Frippらしい構成感は保たれていて、単なる流行追従ではないまとまりがある。

同時代とのつながり

1980年代半ばという時期は、ロックが電子楽器やスタジオ処理を取り込んでいった時代でもある。『Network』もその流れの中にあり、プログレッシブ・ロックの系譜と、当時のシンセ主体の音作りが交差する位置に置けそうだ。Frippの周辺で語られることの多い実験性が、よりコンパクトな形で表れている作品として見られる。

ひとこと

Robert Frippのキャリアの中でも、ギタリストとしての顔だけでなく、音響を組み立てる作り手としての側面がよく出る一枚。1985年という年代らしい電子的な質感と、Frippの持つ構築的な感覚が重なる作品になっている。

トラックリスト

A1 North Star (3:08)
A2(i) Water Music I (1:16)
A2(ii) Here Comes The Flood (3:54)
B1 God Save The King (6:40)
B2 Under Heavy Manners (4:53)

Dennis The Fox – Mother Trucker (1972)

Dennis The Fox「Mother Trucker」について

Dennis The Foxの「Mother Trucker」は、1972年に登場したUSロック作品で、Psychedelic Rock、Acid Rockの要素を含む1枚として位置づけられる。ジャンル表記としてはRock、Folk、World、& Countryも並び、当時のアメリカ西海岸周辺のロック文脈を思わせる内容になっている。

作品の輪郭

タイトルからも伝わる通り、土臭さのあるロック感と、サイケデリック寄りの展開が交わるタイプのアルバムとして捉えやすい。リズムは直線的に押し出す場面と、少し揺らぎを持たせる場面の両方が想像しやすく、ギターの質感も、歪みを前に出したアプローチが中心になっているような印象がある。録音の雰囲気も、当時のロック作品らしい生々しさを感じさせる方向性として受け取れる。

時代背景とのつながり

1972年という時期は、アメリカのロックがサイケデリックの余韻を残しながら、フォークやカントリーの要素とも行き来していた時代でもある。「Mother Trucker」も、その流れの中で聴くと輪郭がつかみやすい。派手に装飾するというより、バンドの鳴りや推進力を軸にした作品として見ると、同時代のAcid Rockやルーツ寄りのロックとの関係が見えやすい。

リリース年について

このレコード盤は2017年リリース。オリジナルの作品年とは別に、後年の盤として出ている点がポイントになる。作品そのものは1972年のものとして扱うのが自然で、盤としての流通は2017年に確認できる。

まとめ

「Mother Trucker」は、Dennis The Foxというアーティストの1972年作として、USロックの中でもサイケデリックな色合いとルーツ感をあわせ持つ1枚。アーティスト情報は多くないが、作品名とジャンル表記からは、当時のロックの空気をそのまま切り取ったような存在感が感じられる。

トラックリスト

A1 Seven Nights On The Barbary Coast (3:20)
A2 Gunther Haydees (4:02)
A3 Nellie Was A Lady (4:03)
A4 Like A Stone Man (3:06)
A5 Whistle Stop (5:33)
A6 Flight Of The Phoenix (3:07)
B1 Piledriver (5:05)
B2 I Want To Leave You (4:18)
B3 The Sun’s Gonna Shine On My Back Door Someday (4:26)
B4 Bazooka (3:39)
B5 Walkin’ (3:12)
B6 There’s No Soul Sister (3:31)

Argent『Counterpoints』について

『Counterpoints』は、英国のロック・バンド、Argentの1975年作として知られるアルバムだ。Rod Argentを中心に、Russ Ballard、Jim Rodford、Bob Henritらが参加した編成で、プログレッシブ・ロックの流れを受けたロック作品として位置づけられる一枚。

バンドの背景

Argentは、元The Zombiesのキーボーディスト、Rod Argentが1969年にロンドンで結成したバンド。キーボードを軸にしたロックサウンドと、ギター、ベース、ドラムが前に出る構成が特徴で、同時代の英国プログレやハード寄りのロックと近い空気を持つグループとして語られることが多い。

サウンドの印象

この時期のArgentらしく、鍵盤の存在感がはっきりしていて、リズム隊もきっちりと前に出る。演奏はタイトで、音の抜けもよく、ロックとしての推進力と、プログレ的な展開の両方が見えやすい作りだ。録音の雰囲気も、過度に装飾的というよりは、各パートの役割がわかりやすい印象。

作品の位置づけ

Argentにとっては、初期から積み重ねてきたロックとプログレの要素を、70年代半ばの時点でまとめた作品のひとつと見てよさそうだ。Rod Argentのキーボード、Russ Ballardのボーカルとギター、そしてJim RodfordとBob Henritのリズムが、バンドの輪郭をそのまま示している。

同時代との関係

英国のプログレッシブ・ロックが広く展開していた時期の作品で、同じくキーボードを軸にしたバンドや、組曲的な構成を持つロック作品と並べて語られることがある。とはいえ、Argentは難解さよりもバンド演奏のまとまりが前面に出やすく、ロック・バンドとしての手触りが残るところが特徴。

参加メンバー

Rod Argent – Keyboards, Vocals
Russ Ballard – Vocals, Guitar
Jim Rodford – Bass
Bob Henrit – Drums
John Verity
John Grimaldi

1975年の英国ロック／プログレ文脈にあるアルバムとして、バンドの演奏と構成感を追いやすい一枚。Argentというグループの持つ、鍵盤主導のロック感がそのまま見える作品だ。

トラックリスト

A1 On My Feet Again
A2 I Can’t Remember, But Yes
A3 Time
A4 Waiting For The Yellow One
A5 It’s Fallen Off
B1 Be Strong
B2 Rock ‘N Roll Show
B3 Butterfly
B4 Road Back Home

Gary Boyle / Step Out!

Gary BoyleのStep Out!は、1980年作として捉えたいジャズ・フュージョン作品。英国出身のギタリスト／ヴォーカリストであるBoyleのキャリアの中でも、70年代のジャズ・ロック路線を経た後の流れが見えやすい1枚です。日本制作・日本盤の1981年リリースという点も、この時期の国内ジャズ／フュージョンの受容と重なるところがあります。

作品の輪郭

ジャンルはJazz、スタイルはFusion。ギターを軸にした演奏を中心に、リズムの推進力とフレーズの切り返しで聴かせるタイプの内容として受け取れます。ジャズの即興性とロック寄りの拍感が交わるあたりに、この時代のフュージョンらしい手触りがある作品です。

録音の雰囲気も、過度に飾り立てるというより、各パートの動きが追いやすい整理された印象につながります。ギターの音色、リズム隊の組み立て、曲ごとの流れが前に出る構成。派手さ一辺倒ではなく、演奏の運びそのものを聴かせるタイプのアルバムという見方ができそうです。

Gary Boyleの位置づけ

Gary Boyleは1941年生まれの英国人ギタリスト／ヴォーカリストで、70年代にはジャズ・ロック・バンドIsotopeのメンバーとして活動していた人物です。Step Out!は、その文脈を引き継ぎながら、よりソロ・アーティストとしての立ち位置を示す作品のひとつとして見てよさそうです。

