Goat『World Music』について

Goatの『World Music』は、2012年にオリジナルが登場したアルバムで、2023年には再発盤が出ている。スウェーデン出身の実験性の強いロック・バンドとして知られ、アフロビート、ハードロック、ジャズの要素を混ぜたような独自の編成と演奏で注目を集めた作品である。仮面をつけたメンバーによる匿名性の高い活動も、このバンドの大きな特徴になっている。

作品の輪郭

本作は、Rock、Folk、World、& Countryのカテゴリで扱われつつ、スタイル面ではPsychedelic Rock、Krautrock、Acid Rock、Experimentalに分類されている。タイトルから受ける印象よりも、実際にはロックの骨格を保ちながら、反復やリズムの推進力を前面に出した作りとして語られることが多い。Goatというバンド名と、儀式めいたステージ演出、ダンスを交えたライブのイメージも相まって、作品全体に独特の統一感がある。

プロフィール情報によれば、バンドはスウェーデンの実験的なフュージョン・ロック・バンドで、afrobeat、hard rock、jazzの影響を受けている。メンバーはCapra Informis、Goatman、GÅSなどの別名義を使い、公式には実名を明かしていない。編成はツイン・ヴォーカル、ツイン・ギター、エレクトリック・ベース、ドラム、コンガという構成で、演奏と打楽器の絡みがこのバンドの核になっている。

オリジナル盤と2023年盤

2023年盤は、Abbey Roadでリマスターされ、180gのColour-In-Colour仕様、ダイカット・スリーヴ、新規アートワーク、ダウンロードコード付きという内容になっている。フロントのハイプ・ステッカーにバーコードとカタログ番号が記載されている点も特徴。オリジナル期の流通とは別に、再発のたびにカラー盤や仕様違いが細かく出ている作品で、コレクション性の高いタイトルでもある。

Rocket Recordingsからの再発履歴を見ると、2012年のCD/LP初出以降、2013年から2022年まで複数回にわたって限定プレスが続いている。カラー・ヴァイナルやピクチャー・ディスク、スプラッター盤などが繰り返し制作されており、長く流通し続けたアルバムであることがわかる。2022年には10周年リマスター盤も出ていて、今回の2023年盤はその流れの延長線上にある再発といえる。

音の印象

実際に聴くと、リズムの反復で引っ張る場面が多く、ギターはリフを細かく積み上げるというより、一定のフレーズを繰り返しながら緊張感を保つタイプに寄っている。そこにコンガやドラムの推進力が重なり、曲の展開よりもグルーヴの持続で聴かせる場面が目立つ。ヴォーカルはメロディをなぞるだけではなく、コーラスや掛け合いのような役割も担っていて、バンド全体の儀式的な空気を作っている。

ロックの文脈でいえば、70年代的な反復志向やジャム感を持ちながら、単純な懐古には寄っていない。Krautrock系の推進力や、サイケデリック・ロックのうねり、アフロビート由来の打楽器感が同居している点が、この作品の聴きどころになっている。

代表曲について

『World Music』はアルバム単位で語られることが多く、特定のヒット曲で押すタイプの作品ではない。バンドの知名度を広げた楽曲としては「Run to Your Mama」などがよく挙げられるが、本作全体はそうした単曲の印象よりも、曲同士が連続して生む流れのほうに重心がある。

Goatというバンドの位置づけ

Goatにとって『World Music』は、バンドの輪郭を決定づけた初期の重要作として見られやすい。仮面、匿名性、儀式的な演出、反復を軸にした演奏という要素が、この時点でかなり明確に提示されているからである。以後の作品でも続いていくバンドの基本設計が、このアルバムですでに形になっている、という印象が残る。

同時代のサイケデリック・ロックや実験ロックの流れの中では、単なるレトロ志向ではなく、打楽器とコーラスの使い方で独自色を出している点が目立つ。比較対象としては、反復とグルーヴを重視するバンド群や、儀式性の強いサイケデリックなアクトが思い浮かぶが、Goatはそこに北欧のバンドらしい硬質さも持ち込んでいる。

まとめ

『World Music』は、Goatの名前を広く印象づけた作品として語りやすいアルバムである。2012年オリジナルの時点で、アフロビート的なリズム、サイケデリック・ロックの反復、実験性の強い編成がまとまっていて、2023年盤ではリマスターと新装でその輪郭がさらに見えやすくなっている。アルバムとしてのまとまり、ライブ感、匿名性の演出まで含めて、Goatというバンドの初期像をつかむにはわかりやすい一枚である。

トラックリスト

• A1 – Diarabi (2:56)
• A2 – Goatman (4:15)
• A3 – Goathead (5:40)
• A4 – Disco Fever (4:24)
• B1 – Golden Dawn (2:50)
• B2 – Let It Bleed (3:55)
• B3 – Run To Your Mama (2:23)
• B4 – Goatlord (3:04)
• B5 – Det Som Aldrig Förändras / Diarabi (7:44)

関連動画

• Goat ► Diarabi & Det Som Aldrig Forandras [HQ Audio] World Music 2012

The Pineapple Thief『One Three Seven』について

The Pineapple Thiefは、UKのプログレッシブ・ロック／アート・ロック系の文脈で語られるバンドで、中心人物はBruce Soord。1999年に活動を始め、当初はBruce Soordのソロ的な音楽構想を軸に進んでいたが、2002年の時点でバンド編成へと発展している。『One Three Seven』は、その初期の流れの中に置かれる作品で、のちのバンド形態へつながる時期の記録としても見やすい一枚だ。

作品の位置づけ

オリジナルの『137』は2002年にリリースされている。のちに2013年、Bruce SoordがSteve Kitchとともにリミックスを行い、KScopeから再発された。今回の2015年盤はその再発版にあたるため、初出時のオリジナル・ミックスではなく、リミックス後の音像で聴く形になる。ライナーノート上でも、2002年のCyclops盤向けにAngelo Prodaneがミックスしたこと、2013年以降のリリースはBruce SoordとSteve Kitchによるリミックス版であることが明記されている。

つまり、この作品は単なる初期アルバムではなく、後年に音の見え方が組み替えられたタイトルでもある。The Pineapple Thiefのカタログを追ううえでは、初期作と現在のバンド像をつなぐ地点として扱いやすい。

収録音源と盤の特徴

2015年盤はゲートフォールド仕様で、製造表記はMade in Germany。作品名は『One Three Seven』だが、元のタイトルは『137』として知られる。再発盤ではジャケットや表記の違いはあっても、基本的には2013年リミックス以降の流れを引く内容として受け止めるのが自然だ。

サウンドの輪郭

The Pineapple Thiefのこの時期の音は、歌を前に置きつつ、ギターやキーボードの重なりで曲の流れを作るタイプ。アート・ロックやプログ・ロックの範囲に置かれるのも納得しやすい。派手な技巧の見せ場より、曲の構成や展開の組み立てに耳が向きやすい作りだ。

実際に聴くと、Bruce Soordの歌声が中心にあり、その周囲をギター、鍵盤、リズム隊が支える感触がある。後年のThe Pineapple Thiefに比べると、まだ編成や音の整理の途中にあるような印象も残るが、そのぶん楽曲単位の動きが追いやすい。リミックス版では各パートの分離が見えやすく、当時の録音を今の耳で聴き直すための整え方になっている。

メンバーと制作の流れ

この時期のバンドには、Bruce Soordのほか、Jon Sykes、Wayne Higgins、Matt O’Leary、Keith Harrisonらが関わっている。のちにSteve Kitchが加わり、以降の作品では制作面でも重要な役割を担うようになる。The Pineapple Thiefは、Bruce Soordの作家性を核にしながら、参加メンバーの入れ替わりを経て音を更新していくバンドとして見ておくと流れが追いやすい。

同時代の文脈

2000年代前半のUKプログレ系では、クラシック・ロック由来の長尺志向を引きずりつつ、歌ものとしてのまとまりを重視するバンドがいくつもいた。The Pineapple Thiefもその流れの中にあり、Porcupine Treeの周辺や、よりメロディ志向のプログ寄りロックと並べて語られることがある。とはいえ、この作品は大仰な大作というより、ソングライティングの感触を積み上げていくタイプの記録として見えやすい。

作品の聴きどころ

• Bruce Soordの歌と曲構成を前面に出した初期のバランス
• 2013年リミックス版による、各楽器の見通しのよさ
• 後年のThe Pineapple Thiefへつながる、編成拡張前夜の空気
• ゲートフォールド仕様の再発盤としてのまとまり

まとめ

『One Three Seven』は、The Pineapple Thiefの初期を知るうえで重要な一枚だ。2002年のオリジナル盤を土台にしつつ、2013年のリミックスで音の輪郭を整えたうえでの2015年盤なので、作品の履歴そのものにも特徴がある。UKのアート・ロック／プログ・ロックの流れの中で、Bruce Soordの作家性がどう形になっていたかを確かめるには、扱いやすいタイトルと言えそうだ。

トラックリスト

• A1 – Lay On The Tracks (4:46)
• A2 – Perpetual Night Shift (5:25)
• A3 – Kid Chameleon (7:02)
• B1 – Incubate (3:25)
• B2 – Doppler (7:33)
• B3 – Ster (4:00)
• C1 – Release The Tether (5:04)
• C2 – How Did We Find Our Way? (3:57)
• C3 – 137 (5:02)
• C4 – Preserve (5:20)
• D1 – Warm Me (3:26)
• D2 – Pvs (11:42)
• D3 – Md One (3:57)

関連動画

• Lay on the Tracks
• Perpetual Night Shift
• Kid Chameleon
• Incubate
• Doppler
• Ster
• Release the Tether
• How Did We Find Our Way
• 137
• Preserve

The Christians『The Christians』について

『The Christians』は、UKのソウル・グループ、The Christiansが1987年に発表した同名アルバム。リヴァプール出身の兄弟ガリー・クリスチャン、ラッセル・クリスチャン、ロジャー・クリスチャンを軸に、ソングライターのヘンリー・プリーストマンを加えた編成で知られる初期作品で、バンド名をそのまま冠したデビュー作として位置づけられる1枚である。

この時期のThe Christiansは、ソウルを土台にしながら、ポップ・ソングとしての明快さを前に出したグループとして聴かれることが多い。英国の80年代後半らしい整ったプロダクションの中で、複数人のハーモニーがはっきりと響く作りが特徴的だ。

作品の位置づけ

1984年に結成されたThe Christiansにとって、このアルバムは最初のまとまった自己紹介のような作品である。のちに代表曲として広く知られる「Harvest For The World」は1988年のヒットだが、その後の評価につながるグループの輪郭は、このデビュー作の段階ですでに見えている。

兄弟3人の歌声を中心にしたハーモニーは、単独のリードボーカルで押し切るタイプとは少し違う。曲の中で声が重なり、コーラスがフレーズの印象を決めていく作りで、ソウル・グループとしての性格がよく出ている。

サウンドと聴きどころ

このアルバムは、Funk / Soul、Pop、Soulというクレジットどおり、リズムの輪郭はしっかりしつつ、メロディは耳に残りやすい。演奏は派手に崩さず、曲の構造を見せることに重心が置かれている印象がある。

聴いていてまず目立つのは、声の重なりとコーラスの設計である。バンドの魅力が「歌」そのものに寄っているため、楽器隊が前に出るというより、ボーカル・アレンジが曲を引っぱるタイプのアルバムと言えそうだ。

同時代のUKソウルやポップの文脈で見ると、緻密なコーラスを持つグループとして語られやすい。ソウルの感触を持ちながら、ラジオ向きの流れを意識した作りは、当時の英国ポップ・シーンの中でも分かりやすい立ち位置にある。

ヒット曲とのつながり

The Christiansを語るうえで外せないのは、やはり「Harvest For The World」である。これは翌1988年の代表曲として知られ、このアルバムで示されたハーモニー志向やソウル寄りの感覚を、より広いリスナーに届く形へつなげた楽曲だろう。

デビュー作の段階では、そうした後年の代表曲に通じる、声を核にしたバンドの性格がすでに固まっている。アルバム全体を通して聴くと、ヒット曲単体の印象だけでは分からない、グループとしてのまとまりが見えやすい。

