Kerry Livgren『Seeds Of Change』について

Kerry Livgrenの『Seeds Of Change』は、1980年にリリースされたソロ作です。Kansasの主要ソングライター、ギタリストとして知られるLivgrenが、自身の名前を前面に出して発表した作品で、彼のソロ活動の初期を代表する一枚として位置づけられる内容です。プロgressive rockバンドKansasの文脈を背負いながらも、ここでは個人名義ならではのまとまりがはっきりしている作品といえます。

作品の背景

Kerry Livgrenは1949年、カンザス州トピカ生まれ。70年代のKansasで「Carry On Wayward Son」や「Dust in the Wind」といった代表曲の作曲を担った人物です。『Seeds Of Change』が出た1980年は、本人が回心を公表した時期でもあり、以後の活動の方向性を考えるうえで重要な年になっています。

本作は1980年2月から3月にかけてAxis Studiosで録音されている。クレジット上はClassic Rockに属する作品ですが、Kansasでの活動を知っていると、ギターのフレーズ、構成の組み立て方、曲の運びにその延長線上の感覚が見えてくる盤です。

サウンドの印象

実際に聴くと、Kansas本体の大きなアンサンブル感よりも、Livgren個人の視点が前に出てくる印象が強いです。リフやメロディの作り方には、70年代Kansasで培われた作曲の流れが感じられる一方で、ソロ作らしく曲ごとの輪郭は比較的はっきりしている。ギター中心のロックとして耳に入りやすく、演奏の密度と曲の推進力が軸になっている作品です。

ここで聴けるのは、派手なヒット狙いというより、Livgrenが自分の考えをそのまま音に落とし込んだような内容。Kansasのヒット曲のような広い知名度を持つシングルがある作品ではないですが、彼の作家性を追ううえでは分かりやすい入口になっている盤です。

Kansasとのつながり

Kerry Livgrenを語るとき、どうしてもKansasとの比較になる。Kansasではバンド全体のアンサンブルと、ヴァイオリンを含む独自の音像が特徴でしたが、『Seeds Of Change』では、そうしたバンドの看板から少し離れて、Livgren個人のギター、作曲、世界観が見えやすい構成です。

この時期のLivgrenは、Kansasの中心的な作曲家でありながら、同時にソロ活動へ向かう足場を作っていた時期でもある。のちに彼がKansasを離れていく流れを知っていると、本作にはその前段階ならではの緊張感も感じられます。

盤の特徴

1980年のオリジナル盤として出たこのリリースは、黒いインナー・スリーブにテキストとフォトアートワークを収めた仕様。ランアウトは基本的に手書き刻印で、Sterlingのみスタンプという記録が残っています。後年には「Decade」コンピレーションの一部としてリマスター再発もされているため、初回盤と比べると音の整い方や収録形態に違いが出る可能性があります。

まとめ

『Seeds Of Change』は、Kerry LivgrenがKansasの主要メンバーとして積み上げた作曲感覚を、ソロ名義で見せた1980年の作品です。バンドの代表曲で知られる作家が、個人としてどの方向を向いていたのかをたどるうえで、位置づけの分かりやすい一枚。70年代アメリカン・プログレ周辺の流れを知る手がかりとしても、見ておきたいタイトルです。

トラックリスト

• A1 – Just One Way (5:46)
• A2 – Mask Of The Great Deceiver (7:36)
• A3 – How Can You Live (4:13)
• A4 – Whiskey Seed (5:33)
• B1 – To Live For The King (4:55)
• B2 – Down To The Core (5:18)
• B3 – Ground Zero (8:36)

関連動画

• Kerry Livgren – “Seeds Of Change” [1980, Christian Progressive Rock] FULL ALBUM (almost)

Strawbs『From The Witchwood』について

『From The Witchwood』は、イングランド出身のロック・バンド、Strawbsが1971年に発表した作品だ。もともとブルーグラスから出発したグループで、のちにフォーク・ロックやプログレッシブ・ロックへと活動の重心を移していく、その過程にあるアルバムとして位置づけられる。Dave Cousinsを軸にしたバンドの輪郭が、よりはっきりしてくる時期の1枚でもある。

バンドの流れの中での位置づけ

Strawbsは、Sandy Denny、Rick Wakeman、Richard Hudson、John Fordなど、後にそれぞれ別の場面で知られることになるメンバーを含んだバンドとしても知られている。『From The Witchwood』が出た1971年は、フォークの要素を残しながら、ロック・バンドとしての厚みや構成の変化を強めていく段階にあたる。のちの代表作『Hero And Heroine』へ向かう前の、バンドの輪郭が固まりつつある時期の作品と見てよさそうだ。

作品の音像と聴こえ方

このアルバムでは、アコースティックな手触りと、バンド演奏のまとまりが同居している。フォーク・ロックらしい曲の運びを土台にしながら、曲によってはプログレッシブ・ロック寄りの展開も見える。派手な技巧を前面に押し出すというより、曲の流れの中で少しずつ景色を変えていくタイプの作りだ。

実際に聴くと、音数の多さよりも、各パートの入り方や曲の切り替えが印象に残りやすい。バンドとしてのまとまりが強く、ソングライティングを軸に聴かせる場面が多い。Strawbsの初期と中期をつなぐ作品らしい、段階的な変化の記録という印象がある。

同時代の文脈

1971年という時期は、イギリスのフォーク・ロックやプログレッシブ・ロックが並走していた時代だ。Strawbsは、その両方の要素を行き来する存在として捉えやすい。Fairport Conventionの流れや、同時代のアコースティック志向のロック、あるいはより組曲的な構成を持つプログレ勢と比較されることもあるが、Strawbsはその中でも歌とフォーク由来の感覚を残しているところが特徴になっている。

代表曲との関係

『From The Witchwood』の時点では、Strawbsの代表曲として広く知られる「Part Of The Union」や「Lay Down」はまだ後年の作品だ。つまり、このアルバムはヒット曲で覚えられる作品というより、バンドがどの方向へ進んでいくのかを示す段階の記録として聴かれることが多いと思われる。