Isotopeのようなジャズ・ロック系の流れと並べると、同時代のフュージョン・ギタリストたち、たとえば英国圏のジャズ／ロック周辺で活動したプレイヤーたちとのつながりも感じやすいです。アメリカのフュージョンとは少し温度の違う、英語圏ジャズ・ロックの延長線上に置ける内容です。

まとめ

Step Out!は、Gary Boyleのギターを軸にした1980年のジャズ・フュージョン作品。70年代ジャズ・ロックの流れを踏まえつつ、80年代初頭の感触へつながる一枚として位置づけられるアルバムです。日本盤として1981年に出たことも含め、当時のフュージョンの広がりを感じさせるタイトルです。

トラックリスト

A1 Jeanies Dance (4:48)
A2 Numb Thumb (4:26)
A3 Step Out (4:39)
A4 Periscope (5:00)
B1 Fuchi Cé Pesta (3:57)
B2 Thinking Of You (3:41)
B3 Gitte (4:46)
B3 So Many Times Before (5:24)

Malo『Dos』について

『Dos』は、サンフランシスコを拠点に活動したラテン系ロック・アンサンブル、Maloが1972年に発表した作品。ラテン、ロック、ジャズ、ブルースを混ぜ合わせたバンドの初期像が、そのまま形になった一枚として見られる。

Maloは1972年に結成され、同時期に広がりつつあったラテン・ロックの流れの中で登場したグループ。SantanaやWarと並べて語られることもあるが、Maloはよりラテンのリズムとバンド・アンサンブルの組み合わせが前に出る印象がある。Warner Bros.からのリリースを重ねる中で、ポップ・ラジオにもシングルを送り込んだ。

サウンドの特徴

この時期のMaloの音は、コンガやティンバレスを含むパーカッション、ホーン・セクション、ギター、オルガンが絡む構成が中心。リズムの置き方にラテン音楽の要素がありつつ、ロック・バンドとしての押しの強さもある。録音も、当時のバンド作品らしい生々しさを残した質感として捉えやすい。

ジャンル表記はLatin、Funk / Soul。実際にも、ラテンの打楽器的な推進力と、ソウル寄りのフレーズ運びが同居するタイプの作品として理解しやすい。

作品の位置づけ

『Dos』は、Maloがデビュー期から続けていたラテン・ロックの方向性を示す作品のひとつ。バンドが初期に築いたサウンドの輪郭を、1972年時点で確認できる内容といえる。のちに広く知られることになる代表曲「Suavecito」で想起される流れの前後にある、グループの基礎部分を担うアルバムでもある。

同時代の文脈

1970年代初頭は、ラテン・ロックが大きく注目され始めた時期。SantanaやWarの存在が大きく、同じベイエリア周辺からAztecaのようなバンドも登場していた。Maloは、その中で独自の形を作りながら、ラテン・リズムをロック・バンドの編成に落とし込んでいったグループとして位置づけられる。

補足

アーティスト名: Malo
作品名: Dos
オリジナル・リリース年: 1972年
リリース国: Japan
ジャンル: Latin / Funk / Soul

1972年のラテン・ロックの空気を、そのまま切り取ったような一枚として見ることができる。

トラックリスト

A1 Momotombo (5:06)
A2 Oye Mamá (6:03)
A3 I’m For Real (6:39)
B1 Midnight Thoughts (3:58)
B2 Helá (5:06)
B3 Latin Bugaloo (9:31)

Ed Wynne – Tumbling Through The Floativerse (2022)

Ed Wynne『Tumbling Through The Floativerse』

Somerset, UK出身のギタリスト／シンセ奏者／コンポーザー、Ed Wynneによる『Tumbling Through The Floativerse』は、2022年の作品。Ozric TentaclesやNodens Ictusの中心人物として知られる彼のソロ作として、エレクトロニックとロックをまたぐ内容になっている。

作品の輪郭

ジャンル表記はElectronic、Rock、スタイルはPsychedelic Rock。ギターを軸にしながら、シンセのレイヤーが重なり、リズムは一定の推進力を保つ構成が想像しやすい。録音の質感も、電子音とバンド的な手触りが並ぶタイプの作品として受け取れそうだ。

アーティストの位置づけ

Ed Wynneは1961年生まれで、Ozric Tentaclesのリーダーとして長く活動してきた人物。ソロ名義では、その作曲感覚や音作りがより直接的に表れる場になっている印象がある。サイケデリック・ロックの文脈の中でも、プログレッシブな展開や電子音の扱いで知られる流れとの接点が見えやすい。

サウンドの印象

この作品では、ギターのフレーズとシンセの動きが絡み合い、リズムが前へ進む感覚を作っているように見える。ロックの推進力とエレクトロニックな質感が同居するあたりは、Ozric Tentacles周辺の音像を思わせる部分もある。

リリース情報

アーティスト: Ed Wynne
タイトル: Tumbling Through The Floativerse
リリース年: 2022年
リリース国: Europe
ジャンル: Electronic, Rock
スタイル: Psychedelic Rock

Ed Wynneのソロとして、これまでの活動と地続きの位置にある作品として捉えやすい1枚だろう。電子音とロックの要素が並ぶ、彼らしい構成のアルバムとして記録されている。

トラックリスト

A1 Oilyvoice
A2 Seen The Sun
A3 Magnetophoria
B1 Floating Plates
B2 Infinity Curtains
B3 Starseeds

Various – Wayfaring Strangers: Lonesome Heroes (2009)

Various『Wayfaring Strangers: Lonesome Heroes』について

Various名義で2009年にリリースされた『Wayfaring Strangers: Lonesome Heroes』は、US発のFolk、World、& Countryの流れにあるコンピレーション作品として受け取れる一枚です。タイトルからも伝わる通り、ひとりで道を行くような感触を持つフォーク曲を集めた内容で、Acousticを軸にした編成が中心になっているようです。

この種の作品では、派手な展開よりも、歌声と弦の響き、そして録音の距離感が前に出ます。打ち込みのリズムではなく、ギターや弦楽器の手触り、歌の間合い、空気を含んだ録音の質感が印象に残るタイプの構成が想像しやすいです。静かなテンポ感の中で、ひとつひとつのフレーズを追う楽しさがある作品群といえそうです。

作品の位置づけ

Various名義のため、特定の一人のアーティスト像で語るよりも、フォーク・アコースティックの文脈をまとめて見せる役割が大きい作品です。2000年代後半のリリースとして、古いフォークの感触を現代の盤として聴き直す入口にもなっている、そんな位置づけが見えてきます。

サウンドの印象

アコースティック楽器中心の編成
リズムは控えめで、歌と演奏の輪郭が前に出る構成
録音は密度よりも距離感が気になるタイプ
土着的なフォーク、カントリー寄りの響き

ジャンルの文脈

Folk、World、& Country、そしてAcousticというタグからは、アメリカのフォーク・トラディションを軸にした流れが見えてきます。シンガーソングライター系の弾き語りや、カントリーの素朴な響き、あるいは70年代以降のフォーク再発見の文脈ともつながる内容として捉えやすいです。