UK盤としての体裁

このUK盤は、EMI Recordsによるプレスで、ランアウトには「-1-1」の刻印があり、ラベルには1.117インチのプレスリングが見られる仕様。見開きジャケット仕様で、内側に歌詞を収録している。

盤面のランアウトはスタンプが基本で、「TOWNHOUSE DMM」のみエッチング表記という点も、この時代のUK盤らしい情報である。オリジナル期の初版らしい体裁を持つ一枚として扱える内容だ。

まとめ

『The Christians』は、The Christiansの出発点を示す1987年作。兄弟3人の声とヘンリー・プリーストマンのソングライティングが組み合わさり、ソウルの感触とポップの明快さが同居する作品である。

のちの「Harvest For The World」で広く知られることになるバンドの基盤を、まずこのデビュー作で確かめられる。UKソウルの流れと、80年代後半のポップ・プロダクションが交差する1枚、という印象である。

トラックリスト

• A1 – Forgotten Town (5:13)
• A2 – When The Fingers Point (3:32)
• A3 – Born Again (5:18)
• A4 – Ideal World (4:35)
• A5 – Save A Soul In Every Town (4:35)
• B1 – … And That’s Why (5:17)
• B2 – Hooverville (4:45)
• B3 – One In A Million (4:42)
• B4 – Sad Songs (4:25)

関連動画

• The Christians ‘When The Fingers Point’
• The Christians – When The Fingers Point
• The Christians – Born Again
• The Christians ‘Ideal World’
• The Christians ‘Words’
• THE CHRISTIANS – …AND THAT’S WHY – 1987
• The Christians – Forgotten Town
• The Christians – Save a soul
• THE CHRISTIANS – HOOVERVILLE.mp4
• One In A Million

Klaus Schulze『Blackdance』について

Klaus Schulzeの『Blackdance』は、1974年に発表されたアルバムで、電子音楽の初期史を語るうえで外せない1枚として知られている。Schulzeはベルリン出身のドイツ人ミュージシャンで、Tangerine DreamやAsh Ra Tempelを経てソロに移った人物。ここからソロ作を重ねながら、のちのBerlin Schoolと呼ばれる流れを形づくっていく。

この作品は、前作までのより実験色の強い流れを引き継ぎつつ、シンセサイザーを前面に出したソロ作として聴かれることが多い。電子音の持続、反復、音色の変化を軸にした構成で、当時のクラウトロックやドイツ電子音楽の文脈の中でも重要な位置にある。

作品の位置づけ

『Blackdance』は、Schulzeがソロ電子音楽家として歩みを進めていた時期の作品。1971年にソロ活動を始め、初期の『Irrlicht』『Cyborg』を経て、70年代半ばの表現がまとまりを見せていく段階にある。後年の長大なシーケンス主体の作品群に比べると、ここでは音の密度や構成の変化が比較的はっきり感じられる。

同時代の比較対象としては、Tangerine DreamやAsh Ra Tempelの周辺、さらに同じドイツの電子音楽シーン全体が思い浮かぶ。とはいえ、Schulzeの作品はその中でも、即興感と持続音のバランスが独特で、バンド的な演奏よりもスタジオ内で音を組み立てる感覚が強い。

音の印象

実際に聴くと、リズムが前へ出る場面と、音の層がゆっくり広がる場面の差が印象に残る。電子音楽といっても冷たい機械音だけで押し切るタイプではなく、音の揺れや残響の扱いに人の手の感触がある。タイトル曲の「Blackdance」は、その作品名を背負う中心的な曲として聴かれやすい。

一方で、全体としては派手なメロディを追う内容ではなく、音響の移り変わりをじっくり聴かせる構成。Berlin Schoolらしい反復の感覚はありつつも、初期Schulzeらしい実験性もまだ色濃い。

1975年盤について

この日本盤は1975年リリース。作品そのものは1974年作として扱われるので、オリジナル発表から少し後の時期に流通した盤ということになる。国内盤としては、当時の輸入盤と比べて入手しやすい形だったはずで、70年代半ばにこの種の電子音楽へ触れる入口のひとつになった可能性がある。

再発盤として見ると、内容はオリジナル作品に基づくものとして捉えるのが自然で、作品の核は1974年の時点にある。レコードのリリース年と作品年がずれている点は、この時代の電子音楽作品では珍しくない。

まとめ

『Blackdance』は、Klaus Schulzeがソロ電子音楽家として存在感を固めていく過程にあるアルバム。Tangerine DreamやAsh Ra Tempelの流れを知っていると、そこからさらに個人の音楽として研ぎ澄まされていく途中経過が見えやすい。実験性、持続音、反復、そして初期Berlin Schoolの輪郭。そうした要素がまとまった1枚として記憶されている作品だ。

トラックリスト

• A1 – Ways Of Changes (17:50)
• A2 – Some Velvet Phasing (8:30)
• B – Voices Of Syn (22:30)

関連動画

• Klaus Schulze – Blackdance (1974)
• Ways Of Changes
• Some Velvet Phasing
• Voices Of Syn

Blancmange『Happy Families』について

『Happy Families』は、英国のシンセ・ポップ・デュオ、Blancmangeのデビュー・アルバムで、1982年にUKのLondon Recordsから登場した作品。Neil ArthurとStephen Luscombeを中心に、当時のロンドンで制作された初期Blancmangeの輪郭をそのまま示す1枚で、電子音主体のポップ・ソングをアルバム単位でまとめた内容になっている。

Blancmangeは1979年結成のUKデュオで、1980年代前半から中盤にかけてヒットを重ねたグループ。『Happy Families』は、その後の代表曲群へつながる出発点として位置づけられる作品で、のちのシングル・ヒットで知られるバンドの初期像を知るうえで重要なアルバムだといえる。

制作とクレジット

レコーディングは1982年2月と8月、ロンドンのCBS StudiosとBattery Studiosで行われている。CBS側のエンジニアとしてWalter Samuel、Roberto Arendse、Mark Chamberlain、Battery側ではNigel GreenとAndrew Warwickがクレジットされている。

また、A5「Living On The Ceiling」とB7「Kind」はOdyssey Studiosでリミックスされており、アルバムの中でも特に耳に残る楽曲として扱われていることがうかがえる。

収録曲と代表曲

『Happy Families』の中で最も広く知られているのは「Living On The Ceiling」。Blancmangeの代表曲のひとつとして扱われることが多く、バンド名を広めた楽曲でもある。アフリカ的なリズム感を取り入れたようなビートと、シンセのフレーズ、Neil Arthurのボーカルが前に出る構成で、英国のシンセ・ポップの中でも印象が強い曲だ。

そのほか、アルバム全体には、当時のUKエレクトロニック・ポップらしい、打ち込みとメロディを中心に組み立てた楽曲が並ぶ。派手なロック感よりも、音色の配置やリズムの組み方で曲を進めるタイプの作品で、同時代のDepeche Mode、Soft Cell、Yazooなどと並べて語られることもある流れの中にある。

作品の位置づけ

Blancmangeにとって『Happy Families』は、のちのヒット作へ進む前の、最初のアルバムという意味合いが強い。1980年代前半のUKシンセ・ポップは、シングルの存在感が大きい時代でもあったが、この作品はその中でアルバムとして初期の作法を示したものとして見ておきたいところ。

バンドはこのあと1980年代半ばにかけて「Blind Vision」「Don’t Tell Me」「Living On The Ceiling」「Lose Your Love」「That’s Love, That It Is」「Waves」といった曲で知られるようになるが、その入口にあるのが本作だ。後年の活動再開や再評価を踏まえると、『Happy Families』はBlancmangeの原点としての意味を持つアルバムになっている。

盤について

今回の盤は1982年のUKリリースで、オリジナル時点の作品。レーベル表記はLondon Recordsで、バック・スリーブには© 1982 / ℗ 1982 London Recordsの記載がある。ランアウトの一部はスタンプ、DOUBLE BRANDYとSAD DAY – FOR HELENはエッチング表記になっている。

まとめ

『Happy Families』は、Blancmangeの初期をそのまま切り取った1982年作。UKのシンセ・ポップが勢いを持っていた時代の空気、そして「Living On The Ceiling」に代表されるバンドの個性が、デビュー作の段階で形になっているアルバムだ。

トラックリスト

• A1 – I Can’t Explain
• A2 – Feel Me
• A3 – I’ve Seen The Word
• A4 – Wasted
• A5 – Living On The Ceiling
• B6 – Waves
• B7 – Kind
• B8 – Sad Day
• B9 – Cruel
• B10 – God’s Kitchen

関連動画

• BLANCMANGE – Happy Families – 1982 – Full album – Vinyl

Edhels『Still Dream』について

『Still Dream』は、モナコ出身のインストゥルメンタル・プログレッシブ・ロック・バンド、Edhelsが1988年に発表した作品。ギタリストのMarc Ceccottiを中心にした編成で、メンバーは入れ替わりを重ねながら活動していたグループの初期作にあたる。フランス盤としてリリースされており、録音からミックス、マスタリングまでフランス国内のスタジオで仕上げられているのが特徴だ。

Edhelsというバンドの輪郭

Edhelsは、1980年ごろに結成されたモナコのインストゥルメンタル・プログレ・バンド。中心人物はMarc Ceccottiで、ギターを軸にした演奏を核に据えている。バンドのスタイルは、Steve Hackett系のインストゥルメンタルな感触を下敷きにしつつ、フランスのプログレやフュージョンに見られる要素を織り込んだものとして紹介されている。

メンバー表記としては、Marc Ceccotti、Jacky Rosati、Jean-Louis Suzzoni、Noël Damonの名前が挙がっている。編成の変遷が多いグループなので、この時期の顔ぶれを知るうえでも『Still Dream』は見ておきたい一枚という位置づけになりそうだ。

作品の位置づけ

1988年という時期は、プログレの主流が70年代とはかなり違う形になっていた頃で、こうした作品はジャンルの流れの中でも比較的後年の部類に入る。Edhelsの場合は、初期の段階からインストゥルメンタル中心の作りで、ギターを前に出した構成が軸になっている点が目を引く。タイトルの『Still Dream』も、その路線を端的に示すような印象がある。

また、レコーディング・クレジットを見ると、Studio Les Mouchettes（Contes）で録音され、Versailles Station（Versailles）でデジタル・ミックス、Dyam Music（Paris）でデジタル・マスタリングが行われている。80年代末らしい制作環境がそのまま記録されているのも、この時代のアルバムらしい点だ。

聴きどころとして見える点

この作品はインストゥルメンタル作品なので、歌メロよりもギターのフレーズ運び、展開の組み方、リズム隊との受け渡しに耳が向きやすいタイプだ。Steve Hackett周辺を思わせる指向性を持ちながら、フランス産プログレらしい密度の高い演奏感が加わる、という説明がなされるのは納得しやすい。

一方で、代表曲やシングルとして広く知られた曲名は、この情報からは特定しにくい。アルバム単位で流れを追う作品として受け取るのが自然だろう。

まとめ

『Still Dream』は、モナコのEdhelsが1988年に示したインストゥルメンタル・プログレの記録。Marc Ceccottiを中心としたギター主体の作り、フランスでの制作、そしてSteve Hackett系の手触りとフランス的なプログレ／フュージョン要素の組み合わせが、この作品の輪郭を作っている。80年代末のプログレ作品として見たとき、バンドの出自と音の方向性がわかりやすく出た一作といえる。

トラックリスト

• A1 – Capitaine Armoire (5:02)
• A2 – Butterflychild (3:35)
• A3 – Boarding Pass (4:46)
• A4 – Fée D’Hiver (1:07)
• A5 – October Dawns (6:15)
• B1 – Gael & Selena (1:52)
• B2 – Christie Feline Girl (4:21)
• B3 – Still Dream (4:23)
• B4 – Annibal’s Trip (4:38)
• B5 – A La Lisière Du Soleil (4:55)
• B6 – Twine (0:42)

関連動画

• Edhels – Still Dream. 1988. Progressive Rock. Symphonic Prog. Full Album
• Edhels : A la lisiere du soleil (still dream 1988) French Prog Rock
• Edhels : Gael & Selena + CFG (still dream 1988) – French Prog Rock
• EDHELS – Heart door (Still Dream, 1988)