まとめ

『From The Witchwood』は、Strawbsがフォークの感触を残しながらロック・バンドとして前へ進んでいく途中のアルバムだ。Dave Cousinsを中心にした作曲性、アコースティックな要素とバンド・アンサンブルの両立、そしてのちのプログレ路線へつながる流れが見える一作として整理できる。1971年のイギリス・ロックの空気をそのまま閉じ込めたような作品、という見方もできそうだ。

トラックリスト

• A1 – A Glimpse Of Heaven (3:50)
• A2 – Witchwood (3:20)
• A3 – Thirty Days (2:50)
• A4 – Flight (4:25)
• A5 – The Hangman And The Papist (4:10)
• B1 – Sheep (4:15)
• B2 – Canon Dale (3:40)
• B3 – The Shepherd’s Song (2:50)
• B4 – In Amongst The Roses (3:45)
• B5 – I’ll Carry On Beside You (3:10)

関連動画

• A Glimpse Of Heaven
• Witchwood
• Thirty Days
• Flight
• The Hangman And The Papist
• Sheep
• Cannondale
• The Shepherd’s Song
• In Amongst The Roses
• I’ll Carry On Beside You

Vzyadoq Moe『O Ápice』（1988）

ブラジルのVzyadoq Moeによる『O Ápice』は、1988年にリリースされた作品。Post-PunkとIndustrialを軸にしたロック作で、バンド名の通り、少し尋常ではない緊張感をまとった一枚として知られている。

作品の基本像

Vzyadoq Moeはブラジルのバンドで、メンバーはMarcos Stefani、Fernandão Dias、Edgard Steffen、Fausto Marthe、Marcelo Raymond、Jaksan Moreira Jr.。『O Ápice』はその初期の代表作にあたる位置づけの作品として見られることが多い。

サウンドは、ロックの骨格の上に、Post-Punkの乾いた推進力とIndustrialの硬い質感を重ねたもの。バンド編成の音像ながら、演奏の隙間や反復、冷えた手触りが前に出るタイプの作品で、80年代後半のラテンアメリカ圏のアンダーグラウンド・ロックとも地続きの空気を持つ。

聴感のポイント

実際に耳を通すと、歌やメロディを前面に押し出すというより、リズムと質感で引っ張る場面が目立つ。ギターや打楽器的な鳴りが鋭く、音の輪郭がはっきりしている印象。Post-Punkらしい直進感と、Industrial由来の無機的な圧が同居している。

派手な展開で聴かせるというより、一定のテンションを保ちながら進む曲構成が中心にあるように感じられる。ブラジルのロックという枠の中でも、土着的な熱量より、都市的で硬質な側面が強い作品として受け取られやすい。

同時代の文脈

1988年という時期を考えると、世界的にはPost-Punkの流れが80年代前半ほどの勢いはなくなりつつも、各地で独自の解釈が続いていた頃。ブラジルでも、ニューウェーブ以後のロックが多様化していく中で、Vzyadoq Moeのような硬質な表現はかなり異色に映る。

比較対象を挙げるなら、英国のPost-PunkやIndustrialの系譜を思わせる部分がある一方で、ブラジルのバンドらしいローカルな空気も残る。単純に海外の模倣というより、同時代の音を自分たちの編成に落とし込んだタイプの作品に見える。

作品の位置づけ

『O Ápice』は、Vzyadoq Moeの名前を知るうえで外せない初期作品といえる。バンドの方向性を示すタイトルとしても機能していて、以後の活動を追う入口になりやすい一枚。

タイトルの示す通り、ひとつの到達点を置いたような印象もあるが、音そのものは完成された静けさというより、むしろ張り詰めた状態のまま進んでいく。そこがこの作品の特徴になっている。

関連情報

• アーティスト: Vzyadoq Moe
• タイトル: O Ápice
• オリジナルリリース年: 1988年
• リリース国: ブラジル
• ジャンル: Rock
• スタイル: Post-Punk, Industrial
• メンバー: Marcos Stefani, Fernandão Dias, Edgard Steffen, Fausto Marthe, Marcelo Raymond, Jaksan Moreira Jr.

作品の詳細は、アーティスト公式サイトや各種配信ページでも確認できる。1988年当時のブラジル産アンダーグラウンド・ロックとして見ると、かなり個性の立つ記録になっている。

トラックリスト

• Da Finitude Carnal
• A1 – Junto Ao Céu (4:00)
• A2 – O Último Desígnio (2:10)
• A3 – O Incerto (1:58)
• A4 – Desejo Em Chamas (5:50)
• A5 – Redenção (2:54)
• Da Ressureição
• B1 – Não Há Morte (5:23)
• B2 – A Monomania (1:35)
• B3 – O Ápice (2:35)
• B4 – Guerra Das Sombras (0:45)
• B5 – Expansão (6:30)

関連動画

• Vzyadoq Moe / 01. Junto ao Céu
• Vzyadoq Moe / 02. O Último Desígnio
• Vzyadoq Moe / 03. O Incerto
• Vzyadoq Moe / 04. Desejo em Chamas
• Vzyadoq Moe / 05. Redenção
• Vzyadoq Moe / 06. Não Há Morte
• Vzyadoq Moe / 07. A Monomania
• O Ápice
• Guerra das Sombras
• Vzyadoq Moe / 10. Expansão

Cirkel『The First Goodbye』（1983）について

Cirkelの『The First Goodbye』は、1983年にオランダで発表された作品。電子的な要素とロックの輪郭をあわせ持ちつつ、スタイルとしてはシンフォニック・ロック、アート・ロックの流れに置かれる一枚だ。タイトルから受ける印象どおり、華やかさよりも、組曲的な展開や曲ごとのつながりを意識した作りに目が向くタイプのレコードと言える。

この盤には、歌詞とクレジットを収めたインサートが付属する。歌詞シートではB3が「A Morning In France」とだけ表記され、B4はカバーやラベルの「Elfin」ではなく「Elphin」と記されている点が確認できる。こうした表記の違いは、実物を追うときの小さな見どころになっている。

作品の位置づけ

Cirkelのプロフィールやメンバー情報は手元では追えないものの、1983年という時期を考えると、70年代のプログレッシブ・ロックやシンフォニック・ロックの語法を引き継ぎながら、80年代らしい整理された音像へ寄せていく局面の作品として見えてくる。オランダ勢の中では、派手な技巧の誇示よりも、構成や空気の流れを重視するタイプのアルバム群と並べて語りやすい。