タイトルにある「Lonesome Heroes」という言葉も、そうした孤独感や旅の感覚を思わせます。作品全体としては、派手さよりも曲そのものの輪郭を追うタイプのコンピレーションとして記憶されやすい一枚です。

トラックリスト

A1 Before
A2 It’s So Profound
A3 As I Walk
A4 No Love Lost
B1 Hummingbirds
B2 Ooh Pah Do Pah Do
B3 R.N.B. II
B4 The Tailor
B5 Little Children
C1 Dear Father
C2 Deep Night
C3 Autumn
C4 Good Morning
D1 Kiss Another Day Goodbye
D2 I Am The Moonlight
D3 Close Of The Day
D4 O’Light

Flyte『Dawn Dancer』について

『Dawn Dancer』は、ベルギー・オランダ混成のプログレッシブ・ロック・バンド、Flyteによる作品。オリジナルは1979年のリリースで、ここで扱う盤は1994年のリリース韓国プレスになる。ジャンルとしてはProg Rock、Symphonic Rockに位置づけられる1枚だ。

バンドの背景

Flyteは、Dutch-Belgianのプログレッシブ・ロック・グループとして知られる。1976年には、ベルギーのBilzen festivalで行われたアマチュア・バンド・コンテストで評価を受け、Steve Miller Band、Steeleye Span、Rick Wakemanらが出演するフェスティバルのステージに立ったという経歴がある。

もともとはGraceという名前で活動していたが、同名のバンドがBritainに存在したため、Flyteへ改名した。活動初期には、King Crimson、Wishbone Ash、Camelといった同時代のプログレ系バンドの楽曲を中心に演奏していた。

アルバムの位置づけ

『Dawn Dancer』はFlyteにとって唯一のアルバムとして記録されている。レーベル事情の影響もあり、当時は広く流通した作品ではなかったようだが、バンドの演奏スタイルをまとめて確認できる作品として位置づけられる。

サウンドの印象

編成を見ると、ギター、エレクトリック・ピアノ、クラヴィネット、シンセサイザー、オルガン、メロトロン、ストリング・アンサンブルまで揃っていて、プログレッシブ・ロックらしい鍵盤主体の厚みが想像しやすい。リズム面ではドラムとパーカッションが複数クレジットされており、拍の動きや打楽器の重なりが前に出る作りだった可能性がある。

音の質感としては、1970年代後半のプログレに見られる、アコースティックとエレクトリックを行き来する構成が似合うタイプ。メロトロンやオルガンの使い方も含め、シンフォニック・ロック寄りの流れを意識しやすい内容だ。

メンバー

Lu Rousseau – lead vocals, percussion
Ruud Worthman – acoustic and electric guitars
Jack van Liesdonck – acoustic and electric piano, clavinet, synthesizer
Leo Cornelissens – electric organ, mellotron, string ensemble, vocals
Hans Boeye – drums, percussion
Hans Marynissen – percussion
Peter Dekeersmaeker – bass, vocals

同時代とのつながり

バンドがカバーしていたKing Crimson、Wishbone Ash、Camelの名前からも、Flyteの音楽が1970年代プログレの文脈にあることは分かりやすい。ギターの展開、鍵盤のレイヤー、組曲的な構成感を軸にしたタイプの作品として見ていくと、当時のプログレ・シーンの空気が伝わりやすい。

『Dawn Dancer』は、派手なヒット作というより、限られた形で残ったバンドの記録という性格が強い。Flyteというバンドの輪郭をつかむうえで、重要な1枚だ。

トラックリスト

A1 Woman (4:45)
A2 Heavy Like A Child (5:27)
A3 Grace (5:07)
A4 You’re Free I Guess (5:58)
B1 Brain Damage (4:48)
B2 .., You’re Breath Enjoyer (4:15)
B3 King Of Clouds (4:41)
B4 Aim At The Head (4:26)

David Bowie – This Is Not America (Theme From The Original Motion Picture, The Falcon And The Snowman) (1985)

David Bowie「This Is Not America」について

David Bowieによる「This Is Not America」は、1985年に発表された楽曲で、映画「The Falcon And The Snowman」のテーマ曲として知られる1曲。UK出身のボウイが、Electronic、Pop、Stage & Screenの文脈で残した作品で、シンセポップ寄りの質感を持つタイトルになっている。

作品の輪郭

この曲は、映画音楽としての役割を持ちながら、David Bowieのシングル作品としても存在感がある。1980年代半ばのボウイらしい、整った打ち込みのリズムと、音の隙間を生かした録音の雰囲気が印象に残る。派手に押し出すというより、静かな緊張感を保ったまま進む構成。

テーマ曲らしく、映像作品との結びつきが強い一方で、ポップソングとしてのまとまりもある。シンセの質感、抑えめのビート、歌の置き方など、当時のシンセポップや映画主題歌の作り方が見えやすい仕上がりになっている。

David Bowieの中での位置づけ

1985年のボウイは、すでに長いキャリアの中で多様なスタイルを行き来していた時期。「This Is Not America」は、その中でも映画との接点がはっきりした作品で、アーティストとしての幅を示す1曲として見られることが多い。ロックの枠だけでは収まらない活動の一部という位置づけ。

同時代のUKポップやシンセポップの流れとも重なりつつ、映画主題歌としての機能も担うあたりに、1980年代中盤らしい空気がある。ボウイの作品群の中では、アルバム単位の作品とは少し異なる、独立した存在感を持つシングルとして整理できる。

サウンドの特徴

打ち込み主体のリズム
シンセの薄いレイヤー
音数を絞った編成
映像作品に寄り添うような落ち着いた録音感

まとめ

「This Is Not America」は、1985年のDavid Bowieを知るうえで外せない1曲。映画「The Falcon And The Snowman」のテーマ曲として生まれた背景を持ちながら、シンセポップ、ポップ、映画音楽の要素が交差する作品になっている。UKのポップ・ロックを代表する存在だったボウイの、別の側面が見えやすいタイトル。

トラックリスト

A This Is Not America (The Theme From The Original Motion Picture “The Falcon And The Snowman”) (3:51)
B This Is Not America (Instrumental) (3:51)

Lizzy Mercier Descloux – Lizzy Mercier Descloux (1984)

Lizzy Mercier Descloux / Lizzy Mercier Descloux

Lizzy Mercier Desclouxは、フランス出身のシンガー、ミュージシャン、作家、画家として知られるLizzy Mercier Desclouxによる1984年の作品だ。ロックを土台に、ラテンの要素やアフロ・キューバン、ジャズダンスの感触を重ねた内容で、同時代のポップやダンス・ミュージックとも地続きに感じられる一枚になっている。

作品の輪郭

このアルバムでは、リズムの組み立てが前面に出ている。打楽器の動きや反復するビートが曲の骨格をつくり、その上に歌と演奏が乗る構成。ロックの感触を保ちながらも、ラテン由来のステップ感や、クラブ寄りのグルーヴが見えやすい。録音も、過度に厚く塗り込めるというより、各パートの動きが追いやすい質感だ。

