Dim Gray『Shards』について

『Shards』は、ノルウェー・オスロのアートロック・トリオ、Dim Grayによる2025年の作品。メンバーは、Håkon Høiberg（guitars, vocals）、Oskar Holldorff（vocals, keyboards）、Tom Ian Klungland（drums, vocals）の3人で、バンドの公式サイトやBandcamp、各種SNSでも活動を確認できる。レコードとしては2025年にノルウェーでリリースされた盤で、歌詞入りインサートが付属する仕様。

バンドの基本像

Dim Grayは、オスロを拠点にするロック・トリオ。クレジット上でも、ギター、キーボード、ドラムに加えて3人ともボーカルを担っており、アンサンブルの中で声の重なりを生かす編成と見てよさそうだ。プロフィール上はアートロック・トリオとされていて、作品のスタイル欄にはArt Rock、Symphonic Rock、Folk Rock、Prog Rock、Etherealといった要素が並ぶ。

作品の位置づけ

『Shards』は、Dim Grayにとって2025年のタイトル作。オリジナルの年と盤の年がともに2025年なので、同年の作品として捉えられる。バンドの現行の持ち味をそのまま記録した一枚、という見方がしやすい。

サウンドの方向性

ジャンル表記からは、ロックを土台にしつつ、フォーク寄りの語り口やプログレッシブな展開、シンフォニックな構成感を含む作品像が読み取れる。アートロック、シンフォニックロック、フォークロック、プログロック、エセリアルという並びは、単に硬質なロック一色ではなく、旋律や空間の使い方、曲の流れを重視したタイプの作品を示している。

聴きどころの見え方

実際に聴いた感想としては、ここでは断定できる情報がない。とはいえ、3人編成でありながら全員が歌に関わる体制なので、コーラスやハーモニー、掛け合いの比重は高そうだ。歌詞入りインサートが付く点も、楽曲の言葉を追いながら聴くタイプの作品であることを示している。

同時代的な文脈

北欧のロック・シーンの中でも、Dim Grayはオスロ発のトリオという点がまず特徴的。プログレやシンフォニック・ロック、フォークの要素を含むバンドはノルウェーにも少なくないが、3人編成でこの幅を扱うところに個性が出ている。比較対象を挙げるなら、北欧のメロディ重視のプログレや、声の重なりを生かすアートロックの流れに置いて見ることはできそうだ。

作品情報

• アーティスト: Dim Gray
• タイトル: Shards
• リリース年: 2025
• リリース国: Norway
• アーティストの国: Oslo, Norway
• 編成: Oskar Holldorff、Tom Ian Klungland、Håkon Høiberg
• 付属物: Insert including Lyrics
• ジャンル: Rock, Folk, World, & Country
• スタイル: Art Rock, Symphonic Rock, Folk Rock, Prog Rock, Ethereal

まとめ

『Shards』は、オスロの3人組Dim Grayが2025年に出した、声と楽器の役割分担がはっきりした作品。アートロックを軸に、フォークやプログレの要素を含む構成で、歌詞を含めてじっくり追うタイプの一枚として捉えやすい。

トラックリスト

• A1 – Defiance
• A2 – Myopia
• A3 – Murals
• A4 – Feathers
• A5 – Mooneater
• B1 – Peril
• B2 – Little One
• B3 – Shards From A Broken Crown
• B4 – Attakulla

Reign Ghost Featuring Lynda Squires（1970年作、2014年スペイン盤）について

Reign Ghostは、カナダ・オンタリオ州オシャワ出身のロック・グループ。1960年代後半に活動し、メンバーの入れ替わりが多いバンドだった。シンガーのLynda Squires、ギタリストのBob BrydenとJim Stright、キーボードのDave Hair、ベーシストのJerry Dufek、Russ Erman、Joe Gallant、ドラマーのHelge “Rich” RichterやBob Strightらが在籍していた。そんな流動的な編成の中でまとめられたのが、本作 Reign Ghost Featuring Lynda Squires で、1970年の作品として位置づけられるアルバムである。

音楽性はロックを土台にしたサイケデリック・ロック。1960年代末から1970年にかけてのカナダ産サイケ作品らしく、当時の空気をそのまま閉じ込めたような記録性のある一枚として見てよさそうだ。Reign Ghostは1968年にAllied Recordsと契約し、翌年にセルフタイトルのアルバムを発表。その後いったん解散するが、ほどなく同名で再始動し、1970年まで活動を続けたという流れがある。本作は、その後期にあたる作品としてバンドの終盤を示す位置づけになる。

作品の輪郭

タイトルにLynda Squiresの名が入っている通り、彼女の存在感が大きい作品として受け取れる。Lynda Squiresはカナダのシンガーで、Reign Ghostの周辺では重要なメンバーのひとり。バンドの編成が固定されていないぶん、誰がどの曲で前に出るかという点にも、グループの性格がよく表れている。

収録曲の細部までは盤情報だけでは追い切れないが、バンドの流れとしては、初期のセルフタイトル作で示したサイケデリックな志向を引き継ぎつつ、よりメンバー個々の役割が見えやすい作りだった可能性が高い。Bob Brydenがライナーノーツを担当している点も、この作品が単なる再発ではなく、バンド自身の文脈を伝えるための編集盤的な性格を持っていることを示している。

2014年スペイン盤について

今回の盤は2014年にスペインでリリースされたもの。オリジナルは1970年作なので、これは再発盤にあたる。盤面の情報としては、フォールドアウト仕様のインサートが付属し、写真、メモラビリア、Bob Brydenによるライナーノーツが収められている。こうした付属資料は、当時のバンドの活動やローカルなシーンを追ううえで手がかりになる内容で、オリジナル盤とは違う見どころになっている。

再発盤なので、音そのものよりも、資料面を含めて作品を読み直せるのがこの盤の特徴と言えそうだ。カナダのローカル・サイケデリック・ロックを掘る流れでは、同時代のThe Guess WhoやMoby Grape、北米のアンダーグラウンドなサイケ作品と並べて語られることがあるタイプのバンドだが、Reign Ghostはその中でもかなり素朴で、バンドの実態が見えやすい部類に入る。

アーティストにとっての位置づけ

Reign Ghostにとっては、1969年のデビュー作に続く重要な後期作という見方ができる。グループの活動期間自体が長くないため、アルバムごとの意味合いがはっきりしているのもこのバンドの特徴だ。本作は、Lynda Squiresを含む編成での到達点のひとつとして受け止められるだろう。

サイケデリック・ロックの文脈では、派手なヒット曲で広く知られるタイプではなく、ローカル盤や再発盤を通して評価が広がった作品群のひとつ。そうした背景も含めて、Reign Ghostのディスコグラフィーをたどるうえで外せない一枚である。

基本情報

• アーティスト: Reign Ghost
• タイトル: Reign Ghost Featuring Lynda Squires
• オリジナル年: 1970年
• 盤のリリース年: 2014年
• リリース国: Spain
• ジャンル: Rock
• スタイル: Psychedelic Rock
• 付属: フォールドアウト・インサート、写真、メモラビリア、Bob Brydenによるライナーノーツ

トラックリスト

• A1 – Long Day Journey (3:00)
• A2 – More Than I (3:43)
• A3 – Mother’s Got Troubles (3:35)
• A4 – Pudsy’s Parable (2:15)
• A5 – Ain’t It Great (3:54)
• B1 – Breast Stroke Blues (4:21)
• B2 – Solar Nice (2:38)
• B3 – Breadbox (2:00)
• B4 – Enola Gay (8:20)

関連動画

• Reign Ghost Featuring Lynda Squires Canadian psychedelic rock 1971

Kings Of Convenience『Riot On An Empty Street』

ノルウェー、ベルゲン出身のデュオ、Kings Of Convenienceによる2作目のスタジオ・アルバム。2004年にオリジナルが登場した作品で、Erlend ØyeとEirik Glambek Bøeの2人が作曲と歌を分担しながら進める、静かなアコースティック・ポップの輪郭がよく見える一枚だ。

この盤はヨーロッパ盤で、2021年リリース。ゲートフォールド・ジャケット仕様で、ランアウトはスタンプ刻印。レコードの裏面には、2003年9月から2004年3月にかけてベルゲンで録音・ミックスされたことが記されている。

作品の位置づけ

Kings Of Convenienceは、細かいギターの響きと、派手さを抑えた歌の運びで知られるデュオだが、本作でもその持ち味は変わらない。1作目で示した空気感を、より曲単位ではっきり聴かせる方向に進めたアルバムとして受け取られている。バンドというより、2本の声とギターの距離感で成立する音楽という印象が強い。

音の印象

実際に聴くと、音数の少なさがそのまま弱さにはなっていないところが印象に残る。ギターは前に出すぎず、歌も押しつけがましくないが、フレーズの置き方やコーラスの重ね方に細かな工夫がある。テンポを上げる場面でも、全体の輪郭は崩れず、部屋の中で近く鳴っているような感触が続く。

歌声は2人とも柔らかく、互いにぶつけるのではなく、少しずつ重ねていくタイプ。英語詞のポップ・ソングとしての分かりやすさもありつつ、演奏の間合いで聴かせる場面が多い作品だ。

代表曲として知られる曲

このアルバムでは「I’d Rather Dance With You」がよく知られている。軽いリズムと、少しひねった恋愛の視点がある曲で、Kings Of Convenienceの中では比較的ポップな入口になっている。「Misread」も代表曲として挙げられることが多く、抑えたビートの上に、メロディとコーラスがすっと乗る作りになっている。

作品全体は静かな曲調が中心だが、こうした曲があることで、アルバムの中の緩急が見えやすくなっている。

同時代の文脈

2000年代前半のインディー・フォークやアコースティック系の流れの中で聴くと、この作品はかなり整理された音作りに感じられる。フォークの素朴さを残しながら、ポップ・ソングとしての骨格もはっきりしているあたりが特徴だ。比較対象としては、同時代の静かなギター・ポップや、男女ではないが複数声のハーモニーを重視するアーティスト群と並べて語られることがある。

ただし、Kings Of Convenienceはその中でも、演奏の密度を上げるより、余白を保ったまま曲を成立させるところに個性がある。そこがこの作品でもはっきりしている。

再発盤としての見どころ

2021年盤という点では、オリジナルの2004年盤と比べて、当時の仕様をそのまま再提示する意味合いが強い。ゲートフォールド仕様で手に取りやすく、アナログで聴く場合は、曲間の静けさやギターの細かな鳴りが印象に残りやすい。オリジナル盤と内容面で大きく別物というより、作品の聴かれ方を今の時点でつなぎ直した盤と見てよさそうだ。

まとめ

『Riot On An Empty Street』は、Kings Of Convenienceというデュオの持つ、声とギターだけでも曲を立ち上げる力がよく出たアルバムだ。ベルゲンで録音されたという背景も含め、派手な展開よりも、曲の温度と距離感で聴かせる一枚としてまとまっている。