The Trip『Caronte』について

イタリアのプログレッシブ・ロック・バンド、The Tripが1971年に発表した2作目が『Caronte』だ。バンドはイギリス系メンバーを中心にスタートし、その後イタリア人メンバーを加えながら独自の形を作っていったグループで、この作品では特にジョー・ヴェスコヴィのキーボードが前面に出てくる。ギターとオルガンを軸にした初期作から一歩進み、クラシック音楽の要素を取り込んだ構成へ寄っていく節目のアルバムとして位置づけられる一枚だ。

作品の位置づけ

デビュー作『The Trip』は、まだロック・ブルース色の強い内容だったが、『Caronte』ではバンドの輪郭がよりはっきりする。オープニングの「Caronte I」から、クラシック寄りのフレーズが入り、キーボード中心の展開が目立つ。続く「Two Brothers」も長尺曲としてアルバムの核を担っていて、この時期のThe Tripが英語圏由来のロック感覚とイタリアン・プログレの要素をつなぐ位置にいたことがわかる内容だ。

同時代のイタリアのプログレッシブ・ロックを思い浮かべると、のちによりシンフォニックな方向へ進むバンド群と並べて語られやすい。The Tripの場合は、まだ初期段階の荒さを残しつつ、キーボードの比重を増やしていく流れがはっきりしている点が印象的だ。

聴きどころ

• 「Caronte I」：冒頭からクラシカルな香りが立つ導入部
• 「Two Brothers」：アルバム内でも存在感のある長尺曲
• ギターよりもキーボードが曲の流れを作る場面の多さ

実際に聴くと、派手な技巧を前に出すというより、曲の展開そのものをじわじわ組み立てていくタイプのアルバムだと感じやすい。リフや旋律を追っていくうちに、オルガンやシンセ的な音色が主導権を握っていく場面があり、その移り変わりがこの作品の面白さになっている。

バンド史の中での意味

The Tripはこの後、メンバー変化を経ながらさらにキーボード主導の方向へ進み、次作『Atlantide』ではよりELPに近い感触も見せていく。そう考えると『Caronte』は、初期のロック・ブルース寄りの姿から、のちのより個性的なプログレ路線へ向かう中間点として見やすい。バンドの転換点として語られることのある作品だ。

盤について

今回の盤は1990年リリースの再発盤で、ゲートフォールド仕様。レーベル表記はNL 74299 / AKAY 26056/7となっている。オリジナルは1971年のイタリア盤で、作品そのものはその年のアルバムとして把握するのが自然だ。

エピソード

The Tripはデビュー期にリッチー・ブラックモアが在籍していたことでも知られる。『Caronte』の時点ではブラックモアは参加しておらず、バンドの中心はジョー・ヴェスコヴィへ移っている。1970年には映画『Terzo Canale – Avventura a Montecarlo』にもメンバーが出演しており、当時のイタリアのロック文化の周辺で活動していたことがうかがえる。

まとめ

『Caronte』は、The Tripがロック・ブルース寄りの初期形から、よりキーボード主体のプログレッシブ・ロックへ踏み込んでいく段階を記録したアルバムだ。オープニングから方向性が見えやすく、長尺曲を中心にバンドの変化が追える内容になっている。

トラックリスト

• A1 – Caronte I
• A2 – Two Brothers
• B1 – Little Janie
• B2 – L’Ultima Ora E Ode A J. Hendrix
• B3 – Caronte II

関連動画

• Caronte I
• Two Brothers
• Little Janie
• L’ultima ora e ode a J. Hendrix
• Caronte II

Too Much『Too Much』について

Too Muchは、日本のブルース・ロック／プログレッシブ・ロック・バンドとして1970年から1971年にかけて活動したグループで、このアルバム『Too Much』はオリジナルは1971年の作品だ。メンバーはジュニア・ラッシュこと中原ジュニオ（ヴォーカル）、小川努（ギター）、青木正之（ベース）、小林秀也（ドラムス／パーカッション）。日本の初期ハード・ロックやブルース・ロックの流れの中で語られることのあるバンドで、短い活動期間ながら存在感のある名前だ。

作品の位置づけ

この『Too Much』は、バンド名をそのまま冠したアルバムで、活動期の記録として重要な一枚といえる。日本のロックがまだ模索の段階にあった時期の作品で、英米のブルース・ロックやハード・ロックの影響を受けつつ、国内バンドならではのまとまりを持った内容として知られている。

同時代の日本のロック文脈で見ると、近い時期の重厚なバンド・サウンドを持つグループや、ブルースを基盤にしたハードな演奏を聴かせる作品群と並べて語られることが多い。派手なヒット曲で広く知られるタイプというより、70年代初頭の国産ロックの空気を伝える資料性の高いアルバムという印象が強い。

2011年盤について

今回の2011年盤は、日本盤の再発CD/LP系の体裁として出されたもので、ゲートフォールド仕様、歌詞インサート付き、さらに「Rock Age」帯のレプリカが付属する。リマスターは菊地功が担当している。オリジナル盤の1971年作品を、当時の雰囲気をできるだけ残す形で再提示した盤といえる。

再発盤としての特徴は、単に音源を収めるだけでなく、当時のレコード周辺の見た目まで含めて復元している点にある。帯やインサートの再現は、日本盤ロック再発ではよく見られるが、この盤もその流れにある。

サウンドの印象

演奏の軸は、ジュニア・ラッシュのヴォーカルを前に出したブルース・ロック寄りのハードなバンド・サウンド。小川努のギターが引っ張る構成で、ベースとドラムもストレートに支える。曲によってはプログレ的な展開を感じさせる部分もあり、単純なブギー一辺倒ではない。

実際に聴くと、音数を詰め込むというより、リフや歌のフレーズを軸に進む曲作りが印象に残る。70年代初頭の日本のロック盤にある、演奏の勢いと録音の生々しさが出やすいタイプの作品だ。

同時代との関わり

Too Muchは、のちに大きく知名度を伸ばすタイプのバンドというより、初期日本ロック史の一角を担う存在として見られることが多い。英米のブルース・ロックやハード・ロックを下敷きにしつつ、日本語の歌唱と国内のバンド編成でどう鳴らすか、という当時の課題がそのまま表れたようなアルバムでもある。

そうした意味では、70年代前半の日本のロックが、歌謡曲やフォークとは別のルートでバンド・サウンドを確立していく過程を知るうえで、外せない一枚のひとつだ。

まとめ

『Too Much』は、1971年の日本産ブルース・ロック／ハード・ロックを伝える作品。短い活動期間のバンドによる、バンド名を冠したアルバムとして、当時の空気と演奏のまとまりをそのまま残している。2011年盤は、歌詞インサートや帯レプリカを備えた再発仕様で、オリジナルの雰囲気を踏まえつつ現代的な音質に整えた盤として位置づけられる。

トラックリスト

• A1 – Grease It Out
• A2 – Love That Binds Me
• A3 – Love Is You
• A4 – Reminiscence
• B1 – I Shall Be Release
• B2 – Gonna Take You
• B3 – Song For My Lady (Now I Found)

関連動画

• Too Much – Too Much 1971 (full album)
• Too Much -[1]- Grease It Out
• Too Much -[2]- Love That Binds Me
• Too Much -[3]- Love Is You
• Too Much -[4]- Reminiscence
• Too Much -[5]- I Shall Be Released
• Too Much -[6]- Gonna Take You
• Too Much -[7]- Song For My Lady (Now I Found)

Dire Straits『Dire Straits』について

Dire Straitsのデビュー・スタジオ・アルバム『Dire Straits』は、1978年6月に登場した作品だ。Mark Knopflerを中心に、John Illsley、Pick Withers、そして当時のメンバーだったDavid Knopflerという編成で始まったバンドの、最初の輪郭がそのまま刻まれた一枚になっている。収録曲は、のちにバンドの代表曲として語られる「Sultans of Swing」を含み、初期Dire Straitsの方向性を知るうえで外せない内容だ。

バンドの出発点が見えるデビュー作

Dire Straitsは1977年に結成された英国のロック・バンドで、ギターを軸にした演奏と、Mark Knopflerの歌とギターの運びで存在感を作っていくグループだ。本作では、派手な装飾を抑えた演奏の中で、各楽器の位置がはっきりしている。後年の大規模なサウンドと比べると、かなりバンドの骨格が見えやすい時期の録音といえる。

録音は1978年2月、ロンドンのBasing St. Studiosで行われたとされている。制作時点ではまだバンドの知名度も高くなく、デビュー盤としての緊張感がそのまま残る仕上がりだ。

「Sultans of Swing」を含む初期の代表曲

このアルバムを語るうえで中心になるのは「Sultans of Swing」だ。小さなライブ・シーンを題材にした曲として知られ、Mark Knopflerのギター・フレーズと語り口のようなボーカルが、Dire Straitsの名前を広く知らしめた一曲になった。シングルとしても重要で、アルバムの評価を押し上げた代表曲といえる。

ほかにも、アルバム全体としては、ギター・ロックの基本形を保ちながら、曲ごとにリズムや展開を変えていく作りが目立つ。いわゆる大げさなアレンジよりも、演奏の間合いで聴かせるタイプの作品だ。

1970年代末のロックの文脈

1978年という時期は、パンクの衝撃が残る一方で、より洗練されたロックやAOR的な流れも広がっていた頃だ。その中でDire Straitsは、派手さを前面に出すのではなく、演奏の明快さと曲の組み立てで勝負する立ち位置にいた。英国のロック・バンドとしては、同時代の他のギター主体のグループと比べても、かなり整理された音像が印象に残る。

後の大作志向の時期を知っていると、このデビュー作の素朴さは対照的だ。とはいえ、Mark Knopflerのギターの音色やフレーズの運びは、この段階ですでに明確で、バンドの核が初めから見えている。

この盤について

今回の日本盤は1978年リリースの作品として扱われるもので、盤面には透明感のあるtranslucent vinyl仕様がある。ランアウトはスタンプ表記とされている。オリジナルの1978年作品と同じく、デビュー当時の内容をそのまま伝える一枚だ。

収録内容、録音時期、そして「Sultans of Swing」で示されたバンドの出発点。Dire Straitsという名前が、まずどのような音で始まったのかを確かめるためのアルバムとして、位置づけははっきりしている。

トラックリスト

• A1 – Down To The Waterline (4:01)
• A2 – Water Of Love (5:27)
• A3 – Setting Me Up (3:20)
• A4 – Six Blade Knife (4:12)
• A5 – Southbound Again (2:59)
• B1 – Sultans Of Swing (5:52)
• B2 – In The Gallery (6:19)
• B3 – Wild West End (4:43)
• B4 – Lions (5:07)

関連動画

• Down To The Waterline
• Water Of Love
• Setting Me Up
• Six Blade Knife
• Southbound Again
• Sultans Of Swing
• In The Gallery
• Dire Straits – Wild West End (1978)
• Lions

Diana Ross『Diana Ross』について

ダイアナ・ロスが1976年に発表した6作目のソロ・スタジオ・アルバム。モータウンでのグループ活動を経て、ソロ・アーティストとしての存在感をさらに固めていく時期の作品で、ファンク／ソウルの流れの中に置ける1枚だ。1975年に録音され、1976年2月10日にリリースされている。

この1987年のUS盤は、オリジナルの1976年盤から見れば後年のプレスにあたる。作品そのものは1976年のアルバムとして受け取るのが自然で、盤の年はその再流通のタイミングを見るうえでの情報になる。

作品の位置づけ

ダイアナ・ロスは、The Supremesのリード・シンガーとして成功を収めたのち、ソロではR&B、ソウル、ディスコ、ジャズへと活動の幅を広げていく。この『Diana Ross』は、そのソロ期の中でも1970年代半ばの流れをはっきり示すアルバムで、モータウン期の華やかさと、当時のソウル・アルバムらしい骨格が並ぶ時期の一作として捉えやすい。

同時代の女性ソウル・シンガーでいえば、同じくモータウン周辺で活躍したアーティストたちや、ディスコへ接近していくシーンとの比較がしやすい。ダイアナ・ロスの場合は、グループ時代から続く高い知名度を背景に、ソロでも歌声の輪郭を前に出す作りが特徴になっている。