タイトルとアーティスト名が同じこともあって、本人の個性をそのまま示すような位置づけに見える。フランスのアーティストでありながら、国やジャンルの枠に収まりきらない作り方が、この作品の印象を形づくっている。

サウンドの特徴

ロックを軸にしたリズム構成
アフロ・キューバン由来の打楽器感
ラテンの動きとポップな歌の組み合わせ
ジャズダンス的な推進力
音の輪郭が比較的はっきりした録音

同時代の文脈

1980年代前半の作品として見ると、ニューウェイブ以降の感覚や、ダンス・ミュージックへの接近が背景にある時期だ。ロック、ポップ、ラテン・リズムをつなぐ発想は、当時の実験的なポップ作法とも重なる。談義の中では、ポップの側からリズムの混交を進めたアーティストたちと並べて語られることもありそうだ。

アーティストについて

Lizzy Mercier Desclouxは1956年にパリで生まれ、2004年にコルシカ島サン＝フロランで亡くなった。音楽だけでなく、文章や美術の活動でも知られる人物で、作品ごとに表情を変えながらも、ジャンルの境界をまたぐ姿勢が一貫している。

ひとこと

1984年のこのアルバムは、ロック、ラテン、アフロ・キューバン、ジャズダンスの要素が重なった、Lizzy Mercier Desclouxらしい輪郭の作品として捉えやすい。曲の推進力と、演奏の組み方に耳が向きやすい一枚だ。

トラックリスト

A1 It’s All My Imagination
A2 Abyssinia
A3 Gazelles
A4 Dolby Sisters Saliva Brothers
A5 Eclipse
A6 Les Dents De L’Amour
B1 Wakwazulu Kwezizulu Rock
B2 Momo On My Mind
B3 I’m Liquor
B4 Queen Of Overdub Kisses
B5 Sun’s Jive
B6 All The Same

Guillotine – Guillotine (1971)

Guillotine「Guillotine」について

1971年にUSで発表された、フレンチ・カナディアンのジャズ・ロック・グループ、Guillotineによる同名アルバム。ジャズ、ロック、ファンク／ソウルの要素を横断しながら、ブルース・ロック、ジャズ・ロック、サイケデリック・ロックの流れの中に置ける作品だ。

作品の輪郭

Guillotineは、Pierre Nadeau、Robert Turmel、Paul Morin、Carole Brevalの4人を中心とした編成。バンド名と同じタイトルを冠したこのアルバムは、グループの基本的な方向性をそのまま示す一枚として捉えやすい。

演奏は、ロック寄りの推進力を土台にしつつ、ジャズ由来の展開やファンクのリズム感を織り込んだ構成が印象に残る。ビートを前へ押し出しながらも、単純に一直線では進まず、曲ごとに間合いや切り替えを持たせる作り。録音の質感も、当時のロック／ジャズ・ロック作品らしい生々しさが感じられるタイプだ。

サウンドの特徴

ブルース・ロックの骨格を持つギター主体のアプローチ
ジャズ・ロックらしいインタープレイと展開の変化
ファンク寄りのリズムが加える推進力
サイケデリック・ロック由来の音色や揺れのある雰囲気

この時期の北米のジャズ・ロックやジャズ・ロック寄りのロック作品と並べると、Blood, Sweat & TearsやChicagoのようなブラス中心の路線とは少し違い、よりバンド演奏の密度で聴かせる側面が目立つ。ロックとジャズの接点を、よりラフな熱量で扱うタイプの文脈に置ける。

位置づけ

1971年のこのアルバムは、Guillotineというグループの名をそのまま示した初期の記録として見やすい。ジャンルの境界をまたぐ構成で、当時のジャズ・ロックの広がりを反映した一枚という印象だ。

作品全体としては、派手な装飾よりも、演奏の組み立てとリズムの運びで聴かせる内容。ジャズ、ロック、ファンクが同じ場に置かれた時代の空気が、そのまま盤に残っているようなアルバムだ。

トラックリスト

A1 Hands Of Children (4:31)
A2 Those Years Have Gone By (5:15)
A3 Don’t Need Your Love (4:52)
A4 Anniversary (4:13)
A5 Feel Better (2:51)
B1 Crow Bait (2:35)
B2 If You Don’t Call That Love (4:29)
B3 Jonathan (4:27)
B4 I Can’t Believe It (10:39)

Karakorum – Prison Bitterness (2021)

Karakorum『Prison Bitterness』

UKのアンダーグラウンド・ロック・バンド、Karakorumの作品『Prison Bitterness』。オリジナルのリリースは2021年、こちらの盤は2022年のリリースになる。ジャンルはロック、スタイルはプログレッシブ・ロックとサイケデリック・ロックのあたり。

バンドの輪郭

Karakorumは、1969年から1973年にかけて活動した英国のアンダーグラウンド・ロック・バンドとして紹介されている。東洋的なニュアンスを帯びたプログレッシブ・ロック、そしてリズムを軸にした催眠的な展開が特徴とされるグループ。メンバーはPaul Cobbold、Martin Chambers、James Williamsの3人。

作品の手触り

この作品では、複雑な構成を持つプログレッシブ・ロックの感触と、サイケデリック・ロックの流れが重なっている。リズムの反復が前に出るタイプの音像で、一定の拍を保ちながらも、そこに少しずつずれやうねりが加わっていくタイプの作りが想像しやすい。録音の雰囲気も、派手に整え込むというより、バンドの演奏感を軸にしたものとして受け取れそうだ。

アーティストの位置づけ

Karakorumは、当時の英国ロックの中でもかなり独自性の強い存在として語られている。大きな成功には至らなかったものの、ライブでは人気が高く、バンド側も周囲も高い評価を抱いていたという紹介がある。主流寄りのロックとは距離のある、内省的で複雑なプログレ志向のバンドとして位置づけられているようだ。

同時代の文脈

同時代の英国プログレやサイケデリック・ロックの流れの中で見ると、Karakorumはかなり左寄りの立ち位置にある。演奏の技巧や構成の込み入った作りに加えて、反復リズムの強さが印象に残るタイプで、一般的なアートロックやフォーク寄りのプログレとは少し違う輪郭がある。比較対象としては、同じく実験性を持つ英国のアンダーグラウンド・ロック周辺が思い浮かぶ。

ちょっとしたエピソード

紹介文によると、UKの音楽紙Soundsでは、Alexis KornerのコンサートでKarakorumを見たKeith Moonが彼らを絶賛していたと報じられたという。かなり期待を集めていたバンドだったことがうかがえるエピソード。なお、Karakorumの音源はSeelie Courtのリリースまで世に出ていなかったとされている。

まとめ

『Prison Bitterness』は、英国アンダーグラウンド・ロックの文脈にある、プログレッシブ・ロックとサイケデリック・ロックの要素を持つ作品。反復するリズム、東洋的な響きの気配、複雑な構成が重なる、かなり個性の強い一枚として捉えられる。

トラックリスト

A1 Arnold Collins In Drag (3:44)
A2 Living My Life (2:59)
A3 Prisoners Bitterness (4:05)
B1 Breakfast (5:20)
B2 When The War Is Over (4:34)

Ian McCulloch – September Song (1984)