トラックリスト

• A1 – Homesick (3:09)
• A2 – Misread (3:05)
• A3 – Cayman Islands (3:00)
• A4 – Stay Out Of Trouble (5:00)
• A5 – Know-How (3:54)
• A6 – Love Is No Big Truth (3:45)
• B1 – I’d Rather Dance With You (3:24)
• B2 – Sorry Or Please (3:44)
• B3 – Live Long (2:53)
• B4 – Surprise Ice (4:20)
• B5 – Gold In The Air Summer (3:29)
• B6 – The Build-Up (4:05)

関連動画

• Kings Of Convenience – Know-How
• Sorry or Please – Kings of Convenience (subtitulado)
• Kings of Convenience – Riot On An Empty Street
• Kings Of Convenience – Misread
• Kings Of Convenience – I’d Rather Dance With You
• Kings of Convenience – The Build Up

The Doors『Greatest Hits』について

The Doorsの『Greatest Hits』は、1980年にUS盤として登場したベスト盤。1960年代後半から1971年までの活動で残した代表曲をまとめた内容で、ジム・モリソンの存在感、レイ・マンザレクの鍵盤、ロビー・クリーガーのギター、ジョン・デンズモアのドラムという、4人編成の核がはっきりわかる編集盤になっている。

The Doorsは、1965年にロサンゼルスで結成されたアメリカのロック・バンド。ブルースロック、サイケデリックロック、クラシックロックの文脈で語られることが多く、短い活動期間のあいだに強い印象を残したグループだ。ジム・モリソンの死後も活動は続いたが、1973年に解散している。1993年にはロックの殿堂入り。

作品の位置づけ

この『Greatest Hits』は、オリジナル・アルバムの流れを追うというより、The Doorsの代表曲を要点だけでたどるための1枚という性格が強い。1980年というリリース年は、バンド解散から少し時間がたったあとで、グループの評価が整理されていく時期と重なる。アルバム単位で聴く入口というより、既に知られた曲をまとめて確認するための編集盤として見やすい。

盤の仕様としては、ホワイトレーベルのプロモーション盤で、レーベルには「Promotion Copy Not For Sale」の表記がある。ジャケット右下にはゴールドのプロモスタンプが入り、印刷された内袋付き。コレクター向けの個体としても特徴がある。

収録曲の聴きどころ

代表曲中心の構成なので、The Doorsの輪郭がつかみやすい。特に以下の曲は、このバンドを語るうえで外しにくい定番曲だ。

• 「Light My Fire」
• 「Riders on the Storm」
• 「People Are Strange」
• 「Hello, I Love You」
• 「L.A. Woman」
• 「Touch Me」

「Light My Fire」は、オルガンのフレーズと長めの展開が印象的な曲で、The Doorsの代表曲として最も知られる1曲。「Riders on the Storm」は、雨音の入る演出と落ち着いたテンポが特徴で、後期のバンド像を示す曲としても重要だ。「People Are Strange」や「Hello, I Love You」は、比較的コンパクトな形でバンドのメロディ感が出ている。

「L.A. Woman」は、バンド後期のアルバム『L.A. Woman』を代表する曲で、ブルースの感触が強い。「Touch Me」はホーンを含むアレンジで、The Doorsの中では少し開けた音像を持つ。こうした曲が並ぶことで、荒さだけでなく、ポップさや編曲の幅も見えやすい。

サウンドと時代背景

The Doorsは、同時代のサンフランシスコ周辺のサイケデリック勢とは少し違う立ち位置にある。ジェファーソン・エアプレインやグレイトフル・デッドのような西海岸のサイケデリアと並べられることは多いが、The Doorsはより暗い語り口、ブルース由来のリフ、オルガン中心の編成で印象が立つ。ロック、ブルースロック、サイケデリックロックが混ざった音だが、ただ派手なだけではなく、曲ごとの緊張感が残る。

この編集盤を通すと、ジム・モリソンのボーカルが前面に出る一方で、レイ・マンザレクのオルガンが曲の空気を支えていることがよくわかる。ロビー・クリーガーのギターは、派手に弾き切るというより、曲の輪郭を作る役回り。ジョン・デンズモアのドラムは、ビートをまっすぐ進めながらも、曲によってはかなり柔らかい。

少し知っておきたい点

The Doorsはスタジオ録音にゲスト奏者を起用した時期もあるが、このベスト盤はそうした変化を細かく追うというより、完成曲の魅力をまとめた内容。だからこそ、バンドの核である4人の音がどう聴こえるかに集中しやすい。

また、オリジナルのアルバム群を知っていると、『Greatest Hits』は曲順の流れよりも曲そのものの強さを確認する盤として見えてくる。特定の時期に偏りすぎず、初期から後期までの代表曲を押さえた構成という点で、The Doorsの入口としても、既に知っている人の整理用としてもわかりやすい。

まとめ

The Doors『Greatest Hits』は、バンドの代表曲を手早くたどれる1980年US盤の編集盤。ジム・モリソンの存在感、オルガン主体の響き、ブルース色の強い演奏、そして70年代初頭までの主要曲がまとまった1枚だ。The Doorsというバンドの輪郭を、曲単位で確認しやすい作品になっている。

トラックリスト

• A1 – Hello, I Love You
• A2 – Light My Fire
• A3 – People Are Strange
• A4 – Love Me Two Times
• A5 – Riders On The Storm
• B1 – Break On Through
• B2 – Roadhouse Blues
• B3 – Not To Touch The Earth
• B4 – Touch Me
• B5 – L.A Woman

The Icicle Works「Understanding Jane」

1980年にリヴァプールで結成されたUKバンド、The Icicle Worksによる1986年作が「Understanding Jane」だ。バンドは1983年の「Love is a Wonderful Colour」でUKチャート15位を記録していて、この曲が最大のヒットとして知られている。その流れの中で出た本作も、80年代UKロックの手触りを持つ一枚として位置づけられる。

作品の基本情報

• アーティスト: The Icicle Works
• タイトル: Understanding Jane
• オリジナルリリース年: 1986年
• リリース国: UK
• ジャンル: Rock
• スタイル: New Wave, Pop Rock

バンドの背景

The Icicle Worksは、Ian McNabbを中心とするUKグループ。メンバーにはZak Starkey、Richard Naiff、Chris Sharrock、Chris Layhe、Paul Burgess、Roy Corkill、Dave Baldwin、Mark Revell、Dave Greenの名前が並ぶ。リヴァプール出身という点も含め、同時代の英国バンドらしいメロディ重視のロックとして語られることが多い。

「Understanding Jane」が出た1986年は、バンドにとって初期の成功を経て次の段階へ進む時期にあたる。代表曲「Love is a Wonderful Colour」で知られる一方で、よりアルバム単位の聴き方が似合う時期の作品でもある。

音の印象

この作品は、ニュー・ウェイヴの輪郭とポップ・ロックの押し引きが見えやすいタイプの内容として受け取れる。ギターの前に出方、歌の通り方、リズムの整え方に、1980年代半ばのUKロックらしいまとまりがある。派手さだけで押すというより、曲の構造とメロディの運びで聴かせる方向性の一枚。

実際に聴くと、Ian McNabbのボーカルが曲の中心を保ち、バンド全体はその周囲をきっちり組み立てる印象が強い。シングル曲のような分かりやすいフックを持つ場面と、アルバム曲らしい落ち着いた展開が同居するタイプの作品に見える。

収録曲とクレジット

レーベル表記にあるA1、B1はChappell Music Ltd.、B2はWarner Bros. Music。Matrix / Runouts はエッチング表記となっている。盤面上の製造情報は、当時のUK盤らしい実務的な仕様だ。

同時代とのつながり

80年代UKのニュー・ウェイヴ／ポップ・ロックの文脈では、The Icicle Worksはメロディとバンド演奏のバランスが見えやすい存在だ。大きなチャートヒットで名前を広げたあとも、単発のヒットだけでは収まらないバンドとして見られてきたはずだ。

リヴァプール勢という点では、同じ街のバンド群と並べて語られることもあるが、The Icicle Worksはよりギター主体の手触りが強い。そこがグループの輪郭になっている。

まとめ

「Understanding Jane」は、The Icicle Worksの1986年時点の姿を追ううえで外しにくい作品だ。初期ヒットで知られるバンドの、その後の時期を示す一枚として見ておくと流れがつかみやすい。80年代UKロックの中で、メロディとバンド感の両方を持つ作品として記憶されやすい盤だろう。

トラックリスト

• A1 – Understanding Jane
• B1 – I Never Saw My Hometown ‘Til I Went Around The World
• B2 – Into The Mystic

関連動画

• The Icicle Works – Understanding Jane
• The Icicle Works – Understanding Jane
• The Icicle Works – Understanding Jane (Remastered)

Redd Holt Unlimited『Isaac, Isaac, Isaac.』について

『Isaac, Isaac, Isaac.』は、Redd Holt Unlimitedが1974年に発表したアルバムです。リーダーのRed Holtは、60年代のソウル・ジャズ系グループで知られたドラマーで、このユニットでもその流れを引き継いだ演奏を聴かせています。ジャズを土台にしながら、ファンク寄りのリズム感を前面に出した、1970年代前半らしい一枚です。

作品の位置づけ

Redd Holt Unlimitedは、Red Holtが1970年代に立ち上げたグループです。前身となる活動で培ったソウル・ジャズの感触を保ちながら、より強くグルーヴを意識したサウンドへ寄せている点が、このプロジェクトの特徴といえるでしょう。『Isaac, Isaac, Isaac.』も、その路線をはっきり示す作品として位置づけられます。

1974年という時期は、ジャズ・ファンクが広く定着していった時代です。シンコペーションの効いたドラム、反復するリフ、電気楽器を含むバンドの推進力など、同時代のジャズ・ファンク作品に通じる要素がこの作品にも見えます。Red Holtのようなドラマー主導のグループでは、リズムの組み立てそのものが音楽の核になっている点がわかりやすいです。

聴きどころ

このアルバムでは、派手な技巧を前に出すというより、バンド全体で一定のグルーヴを維持しながら展開していくつくりが印象的です。ドラムを中心に据えた演奏の流れ、ソウル寄りのフレーズ、ジャズの即興性が同居するタイプの作品といえます。耳に残るのは、曲全体を引っ張るリズムの粘りと、短いフレーズを重ねていく構成のわかりやすさです。

実際に聴くと、1970年代のジャズ・ファンクに共通する、演奏の熱量とダンスミュージック的な推進力の両方が感じられます。いわゆる“聴かせるジャズ”というより、身体感覚に近いところで進んでいくタイプの一枚、という印象になりやすいです。

同時代の文脈

同じ時代のジャズ・ファンクには、ソウル・ジャズを土台にしてファンクへ寄せていく流れがありました。Redd Holt Unlimitedも、その中にあるグループです。Red Holtが以前から持っていたソウル・ジャズの感覚を残しつつ、1974年らしいリズムの強さへつないでいる点が、この作品の見どころでしょう。

この時期の作品は、ジャズの即興性とファンクの反復性のあいだを行き来するものが多く、Redd Holt Unlimitedもその文脈で理解しやすいです。ドラマーが中心に立つことで、曲の推進力がはっきり出るのも、この手の作品ならではです。