聴きどころ

アルバム全体は、歌の芯を中心に置いた作りで、派手な装飾よりも曲の流れと声の運びが印象に残る。ファンク寄りのリズム感と、ソウル・アルバムらしいメロディの運びが同居していて、ダイアナ・ロスのソロ作としては、キャリアの中で安定した立ち位置にある1枚といえる。

実際に聴くと、フレーズの置き方や語尾の抜き方に、グループ時代とは違うソロならではの進め方が見えてくる。大きく歌い上げる場面だけでなく、言葉を少し前に出すような歌い方があり、そこがアルバムの流れを作っている。

時代背景と比較

1976年という年は、ソウルがディスコへ広がっていく途中にある時期でもある。このアルバムも、その時代の空気を受けつつ、完全にダンス寄りへ振り切るのではなく、ソウル・アルバムとしてのまとまりを保っている。

ダイアナ・ロスのソロ作品群の中では、1970年代の代表的な流れのひとつとして見ておくと分かりやすい。The Supremes時代の延長線上にあるスター性と、ソロでの表現が重なる時期の記録でもある。

ヒット曲・代表曲について

このアルバム単体での代表曲としては、収録曲の中で特に広く知られた曲があるかどうかを断定しにくいが、ダイアナ・ロスの1970年代ソロ期を語るうえでは、彼女の歌唱とモータウン的なポップ・ソウルの結びつきを確認できる作品として位置づけられる。

1987年US盤について

1987年のUS盤は、1976年オリジナルの内容を後年に手に取りやすくした再登場盤として見られる。オリジナル盤との違いは主にプレス時期にあり、作品の基本的な中身は1976年のアルバムとして理解してよさそうだ。

まとめ

『Diana Ross』は、ダイアナ・ロスのソロ・キャリアの中で、1970年代半ばのソウル感覚を押さえたアルバムだ。グループ出身のスターが、ソロ歌手としてどう曲を運ぶかが見えやすい1枚で、1976年のモータウン周辺の空気も感じ取りやすい。

トラックリスト

• A1 – Theme From Mahogany (Do You Know Where You’re Going To) (3:23)
• A2 – I Thought It Took A Little Time (3:33)
• A3 – Love Hangover (7:48)
• A4 – Kiss Me Now (2:42)
• B1 – You’re Good My Child (3:35)
• B2 – One Love In My Lifetime (3:40)
• B3 – Ain’t Nothin’ But A Maybe (3:27)
• B4 – After You (4:13)
• B5 – Smile (2:55)

関連動画

• Love Hangover
• Smile
• I Thought It Took A Little Time (But Today I Fell In Love)
• One Love In My Lifetime
• Diana Ross one love in my lifetime
• After You
• Ain’t Nothin’ But A Maybe

Big Brother & The Holding Company『Cheaper Thrills』

Big Brother & The Holding Companyは、1960年代半ばにサンフランシスコで結成されたブルースロック／サイケデリック・ロック・バンドだ。Janis Joplinの在籍で知られるグループだが、この『Cheaper Thrills』は、その初期のライヴ音源を収めた作品として位置づけられる。収録音源は1966年7月28日、サンフランシスコのCalifornia Hallでのライヴ録音で、1983年に作品としてまとまり、UKでは1984年に盤が出ている。

作品の中身

このアルバムは、のちの『Cheap Thrills』のような大きな成功作とは別に、バンドの初期像をそのまま残した内容になっている。Janis Joplinの歌、James Gurleyともう一人のギター、Peter Albinのベース、Dave Getzのドラムという編成で、スタジオ録音よりも、その場の空気と演奏の流れが前に出るライヴ盤だ。1966年時点のBig Brother & The Holding Companyらしい、ブルースを土台にした長めの展開と、サイケデリックな感触が同居している。

録音が1966年ということもあり、後年の代表作に比べると、まだ荒さが強い。とはいえ、Janis Joplinの歌の押し出しや、バンド全体の一体感はこの時点ですでに見える。完成度を整えた作品というより、当時のサンフランシスコ・シーンの現場感をそのまま封じた記録といえる内容だ。

バンドにとっての位置づけ

Big Brother & The Holding Companyは、Janis Joplinが世に知られるきっかけになったバンドとして語られることが多い。この『Cheaper Thrills』は、その初期段階の姿を示す資料的な意味合いも持つ。後により有名になる時期の演奏と比べると、まだ自由度が高く、ブルース・バンドとしての骨格が前面にある。サンフランシスコの同時代バンド群――たとえばJefferson AirplaneやQuicksilver Messenger Serviceの周辺――と並べると、よりブルース寄りのざらついた感触が目立つ。

聴きどころ

この種のライヴ盤で耳に残るのは、Janis Joplinのボーカルの立ち上がりと、バンドの演奏が崩れずに進む瞬間だ。観客の前で演奏している時間の長さがそのまま音に出ていて、曲の途中でテンポや呼吸が変わる場面もある。レコードとしては、整った名演集というより、現場の記録としての強さがある。

また、オリジナルの代表曲を知っている人なら、のちの録音で完成していく方向の前段階として聴けるはずだ。特定のヒット曲を押し出すというより、バンドの原型を確認するタイプの内容になっている。

盤の情報

• 収録: 1966年7月28日、サンフランシスコのCalifornia Hallでのライヴ
• 初出作品年: 1983年
• UK盤リリース: 1984年
• 付属: インサートあり

まとめ

『Cheaper Thrills』は、Big Brother & The Holding Companyの初期ライヴを収めた1枚として、Janis Joplin時代の出発点を見せる作品だ。サンフランシスコのローカルなライヴの空気、ブルースを軸にした演奏、サイケデリック・ロックへ向かう途中の輪郭。そのあたりが、淡々とした記録として残っている。

トラックリスト

• A1 – Come On Baby Let The Good Times Roll
• A2 – I Know You Rider
• A3 – Moanin’ At Midnight
• A4 – Hey Baby
• A5 – Down On Me
• A6 – Whisperman
• B1 – Women Is Losers
• B2 – Blow My Mind
• B3 – Ball & Chain
• B4 – Coo-Coo
• B5 – Gutra’s Garden
• B6 – Harry

関連動画

• Big Brother & The Holding Company – Blow My Mind (Live) ** Vinyl ** Label: Fan Club – FAN CLUB 005

Paul Haslinger『Halt And Catch Fire (Original Television Series Soundtrack Volume 2)』について

Paul Haslingerによる『Halt And Catch Fire (Original Television Series Soundtrack Volume 2)』は、テレビシリーズ「Halt and Catch Fire」のために制作されたサウンドトラックの第2巻にあたる作品だ。2019年に登場した盤で、レコード・ストア・デイ限定のリリースとして出回った。収録内容は、映像作品に寄り添う電子音楽とアンビエントを軸にした劇伴集という位置づけになる。

Haslingerは1962年生まれのオーストリア出身の作曲家・音楽家で、クラシック音楽を学んだのち、1986年にTangerine Dreamへ加入した経歴を持つ。ベルリン・スクール系の電子音楽、映画・テレビの劇伴、アンビエントの文脈が重なる人物で、このサウンドトラックにもその来歴が反映されている。

作品の位置づけ

このアルバムは、Halt and Catch Fireの音楽世界を補完するシリーズ・サウンドトラックの一編だ。シリーズ自体がコンピューター黎明期からインターネット時代へ向かう空気を描く作品で、その時代感に合わせて、Haslingerはシンセサイザーを中心とした音作りを担っている。Electronic、Stage & Screen、Soundtrack、Ambient、Berlin-Schoolというタグが示す通り、劇伴としての機能と、電子音楽作品としての独立性が並んでいる盤といえる。

Paul Haslingerのキャリアとの関係

Haslingerにとっては、Tangerine Dreamでの活動を経て、映画・テレビ音楽へ比重を移していった流れの中にある作品だ。1980年代から90年代にかけて、彼は電子音楽の制作と映像作品向けの仕事を行き来してきたが、このサウンドトラックでは、その両方の経験がまとまっている印象になる。シンセのレイヤー、持続音、反復するモチーフといった要素は、彼のキャリアを通じてつながる語法だ。

音の特徴

この種の作品は、旋律を前面に出すよりも、場面の温度や時間の流れを支える作りになりやすい。ここでも、打ち込みの精度、長く伸びる音の処理、空間を広く使う響きが中心になる。Berlin-Schoolの系譜にある電子音楽らしく、規則的なパターンと浮遊感のあるテクスチャーが同居する構成が想像しやすい。映像の展開に合わせて、緊張と静けさを切り替えるタイプの劇伴だ。

実際に聴くと、派手な主題を押し出すというより、シーンの裏側で細かく空気を組み立てていく場面が目立つはずだ。電子音の輪郭がはっきりしている一方で、アンビエント的な持続感もあるため、物語の進行に沿って温度を変える役割が強い。

同時代の文脈

Halt and Catch Fireの劇伴は、80年代的な電子音楽の記憶と、現代のテレビシリーズ向けスコアの作法が交差する地点にある。Tangerine Dream以降の映画・テレビ音楽、さらにベルリン・スクール系の電子音楽を通ってきた作曲家の仕事として見ると、Haslingerの立ち位置はわかりやすい。映像音楽の文脈では、Jan HammerやCliff Martinezのようにシンセサイザーを中心に据えた作曲家と並べて語られることもありそうだが、この作品はより抑制の利いた設計に寄っている。

パッケージ

2019年盤は、ゲートフォールド仕様の内ジャケットを、ダイカットの彗星型外装で包んだパッケージになっている。レコードとしての見せ方にも、シリーズの時代感と電子的なイメージが反映されている。

まとめ

『Halt And Catch Fire (Original Television Series Soundtrack Volume 2)』は、Paul Haslingerの電子音楽家としての経歴と、映像音楽作家としての仕事が交わるサウンドトラックだ。Tangerine Dreamから続くシンセ中心の感覚、アンビエントの広がり、テレビシリーズの時間設計が一枚にまとまっている。作品単体というより、シリーズの空気を支える音として理解しやすい内容になっている。

トラックリスト

• A1 – Mosaic
• A2 – Cameron’s Motorcycle Diaries
• A3 – Venture Capital
• A4 – Impossible To Love
• A5 – Why I Finally Told Him
• A6 – The Connection
• B1 – Into The River
• B2 – Life Interrupted
• B3 – Empty Rooms
• B4 – Off To Seattle
• B5 – Phoenix
• B6 – Dreamers And Misfits
• B7 – It Worked For Awhile / Cam And Joe
• B8 – I Have An Idea

関連動画

• Mosaic
• Cameron’s Motorcycle Diaries
• Venture Capital
• Impossible to Love
• Why I Finally Told Him
• The Connection
• Into the River
• Life Interrupted
• Empty Rooms
• Off to Seattle

Electra『Adaptionen』（1976）について

『Adaptionen』は、東ドイツのロック・バンド、Electraが1976年に発表した作品です。Rundfunk der DDRで録音され、クレジット上は「Gruppe ‘Electra’」名義になっています。バンドの活動初期から続く編成変化や、放送局録音という制作環境も含めて、GDRロックの文脈がそのまま見えてくる一枚です。

Electraというバンドの位置づけ

Electraは1969年に結成された、東ドイツでも長い活動歴を持つプログレッシブ・ロック・バンドです。プロフィールにもある通り、当初からかなり先鋭的な性格を持っていた一方で、アルバムのリリースには慎重な扱いを受け、長くポップ歌手のバック演奏も担っていました。その後、1974年のデビュー作を経て、1970年代半ばの数作がグループのプログレッシブ・ロック期として位置づけられています。『Adaptionen』はその時期に入る作品のひとつとして見られる盤です。

1980年代にはより一般的なポップ・ロック寄りの方向へ移り、DDR内で人気を高めていきますが、この1976年作はまだそうした後年の姿よりも、より組曲的、演奏主体の面を感じさせる時期の録音です。

作品の内容と聴きどころ

タイトルの『Adaptionen』は、作品全体に「既存の素材をどう組み替えるか」「演奏をどう構築するか」という視点を感じさせるものです。実際の音は、シンフォニック・ロックとプログ・ロックの要素が前面に出る構成で、バンドの持つアンサンブル志向がよく出ています。