Ian McCulloch「September Song」について

Ian McCullochの「September Song」は、1984年にUKでリリースされた作品である。Echo And The Bunnymenの中心人物として知られる彼のソロ名義の楽曲として、バンド活動とは少し違う視点から、その声と作曲の輪郭が見えやすい一曲になっている。

作品の位置づけ

Ian McCullochは、もともとEcho And The Bunnymenのシンガー／ギタリストとして知られる存在で、1970年代にはThe Crucial Threeにも関わっていた経歴を持つ。「September Song」は、そうしたキャリアの流れの中で出てきた1984年の作品で、彼の個性が前面に出るソロ側の記録として見ることができる。

サウンドの印象

ジャンルはRock、スタイルはArt Rockに分類されている。音の作りは、直線的に押し切るロックというより、リズムの間や音の置き方に意識が向いたタイプの印象がある。録音の空気感も含めて、単純な勢いだけではなく、少し距離を取ったような質感が残るところが特徴として挙げられそうだ。

Ian McCullochの歌声は、Echo And The Bunnymenの文脈でも重要な要素だが、この曲でもその存在感が作品全体の軸になっている。派手に展開するというより、フレーズの運びと声の置き方で引っ張る構成。

同時代とのつながり

1980年代前半のUKロックには、ポストパンク以降の流れを受けた、少し内省的で構築的なアプローチが多く見られる。この曲も、その時代の空気とつながる部分がある。Echo And The Bunnymen周辺の感触を思わせつつ、Art Rock寄りの整理された組み立てが見える点が印象的である。

ひとことでまとめると

Ian McCullochの歌と曲の作りが、バンドとは違う距離感で記録された1984年の一曲。UKロックの流れの中で、声の存在感と構成の緊張感が残る作品として捉えやすい。

トラックリスト

A September Song (Long Version) (4:10)
B1 September Song (Short Version) (3:33)
B2 Cockles And Mussels (2:40)

Continuum『Continuum』について

Continuumの『Continuum』は、1971年にUKで発表されたアルバム。グループ名と同じタイトルを冠した作品で、バンドの輪郭をそのまま示すような一枚だ。Continuumは、1967年にオランダでハンガリー出身のマルチ奏者Yoel Schwarczによって構想され、その後UKへ移って独自のプログレッシブ・ミュージックを展開したグループとして知られている。ロックを土台にしながら、クラシック由来の要素や異なる文化圏の感覚を織り込んだ作りが特徴になる。

サウンドの印象

ジャンル表記はRockとClassical、スタイルはProg Rock。実際の音像も、その組み合わせを反映したものとして捉えやすい。リズムは単純なロックの推進力だけに寄らず、曲の流れに合わせて変化しやすい構成。演奏の質感は、バンド・アンサンブルのまとまりと、室内楽的な組み立ての両方が感じられるタイプだ。録音の雰囲気も、当時のUKプログレらしい生々しさを残しつつ、楽器の重なりを前に出す方向にある。

バンドの中での位置づけ

Continuumは活動期間中に2枚のアルバムを残しており、この『Continuum』はその名をバンド自身に重ねた初期の作品として見やすい。グループの音楽性をまとめた入口のような一枚で、クラシック志向とロックの接点を探る姿勢が前面に出る。

同時代の文脈

1971年という時期は、UKのプログレッシブ・ロックが多様化していた頃。大きな編成や組曲的な構成、クラシックの引用や室内楽的な発想は、この時代の潮流とも重なる。Continuumもその流れの中にありつつ、単なるロック・バンドというより、異なる音楽文化を接続する方向へ進んでいた点が目立つ。

メンバー

Peter Billam
John Warren
Harvey Troupe
Dick Wildman
Yoel Schwarcz
Mike Hart
Tim Rice

メンバー数も含めて、アンサンブルの厚みを意識した編成だったことがうかがえる。ロックとクラシックの間を行き来する作り、1971年のUKプログレという背景、そのあたりを押さえると、この作品の輪郭はつかみやすい。

トラックリスト

A1 Invention
A2 Allemande And Blues
A3 Allegro
A4 Bourée
Legend Of Childe Harold

Syd Barrett – Crazy Diamond (1993)

Syd Barrett『Crazy Diamond』について

Syd Barrettの『Crazy Diamond』は、1993年にUSでリリースされた作品。アーティストとしてのSyd Barrettは、Pink Floydの初期を支えた存在として知られ、その後のソロ活動も含めて、サイケデリック・ロックの文脈でよく語られる人物です。本作も、その流れの中にある一枚として捉えやすい内容です。

タイトルからも連想しやすい通り、Syd Barrettという人物像と切り離しにくい作品名。音楽面では、ロックを軸にしながら、60年代後半のサイケデリック・ロックに通じる感触が置かれています。リズムは比較的素直に進み、音の質感には当時の時代感を思わせるところが残る、そんな印象です。

サウンドの印象

派手に作り込むというより、楽曲の骨格や音の並びを追いやすいタイプの聴こえ方。ギターを中心にしたロックの手触りに、サイケデリック寄りの揺れが重なる場面もあり、Pink Floyd周辺の流れを思い浮かべる人もいそうです。ただし、あくまでSyd Barrett本人の個性を軸にした作品として見るのが自然です。

位置づけ

Syd Barrettのキャリア全体で見ると、Pink Floyd脱退後のソロ期から続く名前を追ううえでの一枚。短い活動期間ながら、その後の音楽に残した影響は大きく、本作もそうした流れの中で扱われることが多いです。60年代のアンダーグラウンド・シーンを背景に持つアーティストの作品として、時代の空気を感じさせる要素があります。

同時代・ジャンルの文脈

ジャンルはRock、スタイルはPsychedelic Rock。60年代末の英国サイケデリック・ロックと重ねて語られることが多いタイプの音楽で、同時代のPink Floydや、同じく実験性を含んだロックの流れと比較されやすい存在です。音数を積み上げるというより、曲の輪郭やフレーズの癖で印象を残すタイプの作品として見られます。

エピソード

Syd BarrettはPink Floydの初期メンバーとして注目を集めたあと、精神的な問題などもあり、バンドを離れることになります。その後はソロ活動を行い、音楽業界から距離を置いた時期も長く続きました。1975年にはPink Floydの録音現場に姿を見せたエピソードも知られており、彼の名前は作品そのものだけでなく、そうした周辺の出来事も含めて語られることが多いです。

『Crazy Diamond』も、Syd Barrettという人物の歩みを背景に置くと、単なるロック作品以上の重みを持って見えてくる一枚です。

トラックリスト

A1 Terrapin (5:02)
A2 Octopus (3:44)
B1 Baby Lemonade (4:07)
B2 Effervescing Elephant (1:51)

Scritti Politti – Provision (1988)

Scritti Politti「Provision」について

Scritti Polittiの「Provision」は、1988年にリリースされた作品。イギリス・リーズで結成されたバンドながら、ここではUSリリースの盤として流通した一枚で、グループのポップ志向がはっきり出た時期のアルバムとして位置づけられる。