同時代の文脈で見ると、アート・ロック寄りの構成感、シンフォニック・ロックの広がり、そして電子音の使い方がポイントになりそうだ。大きなヒット曲で知られる作品というより、アルバム全体で聴かせるつくりの一枚として捉えるのが自然だろう。

内容の印象

実際に聴くと、曲ごとのキャラクターを明確に分けながらも、アルバム全体の流れを切らない構成が印象に残るタイプのはずだ。インサートの歌詞表記まで含めて見ると、曲名や文字情報にも意識が向けられており、作品としてのまとまりを大事にしている姿勢がうかがえる。

とくに、B3の「A Morning In France」やB4「Elphin」のように、タイトルの響きや綴り自体が作品世界の一部になっている印象がある。内容を過度に説明しすぎず、曲名と曲順で物語を進めるタイプのアルバム、と言いたくなる。

まとめ

『The First Goodbye』は、1983年のオランダ産シンフォニック・ロック／アート・ロック作品として、アルバム全体の構成と表記の細部に目が行く一枚。派手な話題性よりも、当時のロックと電子的な音色の接点を、落ち着いた形で残しているところが見どころだ。

盤面そのものより、インサートや表記の違いまで含めて追っていくと、作品の輪郭が少しずつ見えてくる。そんなタイプのレコードである。

トラックリスト

• A1 – More Than A Match
• A2 – Four Hands
• A3 – A Song Of Love And Hate
• A4 – Autumn Awakes
• B1 – The First Goodbye
• B2 – Sea
• B3 – A Morning In France – 5/8
• B4 – Elfin

関連動画

• The Prisoner
• More Than a Match
• Four Hands
• A Song of Love and Hate
• Autumn Awakes
• The First Goodbye
• Sea
• A Morning In France (5/8)
• Wishing
• Elfin

Anna Identici『Maria Bonita』について

Anna Identiciの『Maria Bonita』は、1986年にイタリアで発表された作品です。Anna Identiciは1947年生まれのイタリア人歌手で、ポップス、フォーク、テレビ出演でも知られる存在です。キャリアの中では、歌謡性のある楽曲から民謡的な要素を含む歌まで、比較的幅広い領域を歌ってきた人物として位置づけられます。

作品の輪郭

このアルバムは、タイトルからも想像しやすいように、ラテン圏の歌や物語性のある楽曲の気配を持つ一枚として捉えやすい作品です。1980年代半ばのイタリア盤らしく、フォーク寄りの語り口と、当時のポップ・ソフトロックの感触が同居するタイプの作品として整理できるでしょう。

Anna Identiciのディスコグラフィーの中では、テレビタレントとしての知名度だけでなく、歌手としての持ち味を前面に出した時期の一枚として見やすいタイトルです。派手なロック色というより、歌の輪郭や旋律をきちんと聴かせる方向性の作品として受け取られることが多そうです。

音楽的な印象

実際の音像は、フォークの語り口を土台にしながら、やや柔らかいバンド・サウンドで支える作りが想像しやすいところです。1980年代のイタリアのポップ・フォーク系作品には、アコースティック楽器の響きと歌の表情を前に出す作品が少なくなく、その流れの中で聴くと自然に位置づけられます。

ソフトロック的な要素は、ドラムやギターの押し出しを強くしすぎず、歌を中心にまとめる感触として現れやすいはずです。Anna Identiciの声質や節回しを軸に、メロディを丁寧に追うタイプの作品として受け止めやすい一枚でしょう。

時代背景と文脈

1986年という時期のイタリア音楽は、シンセサイザーを使ったポップスが広がる一方で、伝統歌謡やフォークの要素を残した作品も並走していました。『Maria Bonita』はその中で、流行の最前線を追うというより、歌い手の存在感を前に出す方向の作品として見ると分かりやすいです。

同時代のイタリア女性シンガーの作品と比べると、ドラマ性の強いポップというより、口承的な歌のニュアンスや、ステージで培われた歌唱の安定感に重心がある印象です。クラウディオ・ヴィッラやミーナのような大衆歌謡の系譜とも、部分的には隣接して語られうるでしょう。

Anna Identiciという歌手の中での位置

Anna Identiciは、もともとポップとフォークの両方に接続できる歌手で、テレビでも親しまれてきた人物です。そのため『Maria Bonita』も、単独で奇抜さを競う作品というより、彼女の持つ歌手としての輪郭を確認できるタイトルとして扱いやすいです。

長いキャリアの中で見ると、こうした作品は、時代のポップ感覚を取り込みながらも、彼女の本来の持ち味である歌の明瞭さを保っている点に価値があると言えそうです。

補足

• アーティスト名: Anna Identici
• タイトル: Maria Bonita
• オリジナルリリース年: 1986年
• リリース国: イタリア
• ジャンル表記: Rock, Pop, Folk, World, & Country
• スタイル表記: Folk, Soft Rock

『Maria Bonita』は、1980年代イタリアの歌謡的な感触を持つ一枚として、Anna Identiciの歌手としての歩みをたどるうえで押さえておきたいタイトルです。

トラックリスト

• A1 – Fino A Che Si Può Io Canto (3:23)
• A2a – Ballata Di Maria Bonita (3:36)
• A2b – Mulher Rendeira (3:02)
• A3 – Sognavo Un Uomo Così (4:00)
• A4 – Fisarmonica (Sanfoninha Choradeira) (2:25)
• A5 – Di Là Dal Confine (4:18)
• B1 – Terra Di Nessuno (Asa Branca) (2:56)
• B2 – No Senhor (3:57)
• B3 – Pensa A Noi (Pense N’Eu) (3:07)
• B4 – Notte Strana (4:28)

Electric Light Orchestra『Electric Light Orchestra II』(1973)

Electric Light Orchestra、通称ELOの初期作。1973年にアメリカで出たアルバムで、バンドの出発点に近い時期の空気がそのまま入った1枚です。もともとELOは、The Moveの流れからビーミングハムで生まれた英国のロック・グループで、弦楽器を前面に押し出した編成と、ロックンロールの推進力を同居させたところに特徴があるバンドです。