Electraは、ギター、キーボード、フルートやサックスなどの複数の音色を組み合わせながら、曲の展開を細かく積み上げていくタイプのバンドとして知られます。『Adaptionen』でも、その方向性がはっきりしている作品として受け取られやすいでしょう。東側のロックにしばしば見られる、クラシック音楽由来の構成感や放送録音らしい輪郭のはっきりした音作りも、この時代の空気と合っています。

実際に聴くと、演奏の密度が高く、各楽器の役割分担が比較的明確です。派手に音数で押すというより、テーマを置いてそこから組み立てていく印象が強いです。ロック・バンドとしてのダイナミクスと、当時のDDRのスタジオ録音らしい整理された響きが両立しているところが、この作品の特徴と言えそうです。

同時代の文脈

1970年代半ばの東ドイツ・ロックは、西側のプログレッシブ・ロックと完全に同じではないものの、長い展開、組曲的な構成、鍵盤や管楽器の活用など、共通点のある作品が少なくありません。Electraはその中でも、KaratやStern-Combo Meißenと並べて語られることのあるバンドです。ただし、Electraはより演奏の骨格がはっきりしていて、放送録音やライブ感のある緊張感が残る点が目立ちます。

『Adaptionen』は、そうしたGDRプログレの中でも、バンドの成熟が見え始める時期の記録として位置づけやすい作品です。後年のポップ化以前の、比較的硬質なロック表現を追う上で重要な一枚といえます。

メンバーについて

クレジットには Stephan Trepte、Wolfgang Riedel、Gisbert Koreng、Peter Ludewig、Rainer Uebel、Bernd Aust ほか、多数のメンバー名が並びます。Electraは時期によって編成が変わるバンドであり、この作品もその変遷の途中にある時代の記録として見ることができます。複数の楽器が絡み合うサウンドは、こうした編成の厚みと関係が深いはずです。

まとめ

『Adaptionen』は、1976年の東ドイツにおけるElectraのプログレッシブ・ロック路線を示す作品です。Rundfunk der DDR録音という背景、放送局制作らしい音像、そしてバンドの演奏主体の構成が重なって、当時のGDRロックの実像を伝える一枚になっています。派手なヒット曲で押すタイプというより、バンドの作曲や編成の作法をじっくり追うタイプの作品です。

トラックリスト

• A1 – Borodin-Suite (13:20)
• A2 – Bach ’75 (6:25)
• B1 – Säbeltanz (6:05)
• B2 – Prélude Cis-Moll Opus 3 Nr. 2 (4:40)
• B3 – In Der Halle Des Bergkönigs (3:25)
• B4 – Türkischer Marsch (3:53)

関連動画

• Electra : Borodin Suite
• ELECTRA/BACH’75
• Electra – Säbeltanz (Aus dem ballett, gajaneh’ von Aram chatschaturjan)
• Electra – Tuerkischer Marsch (1976)
• Electra Adaptionen1975 Full Album
• Electra: Adaptionen (Germany/DDR, 1976) [Full Album]
• Electra · Adaptionen · GDR 1976 (1/2)
• Electra – Turkischer Marsch (Germany Symphonic Prog&Crossover Prog 1976)

Karen Dalton『Shuckin’ Sugar』について

Karen Daltonは、1960年代初頭のグリニッジ・ヴィレッジ・フォーク・シーンで活動したアメリカのフォーク／ブルース歌手、バンジョー奏者。Cherokeeの血を引き、十二弦ギターとロングネック・バンジョーを手に、ブルース、フォーク、カントリー、ポップス、モータウンまでを歌った人物として知られている。

『Shuckin’ Sugar』は、2022年に初めて世に出た録音をまとめた作品で、1963年に残された3本のオープンリール・テープをもとにした編集盤。The Atticでの2回分の完全な演奏と、翌2月に録音された公民権擁護団体COREのためのベネフィット公演を含む内容になっている。全体としては、Karen Daltonの初期の姿をそのまま切り取ったアーカイブ作品という位置づけになる。

作品の内容

帯文によると、ここにはKaren Daltonのソロ演奏7曲とデュエット5曲が収められている。演奏順も、できるだけ当時の流れに近づけて並べられているとのこと。録音はThe Atticでの演奏が中心で、B1のみBoulderのU.M.C. Ballroom録音とされている。

この作品の大きな特徴は、未発表だった演奏がまとまって聴ける点にある。帯文では「6曲はこれまで歌ったことのない曲」と説明されており、Karen Daltonのレパートリーの幅を知る手がかりにもなっている。

Karen Daltonのディスコグラフィーの中で

Karen Daltonは、録音作品が多いタイプのアーティストではない。だからこそ、1963年の現場を収めた本作は、彼女の活動初期を知るうえで重要な資料性を持つ。すでに知られているアルバムでは、後年のスタジオ録音から彼女の声や解釈の個性が伝わるが、『Shuckin’ Sugar』では、もっと生々しい会場の空気と、当時のレパートリーの運びが見えやすい。

共演者のRichardとの関係についても、帯文では1962年にKarenがColoradoへ呼び寄せ、以後デュオで活動していたことが記されている。山で馬に乗り、DenverやBoulderのパーティーや会場で歌ったという記述からも、この時期の生活と演奏が近い場所にあったことがうかがえる。

同時代の文脈

1960年代前半のフォーク・リバイバルの中では、当時の歌い手たちが伝承曲やブルースを自分の声で歌い直していく流れがあった。Karen Daltonもその文脈にいるが、帯文ではPeter, Paul and Maryが象徴するような時代の空気の中で、彼女が自然に枠を押し広げていたと語られている。

比較対象として名前が挙がりやすいのは、同じグリニッジ・ヴィレッジ周辺で活動したフォーク系の歌い手たちや、ブルースとフォークの境界をまたいだアーティストたち。Bob Dylan、Fred Neil、Holy Modal Roundersといった名前が彼女の周囲にあったことも、当時のシーンとの近さを示している。

収録曲の印象

曲名から確認できるものでは、冒頭の「Trouble In Mind」が目を引く。帯文では、この曲での立ち上がりが「jaw-dropping」と表現されており、早い段階から彼女の歌の個性が強く出る構成になっている。録音全体も、単なる珍品というより、当時の演奏の流れと歌の運びをそのまま残した資料としての性格が強い。

代表曲や大ヒット曲を前面に置くタイプの内容ではなく、むしろ未発表の演奏、初出の歌、当時のレパートリーの断片が並ぶことに意味がある作品。Karen Daltonという歌い手の輪郭を、既発のアルバムとは別の角度から見せる内容になっている。

2022年盤について

2022年盤は、Record Store Day 2022向けの限定3500枚、Transparent Natural Vinyl仕様。オリジナルの1963年録音を、2022年に初めてアナログ盤としてまとめたものになる。ジャケットや帯の説明も含めて、発掘音源としての性格がはっきりした一枚。

Karen Daltonのファンにとっては、初期の姿を具体的にたどれる記録。1960年代フォークの周辺を聴く人にとっても、当時の空気をそのまま残した音源として見どころのあるタイトルだと思う。

トラックリスト

• A1 – Trouble In Mind (4:03)
• A2 – If You’re A Viper (2:02)
• A3 – When First Unto This Country (2:38)
• A4 – Shiloh Town (3:13)
• A5 – Shuckin’ Sugar Blues (3:06)
• A6 – Every Time I Think Of Freedom (2:42)
• B1 – Ribbon Bow (3:08)
• B2 – Blues Jumped The Rabbit (3:34)
• B3 – Lonesome Valley (3:25)
• B4 – When I Get Home (3:01)
• B5 – In The Pines (3:52)
• B6 – Katie Cruel (2:42)

関連動画

• Trouble in Mind
• If You’re a Viper
• When First Unto This Country
• Shiloh Town
• Shuckin’ Sugar Blues
• Every Time I Think of Freedom
• Ribbon Bow
• Blues Jumped the Rabbit
• Lonesome Valley
• When I Get Home

Kansas『Power』について

Kansasの『Power』は、1986年に発表された作品で、バンドの80年代後半の動きを知るうえで外しにくい1枚です。Kansasは1973年にカンザス州トピカで結成されたアメリカのロック・バンドで、プログレッシブ・ロック寄りの構成感と、AORやハードロックの要素を行き来してきたグループとして知られています。

この『Power』は、そうしたKansasの長い活動の中でも、80年代型の録音感や曲づくりが前面に出た時期の作品として位置づけられる盤です。盤面のクレジットには、デジタル録音・マスタリング、そしてDirect Metal Masteringの表記があり、音の輪郭を強く意識した作りになっていることがうかがえます。

作品の輪郭

本作のスタイルは、Pop Rock、Prog Rock。Kansasらしい楽曲の組み立てを保ちながら、当時のロック・アルバムらしい整った音像に寄せた内容です。ジャケット内袋にはクレジットと歌詞が載ったカスタム仕様のグレーのインナー・スリーブが付属しており、作品としてのまとまりを意識した装丁になっています。

制作クレジットには、Crawford Communications、Ricky Keller Studios、M.O.R. Studiosでのプリ・プロダクションが記されています。こうした複数スタジオの関与も含めて、バンド単独のライヴ感だけで押し切るというより、録音と編集の精度を重視した時代の作品という印象が残る内容です。

Kansasというバンドの中での位置づけ

Kansasは、70年代中盤の代表作で知られる一方、80年代には編成や音楽性の変化を重ねながら活動を続けてきました。『Power』は、その流れの中で1986年に出たアルバムで、当時のバンドがどのように自分たちの持ち味を現代化していたかを見る手がかりになる作品です。

メンバー表記には、Steve Walsh、Rich Williams、Phil Ehart、Kerry Livgren、Robby Steinhardt、Dave Hope、John Elefante、Billy Greer、Tom Brislin、Zak Rizvi、Joe Deninzon、Ronnie Plattら、時期をまたいだ名前が並びます。Kansasというバンドが長く続いてきたこと、そして時代ごとに人員が入れ替わりながらも活動を保ってきたことが、この情報だけでも伝わってきます。

音の作りと盤の特徴

リリースノートには「Digitally recorded and mastered to insure highest audio fidelity. Therefore, play this record loud.」という記述があり、音質面へのこだわりが前面に出ています。さらにDirect Metal Masteringの表記もあるため、カッティング段階での解像感やレンジ感を意識した盤と考えられます。

また、レーベルや関係者への謝辞が非常に多く、録音・制作・周辺スタッフを含めた大きな体制で作られたことがわかります。Yamaha Drums、Zildjian Cymbals、Remo Drum Heads、Peavey Amps、Ernie Ball、Lexicon、DiMarzio、JBL、Paul Reed Smith Guitarsなど、機材名も多く並んでおり、当時のスタジオ制作の現場感が残るクレジット構成です。

曲と聴きどころ

本作の具体的な収録曲名まではここでは触れませんが、Kansasの作品群の中で80年代らしい整ったサウンドと、バンドの持つ演奏力が交差するポイントとして聴かれることが多い一枚です。特に、Steve Walshのボーカル、Rich Williamsのギター、Phil Ehartのドラムといったバンドの核になる要素は、Kansasらしい緊張感を支える部分として注目しやすいところです。

もしKansasの代表曲群が70年代の長尺構成や変拍子の印象で語られやすいとすれば、『Power』は、そうしたイメージを保ちながらも80年代の録音美学に寄せた時期の記録として見ると、位置づけが掴みやすい作品です。

同時代の文脈

1986年という年は、プログレッシブ・ロックの初期的な文法がそのまま主流だった時代ではなく、よりコンパクトでラジオ適性のあるロックが強かった時期です。その中でKansasのようなバンドは、長年のバンド・サウンドを残しつつ、時代の音作りに合わせていく必要がありました。

その意味で『Power』は、クラシックなプログレ寄りの感覚と、80年代のポップ・ロック／ハードロックの制作感が重なる地点にある作品として見やすい盤です。Kansasのキャリアを追ううえでは、70年代の代表作とはまた違う表情を確認できるタイトルです。

盤情報

• アーティスト: Kansas
• タイトル: Power
• リリース年: 1986年
• リリース国: US
• ジャンル: Rock
• スタイル: Pop Rock, Prog Rock
• 仕様メモ: グレーのカスタム・インナー・スリーブ、歌詞・クレジット掲載
• 録音・マスタリング: デジタル録音、Direct Metal Mastering表記