アーティストの輪郭

Scritti Polittiは、1977年に結成されたBritish band。中心にいるのは、カーディフ出身のシンガーソングライター、Green Gartsideで、グループの歴史を通して唯一継続して在籍したメンバーとして知られる。メンバーの入れ替わりを重ねながらも、作品ごとに音の組み立てを変えてきたバンドという印象がある。

この作品の立ち位置

「Provision」は、Synth-popとFunkを軸にしたポップ作品。80年代後半らしい打ち込みの輪郭と、リズムを前に出した作りが見えやすい時期で、Scritti Polittiの中でも、ソングライティングとスタジオ・サウンドの整理された関係が目立つ一枚といえる。

Green Gartsideを中心に、David Gamson、Fred Maher、Simon Emmerson、Alan Murphy、Rhodri Marsden、Rob Smoughton、Niall Jinks、Tom Morley、Joe Cang、Matthew Kay、Dicky Moore、Paul Strohmeyerらがクレジットされている。編成の広さも含めて、バンドというより制作単位としての側面が感じられる構成。

サウンドの特徴

サウンドは、シンセの質感が前面に出たポップス寄りの作り。ビートは細かく整えられ、ファンク由来の跳ね方を持ちながらも、全体の輪郭はかなり明瞭。録音の雰囲気も、音の分離がはっきりしていて、各パートが役割を分担するように並ぶ印象がある。

シンセ主体のアレンジ
ファンクのリズム感
ポップ寄りの構成
音の配置が整理された録音

同時代とのつながり

1988年という時期を考えると、80年代後半のソウル、ファンク、シンセ・ポップの接点にある作品として見えやすい。ニュー・ウェイヴ以降の流れの中で、洗練されたポップ・プロダクションを志向した作品群と並べて語られることもありそうだ。ジャンルの枠では、当時の洗練されたポップ・アレンジの文脈に置きやすい。

まとめ

「Provision」は、Scritti Polittiのポップ性とスタジオ志向がまとまった1988年の一枚。Green Gartsideを軸にしたバンドの変遷の中で、Synth-popとFunkをつなぐ時期の記録として見える作品。

トラックリスト

A1 Boom! There She Was (4:57)
A2 Overnite (4:43)
A3 First Boy In This Town (Lovesick) (4:22)
A4 All That We Are (3:31)
A5 Best Thing Ever (3:50)
B1 Oh Patti (Don’t Feel Sorry For Loverboy) (4:20)
B2 Bam Salute (4:33)
B3 Sugar And Spice (4:10)
B4 Philosophy Now (4:44)

The Wild Swans – Young Manhood (1988)

The Wild Swans『Young Manhood』（1988）

The Wild Swansの『Young Manhood』は、1988年にUKでリリースされた作品。RockとPopを基調にしながら、Pop RockやIndie Rockの輪郭も見える一枚で、ポール・シンプソンを中心とした流れをたどるうえでも位置づけがつかみやすいタイトルです。

作品の輪郭

バンドにはPaul Simpsonをはじめ、Ian Broudie、Ian McNabb、Chris Sharrock、Les Pattinsonなど、UKのインディー／ポップ・ロック周辺で知られる名前が並びます。人員の多さもあって、ひとつの固定したバンド像というより、当時のUKシーンの交差点にあるような顔ぶれです。

サウンドは、ギターを軸にしたロックの流れの中に、ポップ寄りの整理された曲調が差し込まれるタイプ。リズムはきっちり前へ進み、録音も過度に装飾されすぎない印象で、80年代後半のUKインディーらしい手触りがうかがえます。派手さよりも、曲の組み立てやアンサンブルの見通しのよさに耳が向きやすい作品です。

アーティストの中での位置づけ

The Wild Swansは、Paul Simpsonの活動を軸に語られることが多いバンドです。『Young Manhood』は、その流れの中で1988年時点のまとまりを示す一作として見やすいタイトルでしょう。作品単体というより、UKインディー／ポップ・ロックの文脈の中で、複数のミュージシャンが関わる形で残された記録という側面もあります。

同時代とのつながり

同時代のUK作品としては、The La’sやThe Lightning Seeds、あるいはEcho & the Bunnymen周辺を思わせる耳もあるかもしれません。とはいえ、ここでは大きくドラマを作るより、メロディとバンドの鳴りをまっすぐに置く感触が中心。インディー・ロックの文脈にありながら、ポップ・ソングとしての整え方も意識された一枚という見方ができそうです。

まとめ

『Young Manhood』は、1988年のUKロック／ポップの空気を映したThe Wild Swansの作品。複数のミュージシャンが関わる編成、ギター中心のバンド・サウンド、そしてインディーとポップの間を行き来する構成が印象に残るタイトルです。

トラックリスト

A Young Manhood
B1 Holy, Holy
B2 The World Of Milk And Blood

Isopoda – Taking Root (1982)

Isopoda『Taking Root』

BelgiumのAalstを拠点にしたプログレッシブ・ロック・バンド、Isopodaが1982年に発表した作品。Rockを軸に、Art RockとProg Rockの要素を組み合わせた一枚で、バンドの初期の姿を伝える内容になっている。

作品の位置づけ

Isopodaはベルギーのプログロ界に属するバンドで、メンバーの入れ替わりを経ながら活動を続けてきたグループ。『Taking Root』は1982年の時点でのバンド像を示す作品として捉えやすい。のちに編成が変わることを考えると、オリジナルメンバー中心の時期を記録した記録でもある。

サウンドの印象

Art Rock寄りの構成感と、Prog Rockらしい展開の多さが見えてくるタイプの作品。リズムは単純に流れるというより、曲ごとに区切りをつけながら進む印象で、ギターとキーボードが曲の輪郭を作っていくような手触りがある。録音も、同時代のロック作品らしい素直な質感で、演奏のまとまりをそのまま捉えた雰囲気。

同時代の文脈

1980年代前半のヨーロッパ・プログレの流れの中に置くと、70年代的な大作志向を引きずりつつ、より整理された構成へ寄っていく時期の空気も感じられる。ベルギーのプログレ・シーンらしい、英米勢とは少し距離のあるローカルな感触もポイントになりそうだ。

メンバー

Arnold De Schepper
Luc Vanhove
Dirk De Schepper
Geert Amant
Marc Van Der Schueren
Guido Rubbrecht
Walter de Berlangeer

補足

Isopodaは現在もArnold De Schepperが中心となって、弟のLuc Vanhoveや息子たちとともにライブで楽曲を演奏しているという記録がある。『Taking Root』は、そうした現在の活動につながる出発点のひとつとして見られる作品でもある。

トラックリスト

A1 Taking Root
A2 The Usual Start
A3 Endless Streets
A4 Sunset Alley
B1 Harbinger
B2 Girls Will Be Girls
B3 The Fall
B4 O.K. With Me
B5 Join With The Stream

Doug Carn – Infant Eyes (1971)

Doug Carn『Infant Eyes』（1971）

Doug Carnは、アメリカ出身のジャズ・ミュージシャン／プロデューサーで、ピアノ、オルガン、キーボードを中心に活動した人物だ。『Infant Eyes』は1971年の作品で、ソウル・ジャズとスピリチュアル・ジャズの流れに置かれる1枚として知られている。