この時期のELOは、のちのポップ寄りのイメージよりも、まだ実験性と重厚さが強い段階にあります。シンフォニック・ロックという呼び方が似合う一方で、単にオーケストラを足したロックというより、ロックバンドとしての押し出しを保ったまま弦を組み合わせていく作り。初期ELOを語るうえでは外せない流れの作品です。

作品の位置づけ

1971年のデビューから間を置かずに登場したこのアルバムは、ELOの初期スタイルを確認できる記録として見やすい作品です。Jeff Lynne、Roy Wood、Bev Bevanといった名前が並ぶ時期で、のちの世界的なヒット・バンドになる前の段階の姿がうかがえます。後年の『Eldorado』や『Face the Music』のようにメロディが前面に出る作品とは少し距離があり、まず音の重なりや展開そのものを聴かせる印象です。

サウンドと曲の聴こえ方

この時期のELOは、チェロやヴァイオリンの存在感がかなり大きく、リズム隊の上に弦が乗るというより、弦そのものがバンドの推進力になっている感じがある。ロックンロールの素直なビートに、クラシカルなフレーズや転調めいた動きが入ることで、単調になりにくい作りです。

実際に聴くと、音の密度が高く、曲ごとの輪郭はやや荒い一方で、そのぶん演奏の勢いが前に出ます。初期盤らしいラフさと、スタジオで積み上げた感触の両方があるタイプ。AIR Studios, Londonで録音されたこともあり、英国産のロック録音らしい空気感が残っています。

同時代との関係

同時代のプログレッシブ・ロックやシンフォニックな志向を持つバンドと並べて語られることは多いですが、ELOはその中でもロックンロールの骨格をかなり残している点が特徴です。複雑さだけを追うのではなく、ビートの明快さを保ったまま弦楽アレンジを組み込むところに、このバンドらしさがあります。後年のポップ路線のELOしか知らないと、かなり印象が違うかもしれません。

盤の仕様と当時のリリース

このUS盤は、gatefold cover仕様。Research Craft pressingで、2.875インチのプレス・リングが識別点として挙げられています。ジャケット左側のUAロゴの横に®表記がない点や、裏面の細かな表記も当時盤らしい違いのひとつです。盤面やインナー・スリーブの仕様にいくつかバリエーションが見られるのも、この時代のリリースらしいところです。

また、United ArtistsのStereo-Tape CartridgeやCassetteでも展開されており、当時の流通の幅広さもうかがえます。アナログLPとしての存在感が強い時代の作品です。

まとめ

『Electric Light Orchestra II』は、ELOがまだ巨大なポップ・バンドになる前の、弦楽器とロックの接点を探っていた時期の記録。のちの代表曲群に見られる洗練よりも、まずは編成そのものの面白さ、音の重なり、演奏の熱量が前に出る1枚です。ELOの入口としてというより、初期の姿を知るための作品として印象に残るアルバムです。

トラックリスト

• A1 – In Old England Town (Boogie #2) (6:51)
• A2 – Mama (7:00)
• A3 – Roll Over Beethoven (8:05)
• B1 – From The Sun To The World (Boogie #1) (8:17)
• B2 – Kuiama (11:14)

関連動画

• In Old England Town (Boogie No 2) (2003 Remaster)
• Momma (2003 Remaster)
• Roll over Beethoven
• From the Sun to the World (Boogie No.1) (2003 Remaster)
• Kuiama (2003 Remaster)

Karthago『Love Is A Cake』

『Love Is A Cake』は、ドイツのバンドKarthagoが1978年に発表した作品。バンドはベルリンで結成され、Joey Albrechtのギターとボーカル、Gerald Luciano Hartwigのベースを軸に始動した。のちにIngo Bischof、Tommy Goldschmidtらが加わり、70年代前半には重いギターを前面に出した演奏から、より整ったロック・サウンドへと移っていく流れがある。

この作品は、そのバンド史の中では最後期にあたる一枚。1977年夏にスタジオで制作され、Karthagoの名前で出た作品としては、初期のハードな感触やプログレ寄りの展開から離れ、AOR寄りのポップ・ロックにディスコの要素を少し混ぜた内容として位置づけられている。

作品の位置づけ

Karthagoは、1971年のファーストでジミ・ヘンドリックス・エクスペリエンスやFunkadelicを思わせる重いギターとファンキーな歌を提示し、1973年の『Second Step』ではサンタナを連想させるインストゥルメンタル面を強めた。その後、英国オックスフォードへ移って制作した『Rock’n’Roll Testament』では、より滑らかで整ったロックへと傾いていく。

『Love Is A Cake』は、その変化の先にある作品。バンドの初期像を期待すると印象はかなり異なるが、Karthagoというグループが70年代の進行の中でどこへ向かったかを示す記録になっている。

サウンドの印象

この盤は、プログレ・ロックというよりも、メロディを前に出したロック作品として聴こえる。演奏の骨格はロックだが、アレンジは過度に荒々しくならず、鍵盤やコーラスが曲の輪郭を整える方向。ダンサブルな気配が入り、前作までの重さや長尺の展開とは別の手触りがある。

実際に聴くと、バンドの代表的な初期作に比べて、ギターの押し出しよりも曲全体の流れを優先している印象が残る。Karthagoの中でも、時代の空気に寄った仕上がりの一枚といえる。

同時代の文脈

1978年という時期の西ドイツのロックは、プログレやハードロックだけでなく、より洗練されたロックやAOR的な方向へ広がっていた。Karthagoもその流れの中で、初期のサイケデリック／ファンキーな要素から、より整ったソング志向へ寄っていったバンドの一つとして見える。

同時代の比較対象としては、初期の重さや即興性ならジミ・ヘンドリックス周辺、インストゥルメンタルの流れならSantana、70年代後半の整ったロック感覚ではAOR寄りのバンドが思い浮かぶ。とはいえ、『Love Is A Cake』はそれらの要素をそのままなぞるというより、Karthago流の再編成という印象が強い。