Kansasの歩みの中でも、80年代の制作意識がはっきり出た作品として、音の質感やクレジットの細部まで含めて見ると面白い1枚です。

トラックリスト

• A1 – Silhouettes In Disguise (4:26)
• A2 – Power (4:25)
• A3 – All I Wanted (3:20)
• A4 – Secret Service (4:42)
• A5 – We’re Not Alone Anymore (4:16)
• B1 – Musicatto (3:30)
• B2 – Taking In The View (3:06)
• B3 – Three Pretenders (3:50)
• B4 – Tomb 19 (3:46)
• B5 – Can’t Cry Anymore (4:01)

関連動画

• Can’t Cry Anymore | Kansas | Power | 1986 MCA LP
• Kansas – All I Wanted (1986)
• Silhouettes In Disguise
• Power
• Secret Service
• We’re Not Alone Anymore
• Musicatto
• Three Pretenders
• Taking In The View
• Can’t Cry Anymore

Triumvirat『Old Loves Die Hard』（1976）について

Triumviratは、ドイツ・ケルンで結成されたプログレッシブ・ロック・バンドだ。キーボードのJürgen Fritzを中心に、緻密な構成とシンフォニックな展開を持つ作品を発表してきたグループで、この『Old Loves Die Hard』は1976年に発表されたアルバムである。バンドにとっては、前作『Spartacus』（1975）で得た勢いのあとに出た作品で、同時代の英国系プログレとは少し違う、ドイツらしい硬質さとクラシカルな組み立てが前面に出た一枚として位置づけられる。

この時期のTriumviratは、Jürgen Fritz、Barry Palmer、Dick W. Frangenberg、Hans Batheltを軸にした編成。制作は1976年1月5日から4月6日にかけて、W. GermanyのケルンにあるEMI Electrola Studio 1で録音・ミックスされている。アルバム全体に、スタジオ作品としての作り込みの細かさがある一方で、前作までと比べると商業的な広がりは限定的だったとされる。

作品の位置づけ

Triumviratにとって『Old Loves Die Hard』は、人気作『Spartacus』の次に置かれた重要な作品だが、バンドの流れの中では転機のような一枚でもある。プロフィール情報でも触れられている通り、この作品は前作ほどの成功には至らず、サポート・ツアーも行われなかった。その後バンドは解散しており、Triumviratの活動史の中では、70年代中期の勢いが一段落した地点にある。

ドイツのプログレという文脈では、CanやFaustのような実験色の強いグループとは方向が異なり、Triumviratはむしろキーボード主体の組曲的な構成、メロディの運び、英米プログレに通じる組み立てで聴かれることが多い。Emerson, Lake & Palmerを想起させるタイプの演奏感を持つ、という見方もされやすいバンドだ。

収録曲と注目点

このアルバムでは「The History Of Mystery」が1曲としてまず目に入る。リリースノートによると、この曲のヴォーカルはCologneのStudio Nで録音されている。曲名からも分かる通り、物語性を持たせた構成が意識されているような作りで、Triumviratらしい組曲的な発想の延長線上にある。

また、アルバム全体は英語詞で進み、キーボードの比重が高い。バンドの音の核がピアノ、オルガン、シンセサイザーにあることはこの時期も変わらず、リズム隊と歌がその上を支える形になっている。プログレッシブ・ロックらしい展開、パートごとの切り替え、演奏の密度が聴きどころになる作品だ。

盤の仕様と当時のリリース情報

この1976年のドイツ盤は、シングル・スリーブ仕様で、プリントされたポリ/ペーパーの内袋付き。初期プレスにはEMI Electrolaの「German Rock Paradise」カタログのインサート、または同種の告知ステッカーが付いていた個体もある。ジャケット表記では「EMI Electrola GMBH. All rights reserved.」「Printed in Germany by 4P NICOLAUS GMBH, Koln」とあり、ラベルには「℗ 1976 EMI Electrola GmbH」「MADE IN GERMANY」と記されている。ランアウトはスタンプ仕様。

オリジナル盤として見ると、発売当時のドイツEMI系のプレスらしい、かなり実用的な装丁でまとまっている。派手な仕様というより、EMI Electrolaのカタログ作品としてきちんと流通した盤、という印象が強い。

Triumviratの中での見え方

Triumviratは、デビュー以降『Mediterranean Tales (Across The Waters)』『Illusions On A Double Dimple』『Spartacus』と、アルバムごとに存在感を強めてきた。『Old Loves Die Hard』はその流れの中で、まだ壮大なプログレ色を保ちながらも、バンドの勢いが少し変わっていく時期を写している。

プログレというジャンルが70年代半ばにかけて大きな転換点を迎える中で、このアルバムもまた、拡張的な構成とロックとしての輪郭のあいだに置かれた作品として聴かれてきた。Triumviratのディスコグラフィーを追ううえでは、『Spartacus』の次にある実録的な一枚、という見方が自然だろう。

まとめ

『Old Loves Die Hard』は、1976年のドイツ産プログレッシブ・ロックを代表するTriumviratの作品のひとつであり、バンドの転機に位置するアルバムだ。録音はケルンのEMI Electrola Studioで行われ、キーボード主体の構成、英語詞、組曲的な展開というTriumviratらしさがしっかり残っている。前作『Spartacus』のあとに続く作品として、バンドの歴史を追ううえで外せないタイトルである。

トラックリスト

• A1 – I Believe (7:51)
• A Day In A Life
• A3 – The History Of Mystery (Part One) (7:50)
• B1 – The History Of Mystery (Part Two) (3:59)
• B2 – A Cold Old Worried Lady (5:50)
• B3 – Panic On 5th Avenue (10:31)
• B4 – Old Loves Die Hard (4:26)

関連動画

• Triumvirat – A Day In a Life
• Triumvirat – Panic On 5th Avenue
• Triumvirat – Old loves die hard
• A Cold Old Worried Lady | Triumvirat | Old Loves Die Hard | 1976 Capitol LP
• I BELIEVE

After The Fire「Der Kommissar = 秘密警察」について

After The Fireは、1972年にロンドンで結成されたイギリスのグループ。キーボード奏者のPeter Banksを中心に始まり、初期はプログレッシブ・ロック寄りの活動からスタートし、その後ニュー・ウェイヴ／シンセポップへと軸足を移していったバンドである。

この「Der Kommissar = 秘密警察」は、1982年発表のコンピレーション盤で、1983年に日本で出た盤。タイトル曲の「Der Kommissar」は、After The Fireの代表曲として知られている1曲で、バンドの後期を象徴するシングルでもある。

作品の位置づけ

After The Fireのディスコグラフィーの中では、初期のプログレ色よりも、シンセを前面に出した時期のまとまりを確認しやすい内容の編集盤という印象。収録曲のクレジットを見ると、1979年、1980年、1982年のCBS録音が混在していて、バンドの変化を年代順にたどるような構成になっている。

1980年代前半の英国ニュー・ウェイヴ／シンセポップの流れの中で、After The Fireは、同時代のバンドと比べてもキーボードの輪郭がはっきりしたサウンドが特徴的な存在。想起される比較対象としては、同じくシンセを軸にしたバンド群が挙がるが、この作品ではロックバンドとしての骨格も残っている。

収録曲と代表曲

中心になるのはやはり「Der Kommissar」。原曲はFalcoのヒットで、After The Fire版も英語圏でよく知られるようになった楽曲である。タイトルに「秘密警察」と添えられている日本盤は、その楽曲の認知度を前提にした出し方になっている。

収録内容は編集盤らしく、単独のアルバムというより、バンドの複数時期の録音をまとめた構成。曲ごとに制作時期が分かれているため、1枚の中で音の質感の変化が見えやすい。

• 1982年録音曲群: もっとも「Der Kommissar」期のAfter The Fireらしさが出る部分
• 1980年録音曲群: シンセポップ寄りの方向性を固めていく時期の曲
• 1979年録音曲群: まだ前段階のバンドの輪郭が残る時期の曲

日本盤としての見どころ

この盤は日本リリースで、邦題「秘密警察」が付いているのが特徴。1980年代前半の日本盤では、ヒット曲を前面に出したタイトルや表記がよく見られ、この作品もその流れの中にある。

再発盤として見ると、オリジナルの1982年リリースをもとにしつつ、1983年の日本盤として市場に出たもの。収録年の幅があるため、単一時期のスタジオ作ではなく、バンドの変遷をまとめて把握するための1枚として整理できる。

まとめ

After The Fireの「Der Kommissar = 秘密警察」は、バンドの代表曲を軸に、1979年から1982年にかけての録音をまとめたコンピレーション盤。初期プログレからニュー・ウェイヴ／シンセポップへ移っていく流れの中で、After The Fireがどの位置にいたかをつかみやすい作品である。

「Der Kommissar」の存在で知られる一方、編集盤全体としては、CBS時代の各年の音を並べた構成が目立つ。バンドの変化を追うための資料性もある内容、といえる。

トラックリスト

• A1 – Der Kommissar (4:07)
• A2 – Who’s Gonna Love You (When You Are Old Fat And Ugly) (4:05)
• A3 – Frozen Rivers (3:36)
• A4 – Joy (3:17)
• A5 – Dancing In The Shadows (3:02)
• A6 – Billy Billy (4:40)
• B1 – 1980-F (2:32)
• B2 – Rich Boys (3:02)
• B3 – Starflight (4:13)
• B4 – Laser Love (3:28)
• B5 – Love Will Always Make You Cry (3:30)
• B6 – One Rule For You (3:24)
• B7 – Sailing Ship (3:57)

関連動画

• After The Fire – Der Kommissar
• AFTER THE FIRE title:1980-F
• After The Fire – Starflight
• After The Fire – Der Kommissar (HD)

Henry Cow『In Praise Of Learning』について

Henry Cowは、1968年にケンブリッジ大学で結成されたイギリスのアヴァンギャルド／アートロック・グループだ。中心にはフレッド・フリスとティム・ホジキンソンがいて、そこにクリス・カトラー、ジョン・グリーヴス、リンゼイ・クーパーらが加わる形で、70年代の実験的なロックの中でもかなり独自の場所を占めたバンドとして知られている。

『In Praise Of Learning』は1975年発表の作品で、Henry Cowの活動期の中でも重要な位置にある1枚。ジャズ、ロック、アヴァンギャルドという枠で整理されることはあるけれど、実際にはそのどれか1つに収まるというより、構成の細かさ、演奏の切り替わり、歌とインストの行き来が強く印象に残る作品だ。バンドの持っていた緊張感と、組曲的な展開の両方が前面に出ている。

作品の位置づけ

Henry Cowは活動の中で編成の変化が大きく、音楽の方向もアルバムごとに少しずつ変わっていくが、『In Praise Of Learning』はその中でも比較的、バンドの集団性がはっきり出ている時期の作品として受け取られている。フリスのギター、ホジキンソンの鍵盤と作編曲、カトラーのドラム、グリーヴスのベースといった役割が、単純な伴奏と主旋律の関係に収まらず、かなり細かく絡み合うのが特徴だ。

この時代のHenry Cowは、同時代のカンタベリー系や、欧州の室内楽的なロック実験とも近い距離で語られることがある。具体的には、ロックの形式を保ちながらも、演奏の分断、拍子の揺れ、メロディの扱い方にかなり強い実験性がある点で、一般的なプログレッシブ・ロックとは少し違う印象になる。

聴きどころ

このアルバムでは、楽曲がすぐに安定した形に落ち着かず、フレーズの断片や対位的な動きが積み重なっていく場面が目立つ。歌が入る曲でも、いわゆる「歌もの」の流れより、楽器群のぶつかり合いの中で声が配置されていく感じが強い。

実際に聴くと、まず耳に残るのは、音数の多さというより、各パートの置き方の細かさだ。ギターはリフとして固定されず、短い音型やノイズめいたアクセントとして働くことがあるし、ベースも土台というより推進力や不穏さを作る役回りに寄っている。そこに木管的な色合いが加わる場面では、ロックの編成というより小編成の現代音楽に近い感触も出てくる。