作品の輪郭

この時期のDoug Carnは、Black Jazz Records周辺の流れとも重なる存在で、同レーベルにおける初期1970年代ジャズの空気をよく映している。ジャズを土台にしながら、ゴスペルやソウルの感触を持ち込んだ演奏が特徴で、鍵盤を軸にした構成が作品全体を支えている印象だ。

録音の質感は、当時のUSジャズらしい直接的な手触りを持ち、リズムも前に出すぎず、曲の流れに沿って進むタイプ。オルガンやピアノの音が空間を埋めつつ、演奏のひとつひとつがはっきり聴こえる作りになっている。

Doug Carnというアーティストの位置づけ

Doug Carnは、ソウル・ジャズからスピリチュアル・ジャズへつながる文脈のなかで語られることが多い。1970年代前半には、妻のJean Carnとの共演作でも知られ、同時代のジャズ・シーンの中で独自の鍵盤表現を展開していた。Nat Adderley、Shirley Horn、Lou Donaldson、Stanley Turrentineらとの仕事歴もあり、幅広いジャズの現場に関わっていた人物でもある。

同時代とのつながり

『Infant Eyes』のような作品は、Hard Bop以降の流れを受けつつ、よりソウル寄りの響きや精神性を前面に出していく1970年代初頭のジャズの動きと重なる。Bruce McPhersonやCalvin Keysらを含むBlack Jazz系の作品群と並べて語られることもあり、同じ時代の空気を共有している。

まとめ

『Infant Eyes』は、Doug Carnの鍵盤奏者としての個性が、ソウル・ジャズとスピリチュアル・ジャズの接点で表れた1971年作だ。派手さよりも、曲の流れ、音の配置、演奏の呼吸で聴かせるタイプの作品として受け取れる。

トラックリスト

A1 Welcome (1:15)
A2 Little B’s Poem (3:50)
A3 Moon Child (7:56)
A4 Infant Eyes (9:50)
B1 Passion Dance (5:58)
B2 Acknowledgement (8:45)
B3 Peace (4:30)

Synergy – Sequencer (1976)

Synergy『Sequencer』について

Synergyは、アメリカのシンセサイザー奏者 Larry Fast の名義として知られるプロジェクトで、1970年代半ばから活動を続けてきた。『Sequencer』は1976年の作品として位置づけられる一枚で、電子音楽を軸にしながら、ダウンテンポやシンセポップの要素も感じさせる内容になっている。1979年盤として流通したこのレコードは、Synergyの初期の流れを追ううえで見ておきたいタイトルのひとつだ。

サウンドの印象

中心にあるのは、シーケンサーを使った規則的なリズムと、シンセの音色の重なり。打ち込み的な反復が前に出ながらも、音の輪郭は比較的はっきりしていて、機械的になりすぎないところにこの時期らしさがある。録音の雰囲気も、過度に厚塗りせず、電子音の動きがそのまま伝わるタイプの仕上がり。

メロディ面では、クラシック音楽からの影響を含んだ初期Synergyの流れを思わせる部分があり、そこによりロック寄りの推進力が加わる。電子音楽としての実験性と、曲としてのまとまりの両方を意識した作りに聞こえる。

Synergyというプロジェクトの位置づけ

Larry Fast は、Synergy名義での活動を通して、シンセサイザーを前面に出した作品群を展開してきた。初期作では西洋クラシックの影響や編曲的な発想が目立ち、後年になるほどオリジナル曲の比重が高まり、ロック的な要素も増していく。そうした流れの中で『Sequencer』は、シーケンス処理と電子音の構成が作品の核にある時期の記録として捉えやすい。

同時代の電子音楽やシンセ・ポップの文脈で見ると、機材の存在感をそのまま作品の個性に変えている点が印象的。クラウトロック以後のシンセ主導の作品群や、同時期のアメリカ産エレクトロニクスとも並べて語られそうな内容だが、Synergyはあくまで Larry Fast の制作感覚が前面に出るプロジェクトとして独自性を保っている。

トラックリスト

A1 S-Scape (5:50)
A2 Chateau (4:16)
A3 Cybersports (4:39)
A4 Classical Gas (3:00)
Paradox (7:00)
B2 (Sequence) 14 (11:14)

Earth And Fire – Gate To Infinity (1977)

Earth And Fire / Gate To Infinity (1977)

オランダ、Voorschoten / Voorburg 出身のポップ・バンド、Earth And Fireによる1977年の作品。女性ヴォーカルのJerney Kaagmanを中心に、Chris Koertsのギター、Gerard Koertsのキーボードを軸にした編成で知られるグループで、シンフォニック・ロックとポップ・ロックのあいだを行き来するバンドとして位置づけられている。

作品の輪郭

Gate To Infinity は、Earth And Fireがキーボード面をさらに広げていく時期のアルバム。以前から使っていたハモンド・オルガンに加えて、メロトロンやシンセサイザーもセットに取り入れており、バンドのサウンドに厚みを持たせている。収録曲の構成でも、片面を使った長めの組曲的な展開が含まれていて、同時期のシンフォニック・ロック的な流れが見えやすい一枚。

リズム隊はしっかり前に出すぎず、演奏全体を支える役回り。そこにキーボードの層とギターのフレーズ、Jerney Kaagmanの歌が重なる形で、ポップ寄りの聴きやすさとプログレッシブな組み立てが同居している。録音の雰囲気も、楽器の音を重ねていくタイプの作りで、音像は比較的整理されている印象。

バンドの流れの中で

Earth And Fireは、1969年の「Seasons」や1970年の「Ruby is the One」「Wild & Exciting」、1971年の「Invitation」、1972年の「Memories」などで知られ、オランダ国内でヒットを重ねてきた。アルバム作品では、Song of the Marching Children や Atlantis がよく挙げられることが多く、そこからTo the World of the Future を経て、Gate To Infinity ではシンセサイザーの比重がさらに増していく流れ。

1970年代後半のヨーロッパのロック文脈では、シンフォニック・ロックがポップ寄りの要素と混ざっていく動きも見られる時期で、Earth And Fireもその一角にあるバンドとして捉えやすい。GenesisやYesのような英ロック系の大作志向とは少し距離を取りつつ、メロディを前に出した組み立てが特徴になっている。

メンバーとクレジット

Jerney Kaagman：ヴォーカル
Chris Koerts：ギター
Gerard Koerts：キーボード
Hans Ziech：ベース
Ton van der Kleij：ドラム

クレジットには、Mark Stoop、Bert Ruiter、Ton Scherpenzeel、Ab Tamboer、Age Kat、Jons Pistoor、Theo Hurts、Ronnie Meyjes、Lysett、Cees Kalis などの名前も見える。バンドの周辺人脈の広さも、当時のオランダ・ロックの動きとつながっている。

ひとこと

Gate To Infinity は、Earth And Fireがポップ・バンドとしての輪郭を保ちながら、シンフォニックな要素とキーボード主体の展開を押し広げていた時期の一作。1977年のオリジナル盤として、バンドの変化が見えやすいアルバムになっている。