バンドにとっての意味

この作品のあと、Karthagoは1976年春の解散を経て活動を終える。つまり『Love Is A Cake』は、バンドの終盤に残されたスタジオ作品として見てよさそうだ。初期の編成変化や拠点移動を経たグループが、最終的にどんな音を残したかを確かめるうえで重要な一枚。

まとめ

『Love Is A Cake』は、Karthagoのキャリア後期を示す1978年作品。初期のヘヴィなプログレ・ファンクからは距離があり、より整ったポップ・ロック、AOR寄りの感触、そこに少しディスコの気配が混ざる内容になっている。バンドの変遷を追ううえで、流れの切り替わりがはっきり出た作品として確認できる。

トラックリスト

• A1 – Rock ‘N Roll Man
• A2 – The Friend
• A3 – Rosie
• A4 – Remember
• A5 – I Will Live
• B1 – Love Is A Cake
• B2 – Woman
• B3 – Dreams Of Love
• B4 – Doing The Best I Can
• B5 – Crazy Woman
• B6 – Ira Lee

関連動画

• Karthago – Remember { (Krautrock 71 }
• Love Is a Cake
• Dreams of Love
• Remember
• The Friend
• Doing the Best I Can
• Woman
• I Will Live
• Rosie
• Crazy Woman

David J / Crocodile Tears And The Velvet Cosh

David Jの『Crocodile Tears And The Velvet Cosh』は、1985年にUKで出たソロ作品。Bauhausのベーシストとして知られるDavid JことDavid John Haskinsが、バンドの文脈から少し離れて、自分の歌と曲作りを前に出した時期のアルバムになる。

作品の輪郭

クレジット上はRock、スタイルはAcoustic。実際、音の中心にあるのは大きな音圧よりも、アコースティックな手触りと曲そのものの組み立てだ。Bauhausの頃の鋭さを引きずりながらも、演奏の重心はかなり違う。ベース奏者としてのDavid Jの感覚が、そのまま歌ものの形に落とし込まれている印象が強い。

この作品は、彼の初期ソロ活動の中でも重要な位置づけにある一枚と見てよさそうだ。Bauhausのメンバーとしての知名度を持ちながら、個人名義でどこまで表現できるかを示した時期の記録である。

収録と仕様

オリジナル盤は1985年のUKリリース。レーベル表記はGlass Recordsで、クレジットには

© Beggars Banquet Music 1985

℗ Glass Records 1985

とある。Nine MileとThe Cartelによる流通、プレスはフランス製。歌詞とクレジットを載せた印刷インナーが付属し、B1にはサックス奏者として“Unknown Busker”の表記がある。曲の演奏時間は盤面には記載されていない。

同時代の空気

1985年のUKでは、ポストパンクの流れを汲むミュージシャンが、バンドの外側でより個人的な表現に向かう動きが見られた時期でもある。David Jもその流れの中にいる存在で、Bauhausの暗い質感をそのままなぞるのではなく、アコースティック主体の曲作りへ寄せている点が目を引く。派手な展開より、歌詞と旋律、演奏の距離感で聴かせるタイプの作品という印象だ。

アーティスト像とのつながり

David Jは1957年、イングランド・ノーサンプトン生まれのイギリス人ベーシスト。Kevin Haskinsの兄としても知られている。Bauhausでの活動を経たあとも、ソロ、コラボレーション、別プロジェクトを通じて活動を続けており、このアルバムはその中でも早い段階のソロ表現として位置づけられる。

まとめ

『Crocodile Tears And The Velvet Cosh』は、David Jのベース奏者としての背景を踏まえつつ、アコースティックな曲作りを前面に出した1985年のソロ作。UKのポストパンク周辺から広がった個人名義の表現として見ると、彼の音楽の別の面が見えやすい一枚だ。

トラックリスト

• A1 – Crocodile Tears And The Velvet Cosh (5:01)
• A2 – Too Clever By Half (4:10)
• A3 – The First Incision (2:50)
• A4 – Imitation Pearls (1:39)
• A5 – Light And Shade (3:45)
• A6 – René (4:01)
• B1 – Stop This City (5:52)
• B2 – Justine (3:25)
• B3 – The Ballad Of Cain (2:37)
• B4 – The Vandal And The Saint (2:16)
• B5 – Boats (3:05)
• B6 – Slip The Rope (5:19)
• B7 – Greener (0:27)

関連動画

• Crocodile Tears And The Velvet Cosh
• Too Clever By Half
• The First Incision
• David J – ‘Crocodile Tears And The Velvet Cosh’ Live

Daryl Hall & John Oates / Daryl Hall & John Oates

Daryl Hall & John Oatesのデビュー作として知られる1枚で、オリジナルは1975年の作品です。ここで聴けるのは、のちに大きくヒットを重ねることになる2人の出発点で、まだ大規模な成功の前にある時期の録音です。日本盤としては1980年にリリースされていて、アメリカのポップ・ロック・デュオの初期像を日本で追える盤という位置づけになります。

作品の位置づけ

Daryl HallとJohn Oatesは1967年から活動しているアメリカのポップ・ロック・デュオで、のちにはR&Bやソウルの要素を取り入れた楽曲で広く知られるようになります。その流れの中で、このアルバムは、まだ後年のヒット路線が固まる前の段階にある作品です。デュオの基本形、つまりハーモニーを軸にした歌と、ロック寄りのバンドサウンドの組み合わせが、すでにここで確認できる内容です。

サウンドの印象

ジャンル表記はRock、スタイルはPop RockとSoul。実際の内容も、その2つの要素が素直に並んでいる印象です。ギターとキーボードを中心にしたアレンジの中で、Daryl Hallの歌の伸びとJohn Oatesの支えが前に出る作り。のちの洗練されたヒット曲群と比べると、ここではもう少しバンド色が強く、曲ごとの表情もストレートに出やすい時期の録音として聴けます。

この時代のHall & Oatesは、同時代のAORやブルーアイド・ソウルの流れとも重なる部分があり、ポップなメロディとソウル由来の歌い回しを行き来する点が特徴です。Steely DanやBoz Scaggsのような、同じ1970年代アメリカン・ポップの文脈を思わせる場面もありますが、ここではまだデュオとしての輪郭を固めていく途中の感触が残ります。