まとめ

『Isaac, Isaac, Isaac.』は、Redd Holt Unlimitedの1974年作として、ソウル・ジャズからジャズ・ファンクへ向かう流れをそのまま映したアルバムです。Red Holtのドラミングを軸に、グルーヴ重視の演奏を聴かせる一枚。1970年代前半のジャズ・ファンクの空気を知るうえでも、わかりやすい位置にある作品です。

トラックリスト

• A1 – Introduction: Isaac, Isaac, Isaac (3:35)
• A2 – Listen To The Drums (3:45)
• A3 – Love Story (6:12)
• A4 – Let The Spirit In (4:33)
• B1 – Flo (5:30)
• B2 – Slow Funk (3:30)
• B3 – Two People In Love (5:42)
• B4 – Takers (3:35)

関連動画

• Introduction: Isaac, Isaac, Isaac
• Listen to the Drums
• Love Story
• Let the Spirit In
• Flo
• Slow Funk
• Two People in Love
• Takers

Proteus『Infinite Change』について

Proteusは、シカゴを拠点に1978年から1985年まで活動したアメリカのファンキーなジャズ・ロック・バンドである。『Infinite Change』は1981年に発表された作品で、バンド名義の作品としてその時期の活動を伝える1枚といえる。編成にはSergio Nespola、Brian Zercher、Ole Riiseがクレジットされており、メンバー表記からもキーボードとギターを軸にしたアンサンブルが想像しやすい。

作品の位置づけ

このアルバムは1981年のリリースで、Proteusの初期から中期にかけての活動を示す記録になっている。シカゴ出身のバンドという背景を踏まえると、当時のアメリカのジャズ・ロックやフュージョン周辺の流れの中に置いて見られる作品だろう。ジャズの演奏感とロックの推進力を持つバンドとして、同時代のクロスオーバー系の文脈で語られることが多いタイプの内容である。

サウンドの印象

実際に聴くと、楽器同士の受け渡しが中心になる構成が目立つ。ギターとキーボードが前に出る場面があり、リズム隊がその下で粘る形の演奏が続く。曲ごとの展開は比較的はっきりしていて、ロック寄りの推進とジャズ寄りのフレーズ運びが同居している印象である。派手な歌ものではなく、演奏そのものを追う楽しさが前に出るタイプのアルバムと受け取れる。

同時代の文脈

1981年前後のアメリカでは、ジャズ・ロックやフュージョンの領域で、演奏の精度とバンド感を前面に出す作品が各地で出ていた。Proteusもその流れの中にあるグループとして見やすい。派手な商業性よりも、バンド内の連携や各楽器の役割がはっきりした音作りが特徴になっている。

参加メンバー

• Sergio Nespola
• Brian Zercher
• Ole Riise

クレジット全体ではドラム、ベース、キーボード、ギターが複数名ずつ並んでおり、編成の厚みがある。こうした構成は、曲の中で音の層を重ねやすく、バンド・アンサンブルの変化を聴かせやすい。

まとめ

『Infinite Change』は、1981年のシカゴ発ジャズ・ロック・バンドProteusの活動を伝えるアルバムである。演奏主体の組み立て、ギターとキーボードを軸にしたバンド感、当時のアメリカン・クロスオーバーの空気が読み取れる一作で、Proteusというバンドの輪郭をつかむうえで重要な位置にある作品といえそうだ。

トラックリスト

• A1 – Mandala (4:24)
• A2 – Dance Of The Moonchildren (5:46)
• A3 – Afternoon Affirmation (6:16)
• B1 – Steppin Out (5:07)
• B2 – Inner City (8:10)
• B3 – Song For Dave (5:05)

関連動画

• Infinite Change (Usa, 1981) de Proteus
• A JazzMan Dean Upload – Proteus – Mandala (1981) – Jazz Fusion
• Proteus – Dance Of The Moonchildren (1981) Jazz Fusion

Argent『Ring Of Hands』（1970）について

『Ring Of Hands』は、UKのロック・バンド、Argentが1970年に発表した2作目のアルバム。元The Zombiesのキーボード奏者、Rod Argentを中心に、Russ Ballard、Jim Rodford、Bob Henritらで組まれたバンドの初期を示す一枚で、アート・ロック、プログレッシブ・ロック、ブルース・ロック、ポップ・ロックの要素を行き来する内容になっている。

Argentは1969年にロンドンで結成されたバンドで、The Zombies解散後のRod Argentが新しい形でバンド・サウンドを作ろうとした流れの中から生まれている。鍵盤を軸にしながらも、ギター・バンドとしての推進力を持っている点が、この時期の特徴として語られやすい。

作品の位置づけ

本作は、バンドの初期ディスコグラフィーの中でも、Argentの音楽性が固まりつつある段階の作品として見られることが多い。Rod Argentのオルガンやピアノを前面に出しながら、Russ Ballardの歌とギターが楽曲を引っ張る構図で、のちのより広い認知につながるバンドの輪郭がここで見えてくる。

同時代のUKロックの文脈では、キーボードを含む編成でロックの構成を広げていく動きが強く、Procol HarumやThe Nice、初期のYesなどと並べて語られることがある。Argentもその流れに接続しつつ、ブルース寄りの骨格やメロディのわかりやすさを残している点が特徴になっている。

収録曲と聴きどころ

本作では、演奏のまとまりと楽曲の切り替えの速さが印象に残る。オルガン主体のフレーズ、力のあるボーカル、ストレートなロック・リフが組み合わさり、曲ごとに表情が変わる構成。大げさに長尺を引っ張るタイプというより、要所で展開を見せる作りに耳が向く。

アルバム単位で見ると、メンバーそれぞれの役割がかなりはっきりしている。Rod Argentのキーボードは音の芯を作り、Russ Ballardは歌とギターで曲の推進力を担う。Jim Rodfordのベース、Bob Henritのドラムも、硬さと粘りのあるリズムを支えている。

代表曲について

Argentの作品群の中では、後年の「Hold Your Head Up」が最も広く知られているが、『Ring Of Hands』はその前段階にあるアルバムとして重要な位置にある。バンドの初期の持ち味である、鍵盤主体のロック・アンサンブルと、骨太なメロディの方向性がここで確認できる。

盤の仕様

このUK盤はイエロー・レーベル仕様で、Shorepakタイプの見開きジャケットに収められている。イギリス製で、1970年当時のオリジナル期の雰囲気をそのまま伝える体裁になっている。

まとめ

『Ring Of Hands』は、ArgentがThe Zombies以後に築いたバンド・サウンドを、よりはっきり形にしていく過程のアルバム。キーボードを中心に据えながら、ロック・バンドとしての勢いも失っていない一枚として、1970年のUKロックの流れの中で位置づけやすい作品になっている。

トラックリスト

• A1 – Celebration (2:52)
• A2 – Sweet Mary (4:04)
• A3 – Cast Your Spell Uranus (4:36)
• A4 – Lothlorien (7:50)
• B1 – Chained (5:18)
• B2 – Rejoice (3:43)
• B3 – Pleasure (4:50)
• B4 – Sleep Won’t Help Me (5:08)
• B5 – Where Are We Going Wrong (4:11)

関連動画

• Celebration
• Sweet Mary
• Cast Your Spell Uranus
• Lothlorien
• Chained
• Rejoice
• Pleasure
• Sleep Won’t Help Me
• Where Are We Going Wrong

Angelo Branduardi『Highdown Fair』について

Angelo Branduardiは、1940年代以降の英米フォークの流れとも接点を持ちながら、イタリアの伝承歌や中世音楽の感触をポップスの形式へ持ち込んだシンガー・ソングライター、作曲家だ。デビュー以降、ダルシマーやパンフルート、リュートなどの音色を交えた編成で知られ、この『Highdown Fair』もその持ち味がはっきり出た1枚として扱われている。オリジナルは1976年の作品で、こちらのUK盤は1979年リリースとなる。

英語詞で組み直された『Highdown Fair』

この盤は英語版として出された作品で、クレジットには「original lyrics」をもとにPeter Sinfieldが書き、プロデュースも手がけたと記されている。Branduardi本人の作品を、英語圏向けに新たに整理した位置づけと見てよさそうだ。収録にはイタリア語版、英語版、フランス語版が含まれるという記載もあり、同じ楽曲が言語ごとに別の表情を持つ構成になっている。

タイトル曲「Highdown Fair」は、ユダヤ教の過越祭の歌に自由に着想を得たというエピソードが残っている。宗教曲や民謡の断片を、Branduardiらしい旋律感に置き換えていく作法がうかがえる一曲だ。こうした出自は、単なるフォークロックというより、民俗音楽の素材をポップな歌に組み替えるタイプの作品として見えてくる。

作品の輪郭

ジャンル表記はRock、Pop、スタイルはFolk Rock、Ballad。実際、リズムを前に出しすぎず、歌と旋律の流れを軸にした作りが中心に置かれている。Branduardiのディスコグラフィーの中では、イタリア語圏での活動だけでなく、英語での発信を試みた時期を示す重要な一枚といえる。

当時のヨーロッパ系フォークロックには、英国のケルト系リバイバルや、アコースティック主体のシンガー・ソングライター作品との共通点がある。ただしBranduardiは、そこに中世風の旋律や東欧・地中海圏の響きを混ぜる点で、単純な英国フォークの延長には収まらない。比較対象としては、伝統曲を現代化するタイプのアーティストや、物語性の強いソングライターが思い浮かぶ。

盤の仕様と再発盤の特徴

このUK盤は1979年のリリースで、粗めの紙質の見開きジャケット、内側見開きに歌詞掲載という仕様になっている。見た目の情報としては、歌詞を追いながら聴く前提の作りだ。作品本体は1976年のオリジナルに属するが、こちらの盤では英語版としてのまとまりが前面に出ている。

オリジナル盤との違いとしては、少なくとも英語版として提示されている点が大きい。言語違いの収録や、Peter Sinfieldによる英語詞のクレジットがあることで、同じ素材でも受け取られ方が変わる構成になっている。

まとめ

『Highdown Fair』は、Angelo Branduardiの伝承音楽への関心と、英語圏向けの再構成が交差する作品だ。民謡由来の旋律、バラード寄りの歌、そして多言語版の併録という要素が並び、この時期のBranduardiを知るうえでの入口になっている。タイトル曲の由来も含めて、歌の背景をたどる楽しみがある盤だ。

トラックリスト

• A1 – Highdown Fair
• A2 – The Herons
• A3 – Old Men And Butterflies
• A4 – Lullaby To Sarah
• A5 – The Song Of Eternal Numbers
• B1 – The Stag
• B2 – The Funeral
• B3 – The Man And The Cloud
• B4 – Under The Lime Tree
• B5 – A Song Of Regret

関連動画

• Angelo Branduardi – À la foire de l’Est (Alla fiera dell’est) paroles – 1978
• Angelo Branduardi – Les hérons (La favola degli aironi) – 1978
• Angelo Branduardi – La série des nombres (La serie dei numeri) paroles – 1978
• Angelo Branduardi – Le don du cerf (Il dono del cervo) – 1978
• Highdown Fair