楽曲面と代表性

Henry Cowには広く知られたヒット曲というタイプの楽曲はあまりないが、このアルバムはバンドの代表的な時期を示す1枚として語られることが多い。曲単位で切り出して聴くというより、アルバム全体の流れで印象が強まるタイプの作品だ。

特に、演奏の密度が高い場面と、急に隙間が生まれる場面の対比がはっきりしていて、そこでバンドの表現意図が見えやすい。歌唱も、一般的なロックの「フロントに立つヴォーカル」というより、アンサンブルの一部として機能している。

1979年盤について

この日本盤は1979年リリースで、帯と日本語解説書が付属している。オリジナルの1975年盤から少し時間が経って出た再発盤として扱われるもので、当時の日本でHenry Cowを聴く入口のひとつになっていた可能性がある。日本語ライナーが付くことで、作品の背景やバンドの文脈に触れやすい仕様になっているのが、この盤の特徴だ。

まとめ

『In Praise Of Learning』は、Henry Cowというバンドの実験性、構成力、アンサンブルの緊張感がまとまって出た作品だ。ジャズ、ロック、アヴァンギャルドという言葉で説明されることはあるが、実際にはその境界を行き来する音作りが中心にある。70年代半ばの英国実験音楽の空気を、そのまま音にしたような1枚、と言えるかもしれない。

トラックリスト

• A1 – War (2:25)
• A2 – Living In The Heart Of The Beast (16:10)
• B1 – Beginning: The Long March (5:58)
• B2 – Beautiful As The Moon- Terrible As An Army With Banners (7:01)
• B3 – Morning Star (6:05)

関連動画

• War
• Living in the Heart of the Beast
• Beginning: the Long March
• Beautiful as the Moon; Terrible as an Army with Banners
• Morning Star

Bruce Springsteen『Greetings From Asbury Park, N.J.』について

Bruce Springsteenのデビュー作『Greetings From Asbury Park, N.J.』は、1973年にオリジナルが発表されたアルバムです。ブルース・スプリングスティーンが「The Boss」と呼ばれる存在になる前、ニュージャージー州の海岸沿いの空気感と、歌詞を前面に出した作風をすでに示していた作品として知られています。E Street Bandとの関係が形になっていく前夜の記録でもあり、後年の大きなスケールのロックとは少し違う、言葉の密度が印象に残る一枚です。

作品の位置づけ

このアルバムは、スプリングスティーンのキャリアの出発点にあたる作品です。のちの代表曲群のような大きな合唱感やアリーナ・ロック的な広がりよりも、まずは語り口の強さ、人物描写、街の風景を切り取る視点が前に出る内容になっています。ニュージャージーのローカルな景色を背負ったシンガーソングライターとしての輪郭が、最初期の段階で見えるアルバムと言えるでしょう。

収録曲と聴きどころ

この作品には、のちにステージで長く歌われる曲も含まれます。とくに「Blinded by the Light」は、後年マンフレッド・マンのカバーでも広く知られることになった曲です。スプリングスティーン本人のヴァージョンでは、言葉の連なりが前へ前へと進む構成が目立ち、デビュー作らしい勢いがある内容です。

ほかにも、短いフレーズを積み重ねながら景色を描いていく曲が多く、ロックバンドの推進力と、シンガーソングライターとしての筆致が同居している印象です。派手な演出よりも、歌詞とリズムの進み方で引っぱるタイプのアルバムと受け取れます。

同時代の文脈

1973年という時期は、アメリカン・ロックの中でも、より個人的な視点や土地の匂いを持つ作品が重要になっていった時代です。スプリングスティーンもその流れの中で語られることが多く、同じくシンガーソングライター色の強いアーティストたちと並べて語られることがあります。ただ、このデビュー作では、のちの完成されたバンド・サウンドよりも、まず言葉の量と勢いが先に立っているのが特徴です。

1980年の日本盤について

今回の盤は1980年の日本盤再発で、帯付き、両面印刷のインサート付き、さらに“gimmick”仕様のポストカード風カバーで出ています。盤としてはオリジナル1973年盤とは別のリリースで、日本市場向けの装丁が加わった版です。左側に黒と青の帯が付いた4回目の日本再発盤という情報があり、見た目の仕様に特徴があります。

日本盤ならではの要素としては、ジャケットそのものの物理的な楽しさが大きいです。ポストカード風のカバーは、作品名にある“Asbury Park, N.J.”という地名の雰囲気ともつながっていて、レコードを手に取ったときの印象を強める作りになっています。

総括

『Greetings From Asbury Park, N.J.』は、Bruce Springsteenの原点を確かめるための一枚です。のちの大きな成功の前段階としてだけでなく、最初から言葉で風景を立ち上げる力を持っていたことがわかるアルバムでもあります。1973年のオリジナルと、1980年の日本盤再発とでは時代背景も装丁も異なり、その違いも含めて見どころのある作品です。

トラックリスト

• A1 – Blinded By The Light
• A2 – Growin’ Up
• A3 – Mary Queen Of Arkansas
• A4 – Does This Bus Stop At 82nd Street?
• A5 – Lost In The Flood
• B1 – The Angel
• B2 – For You
• B3 – Spirit in The Night
• B4 – It’s Hard To Be A Saint In The City

Fuzzy Duck『Fuzzy Duck』について

Fuzzy Duckは、1970年にロンドンで結成されたイングリッシュ・プログレッシブ・ロック・バンドだ。1971年にシングル2枚とアルバム1枚を残し、ほどなく解散している。バンド名そのままを冠したこの『Fuzzy Duck』は、彼らの唯一のアルバムとして知られる作品で、70年代初頭の英国プログレ周辺の空気をそのまま閉じ込めた一枚という位置づけになる。

作品の概要

本作は1971年のオリジナル盤をもつ作品で、ここで扱う盤はMAMから出たオリジナル盤をもとにしたブートレグ盤だ。収録内容そのものは、バンドが短い活動期間の中で残したスタジオ録音を中心にしたものとして理解されている。

メンバーはPaul Francis、Grahame White、Roy Sharland、Mick Hawksworth、Garth Watt-Roy。ギター、オルガン、リズム隊が前に出る編成で、当時の英国のハード寄りプログレやブルースロックとも接点のある顔ぶれだ。

音の特徴

実際に聴くと、サウンドの芯はオルガンとギターにある。リズムは前へ押し出すタイプで、演奏の密度が高い場面と、少し間を取る場面の切り替えがはっきりしている。70年代初頭の英国プログレに多い、長大な組曲志向というよりは、ロックの推進力を残したまま展開していく手触りがある。

同時代の文脈で見ると、Jethro TullやAtomic Rooster、あるいはハードロック寄りの英国プログレと並べて語られることがあるタイプのバンドだ。とはいえ、大きな成功を収めたグループではなく、アルバム1枚とシングル2枚で終わった点に、この時代のローカルなバンドらしさも出ている。

アルバムの位置づけ

『Fuzzy Duck』は、バンドの活動期間そのものを示す記録としての意味合いが強い。代表作というより、短命だったバンドが1971年に残した唯一のフルアルバムとしての存在感が大きい。英国プログレの大きな流れの中では、メジャー級の名盤群の陰で語られることが多いが、当時の空気を知るうえでは押さえやすい作品だ。

リリース面について

この盤はブートレグ盤で、オリジナルはMAMからのリリースになる。オリジナル盤と比べると、ブートレグ盤ではレーベルや流通の性格が異なるため、コレクション上の位置づけは変わる。作品そのものは1971年のアルバムとして扱われる。

まとめ

Fuzzy Duckの『Fuzzy Duck』は、短い活動歴の中で残された唯一のアルバムであり、英国初期プログレの一断面を示す作品だ。オルガン主体のバンド・サウンド、ロックの推進力、そして1971年という時代のまとまりが、1枚の中に収まっている。

トラックリスト

• A1 – Time Will Be Your Doctor (5:06)
• A2 – Mrs. Prout (6:45)
• A3 – Just Look Around You (4:20)
• A4 – Afternoon Out (5:20)
• B1 – More Than I Am (5:30)
• B2 – Country Boy (6:00)
• B3 – In Our Time (6:49)
• B4 – A Word From Big D (1:51)

関連動画

• Time Will Be Your Doctor
• Mrs. Prout
• Just Look Around You
• Afternoon Out
• More Than I Am
• Country Boy
• In Our Time
• A Word from Big D
• FuzzyDuck

Andy Summers『Charming Snakes』について

『Charming Snakes』は、The Policeのギタリストとして知られるAndy Summersが1990年に発表したソロ作品である。ジャズを軸にしたジャズロック色の強い内容で、バンドでの活動とは少し違う、ギター主導のインストゥルメンタル寄りの世界が見えてくる一枚だ。

Andy Summersという人

Andy Summersは1942年、イングランドのランカシャー州ポールトン＝ル＝フィルデ生まれの英国人ギタリスト。The Policeでの活動が特に有名だが、ソロではプログレッシブ・ロック、ブルースロック、ジャズ・フュージョン、ニューエイジ、フォークまで幅広い領域を行き来してきた。ギターの音色そのものを聴かせるタイプのプレイヤーで、コードの響きや間の取り方に個性がある。

作品の位置づけ

1990年の『Charming Snakes』は、そうしたソロ活動の流れの中にある作品で、The Policeの文脈から離れて、ギタリストとしての関心が前面に出たタイトルと見てよさそうだ。ジャズ畑のプレイヤーと近い感触を持ちながらも、ロック由来の輪郭が残るあたりがAndy Summersらしい。

この時期の欧州制作盤で、ジャケット裏には「Printed in Germany by TOPAC」、レーベル面には「Made in Germany」とある。プレスや仕上げの表記も含めて、当時のドイツ製造盤らしい仕様である。ランオフはスタンプ刻印。

聴きどころ

この作品でまず気になるのは、ギターの存在感である。Andy Summersのソロ作は、フレーズの速さで押すよりも、音の置き方や和音の響きで聴かせる場面が目立つことが多い。『Charming Snakes』でも、ジャズロックの枠の中で、ギターがメロディ、伴奏、空間の輪郭をまとめて担うような作りが想像しやすい。

また、The Policeの代表曲で見せた乾いたカッティングや、少ない音数で印象を残す感覚は、ソロ作にも通じる部分がある。派手なヒット曲を狙うアルバムというより、演奏そのものを追うタイプの内容として受け取られやすい一枚である。

同時代・ジャンルの文脈

1990年前後のジャズロック／フュージョン周辺では、ギタリストが自作曲を中心にしたインストゥルメンタル作品を出す流れがまだしっかり残っていた。Andy Summersもその文脈に置ける人物で、ロックの出自を持ちながらジャズ寄りの演奏語法を取り込んでいる点に特徴がある。比較対象としては、同時代のロック系ギタリストが手がけるジャズフュージョン寄りのソロ作を思い浮かべると、輪郭がつかみやすい。

まとめ

『Charming Snakes』は、The Policeのギタリストというイメージだけでは収まらないAndy Summersのソロ活動を示す1990年作である。ジャズロックを軸に、ギターの音色、和音、フレージングを中心に組み立てた作品として見えてくる。派手さよりも、プレイヤーとしての視点が前に出る一枚だ。

トラックリスト

• A1 – Mexico 1920 (4:00)
• A2 – Charming Snakes (5:14)
• A3 – Big Thing (7:07)
• A4 – Rainmaker (6:18)
• A5 – Charis (3:19)
• B1 – Mickey Goes To Africa (4:53)
• B2 – Innocence Falls Prey (2:45)
• B3 – Passion Of The Shadow (5:10)
• B4 – Monk Gets Ripped (3:57)
• B5 – Easy On The Ice (4:34)
• B6 – The Strong & The Beautiful (3:49)

関連動画

• Charming Snakes
• Andy Summers – Mexico 1920
• Andy Summers – Easy on the Ice
• Andy Summers – Innocence Falls Prey
• Andy Summers – Rainmaker
• Blues For Snake
• Passion Of The Shadow

O.R.k.『Ramagehead』について

『Ramagehead』は、UK発のO.R.k.が2019年に発表した作品である。Pat Mastelotto、Colin Edwin、Lorenzo Esposito Fornasari、Carmelo Pipitoneらによる編成で、ロックを土台にしながら、緻密な展開と不穏さを含んだ音像をまとめたアルバムとして位置づけられる。ジャンル表記としてはArt Rock、Prog Rockにまたがる内容で、演奏の切り替えやリズムの組み方にその性格が出ている。