代表曲について

このアルバム自体は、後年の大ヒット作ほど広く知られた代表曲が並ぶタイプではありません。ただし、Daryl Hall & John Oatesの初期を語るうえで重要な1枚であることは確かです。のちに大きな成功を収めるデュオの出発点として、楽曲の骨格や声の相性を確認できる作品です。

1980年盤として見るポイント

今回の盤は1980年の日本盤。オリジナルの1975年盤から時間を置いた再登場で、当時の日本でHall & Oatesの初期アルバムがどのように紹介されていたかを知る手がかりになります。オリジナル期の空気をそのまま持つ内容でありながら、盤としては後年に手に取られた可能性のある1枚です。コレクション上は、デュオの初期カタログを日本仕様でたどる盤として見られます。

まとめ

Daryl Hall & John Oatesの名をそのまま掲げたデビュー作で、1975年時点のアメリカン・ポップ・ロックの感触が残る作品です。ソウル寄りの歌唱、ロックの骨組み、そしてデュオならではの声の組み合わせ。のちのヒットメーカーとしての姿よりも、まずは2人の基本形を確かめる1枚として、初期ディスコグラフィの中で重要な位置にあるアルバムです。

トラックリスト

• A1 – Camellia (2:47)
• A2 – Sara Smile (3:07)
• A3 – Alone Too Long (3:22)
• A4 – Out Of Me, Out Of You (3:29)
• A5 – Nothing At All (4:22)
• B1 – Gino (The Manager) (4:15)
• B2 – (You Know) It Doesn’t Matter Anymore (3:06)
• B3 – Ennui On The Mountain (3:10)
• B4 – Grounds For Separation (4:11)
• B5 – Soldering (3:23)

関連動画

• Daryl Hall & John Oates – It Doesn’t Matter Anymore
• Daryl Hall and John Oates – “Camelia” Live at The New Vic 1975 (from OGWT)
• Sara Smile | Daryl Hall And John Oates | 1975 RCA LP
• Daryl Hall & John Oates – Sara Smile (Official Audio)

井上堯之『Water Mind』について

『Water Mind』は、井上堯之が1976年に日本で発表した作品です。井上堯之は、ザ・スパイダース、PYG、そして沢田研二のバックバンドなどで知られる日本のロック・ギタリスト、作曲家、編曲家です。バンド活動と並行して、ギタリストとしての演奏と、作品全体の構成に関わる仕事を続けてきた人物で、このアルバムもそうしたキャリアの流れの中にある一枚と見てよさそうです。

作品の位置づけ

1976年という時期は、日本のロックがバンド志向とソロ志向の両方で広がっていたころです。井上堯之のように、歌ものの現場でも活動しつつ、インストゥルメンタル寄りの表現や作品単位の制作にも関わるミュージシャンが存在感を持っていた時代でもあります。『Water Mind』は、その中で井上のギタリスト／アレンジャーとしての顔を前面に出した作品として捉えやすい一枚です。

録音環境と制作面

クレジット上では、新潟・塩沢の「Chateau Shiozawa Log Cabin」と東京のWarner-Pioneer Studioで録音され、ロサンゼルスのWarner Bros. The Burbank Studioでリミックス、North Hollywood Studioでマスタリングされています。日本国内で録音された素材を、米国のスタジオで仕上げた形で、当時の洋楽的な音像づくりへの意識がうかがえる制作体制です。

音の方向性

スタイルはFolk Rock、Soft Rockとされていて、井上堯之のギターを軸にしながら、ロックの中でも比較的落ち着いた質感を持つタイプの作品と考えられます。ファズや激しい展開で押すというより、アンサンブルの中でメロディと音の余白を聴かせるタイプのレコードとして受け取られることが多いはずです。録音場所に山間のロッジが含まれている点も、この作品の空気感を想像させる要素です。

井上堯之という人物とのつながり

井上堯之は、1960年代のグループ・サウンズから1970年代のロック、さらに歌謡曲の伴奏まで、幅広い現場で活動してきたミュージシャンです。ザ・スパイダースやPYGでのバンド経験を経て、演奏だけでなく編曲やプロデュース的な視点も持つようになった人物として知られます。『Water Mind』は、その経歴の中で、本人の音楽性を作品単位で確認しやすいタイトルのひとつといえます。

同時代の文脈

1970年代半ばの日本では、フォーク寄りのロック、AOR的な感触を持つ作品、歌謡曲との接点を持つソフトなロックが並行していました。井上堯之のこの作品も、そうした流れの中で聴かれることが多いタイプです。派手な主張よりも、演奏の組み立てや音の質感で聴かせる制作姿勢が、当時の一部のロック作品と共通しています。

まとめ

『Water Mind』は、井上堯之のキャリアの中でも、ギタリスト、作曲家、編曲家としての手つきが見えやすい1976年の作品です。国内外のスタジオを使った制作、フォーク・ロック／ソフト・ロック寄りの方向性、そして長いバンド経験を持つミュージシャンならではの落ち着いた構成が、このレコードの輪郭になっています。

トラックリスト

• A1 – I Stand Alone (3:37)
• A2 – Chin Chin Street Car (4:10)
• A3 – Sons (4:50)
• A4 – Just a Man (Dedicated to Kenji Sawada) (5:52)
• B1 – Dreamer (5:58)
• B2 – Just At the Right Time (5:24)
• B3 – En-Sei-Ka (4:17)
• B4 – Goodbye Log Cabin (4:23)

関連動画

• Inoue Takayuki ‎– Water Mind (1976, Original Press)

Judy Dyble『Earth Is Sleeping』について

『Earth Is Sleeping』は、イギリスのフォーク・ロック歌手 Judy Dyble による2018年の作品です。Fairport Convention の初期メンバーとして知られる彼女が、長いキャリアのなかで積み重ねてきた声と感覚を、そのまま作品としてまとめた一枚として位置づけられます。全編の演奏時間は52分39秒です。

Judy Dybleという存在

Judy Dyble は1949年2月13日、ロンドン生まれ。Fairport Convention の創設メンバーで、1967年11月にはバンドのデビュー作となる同名アルバムの録音に参加しています。翌1968年5月に脱退し、その後は Giles, Giles and Fripp に短期間参加。さらに元 Them の Jackie McAuley と Trader Horne を結成しました。イギリスのフォーク・ロック、そしてその周辺にあるアコースティック・ミュージックの流れのなかで、早い時期から重要な位置にいた人物です。