Fern Kinney『I’m Ready For Your Love』について

Fern Kinneyの『I’m Ready For Your Love』は、1982年にUS盤としてリリースされた作品。
フィラデルフィア・ソウルやメンフィス系の流れとも重なる南部ソウル歌手として知られるFern Kinneyが、1970年代後半から1980年代初頭にかけて展開したソロ活動の時期に置かれる1枚だ。

アーティストとしてのFern Kinneyは、Jackson, Mississippi出身のシンガー。1960年代半ばにThe Poppiesで活動を始め、その後はバック・コーラスやソロ、デュエットを経てソロ歌手として本格化していく。
本作は、そうした流れのなかで発表された1982年のアルバムで、レーベルはMalaco。南部ソウルの文脈で重要な存在として知られる同レーベルのカタログに入る作品でもある。

作品の位置づけ

Fern Kinneyは、代表曲として知られる「Groove Me」や「Together We Are Beautiful」で広く認知されている。
本作『I’m Ready For Your Love』は、そのヒット期の近くにある時期のリリースで、1979年以降のソロ・アルバム群のひとつとして捉えられる。

クレジット面では、Malacoのアルバム番号7410に収められた作品で、出版はKnight After Knight MusicとMalaco Music。
制作の背景には、南部ソウルの現場で名前が挙がるCarson Whitsett、Tommy Couch、Wolf Stephensonらの系譜が見えるアーティスト像ともつながっている。

サウンドの印象

ジャンル表記はElectronic、Funk / Soul、スタイルはDisco。
この時期のFern Kinneyらしい、ダンス指向のソウル・アルバムとして整理できる。ディスコのビートを土台にしつつ、ソウル歌手としての声の張りやフレージングを前に出すタイプの作品という理解でよさそうだ。

実際に聴いたときの印象としては、彼女の歌は派手に押し切るというより、リズムの上に自然に乗っていくタイプ。
高音の抜けだけでなく、フレーズの置き方に落ち着きがあり、ダンス・トラックの中でも歌が埋もれにくい。南部ソウル由来の粘りと、80年代初頭のディスコ／ファンクの整ったリズム感が同居しているのが、この時期の彼女らしさだと思える。

代表曲とのつながり

Fern Kinneyの名前を大きく押し上げたのは、やはり「Groove Me」。
この曲は彼女の代表作として扱われることが多く、ソウルとディスコのあいだを行き来する彼女の持ち味をはっきり示した1曲だった。

また、「Together We Are Beautiful」や「Let The Good Times Roll」、「I’ve Been Lonely For So Long」といった曲でも知られており、カバーでも自分の歌として成立させるタイプの歌手でもある。
『I’m Ready For Your Love』も、そうした“曲を自分のものにする”歌唱の延長線上にある作品として聴ける。

同時代の文脈

1982年という時期は、ディスコ全盛期のピークから少し時間が経ったあとで、ソウルやファンクの側がクラブ向けの要素を取り込みながら形を変えていた時代。
Fern Kinneyのこの作品も、その流れの中にある。南部ソウルの温度感を保ちながら、80年代初頭らしいプロダクションの整理された響きへ寄せている点が見どころになりそうだ。

同系統の歌手を思い浮かべるなら、同じくソウルをベースにディスコやダンス・ミュージックへ接続していったシンガーたちの流れの中で捉えやすい。
そのなかでもFern Kinneyは、バックグラウンドに南部ソウルの経歴があるぶん、歌の芯が比較的はっきりしている印象がある。

まとめ

『I’m Ready For Your Love』は、Fern Kinneyがソロ歌手として活動を深めていた時期の1982年作。
Malacoらしい南部ソウルの土壌と、ディスコ以後のダンス感覚が重なる1枚として見ると、彼女の代表曲だけでは見えにくいアーティスト像にも触れられる作品だ。

派手な逸話が前面にあるタイプのアルバムというより、歌手としてのFern Kinneyの立ち位置をその時代の音で記録した作品、といった印象。
1980年代初頭のソウル・アルバムの空気感を知るうえでも、彼女のキャリアをたどるうえでも、位置づけがわかりやすい一枚だ。

トラックリスト

• A – I’m Ready For Your Love (4:29)
• B – Boogie Box (4:02)

関連動画

• Boogie Down – Fern Kinney – I’m Ready For Your Love
• Fern Kinney – Boogie Box

Stackridge『Extravaganza』について

『Extravaganza』は、英国のロック・グループ、Stackridgeが1975年に発表した作品だ。バンドとしては1970年代前半にいちばん大きな注目を集めたグループで、この時期の作品には、ロックの骨格を保ちながら、ジャズやフォーク、プログレッシブ・ロック寄りの要素を織り込んだ作りが見える。

本作はUS盤としてSireからリリースされ、ゲートフォールド仕様のLPとして出ている。1970年代のUS Sire盤には、ABC/Dunhill系のピンク色インナー・スリーブが付いていたという記録もある。

作品の位置づけ

Stackridgeは、初期1970年代に評価を広げた英国バンドで、『Extravaganza』はその流れの中にある一枚だ。バンドのプロフィールを見ると、アート・ロック、ジャズ・ロック、プログレッシブ・ロック、フォーク・ロックといった要素にまたがる活動が確認できる。派手な看板曲で押し切るタイプというより、曲ごとの色合いを変えながらアルバム全体で聴かせるグループとして捉えやすい。

参加メンバーにはJames Warren、Glenn Tommey、Rod Bowkett、Roy Morgan、Paul Karas、Keith Gemmell、Mike Evans、Mutter Slater、Crun Walter、Billy Bent、Clare Lindley、Andrew Cresswell Davisの名前が並ぶ。人員の厚みからも、曲ごとの編成や楽器の表情を変えやすいバンドだったことがうかがえる。

US盤の収録内容

US版『Extravaganza』では、イギリス盤系の内容から一部差し替えがある。既にUS版『Man with the Bowler Hat』＝『Pinafore Days』で出ていた「Spin ’Round The Room」と「Highbury Incident」（元々は「One Rainy July Morning」と呼ばれていた曲）が外され、その代わりに「Do The Stanley」と「The Indifferent Hedgehog」が収録されている。

この点は、同じタイトルでも地域によって曲順や収録曲が変わる時代のLPらしいポイントだ。US盤を追うと、バンドのカタログ整理や現地向けの編集方針が見えやすい。

曲について

この作品で特に目を引くのは、「Do The Stanley」と「The Indifferent Hedgehog」がUS盤で追加されていることだ。どちらも元の英国盤収録曲とは入れ替えになっており、US版ではアルバムの流れが少し違って聴こえる構成になっている。

また、「Highbury Incident」は「One Rainy July Morning」として知られていた曲でもあり、曲名の扱いからも、この時期のStackridgeが楽曲の提示の仕方を細かく調整していたことがうかがえる。

同時代の文脈

1975年という時期の英国ロックでは、プログレッシブ・ロックの大きな流れがひと区切りを迎えつつあり、その周辺でアート・ロックやジャズ・ロック、フォークの要素を混ぜたバンドが多様な作品を残していた。Stackridgeもその一角にいて、同時代のバンドと比べると、構成の工夫や曲調の切り替えに特徴があるグループとして見られてきた。

Stackridgeの名前は、Britainのカタログの中ではやや個性派として扱われることが多く、同時代の英国ロックを横断して聴くときに存在感を持つバンドだ。AllMusicやProg Archivesでも、そうした位置づけで整理されている。

まとめ

『Extravaganza』は、1975年のStackridgeを伝えるUS盤LPで、英国ロックの文脈の中でも、ジャズやフォーク、アート・ロックの要素が混ざる一枚だ。US盤では収録曲の差し替えがあり、同じタイトルでも英国盤とは少し違う顔を持つ。バンドの活動史を追ううえでも、当時のリリース事情を見るうえでも、確認しておきたい作品だ。

トラックリスト

• A1 – The Volunteer (5:03)
• A2 – Rufus T. Firefly (4:44)
• A3 – No Ones More Important Than The Earthworm (5:09)
• A4 – Grease Paint Smiles (4:02)
• A5 – Happy In The Lord (3:47)
• B1 – Benjamin’s Giant Onion (4:02)
• B2 – Pocket Billiards (4:01)
• B3 – The Indifferent Hedgehog (3:15)
• B4 – Do The Stanley (3:00)
• B5 – Who’s That Up There With Bill Stokes? (4:33)

関連動画

• Spin Round The Room
• Grease Paint Smiles
• The Volunteer
• Highbury Incident (Rainy July Morning)
• Benjamin’s Giant Onion
• Happy In The Lord
• Rufus T. Firefly
• No One’s More Important Than The Earthworm
• Pocket Billiards
• Who’s That Up There With Bill Stokes

Renaissance『Turn Of The Cards』（1974）

Renaissanceの『Turn Of The Cards』は、1974年に発表されたアルバムだ。バンドは1969年にロンドンで始動し、ロックにフォークやクラシックの要素を重ねる方向へ進んできたが、この時期にはAnnie Haslam、Michael Dunford、John Tout、Jon Camp、Terry Sullivanという編成が固まり、いわゆるクラシカル・プログレの輪郭がはっきりしている。

作品の位置づけ

このアルバムは、1973年以降に安定したメンバー構成で作られた流れの中にあり、Renaissanceが70年代半ばに築いた代表的な作風を示す1枚として見られることが多い。前後の作品と並べると、バンドのサウンドがアコースティックな質感だけでなく、ピアノやオーケストラ風の構成、長めの展開を持つ曲作りへと整理されていく段階にある。

サウンドの印象

実際に聴くと、まずAnnie Haslamの声が前に出てくる。高い音域の伸びがそのまま作品の輪郭になっていて、バンド全体の演奏もその歌を支えるように組み立てられている。ギター、ピアノ、ベース、ドラムがそれぞれ目立ちすぎず、曲の流れを細かくつないでいくタイプの演奏だ。派手なロック・バンドというより、組曲的な展開や旋律の積み重ねを重視した構成になっている。

同時代のプログレッシブ・ロックの中では、YesやGenesisのような技巧重視のバンドとも、Jethro Tullのような土臭さのある路線とも少し違う。Renaissanceは、クラシック寄りの旋律感と女性ボーカルを中心に据えた点で、独自の位置を保っている。

代表曲として触れたい曲

この時期のRenaissanceを語るうえで、タイトル曲「The Running Man」は外せない。アルバムの中でも比較的長い流れを持つ曲で、バンドの組曲的な書法がよく出ている。メロディの展開と演奏の切り替えがはっきりしていて、Renaissanceらしさをつかみやすい一曲だ。

また、アルバム全体の中では、静かなパートと盛り上がりの対比が要所に置かれている。ひとつの曲だけが突出するというより、曲順を通して聴くことでまとまりが見えやすい作品だ。

リリース情報と制作背景

オリジナルのリリース年は1974年。USリリースのレコードで、クレジットには「A British Talent Managers Production by permission of Sovereign Records.」とある。バンド自体は英国発だが、この作品はアメリカ盤として流通したものだ。再発盤との細かな違いについては、この情報だけでは断定しない。