バンドの輪郭

O.R.k.は、メンバーそれぞれの活動歴がはっきりしたプロジェクト型のバンドである。Pat Mastelottoは複雑なリズム処理で知られるドラマーで、Colin Edwinは低音の動きで楽曲の芯を支えるタイプのプレイヤーとして知られる。そこにLorenzo Esposito Fornasariの歌と、Carmelo Pipitoneのギターが加わることで、硬質なバンドサウンドの中に、声と間の使い方が入ってくる構成になっている。

アーティスト紹介にもある通り、このグループの音楽は、アコースティックな手触り、数学的な組み立て、アンビエント寄りの電子音の気配が同居する方向にある。とはいえ、前面に出るのはあくまでロックのバンド演奏で、音の整理と圧のかけ方に特徴がある。

『Ramagehead』の内容

本作は全9曲構成で、レコードのトラック表記も1から9まで通しで記されている。曲ごとの性格を細かく切り分けるより、アルバム全体で流れを作るタイプの作品に見える。強いビートで押す場面と、空間を広く取る場面の行き来があり、曲の入り口と終わり方にも丁寧さがある。

聴感上は、演奏の解像度が高い一方で、過度に整えすぎない感触が残る。リズム隊が前に出る局面では推進力が強く、歌が入る場面ではメロディよりも言葉の置き方が曲の表情を決めている印象がある。プログレッシブ・ロックの文脈で語られやすいタイプだが、技巧の誇示だけに寄らず、曲の温度を保っているところがこの作品の特徴だろう。

作品の位置づけ

2019年時点のO.R.k.にとって、『Ramagehead』はバンドの輪郭をさらに固めたアルバムとして見やすい。初期の試行錯誤を経て、メンバーの持ち味がすでに噛み合っている段階の作品で、音の密度と構成のバランスが取れている。派手なヒット曲を前提にした作りではなく、アルバム単位で聴かせる性格が強い。

同時代のロックでいえば、プログレやアートロックの系譜にあるが、クラシックな大作主義よりも、現代的な音の切り詰め方が目立つ。King Crimson系の緊張感や、ポスト・プログレ的な整理された質感を連想する場面もあるが、O.R.k.はそこに独自の歌とリズムの組み方を持ち込んでいる。

盤の仕様

今回のUK盤は、180グラムのクリア・ヴィニール仕様で、300枚限定。再封可能なプラスチック・スリーブに入れられ、ハイプステッカーが付属する。印刷入りの内袋には歌詞とクレジットが収録され、折りたたみ式のインサートにはKscopeのほかの作品案内が載っている。さらにBurning Shedのポストカードも同梱される内容である。

盤面やジャケットの表記では、トラック番号は1から9まで統一されている。コレクター向けの仕様を備えつつ、作品としてはアルバム本編のまとまりを重視した作りと言える。

まとめ

『Ramagehead』は、O.R.k.の演奏力と構成力が前面に出た2019年作である。ロックを基盤にしながら、アートロックやプログレッシブ・ロックの要素を、過剰に飾らずに並べた一枚。メンバーの個性がはっきりしているぶん、各曲の輪郭も見えやすい作品である。

トラックリスト

• A1 – Kneel To Nothing
• A2 – Signals Erased
• A3 – Beyond Sight
• A4 – Black Blooms
• A5 – Some Other Rainbow Part 1
• B6 – Time Corroded
• B7 – Down The Road
• B8 – Strangled Words
• B9 – Some Other Rainbow Part 2

関連動画

• O.R.k. – Kneel To Nothing (from Ramagehead)
• Signals Erased
• Beyond Sight
• O.R.k. – BLACK BLOOMS feat. SERJ TANKIAN
• Time Corroded
• Down the Road
• Some Other Rainbow (Pt. One)
• Some Other Rainbow (Pt. Two)

Jack DeJohnette’s Directions『Cosmic Chicken』について

『Cosmic Chicken』は、Jack DeJohnette率いるDirections名義で1975年に発表された作品。録音は1975年4月24日から26日、カリフォルニア州バークレーのFantasy Studiosで行われている。ジャズを土台にしながら、当時のエレクトリック・ジャズ／フュージョンの空気を強く映した一枚で、Jack DeJohnetteの活動の中でも、バンドとしての方向性をはっきり示した時期の記録として捉えやすい作品だ。

バンドの顔ぶれ

参加メンバーは、Jack DeJohnette、John Abercrombie、Mike Richmond、Warren Bernhardt、Peter Warren、Alex Foster。
この編成を見るだけでも、ドラムを軸にした即興性と、エレクトリックな響きやコンポジションの要素が同居するグループだったことがうかがえる。特にJack DeJohnetteとJohn Abercrombieの組み合わせは、この時代のジャズ・ロック／フュージョン文脈で印象に残る顔合わせのひとつだ。

作品の輪郭

本作は、1975年当時のアメリカ西海岸のスタジオで録音された、ライブ感のあるセッション色の強い作品として聴こえる。Jack DeJohnetteのリーダー作ではあるが、単なるドラム中心の作品というより、各メンバーの役割がはっきりしたアンサンブルの作りが前面に出る。
ベース、ギター、キーボード、サックスが絡み合い、リズムのうねりの上にフレーズを重ねていく展開が中心で、曲ごとに持続感と変化のバランスが取られているタイプのアルバムだ。

1975年のジャズ／フュージョンの文脈

1975年は、ジャズがエレクトリックな方向へ大きく広がっていた時期。Miles Davis周辺の流れ、Weather Report、Return to Forever、Mahavishnu Orchestraのようなグループが存在感を持つなかで、Jack DeJohnetteのDirectionsもまた、その時代の演奏語法を自分たちの形に組み直していたバンドとして見ておきたい。
同じフュージョンでも、派手な技巧やロック寄りの推進力だけに寄らず、もっと即興の余白やアンサンブルの呼吸を残している点が、この時代の他の代表的グループとの違いとして感じられるはずだ。

聴きどころ

• Jack DeJohnetteのドラミングによる推進力と間合いの取り方
• John Abercrombieのギターが加える輪郭のあるフレーズ
• 鍵盤とリズム隊が作る、硬さと流動性の混ざった質感
• グループ演奏としてのまとまりと、即興の自由度の両立

作品の位置づけ

Jack DeJohnetteにとってDirectionsは、ドラマーとしての存在感を前に出しながら、バンド全体の音楽を組み立てる場だった。その意味で『Cosmic Chicken』は、演奏者個々の力量だけでなく、グループの方向性を示すアルバムとして見やすい。
この時期の彼の活動を追ううえでは、後年のより広い意味でのジャズの展開につながる、ひとつの中間点のような位置にある作品だと捉えやすい。

まとめ

『Cosmic Chicken』は、1975年のアメリカのスタジオで切り取られた、Jack DeJohnette’s Directionsの骨格がよく見えるアルバム。ジャズの即興性とフュージョンの時代感が並走する内容で、バンドとしてのまとまり、各メンバーの役割、当時の空気感が一枚の中に収まっている。

トラックリスト

• A1 – Cosmic Chicken (4:53)
• A2 – One For Devadip And The Professor (3:35)
• A3 – Memories (5:58)
• A4 – Stratocruiser (7:28)
• B1 – Shades Of The Phantom (6:13)
• B2 – Eiderdown (5:35)
• B3 – Sweet And Pungent (3:32)
• B4 – Last Chance Stomp (7:07)

関連動画

• Jack DeJohnnette / Cosmic Chicken – Eiderdown
• Jack DeJohnette’s Directions – Stratocruiser
• Jazz Fusion – Jack DeJohnette’s Directions – Shades Of The Phantom
• Jack DeJohnette’s Directions ‎– Cosmic Chicken (1975)
• Jack DeJohnette’s Directions ‎– Cosmic Chicken (Jazz Fusion) (Rock) (1975) (Full Album)

T.P. Smoke『Smoke』について

T.P. Smokeは、デンマーク出身のトリオによる作品で、Tommy PetersenことTommy P.（オルガン、ボーカル）、Kay Rose（ベース）、René Sejr（ドラムス）という編成で知られる。『Smoke』は1970年の作品として扱われるレコードで、2013年にドイツで再発された盤が流通している。

編成はかなりシンプルだが、オルガン、ベース、ドラムスの3人で構成されることで、当時のハード寄りのサイケデリック・ロックやプログレッシブ・ロックの空気が前面に出やすいタイプの音像になっている。北欧圏のバンドらしい端正さと、70年前後のヨーロッパ・ロックに通じる重心の低さが、この手の作品の持ち味になりやすい。

作品の位置づけ

プロフィール上では、T.P. Smokeは「Danish progressive beattrio」とされており、ビート・グループ的な感覚から出発しつつ、より長めの展開やオルガン主体のアレンジへ寄っていった存在として見られる。『Smoke』は、そのバンド像を知るうえでの中心的な一枚と考えられる内容。

1970年前後のヨーロッパでは、英国のサイケデリック・ロックや初期プログレの影響を受けたバンドが各地に現れており、T.P. Smokeもその文脈に置いて捉えやすい。オルガン・トリオという形は、同時代の英米ロックとも接点がありつつ、バンドごとの個性が出やすい編成でもある。

2013年盤について

この盤は2013年にドイツで出た再発盤で、ジャケットの背と裏面には「LPR LP 0818-1」、LPラベルには「LPR 0818-1」と記載されている。単体ジャケット仕様で、Made in Germany、クレジット上は「© 2013 ℗ 1971.」となっている。

オリジナルの初出年は1970年として扱われる一方で、盤面上の表記は1971年の権利年を示しているため、作品の実際の成立時期と流通上の年号には少し差がある。こうした再発盤では、当時の録音・制作年と、後年の復刻年が混在して見えることがある。

サウンドの印象

実際に針を落とすと、オルガンが前に出る構成はやはり耳に入りやすい。ベースとドラムスが土台を作り、その上でTommy P.のオルガンが旋律も伴奏も兼ねる、という形が中心になりやすい作品像が浮かぶ。歌が入る場面では、演奏の勢いを保ちながら楽曲を引っ張る役割が強そうな印象。

この種の作品では、単純なサイケデリック・ロックの色合いだけでなく、曲の展開やオルガンの扱いにプログレッシブな志向が見えやすい。派手な技巧を前面に出すというより、トリオ編成の制約をうまく使って、まとまった演奏に持っていくタイプの一枚として受け取られやすいだろう。

同時代の文脈

1970年前後の北欧ロックは、英米の影響を受けながらも、より素朴で硬質な演奏感を持つバンドが多い時期でもあった。T.P. Smokeもその流れの中で、オルガン・ロック、サイケデリック・ロック、初期プログレの接点に位置する存在として見ておくと、作品の輪郭をつかみやすい。

同系統の耳で追うなら、オルガン主体のトリオ、あるいは北欧の70年前後のアンダーグラウンド・ロックの文脈に近い。ジャズ・ロックやハード・ロックに接近する場面があっても不思議ではない編成と時代感。

まとめ

T.P. Smoke『Smoke』は、デンマークのオルガン・トリオが1970年前後に残した、サイケデリック・ロックとプログレッシブ・ロックの境界にある作品として整理できる。2013年のドイツ盤はその復刻版で、オリジナル期の空気を今に伝える一枚という位置づけ。

編成、時代、地域性がはっきり出るタイプのレコード。北欧の70年代ロックを追ううえで、ひとつの手がかりになる作品だろう。

トラックリスト

• A1 – The Bad, Bad Junker (6:20)
• A2 – Take A Trip (4:52)
• A3 – You Are Right Place (6:48)
• A4 – I Am A Stone (4:10)
• B1 – The Girl I Met Today (7:07)
• B2 – Dreams (4:01)
• B3 – Hammerschmitts Garden (10:00)
• B4 – Smoke (5:05)

関連動画

• Take A Trip
• Smoke
• Dreams
• Hammerschmitts Garden
• I Am A Stone
• The Girl I Met Today
• The Bad, Bad Junker
• You Are Right Place
• T. P. Smoke- Smoke.wmv
• T. P. Smoke – Smoke (Single A-Side)