Fairport Convention といえば、後に Sandy Denny が加わることで知られますが、Dyble もまたその初期像を形づくった歌い手のひとりです。声質や歌い回しを中心に聴かれるタイプのシンガーで、バンド色の強い作品でも印象が残りやすい存在だといえます。

『Earth Is Sleeping』の位置づけ

2018年の『Earth Is Sleeping』は、彼女のキャリア後期の作品として見るとわかりやすい一枚です。若い頃のフォーク・ロック文脈に直結するだけでなく、年月を経た歌唱のニュアンスや、静かな曲作りの方向性を含んだ作品として受け取れます。タイトルからも、派手さよりも内省的な空気を置いた構成が想像しやすいですが、実際にもその種の落ち着いた手触りを持つ作品として扱われることが多いようです。

Judy Dyble の作品群のなかでは、過去のバンド史を振り返る資料というより、ひとりの歌い手が現在形で音楽を鳴らした記録という見方がしやすいです。60年代の英国フォーク・ロックを知る耳で聴くと、時代の記憶と現在の声が重なる感覚がある一方、作品単体でもまとまりを持って聴けるタイプです。

音楽性と聴きどころ

ジャンル表記は Jazz、Folk、World、& Country。こうした並びからも、単純なフォーク・ロックだけに収まらない作りであることがうかがえます。アコースティックな響き、歌を中心に据えた進行、曲ごとの細かな色合いの違いが見どころになりやすい作品です。

実際に聴くと、まず耳に入るのは歌の輪郭です。Judy Dyble は、強く押し出すというより、言葉を置くように歌う場面で印象が残るタイプで、そこに年輪のある響きが加わると、曲の温度が一定に保たれます。演奏が前に出すぎず、声の存在を支える方向に寄ると、彼女の作品らしさが出やすいです。

また、フォーク由来の素朴さに、室内楽的な静けさや、少し離れた場所から眺めるような視線が混ざるところも、同時代の英国フォーク・シーンを思わせます。Fairport Convention、Sandy Denny、Trader Horne といった周辺史を踏まえると、Dyble の音楽は「バンドの人」から「個人の声」へと移っていく流れのなかで聴くと見えやすいです。

オリジナル盤としての2018年

この作品は2018年がオリジナルのリリース年です。したがって、後年の再発盤ではなく、その時点の作品として扱うのが自然です。全体のまとまりを重視した構成で、短い曲を積み重ねるというより、アルバム単位で空気を保つ作りに目が向きます。

まとめ

『Earth Is Sleeping』は、Judy Dyble という歌い手の歩みを知っているほどに、聴きどころが増える作品です。Fairport Convention の初期メンバーとして始まったキャリアの延長線上にありながら、2018年の時点での声と感覚を記録した一枚。イギリスのフォーク・ロック史を背景に持つ作品として、静かな存在感を持っています。

トラックリスト

• A1 – Marianna
• A2 – Earth Is Sleeping
• A3 – Answerphone
• A4 – Velvet To Atone
• A5 – Faded Elvis
• A6 – See What Your Words
• B1 – She Now Owns A Heart Of Stone
• B2 – I Found A Rainbow
• B3 – Broken Day
• B4 – Promises
• B5 – Newborn Creatures

関連動画

• Judy Dyble – Earth Is Sleeping
• Earth Is Sleeping
• Judy Dyble (founding member of Fairport Convention) – Marianna
• Judy Dyble (founding member of Fairport Convention) – Velvet To Atone
• Promises
• Judy Dyble (founding member of Fairport Convention) – She Now Owns A Heart Of Stone

Van Der Graaf Generator『Pawn Hearts』について

『Pawn Hearts』は、UKのプログレッシブ・ロック・バンド、Van Der Graaf Generatorが1971年に発表した作品だ。Peter Hammillを中心に、Hugh Banton、David Jackson、Guy Evansらが参加した時期のアルバムで、バンドの代表作としてよく挙げられる1枚でもある。

Van Der Graaf Generatorは、同時代の英国プログレ勢の中でも、キーボードやサックスの使い方、曲の展開の切り替え方がかなり独特なグループだ。YesやGenesisのような流麗さとは少し違い、緊張感のある演奏と、Hammillの声を軸にした構成が前に出るタイプの作品として知られている。『Pawn Hearts』もその印象が強い。

アルバムの位置づけ

1971年という時期は、英国プログレが一気に多様化していく時期にあたる。そうした流れの中で『Pawn Hearts』は、技巧の見せ場だけで押すのではなく、長尺曲を中心にして音の密度と圧を積み上げる作りが目立つ。バンドのディスコグラフィーの中でも、ひとつの到達点として扱われることが多い作品だ。

参加メンバーはPeter Hammill、Hugh Banton、David Jackson、Guy Evansの中核に加え、Keith Ellisもクレジットされている。録音はロンドンのTrident Studiosで、1971年7月から9月にかけて行われたと記されている。

内容と聴きどころ

このアルバムは、曲ごとの温度差がはっきりしている。静かな場面から急に音圧が上がり、サックスとオルガン、ドラムが前へ出てくる流れが続く。ロックとしての推進力がありながら、展開はかなり複雑だ。演奏の隙間を埋めるというより、各楽器がぶつかり合うように進む感触がある。

実際に聴くと、単純に“派手”というより、音数と構成の変化で緊張を保つタイプの作品だとわかる。Hammillのボーカルは感情を強く押し出すが、メロディだけで引っ張る場面ばかりではない。言葉の切り方、声の置き方そのものが曲の一部として機能している印象が残る。

代表曲として触れられることが多い楽曲

『Pawn Hearts』では、特に「A Plague of Lighthouse Keepers」がよく語られる。アルバムの大きな山場で、長尺の組曲として知られる曲だ。断片的な場面転換を重ねながら進む構成で、Van Der Graaf Generatorの持ち味が集約されたような位置づけにある。