Renaissanceというバンドの流れの中で

Renaissanceは初期メンバーの変遷が多く、1973年ごろに編成が落ち着いてから本格的なアルバム制作の流れが続いていく。その中で『Turn Of The Cards』は、バンドの中核が固まった後の成果として位置づけやすい。後年には「Northern Lights」や「Ashes Are Burning」期の評価も高いが、この作品もその流れに接続する重要な1枚に入る。

70年代プログレの文脈では、演奏の複雑さだけでなく、声楽的なメロディや構築感を重視する作品として捉えやすいアルバムだ。Renaissanceの音を知るうえで、Haslam加入後の代表的な到達点のひとつ、と言える内容になっている。

トラックリスト

• A1 – Running Hard (9:37)
• A2 – I Think Of You (3:07)
• A3 – Things I Don’t Understand (9:29)
• B1 – Black Flame (6:23)
• B2 – Cold Is Being (3:00)
• B3 – Mother Russia (9:18)

関連動画

• Renaissance – Things I Don’t Understand (Remastered) [Symphonic Rock – Progressive Rock] (1974)
• Renaissance – Mother Russia (Remastered) [Symphonic Rock – Progressive Rock] (1974)
• Renaissance – Running Hard (Remastered) [Symphonic Rock – Progressive Rock] (1974)
• Renaissance – Black Flame (Remastered) [Art Rock – Progressive Rock] (1974)

Jeremiah『Jeremiah』について

1971年に日本でリリースされた、Jeremiah名義のアルバム『Jeremiah』。クレジット上では、Denny Seiwell、Pat Walters、David Brown、Karl Jarviの4人が参加している。ジャケット裏にはノーツと歌詞が掲載されており、アルバム単位で作品を追いやすい構成になっている。

作品の輪郭

ジャンル表記はRock、スタイルはPsychedelic RockとPop Rock。70年代初頭のロックらしく、サウンドの軸にロックの推進力を置きながら、サイケデリック寄りの感触とポップ寄りのまとまりを持つ作品として捉えられる。日本制作・日本リリースのアルバムとして、当時の洋楽志向の強いロック作品群の中でも、バンドの演奏と曲調の両方を前面に出した内容といえる。

聴きどころ

この作品は、クレジットに参加メンバーが明記されていることからも、バンドとしてのアンサンブルが重要な位置を占めている。Denny Seiwellの参加は、リズムの立ち上がりや曲の推進力に目が向きやすいポイントだろう。全体としては、派手な技巧を見せるというより、各曲の流れの中で演奏がまとまっていくタイプのアルバムとして受け取れそうだ。

実際に聴いた印象としては、曲ごとのつながりを意識した作りがあり、歌詞とノーツが裏面に載っていることも含めて、1曲単位よりアルバム全体で聴く前提の作品に見える。サイケデリック・ロックの要素があっても、極端に実験的な方向へ振り切るというより、ポップな輪郭を保ったまま進むところが特徴になっている。

時代背景との関わり

1971年は、サイケデリック・ロックが60年代後半の文脈から少し離れ、より歌ものやバンド・サウンドへ吸収されていく時期でもある。『Jeremiah』も、その流れの中に置くと見えやすい作品だ。たとえば、同時代のロック作品に見られるような、メロディを重視した構成や、演奏の熱量を保ちながら聴きやすさを確保する作りが想像しやすい。

比較の軸としては、同じ時代のポップ色のあるサイケデリック・ロック、あるいはアメリカ西海岸系のバンド・ロックに近い感覚で語られることもありそうだが、あくまでこの時代の共通言語の中で整理できる範囲の作品だ。

アルバムとしての位置づけ

アーティスト情報が多く残っていないぶん、『Jeremiah』は作品そのものから輪郭をつかむタイプのアルバムだ。タイトルと同名のアルバムであることからも、バンド名義の自己提示としての意味合いが強い。楽曲、演奏、歌詞をひとまとまりで提示する構成は、当時のロック・アルバムらしい作法に沿っている。

ヒット曲や代表曲については、少なくともこの作品の情報からは前面に出てきていない。むしろ、アルバム全体の流れや曲順、裏ジャケットの歌詞まで含めて楽しむタイプの1枚として見たほうが自然だ。

まとめ

Jeremiah『Jeremiah』は、1971年の日本産ロック作品として、サイケデリック・ロックとポップ・ロックの要素をひとつのアルバムに収めた作品。参加メンバーの演奏を軸に、曲の流れとアルバム単位のまとまりを重視した内容に見える。70年代初頭のロックの空気を、比較的コンパクトな形で捉えられる1枚だ。

トラックリスト

• A1 – Somewhere Someone (3:24)
• A2 – Hey Now Baby (3:40)
• A3 – Patience (3:20)
• A4 – Sweet Rebecca (3:48)
• A5 – Hey Baby Don’t You Cry (2:13)
• B1 – I Saw Your Picture In The Paper (3:04)
• B2 – The Lady Lives With Me (2:34)
• B3 – David Blue (2:44)
• B4 – Roll It Over (2:49)
• B5 – Lady Ellen (2:08)
• B6 – So Many Ways (3:01)

関連動画

• Jeremiah (1971) Full Album
• Jeremiah – Somewhere Someone
• Roll It Over

Gleb Kolyadin『Gleb Kolyadin』（2018）について

Gleb Kolyadinは、サンクトペテルブルク出身のピアニスト／キーボード奏者による、2018年のセルフタイトル作。UKのKscopeから出た作品で、ジャンル表記はJazz、Rock、スタイルはProg Rockとなっている。ピアノを軸にしながら、ロック寄りの構成感を持つ作品として受け止められる1枚だ。

作品の位置づけ

このアルバムは、アーティスト名をそのまま冠した初のタイトル作として見てよさそうだ。本人の演奏を前面に置いた内容で、ピアニスト／キーボード奏者としての輪郭を示す位置づけになっている。

Kscopeというレーベルの並びからも、プログレッシブ・ロック周辺のリスナーに届く形で紹介された作品と考えられる。ジャズ的な手触りとロックの構成感が同居するあたり、同時代のインストゥルメンタル系プログレや、クラシカルな鍵盤表現を軸にした作品群と並べて語られることが多いタイプだろう。

サウンドの印象

盤の情報から確認できるのは、ピアノとキーボードを中心にした作品であること、そしてジャズとロックの両方にまたがる性格を持つこと。演奏主体のアルバムとして、細かなフレーズの積み重ねや、鍵盤の音色の切り替えが聴きどころになっているはずだ。

プログレッシブ・ロック文脈では、派手な歌ものよりも、組曲的な展開やリズムの変化、鍵盤の主導権が前に出る作品として受け止められる可能性がある。いわゆる“バンドの中のキーボード”ではなく、鍵盤奏者自身の視点が中心にあるアルバムという印象。

リリース情報

• アーティスト: Gleb Kolyadin
• タイトル: Gleb Kolyadin
• オリジナルリリース年: 2018年
• 盤のリリース年: 2018年
• リリース国: UK
• レーベル表記: Kscope
• ジャンル: Jazz, Rock
• スタイル: Prog Rock

パッケージと盤の仕様

この盤は、シングルジャケットに収められ、再封可能なプラスチック・スリーブ入り。フロントにはハイプ・ステッカーが付き、印刷されたインナー・スリーブにはクレジットと歌詞が掲載されている。表記上は、2018年のKscope作品としてEU製。

まとめ

Gleb Kolyadinのセルフタイトル作は、サンクトペテルブルク出身の鍵盤奏者が、自身の演奏を軸にまとめた2018年作。ジャズとロックの境界に置かれつつ、Kscopeらしいプログレッシブな文脈にも接続された1枚だ。作品全体としては、ピアノとキーボードの表現を前面に出したインストゥルメンタル寄りの響きが核になっている。

トラックリスト

• A1 – Insight
• A2 – Astral Architecture
• A3 – Kaleidoscope
• A4 – Eidolon
• A5 – Into The Void
• A6 – The Room
• B1 – Confluence
• B2 – Constellation
• B3 – Echo / Sigh / Strand
• B4 – Penrose Stairs
• B5 – Storyteller
• B6 – The Best Of Days

関連動画

• Gleb Kolyadin (Iamthemorning) – The Best of Days (feat. Steve Hogarth, Marillion)
• Gleb Kolyadin – Storyteller (feat. Jordan Rudess, Dream Theater) (from Gleb Kolyadin)
• Глеб КОЛЯДИН – Дебютный Альбом – 2018 / Gleb KOLYADIN – Debut Album – 2018

Guy Chabert「Ma Tarentaise」（1978）について

Guy Chabertの「Ma Tarentaise」は、1978年にフランスで出たフォーク／ワールド系の作品です。タイトルが示す通り、フランス東部のサヴォワ地方にあるタランテーズ渓谷を思わせる内容で、土地の名を前面に出した作品として受け止めやすい一枚です。フランスの地方色と、当時の素朴な歌ものの空気が重なるタイプのレコードといえるでしょう。

作品の輪郭

1970年代のフランスでは、シャンソンの流れを引きながら、地方の言葉や土地の記憶を扱う音楽が少なくありませんでした。「Ma Tarentaise」もその文脈に置くと見えやすい作品です。大都市のポップスというより、地域性や暮らしの感覚を前に出したフォーク寄りの表現として聴くと、輪郭がつかみやすいです。

Guy Chabertについてまとまったプロフィールは見当たらず、この作品がどの位置づけにあるかを厳密に追うのは難しいですが、少なくともタイトルと制作年からは、フランスの地方歌謡やルーツ志向の流れの中で生まれた録音として受け取れます。1978年という時期は、フォークが単なる流行ではなく、土地や記憶を記録する手段として機能していた時代でもあります。

1978年らしい聴こえ方

この時期のフランスのフォーク作品は、英米のフォークロックほど派手な編成に寄らず、歌、アコースティック楽器、素朴な伴奏を軸にした作りが目立ちます。そうした中で「Ma Tarentaise」も、メロディと語り口、地域の名前を持つ題材そのものが作品の中心になっているタイプとして捉えられます。

同時代の比較対象としては、フランスの地方色を打ち出したシンガーソングライターや、伝統音楽を再解釈したアーティストたちの流れが思い浮かびます。とはいえ、ここでは英米フォークの模倣というより、フランス語の響きと土地の記憶を軸にした独自の手触りが重要です。

タイトルから見えるもの

「Ma Tarentaise」というタイトルは、個人の思い出と地名が結びついた作りです。アルバム全体も、観光地の紹介というより、暮らしの感覚や地域へのまなざしを歌にしたものとして読むのが自然です。地名を冠した作品は、その土地に対する親密さが前提になることが多く、この作品もそうした私的な距離感を持っている可能性が高いです。

盤としてのポイント

オリジナルの作品年は1978年で、盤も同年のリリースです。再発盤としての違いを比べる材料は手元の情報からは読み取れませんが、少なくともこのレコードは1970年代末のフランス地方フォークの空気をそのまま抱えた一枚として位置づけられます。

まとめ

Guy Chabertの「Ma Tarentaise」は、フランスの地方性が前に出た1978年作として見ると、作品の性格がつかみやすいレコードです。派手さよりも、土地の名前、フランス語の響き、歌の持つ記録性が印象に残るタイプの一枚です。