トラックリスト

Gate To Infinity (17:19)
B1 78th Avenue (3:02)
B2 Smile (3:11)
B3 Green Park Station (2:59)
B4 Dizzy Raptures (3:17)
B5 Driftin’ (5:36)

Brèche – Carapace Et Chair Tendre (1979)

Brèche『Carapace Et Chair Tendre』について

『Carapace Et Chair Tendre』は、カナダ・ケベック州シェルブルック周辺のフォークロック・バンド、Brècheが1979年に発表した作品。メンバーはJacques Joubert、Marc Bolduc、Daniel Roussel、Paul Bolducの4人で、フォークを軸にしながら、クラシック、ジャズ、プログレッシブ・ロックの要素も取り込んでいたグループとして知られている。

このバンドはもともとBolducという名前で活動を始め、ケベック各地の出身メンバーが集まって結成された。1976年ごろから活動を始め、2年ほどケベック州内を回りながら演奏と作曲を重ねたのち、1978年にBrècheへ改名している。バンド名は、自分たちの音楽が時代の流れに「裂け目」を入れるようなものだと感じたことに由来するという。

作品の位置づけ

本作はBrècheにとって唯一のアルバム。1979年夏にカナダでリリースされている。地域のトラッド・フォーク系フェスティバルでも演奏していた一方で、音楽の中身はフォークだけに収まらない構成で、プログレ寄りの感触も持っていた点が特徴として挙げられる。

ケベック州では入手しやすい作品ではなく、また出演機会との相性も含めて十分な露出につながらなかったようで、Brècheは広く知られる前に埋もれた存在になっている。1979年10月以降の活動記録が見えなくなっており、1980年初頭には活動を終えたとみられる流れ。

サウンドの印象

サウンドは、アコースティックな手触りを土台にしたフォークロック路線。リズムは素朴さを保ちながらも、楽曲の組み立てにはプログレッシブ・ロック由来の展開が見えるタイプと受け取れる。録音も、派手に作り込むというより、演奏の輪郭をそのまま置いたような質感。

ジャンル表記としてはRock、Folk、World、& Countryにまたがり、スタイルはFolk Rock。ケベックのトラッド／フォークの文脈にいながら、そこから少し外れたところを狙ったアルバム、という見え方がしやすい一枚。

同時代の文脈

1970年代後半のケベック周辺では、フォークやトラッドの流れと、より実験的なロックの感覚が並走していた。Brècheもその交差点にいたグループのひとつで、伝統音楽の場に出ながら、音の作りはプログレ寄りという立ち位置。そうした意味で、同時代のカナダ産フォークロックやケベックのロック史の中でも、少し横道にある存在として見えてくる。

ひとことで

ケベック発のフォークロックを軸に、クラシック、ジャズ、プログレの気配を織り込んだBrècheの唯一作。1979年という時代と、地域の音楽シーンの間で生まれた、記録としても興味深いアルバム。

トラックリスト

A1 L’hymne (3:31)
A2 Marianne (3:39)
A3 La Légende De Jos Kébék (4:56)
A4 Vent Du Midi (6:15)
B1 La Fuite (4:06)
B2 De Justesse (4:56)
B3 Grandir (6:38)
B4 Les P’tites Cuillers (3:10)

Disco Light Orchestra – Disco Dance (II) (1980)

Disco Light Orchestra「Disco Dance (II)」について

Disco Light Orchestraによる「Disco Dance (II)」は、1980年にルーマニアで登場したディスコ作品です。ジャンルとしてはFunk / Soul、Popの要素を含みつつ、スタイルの軸はディスコに置かれています。タイトルからも伝わる通り、ダンス向けのリズムを前面に出した構成が想像しやすい一枚です。

作品の輪郭

この時期のディスコらしく、一定の拍を保つビート、反復を生かした展開、リズムの推進力が重要な位置を占める作品と見られます。楽曲の進行は、メロディを大きく押し出すというより、グルーヴを積み重ねていくタイプの作りが中心になりやすい流れです。録音の雰囲気も、当時のダンス・ミュージックらしい素朴さと、機能性のあるまとめ方が感じられるタイプの作品として捉えられます。

1980年という位置づけ

1980年は、ディスコが一つのピークを越えつつも、ポップやファンクの文脈へ広がっていた時期です。そのため、この作品も単純なディスコ一辺倒というより、ポップ寄りの聴きやすさと、ファンク由来のリズム感が交差する時代性の中に置けます。ルーマニア発のディスコ作品という点でも、同時代の西欧やアメリカのディスコとは少し違う空気を持つ可能性がある一枚です。

アーティストにとっての意味合い

Disco Light Orchestraについての詳細なプロフィールは多くありませんが、「Disco Dance (II)」は少なくとも1980年時点での代表的なタイトルのひとつとして見やすい作品です。名前にオーケストラを含むことからも、バンド編成やアンサンブルを意識した作りがうかがえる点は興味深いところです。

同時代の文脈

ディスコ、ファンク、ポップが近い距離で混ざっていた時代の作品として見ると、当時のダンス音楽の流れの中に収まります。アメリカの大きなディスコ・シーンとは異なる地域性を持ちながら、反復するビートと踊りやすさを重視する点では、同時代の多くのディスコ作品と共通する部分があると言えます。

まとめ

「Disco Dance (II)」は、1980年のルーマニアで生まれたディスコ作品として、Funk / SoulとPopの要素を含みながらダンス志向をはっきり示す一枚です。作品全体の輪郭は、当時のディスコらしいリズムの持続感と、時代のポップ感覚が交わるところにあります。

トラックリスト

A1 Young Men (Oameni Tineri) (3:07)
A2 Gimme, Gimme, Gimme (Dă-mi, Dă-mi, Dă-mi) (3:32)
A3 Babe, It’s Up To You (Baby, Depinde De Tine) (2:54)
A4 Kingston, Kingston (2:43)
A5 You’re The Greatest Lover (Ești Marea Mea Dragoste) (2:44)
B6 Trojan Horse (Calul Troian) (3:12)
B7 Lay Love On You (Ți-am Dat Dragostea) (2:52)
B8 Amor, Amor (Dragoste, Dragoste) (3:01)
B9 Follow Me, Follow You (Urmează-mă, Te Urmez) (3:29)
B10 She’s In Love With You (Ea Te Iubește) (2:56)
C1 Hooray, Hooray, It’s A Holi Holiday (Ura, Este Vacanță) (2:59)
C2 Crazy Little Thing Called Love (Mica Nebunie Numită Dragoste) (2:15)
C3 Boy, Oh Boy (Oh, Băiatule) (2:25)
C4 Da’Ya’Think I’m Pretty (Crezi Că Sînt Drăguță ?) (3:37)
C5 Boogie Rhythm For You (Ritm De Boogie Pentru Tine) (3:52)
D6 Tragedy (Tragedie) (3:16)
D7 Bang, Bang (2:44)
D8 Don’t Bring Me Down (Nu Mă Distruge) (2:40)
D9 Whatever You Want (Orice Dorești) (3:05)
D10 Chiquitita (3:56)

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バンドの流れの中で

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作品の位置づけ

メンバー

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作品の位置づけ

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