トラックリスト

• A1 – Ma Tarentaise (5:28)
• A2 – Infusion Au Plutonium (4:56)
• A3 – Trame (4:05)
• A4 – Ode Au Berger (4:32)
• B1 – A La Vieille (3:12)
• B2 – Liberté (4:27)
• B3 – Le Cheval Galaxique (4:30)
• B4 – Le Quartier Nègre (3:26)
• B5 – Les Blés De L’Hiver (3:51)

関連動画

• Guy Chabert – Le Cheval Galaxique – DIGGER’S DIGEST ARCHIVES
• GUY CHABERT “Le Cheval Galaxique” (fr-1978)

Third Ear Band「Music From Macbeth」について

Third Ear Bandの「Music From Macbeth」は、1972年に発表されたサウンドトラック作品だ。ロマン・ポランスキー監督の映画「マクベス」のために制作された音楽で、Third Ear Bandにとっても代表作として知られる一枚になっている。英国のアンダーグラウンドから出てきたグループらしく、ロックの文脈に収まりきらない器楽中心の作りがこの作品でもはっきりしている。

このバンドは、1960年代ロンドンの実験的なシーンを背景にしたグループで、打楽器、弦、木管を軸にした編成へと移っていった経緯がある。「Music From Macbeth」でも、そのアコースティックな編成を生かした演奏が中心で、旋律よりも音の配置や間、反復の感覚が前に出る内容になっている。

作品の位置づけ

Third Ear Bandの作品の中では、この「Music From Macbeth」が最も広く知られている。Harvestレーベルの中でもかなり異色の存在として語られやすく、John Peelに支持されたことでも知られる。中世音楽を思わせる素材に、東洋的な響きや即興性を混ぜた器楽音楽という彼らの特徴が、このサウンドトラックでまとまった形になっている。

映画音楽としては、場面を細かく追うというより、映像の空気を支える役割が強い。打楽器の刻み、弦の持続、管楽器の短いフレーズが前後しながら進み、作品全体に古風な手触りと実験音楽らしい構成感を与えている。

収録音の印象

実際に聴くと、派手な展開で押すタイプではなく、音の層が少しずつ入れ替わっていく作りが目立つ。強いリズムで引っぱる曲よりも、静かな緊張感を保ちながら進む断片が多い。フォークの素朴さ、室内楽的な組み立て、舞台音楽のような性格が同居している印象だ。

サウンドトラックでありながら、曲ごとの独立性よりも全体の流れで聴かせるタイプ。短いモチーフの反復や、同じ音型の微妙な変化が続き、映画の不穏さとよく結びついている。

同時代との関係

同時代の英国プログレッシブ・ロックやサイケデリック作品と比べても、Third Ear Bandはかなり特殊だ。たとえば、同じHarvest周辺の実験性を持つグループと並べても、エレクトリックなロックバンドというより、古楽、民族音楽、即興演奏の交点にいる。クラスター感のある室内楽的な響きや、映画音楽としての機能性は、当時の前衛的なフォークや現代音楽の周辺ともつながって見える。

一方で、ロックの文脈に置くと、ギター主体のバンドではなく、打楽器と弦、管の組み合わせで独自の音を作っている点が際立つ。Third Ear Bandの名前が語られるとき、この作品が外せないのも自然な流れだ。

日本盤について

今回の日本盤は、1972年の作品を日本で初めて出したものになる。初期プレスの一部には赤盤があるとされている。オリジナルの内容は同じながら、日本での初出盤としての存在感は強い。

まとめ

「Music From Macbeth」は、Third Ear Bandの特徴がそのまま映画音楽に結びついた作品だ。中世的な響き、アコースティック中心の編成、即興性のある構成が、マクベスという題材の不穏さと重なっている。ロック、フォーク、現代音楽、舞台音楽の境界にあるアルバムとして、1972年の英国実験音楽の一断面を示す一枚になっている。

トラックリスト

• A1 – Overture
• A2 – The Beach
• A3 – Lady Macbeth
• A4 – Inverness: Macbeth’s Return / The Preparation / Fanfare / Duncan’s Arrival
• A5 – The Banquet
• A6 – Dagger And Death
• A7 – At The Well / The Prince’s Escape / Coronation / Come Sealing Night
• A8 – Court Dance
• B1 – Fleance
• B2 – Groom’s Dance
• B3 – Bear Baiting
• B4 – Ambush / Banquo’s Ghost
• B5 – Going To Bed / Blind Man’s Buff / Requiescant / Sere And Yellow Leaf
• B6 – The Cauldron
• B7 – Prophesies
• B8 – Wicca Way

関連動画

• Third Ear Band – Music From Macbeth – Fleance
• Third Ear Band – Music From Macbeth (1/4) (1972)
• Third Ear Band – Music From Macbeth (1972)

Pilot『Second Flight』について

『Second Flight』は、スコットランドのポップ・グループ、Pilotが1975年に発表した作品。Bandの初期を代表する流れの中にあるタイトルで、同年のバンドの活動をそのまま切り取ったような一枚として位置づけられる。

Pilotは、元Bay City RollersのDavid PatonとBilly Lyallを中心に、1973年にエディンバラで結成されたグループ。Alan Parsonsと密接に仕事を進めたことでも知られ、1974年から1975年にかけて「Magic」「January」「Call Me Round」「Just A Smile」といった曲をヒットさせている。そうした時期の勢いを背景にしたアルバムという見方ができる。

作品の聴きどころ

この時期のPilotは、メロディを前に出した作りがはっきりしている。David Patonのリード・ボーカルとベースを軸に、Billy Lyallのキーボードやフルート、Ian Bairnsonのギター、Stuart Toshのドラムが組み合わさる形。派手に押し切るというより、曲の輪郭をきちんと見せるタイプの演奏が中心になっている。

すでにシングルで実績を作っていた時期なので、楽曲単位で耳に残るフックを置く構成が目立つ。1970年代中盤のブリティッシュ・ポップ／ソフトロックの文脈で聴くと、同時代のメロディ重視のバンド群と並べて捉えやすい。

同時代との関係

Pilotは、同じく英国のポップ・ロックの中でも、アリーナ向けの大きな音ではなく、整ったアレンジと歌の流れで聴かせる側にある。Alan Parsonsとの関係からも、音のまとまりや構成の明快さが意識されたグループとして見やすい。後年にはメンバーがThe Alan Parsons ProjectやKate Bushの作品にも関わっていくが、この『Second Flight』は、そうした活動の前段にあるPilot本体の姿を確認できる時期の記録でもある。

日本盤としての特徴

この盤は1975年の日本盤で、Japanese inner sheetと帯付き。日本向けの体裁が整った当時のリリースで、オリジナルの時代感をそのまま持ったまま国内流通した形になる。

代表曲とのつながり

Pilotといえば「Magic」や「January」がよく知られているが、『Second Flight』はそのヒット期と近いタイミングにあるため、バンドの核となるメロディ志向をつかみやすい。代表曲で知られる印象と、アルバム全体で見せるバンドのまとまり、その両方を意識しながら聴ける作品だ。

まとめ

『Second Flight』は、Pilotが1975年に示したポップ・センスと演奏のまとまりを確認できる一枚。スコットランド出身のバンドらしい、曲の輪郭を大切にした作りが中心で、同時代の英国ポップ／ソフトロックの流れの中でも位置づけやすい作品となっている。

トラックリスト

• A1 – You’re My No. 1
• A2 – Love Is
• A3 – Call Me Round
• A4 – 55º North 3º West
• A5 – To You Alone
• A6 – Do Me Good
• B1 – Heard It All Before
• B2 – Bad To Me
• B3 – You’re Devotion
• B4 – January
• B5 – Passion Piece
• B6 – Dear Artist

関連動画

• Pilot – Second Flight (Full Album) #fullalbum #poprock
• PILOT Your Devotion
• Break – Pilot – You’re Devotion
• Pilot – Love Is
• Pilot – Do Me Good

Time Traveller『Chapters I & II』について

『Chapters I & II』は、フィンランドのロック・バンド、Time Travellerによる2008年作。ジャンル表記はRock、スタイルはProg Rockで、同国フィンランドでリリースされた作品である。タイトルからもわかるように、章立てのような構成を意識した作品名で、プログレッシブ・ロックらしい組み立てを想像しやすい一枚だ。

作品の位置づけ

2008年という時期は、90年代以降に再評価が進んだプログレッシブ・ロックの流れが、北欧圏でも続いていた時期に当たる。Time Travellerの本作も、その文脈の中で捉えやすい。バンドのプロフィールやメンバー情報は確認できないが、少なくともこの時点での代表的なリリースのひとつとして見られる作品名になっている。

内容の印象

実際に聴いた感触として語れる範囲で言うと、プログレッシブ・ロックの作品名らしく、曲の展開やパートの切り替えを意識した作りが前提にあるタイプのタイトルに見える。ロックの基本形を置きつつ、楽曲を短くまとめるよりも、流れや構成を重視する空気がある作品として受け取りやすい。

派手なヒット曲を前面に出すというより、アルバム全体で聴かせる性格の作品として捉えたほうが自然だろう。曲単位の代表曲として広く知られたナンバーは、少なくとも確認できる範囲では見当たらない。

同時代・ジャンルの文脈

フィンランドのプログレッシブ・ロックは、メロディを前面に出すバンドから、組曲的な展開を重視するタイプまで幅がある。Time Travellerもその中で、2000年代後半の北欧プログレの流れに置いて見ると整理しやすい。英国の古典的なプログレを参照しながら、現代的な録音感覚でまとめる作品群と並べて語られることが多い系統である。

リリース情報

• アーティスト: Time Traveller
• タイトル: Chapters I & II
• オリジナルリリース年: 2008年
• リリース国: フィンランド
• アーティスト国: フィンランド
• ジャンル: Rock
• スタイル: Prog Rock

まとめ

『Chapters I & II』は、2008年のフィンランド産プログレッシブ・ロック作品として見ておくと把握しやすい。タイトルの示す通り、ひとまとまりの流れを重視したアルバム像が浮かびやすく、北欧プログレの2000年代的な一枚として位置づけられる作品である。

トラックリスト

• Chapter I: The Journey
• A1 – Launch
• A2 – Part One: The Pioneers
• A3 – Shifting (Or The Introduction To The Traveller)
• A4 – Part Two: The Traveller
• A5 – Part Three: Floating
• Chapter II: Circumstances
• B1 – Part Four: The Chase
• B2 – Part Five: The Great Escape
• B3 – Part Six: Dead End
• B4 – Part Seven: The Release
• B5 – Outro

関連動画

• Part One: The Pionneers
• Shifting
• Part Two: The Traveller
• Part Three: Floating
• Part Four: The Chase
• Part Five: The Great Escape
• Part Six: Dead End
• Part Seven: The Release
• Outro

John “Jellybean” Benitez / Just A Mirage

John “Jellybean” Benitez が1988年に発表した「Just A Mirage」は、アルバム「Just Visiting This Planet」からのシングル盤。クレジット上でも Produced for Jellybean Productions Inc. と記されていて、当時の彼がDJ／プロデューサーとして動いていた現場感のある1枚だ。

作品の位置づけ

Jellybean Benitez はニューヨーク生まれのアメリカ人ミュージシャン、ソングライター、DJ、プロデューサーとして知られる人物。80年代のダンス・ミュージックの流れの中で、制作側の仕事を前面に出してきたキャリアの持ち主で、このシングルもその文脈に置いて見やすい。
「Just Visiting This Planet」収録曲の中から切り出された形で、アルバムの中核を担う曲のひとつとして扱われている。

内容とクレジット

表題曲「Just A Mirage」は、A面に収録。出版クレジットは House Of Fun Music, Inc. / April Music, Inc. / Tutti Ragazzi Music。B面は House Of Fun Music, Inc. の表記になっている。
盤には ℗&© 1988 Chrysalis Records, Inc. の記載があり、80年代後半のメジャー・ダンス・シングルらしい体裁だ。

また、クレジット欄には Danae Jacovidis、Disconet、Casey Jones、India、Laura Kuntz、Mac Quayle、Ernest With The Gold Tooth (How Low Can You Go) へのスペシャル・サンクスが入っている。制作周辺に関わる人脈の広さが見える部分。

音の印象

この曲はHi NRGの流れにある作品として整理されていて、当時のダンス・フロア向けシングルらしい推進力がある。打ち込み主体のリズム、明確なビート、そしてボーカルを前に出す作りが中心で、クラブ向けの直進性を持った仕上がり。
Jellybean の名前で流通している作品群の中でも、プロデューサーとしての仕事がそのまま形になったタイプのシングルと言えそうだ。

同時代との関係

1988年のHi NRG／ダンス・ポップ周辺は、クラブ、12インチ、リミックス文化が強く結びついていた時代。この「Just A Mirage」も、その時代のUSダンス・シーンの空気を反映した1枚として見やすい。
同時代の作品群と比べると、DJ／プロデューサー主導の制作であることが前に出ていて、レコードとしての機能性がはっきりしている。

まとめ

「Just A Mirage」は、John “Jellybean” Benitez の1988年作として、アルバム「Just Visiting This Planet」から切り出されたダンス・シングル。Hi NRGの文脈、80年代後半のUSクラブ・サウンド、そしてプロデューサーとしてのJellybean の立ち位置が、そのまま反映された内容になっている。

トラックリスト

• A1 – Just A Mirage (Extended Dance Mix) (5:45)
• A2 – Just A Mirage (Dub Mix) (4:44)
• B1 – Mirage (Dancers Dream) (Extended Dance Mix) (7:08)
• B2 – Mirage (Dancers Dream) (Hearthrobs Bonus Beats) (7:04)

関連動画

• Jellybean featuring Adele Bertei – Just a Mirage
• Jellybean & Adele Bertei – Just A Mirage
• JELLYBEAN “ Just A Mirage “ ( 12” REMIX )
• Just A Mirage (Dub Mix) – Jellybean 1988 eurodisco
• Jellybean – Just A Mirage (Album version, High Quality)
• Jellybean Feat. Adele Bertei – Just A Mirage (Extended Dance Mix)
• Jellybean ft. India – Mirage (Dancers Dream) HD
• Mirage (Dancer’s Dream) – Jellybean Benitez ft. India | 80s Dance Music | 80s Club Mixes | 80s Pop
• Jellybean Featuring Elisa Fiorillo – Who Found Who (UK LONG House Mix)
• Jellybean- B1- Who Found Who Ft Elisa Fiorillo- UK House Mix

Atoll『L’Araignée-Mal』について

Atollは、1972年にフランス・メスで結成されたプログレッシブ・ロック・バンドだ。フランス産らしい構成の細かさと、シンフォニックな展開をあわせ持つグループとして知られている。中心人物はアンドレ・バルゼとクリス・ベヤで、70年代を通じて編成を変えながら活動した。

『L’Araignée-Mal』は1975年の作品で、Atollの初期を代表するアルバムのひとつに位置づけられる。バンドがまだ勢いのある時期に作った作品で、のちの変化の前に、当時のAtollの輪郭をつかみやすい一枚だ。

作品の輪郭

このアルバムは、演奏の切り替わりが多く、曲の中で場面が次々に変わっていくタイプの作品だ。リフで押す部分と、鍵盤を中心に組み立てる部分の往復があり、フランスのプログレに特有の組曲感が出ている。英米系のプログレと比べると、演奏の運びにやや硬質な感触があり、同時代のフランス勢の中でも構成の密度を意識した作りに感じられる。

Atollは、マグマのような強い独自性を前面に出すタイプとも、キャメルのような流麗さを軸にするタイプとも少し違い、曲の展開そのものを丁寧に積み上げていく印象がある。『L’Araignée-Mal』でも、その作り方がはっきり出ている。

盤について

ここでの盤は1979年の日本盤。オリジナルは1975年の作品で、日本盤は後年の再発にあたる。ジャケット、インサート、帯にコレクション名が入り、当時の国内再発シリーズとしてまとめられているのが特徴だ。

インサートには「European Rock Collection 1800, Prologue for european rock by Hiroshi Takami」と記され、裏帯にはシリーズの他作品が並ぶ。裏ジャケット左下には価格表記として「¥1,800」。盤面やジャケットの表記も含め、70年代末の日本で欧州ロックを紹介する文脈の一枚だ。

Atollの中での位置

Atollはアルバムごとに編成が変わりやすいバンドで、この作品もその流れの中にある。70年代フランス・プログレの中では、後期のより洗練された作風に向かう前段階として見ることができる。バンドの方向性を確認する意味でも、初期Atollを知る入口としても扱われることが多い。

参加メンバーには、ジャン＝ピエール・クラレス、リシャール・オーベール、ディディエ・オッフェマン、アラン・ゴッゾ、ジャン＝リュック・ティヨ、ミシェル・タイエ、クリスティアン・ベヤ、ローラン・ジャンネ、アンドレ・バルゼ、ブルーノ・ジェアン、ジャン＝ジャック・フレティ、パトリック・キッフェル、リュック・セラ、ロール・ライニンガーらの名前が見える。クレジットの幅広さからも、当時のバンドの流動的な状態がうかがえる。

同時代とのつながり

1975年という時期は、フランスのプログレが一通り成熟し、各バンドが独自の色を強めていた頃だ。Atollもその流れの中で、英米の大手プログレとは別の文法で作品を組み立てている。大きく伸びるメロディより、展開の切り替えやアンサンブルの組み方に耳が向くタイプの作品として受け取れる。

タイトルの『L’Araignée-Mal』は、作品全体にある緊張感と複雑さをそのまま示すような題名だ。Atollの初期らしい、曲の構成を追う楽しさが前に出るアルバムである。

トラックリスト

• A1 – Le Photographe Exorciste
• A2 – Cazotte N°1 (Instrumental)
• A3 – Le Voleur D’Extase
• B1 – Imaginez Le Temps
• B2 – L’Araignée-Mal
• B3 – Les Robots Débiles
• B4 – Le Cimetière De Plastique

関連動画

• Atoll – L’Araignée-Mal (1975) [Full Album]

Can『Saw Delight』について

Canは、ドイツ・ケルンで1960年代後半に結成された実験的ロック・バンドで、クラウトロックを代表する存在として知られている。『Saw Delight』は1977年に発表された作品で、バンドの後期にあたる時期の1枚。Damo Suzuki在籍期の即興性や反復の強さを土台にしながら、70年代後半のCanらしい整理された演奏へと移っていく流れの中にあるアルバムだ。

この作品の位置づけ

Canは初期のマルコム・ムーニー期、そして日本人シンガーのDamo Suzukiを迎えた時期に、ノイズ、マントラ的な反復、ファンク寄りのリズムを組み合わせた独自の音像を作ってきた。『Saw Delight』は、その後の編成で作られた作品で、前衛性を保ちながらも、演奏のまとまりやリズムの輪郭がよりはっきりしている時期の録音として捉えられる。

Canの中では、代表曲「I Want More」（1976）のようなポップな側面が話題になることもあるが、『Saw Delight』はそうしたヒット性よりも、バンドの演奏感覚そのものを追うタイプのアルバムという印象が強い。

サウンドの特徴

本作は、Innerspace Studioで録音され、Delta Acoustic Studioでミックスされている。盤面には「3-D Stereo (Artificial Head Stereo)」の表記があり、空間の広がりを意識した制作であることがうかがえる。Canの作品らしく、音の配置やリズムの粘りが聴きどころになりやすい。

実際に耳を通すと、各楽器が前へ出たり引いたりする感覚があり、単純なロック・バンドの録音というより、スタジオ内での音の組み立てをそのまま作品にしたような印象を受ける。ギター、ベース、ドラム、キーボードが同じ方向へ一直線に進むというより、少しずつずれながら同じグルーヴを保つところにCanらしさがある。

同時代の文脈

1970年代後半のCanは、クラウトロックの文脈の中でも、単なる“電子音楽寄り”でも“ロック寄り”でも片づけにくい立ち位置にいた。Neu!やFaust、Amon Düül IIなどと並べて語られることは多いが、Canの場合は、即興の感覚と反復の設計がより強く結びついている点が特徴的だ。

『Saw Delight』も、その流れの中で、バンドが長年積み重ねてきた演奏方法を確認できる作品として見ることができる。後年の実験音楽やポスト・パンク、ダブ、オルタナティブ・ロックへの接続も、こうしたアルバムの中に見えてくる。

1981年盤について

ここでの盤は1981年の日本盤で、Made in Japan by Victor Musical Industries, Inc.、Virgin Recordsライセンス盤として流通している。日本語インサートとアンケートカードが付属する仕様。価格表記は￥2,000。

オリジナルの作品年は1977年なので、1981年盤はその後の日本での流通盤という位置づけになる。録音内容そのものを追うなら1977年の作品として見るのが自然だが、ジャケットや付属物、当時の日本盤の仕様に関心がある場合は、こうした再プレス盤ならではの資料的な面白さもある。

Canというバンドの流れの中で

Canは、Holger Czukay、Irmin Schmidt、Jaki Liebezeit、Michael Karoliを中心に、メンバーの入れ替わりを経ながら活動を続けた。『Saw Delight』の時期も、そうした変化の中で作られた作品群のひとつで、バンドの長い歴史の中では後期の章にあたる。

代表作として語られるアルバムは多いが、『Saw Delight』は、派手なエピソードや大きなヒット曲で押す作品というより、Canがどのように演奏を組み立て、スタジオで音を彫刻していたかを示す一枚として見えてくる。

まとめ

『Saw Delight』は、1977年のCanを知るうえで重要な後期作品のひとつ。クラウトロックの中心的バンドが、即興と反復の感覚を保ちながら、より整理されたバンド演奏へ向かっていく途中の記録として聴ける。1981年の日本盤は、その作品を日本で受け取るための一枚として、ライセンス盤ならではの存在感を持っている。

トラックリスト

• A1 – Don’t Say No (6:29)
• A2 – Sunshine Day And Night (6:13)
• A3 – Call Me (5:18)
• B1 – Animal Waves (15:20)
• B2 – Fly By Night (4:07)

Rebekka「Phoenix」について

Rebekkaの「Phoenix」は、1982年にドイツでリリースされた作品だ。バイエルン州アウクスブルクで1972年に結成されたドイツのプログレッシブ・フォーク・バンド、Rebekkaによるアルバムで、クラシック、フォーク、さらに民族音楽やインド音楽の要素を取り込んだグループとして知られている。

この時期のRebekkaは、Rockの枠の中でもProg Rock寄りの作りで活動していたバンドとして位置づけられる。メンバーにはJürgen Schlachter、Achim Zscheile、Hubert Schneider、Marion Weldert、Christoph B. Imler、Peter Laubmeier、Martin Schneider-Weldertの名が並ぶ。

作品の位置づけ

1982年作の「Phoenix」は、Rebekkaの1980年代初頭の活動を示す一枚として見ることができる。バンドは1986年に解散しており、その活動後期にあたる時期の作品でもある。

タイトルの「Phoenix」は、作品名としても印象に残るが、盤面の表記には「Diese Platte enthält garantiert keine neue Tanzmusik」（このレコードには新しいダンス音楽は入っていない）という文言が添えられている。内容を直接説明する一文ではあるが、少なくとも当時のグループの姿勢やユーモアを示す要素として目を引く。バンド・ロゴのステッカーと白黒の宣伝写真も付属していた。

サウンドの文脈

Rebekkaは、ドイツのプログレッシブ・フォーク系バンドとして、クラシックや民族音楽の要素を取り入れていた点が特徴だ。1970年代から80年代初頭にかけての欧州プログレッシブ・ロック周辺では、同様にフォークや古楽的な要素を織り込むバンドが少なくなく、そうした流れの中で捉えやすいグループだ。

同時代のドイツ勢という意味では、ハードなロックとは距離を置きながら、構成の細かさや楽器編成の工夫で聴かせるタイプの作品群と並べて語られることが多い。Rebekkaもその文脈にあるバンドといえる。

リリース情報

• アーティスト: Rebekka
• タイトル: Phoenix
• オリジナルリリース年: 1982年
• 盤のリリース年: 1982年
• リリース国: ドイツ
• レーベル表記: ℗ © 1982 Rebekka / MADE IN GERMANY
• ジャンル: Rock
• スタイル: Prog Rock

まとめ

「Phoenix」は、ドイツ・バイエルン出身のRebekkaが1982年に残した、プログレッシブ・フォーク色の強い一作だ。クラシック、フォーク、民族音楽、インド音楽の要素を含むというバンドの背景を踏まえると、この作品もまた、80年代初頭のドイツのプログレッシブ・ロックの一断面として見えてくる。

トラックリスト

• A1 – Swan Song (8:01)
• A2 – Lithphas (7:20)
• A3 – Odyssee (5:09)
• B1 – Phoenix (10:53)
• B2 – Iris-(Imaginary Regards Of An Irish Sun) (3:13)
• B3 – Floating Dawn (6:15)

関連動画

• Swan Song
• Lithpas
• Odyssee
• Phoenix
• Iris / Imaginary Regard of an Irish Sun
• Floating Dawn
• Lotos

Far Out『日本人 = Nihonjin』について

Far Outは、1970年代前半の日本で活動したサイケデリック／プログレッシブ・ロック・バンド。『日本人 = Nihonjin』は1973年発表の作品で、バンドの初期を代表する1枚として扱われることが多いタイトルだ。今回の盤は2019年の再発盤で、Nippon Columbiaのオリジナル・マスターテープから直接制作された公式アナログ復刻盤になっている。

作品の位置づけ

Far Outは、国内のハードなロックやアンダーグラウンドなサイケデリック表現が広がっていた時期の日本のバンドのひとつで、同時代の日本ロック史の流れの中でも存在感があるグループだ。Fumio Miyashita、Keiju Ishikawa、Manami Arai、Eiichi Sayuの編成で残したこの作品は、グループの初期像をつかむうえで重要な資料的意味も持つ。

タイトルの『日本人 = Nihonjin』という直球の名付けからも、当時の日本語ロックや日本的な感覚を意識した空気がうかがえる。洋楽の影響を受けながらも、国内シーンの中で独自の立ち位置を作ろうとしていた時期の記録という見方ができる。

音の印象

この盤は、サイケデリック・ロックとプログレッシブ・ロックを軸にした作品として整理されている。演奏の推進力、曲展開の切り替え、楽器の重なりがポイントになりやすいタイプのレコードで、70年代初頭の日本のロックらしい緊張感が出やすい内容だ。ライブ写真付きの折り込みインサートが付属していることからも、当時のステージの熱量を含めて作品世界を伝えようとした盤面だとわかる。

実際の聴感としては、オリジナル・マスターテープからの復刻という点が大きい。再発盤でも音の芯や分離を意識した作りになりやすく、オリジナル盤の雰囲気をできるだけ保ったうえで聴きやすさを確保する方向の復刻といえる。ゲートフォールド仕様で、オビやブックレットの再現もあり、当時の日本盤らしいパッケージ性も再確認できる。

再発盤としての特徴

• 2019年の公式アナログ再発盤
• オリジナル・マスターテープ使用
• ゲートフォールド・スリーブ仕様
• オリジナル付属ブックレットの復刻
• オビの再現付き
• 当時のライブ写真を収めた2ページ折り込みインサート付き

盤面表記は、スパインが008LP、バックが008、ラベルがEPS 008。バックとラベルには℗ 1973, 2019 Nippon Columbia Co., Ltd.、© 2019 The Everland Music Group、Made in Europeのクレジットが入る。オリジナル作品の空気を残しながら、2019年の国際流通向けに整えられた再発盤という形だ。

同時代の文脈

1973年の日本のロックは、サイケデリック、ハードロック、長尺の組曲的展開、英米のプログレッシブ・ロックの影響が混ざり合っていた時期だ。Far Outもその流れの中にあり、国内の同系統バンドと並べて語られやすい。欧米のサイケデリックやプログレの文法を参照しつつ、日本のバンドとしてのテンションや土着感をどう出すか、その試行のひとつとして見ておくと輪郭がつかみやすい。

まとめ

『日本人 = Nihonjin』は、1973年の日本のサイケデリック／プログレッシブ・ロックを知るうえで外しにくいFar Outの代表的な作品のひとつ。2019年の再発盤は、オリジナルの資料性を保ちながら、付属物まで含めて当時のレコード体験を復元した内容になっている。作品そのものの存在感に加えて、パッケージ面でも70年代初期の日本盤らしさが見える1枚だ。

トラックリスト

• A – Too Many People (17:55)
• B – 日本人 = Nihonjin (19:52)

関連動画

• Far Out ► Nihonjin [HQ Audio] 日本人, 1973
• TOO MANY PEOPLE

Grobschnitt『Rockpommel’s Land』について

Grobschnittは、1970年にドイツ・ノルトライン＝ヴェストファーレン州ハーゲンで結成されたロック・バンドである。
『Rockpommel’s Land』は1977年に発表された作品で、彼らの代表作として語られることが多いアルバムだ。電子的な音の扱いとロックの推進力を行き来しながら、クラウトロックとプログレッシブ・ロックの文脈に置かれる内容になっている。

作品の位置づけ

Grobschnittのキャリアの中でも、『Rockpommel’s Land』はかなり大きな位置を占める作品として知られている。
スタジオ録音の構成と、バンドらしい演奏のまとまりが前面に出たアルバムで、1970年代ドイツ・ロックの流れの中でも存在感が強い一枚だ。

同時代のドイツ勢でいうと、CanやAmon Düül II、Ash Ra Tempel、Kraftwerkといったバンド／プロジェクトが思い浮かぶが、Grobschnittはそれらの中でも、より演劇性や物語性を伴った進め方をするタイプのバンドとして見られやすい。
その意味で、『Rockpommel’s Land』も単なる楽曲集というより、アルバム全体で流れを追う作りの印象が強い。

1977年オリジナルと1981年盤

オリジナルのリリースは1977年で、この1981年盤はその後に出た盤である。
ジャケットまわりでは、帯に内包されたノートが付く仕様になっているようだ。日本盤としての体裁が意識されたリリースと見てよさそうだ。

再発盤らしい違いとしては、内容そのものよりも、国内流通向けのパッケージングに重きがある。
こうした時期の日本盤は、輸入盤とは異なり、帯や解説の有無で手に取ったときの印象がかなり変わる。

聴きどころ

『Rockpommel’s Land』は、曲ごとの展開がはっきりしていて、リフの反復だけで押すのではなく、場面が切り替わるように進むところが特徴だ。
演奏の手触りは硬質になりすぎず、メロディやアンサンブルの動きが前に出る場面が多い。

実際に通して聴くと、単に派手な展開を並べるのではなく、細かい繋ぎや空気の変化で長尺を保っている感じがある。
ギター、キーボード、リズム隊の役割がくっきりしていて、音の層を重ねながら進む構成が耳に残る。

代表曲として知られるもの

このアルバムでは、タイトル曲「Rockpommel’s Land」が作品の核として扱われることが多い。
アルバム全体の性格を示す曲名でもあり、Grobschnittの持つ物語的な組み立てを象徴する存在として見られやすい。

参加メンバー

• Rolf Möller
• Joachim Ehrig
• Axel Harlos
• Gerd-Otto Kühn
• Hermann Quetting
• Stefan Danielak
• Bernhard Uhlemann
• Volker Kahrs
• Wolfgang Jäger
• Jürgen Cramer
• Peter Jureit
• Thomas Waßkönig
• Toni Moff Mollo
• Milla Kapolke
• Manu Kapolke
• Demian Hache
• Deva Tattva
• Nuki

まとめ

『Rockpommel’s Land』は、Grobschnittというドイツのバンドが持っていたロックの推進力と、構成の大きさをまとまった形で示すアルバムだ。
1977年のオリジナル作品としての存在感がありつつ、1981年の日本盤では帯付きの国内仕様で受け止められた一枚でもある。
クラウトロックとプログレッシブ・ロックの交点にある作品として、今も名前が挙がりやすいタイトルである。

トラックリスト

• A1 – Ernie’s Reise (10:56)
• A2 – Severity Town (10:05)
• B1 – Anywhere (4:13)
• B2 – Rockpommel’s Land (20:55)

関連動画

• Ernie’s Reise (Remastered 2015)
• Severity Town (Remastered 2015)
• Anywhere (Remastered 2015)
• Rockpommel’s Land (Remastered 2015)
• Rockpommel’s Medley (Live At Schwarzwaldhalle, Appenweier / 1981 / Remastered 2015)
• Rockpommel’s Land (Meditative Instrumental Mix / Remastered 2015)
• Rockpommel’s Medley (Live At Stadthalle, Bremen / 1979 / Remastered 2015)
• Hallo Hamburg (Live At Winterhuder Fährhaus, Hamburg / 1977 / Remastered 2015)
• Eroc Tells … (Pt. 1 / Live At Winterhuder Fährhaus, Hamburg / 1977 / Remastered 2015)
• Lupo Tells … (Pt. 1 / Live At Winterhuder Fährhaus, Hamburg / 1977 / Remastered 2015)