また、アルバム全体としては、曲単位のヒットで広く知られた作品というより、アルバム単位で評価される性格が強い。そこが、この作品の特徴でもある。

当時の文脈と比較されやすいポイント

同時代の英国プログレと並べると、Van Der Graaf Generatorはかなり硬質な側に置かれることが多い。キーボード主体の組み立てや長尺構成という点では他のプログレ・バンドと共通する部分があるが、サックスの存在感や、Hammillのボーカルが作る切迫感は独自のものだ。

そのため、『Pawn Hearts』は「壮大さ」よりも「密度」や「圧迫感」で語られやすい。派手な装飾より、演奏そのものの緊張で聴かせるアルバムという印象だ。

この盤について

この掲載盤は1971年のUKオリジナル期の1枚で、初期プレスではピンクの“scroll”ラベルが使われていたとされる。マット仕上げのゲートフォールド・スリーブで、一部には片面印刷の歌詞インサートが付属したものもあったようだ。

ジャケット表記ではTrident Studiosでの録音やB & C Recordsのクレジットが確認できる。初期プレスのあとには、ラベルやクレジット表記の異なる再プレスも存在したとされる。オリジナル期の盤は、こうしたラベル違いも含めて確認されることがある。

まとめ

『Pawn Hearts』は、Van Der Graaf Generatorの中でも特に作品全体の密度が高いアルバムだ。1971年の英国プログレの中で、華やかさよりも緊張感と構成力を前面に出した1枚として記憶されている。アルバム単位でじっくり聴かれることが多い作品であり、バンドの個性が最もはっきり出た時期の記録でもある。

トラックリスト

• A1 – Lemmings (Including Cog)
• A2 – Man-Erg
• A Plague of Lighthouse-Keepers

関連動画

• Lemmings (Including Cog) (Remastered 2005)
• Man-Erg (2005 Digital Remaster)
• A Plague Of Lighthouse Keepers (Medley) (2005 Digital Remaster)
• Theme One (Original Version / 2005 Remaster)
• Lemmings (Including Cog) (New Stereo Mix 2021)
• Man-Erg (New Stereo Mix 2021)
• A Plague Of Lighthouse Keepers (New Stereo Mix 2021)

Pink Floyd『The Final Cut』について

『The Final Cut』は、Pink Floydが1983年に発表した12作目のスタジオ・アルバムだ。録音は1982年7月から12月にかけて行われ、同年3月21日に初出リリースされた。1980年代前半のPink Floydを代表する1枚であり、Roger Watersが強く主導した時期の作品としても知られている。

バンドは1965年にロンドンで結成され、サイケデリック・ロックから出発して、その後はプログレッシブ・ロックの代表格として評価を高めた。この作品でも、そうした流れの延長にある構成の大きさと、言葉を前面に出した作りがはっきりしている。

アルバムの位置づけ

『The Final Cut』は、Pink Floydの中でも特にRoger Watersの色が濃いアルバムとして扱われることが多い。前作『The Wall』で見られた物語性や戦争の記憶、個人の傷をめぐる視点が、さらに先に進んだ形の作品だ。タイトルの「The Final Cut」は、編集の最終決定という意味合いを持ち、作品全体の緊張感にもつながっている。

また、クレジットには「For Eric Fletcher Waters 1913 – 1944」とあり、Watersの父親への献辞が明記されている。第二次世界大戦で亡くなった父への思いが、アルバムの核にあることがわかる。

内容と聴きどころ

このアルバムは、派手なバンド演奏で押すタイプではなく、歌詞と構成を軸に進んでいく。曲間のつながりや、語り、効果音の使い方が目立つ作りだ。Pink Floydらしい音響的な工夫は残しつつも、全体としてはかなり言葉中心の印象が強い。

実際に聴くと、音の隙間が多く、演奏の厚みよりもフレーズの置き方や声の重みが前に出てくる。ギターやキーボードの響きは抑えめに使われ、曲ごとの温度差よりも、通して聴いたときのまとまりが意識されているように感じられる。

代表曲

代表曲としては、アルバム冒頭の「The Post War Dream」がまず挙がる。戦後社会の空気を切り取るような導入で、作品全体の視点を示す曲だ。

続く「Your Possible Pasts」や「One of the Few」では、戦争と記憶のテーマがさらに具体的になる。中盤の「The Hero’s Return」も含めて、個人の体験と社会の出来事が重なる構成になっている。

終盤の「Not Now John」は、このアルバムの中では比較的ロック色のある曲で、抑えた流れの中で輪郭がはっきりしている。アルバム全体の中でも耳に残りやすい1曲だ。

同時代の文脈

1983年当時のPink Floydは、同じ英国のプログレ勢の中でも、初期の実験性より、より大きなテーマを歌詞で描く方向に進んでいた。GenesisやYesのように演奏の技巧や構成美を前面に出す流れとは少し違い、Pink Floydは社会性や心理描写を深く掘る方向で存在感を保っていた。

『The Final Cut』は、その中でも特に政治的・個人的な記憶に寄った作品で、前作『The Wall』との連続性がはっきりしている。いわば、1970年代後半から続くRoger Waters主導期の到達点のひとつと言える内容だ。

1983年US盤について

今回の盤は1983年のUSリリースで、ゲートフォールド仕様。黒いインナー・スリーブが付属し、下部左に「38243」の番号が入る。ラベル表記は℗© 1983 CBS Inc.、全曲がPink Floyd Music Ltd.の著作表記になっている。

また、マトリクスの情報から複数のプレス差が確認できる。提供情報では、runoutの「P」によって判別される1983年プレスで、同年の別バリエーションや1990年代半ば以降の再発も存在する。US盤の中でも、細かなプレス違いがあるタイプだ。

まとめ

『The Final Cut』は、Pink Floydのキャリアの中でも、音より言葉、演奏より記憶の重さが前に出たアルバムだ。戦争、喪失、父への献辞という要素が通して配置され、1980年代初頭のバンドの空気をそのまま閉じ込めたような作品になっている。

Pink Floydの作品群の中では、壮大な音響作品というより、強い主題を持つコンセプト・アルバムとして見える1枚だ。

トラックリスト

• A1 – The Post War Dream (3:02)
• A2 – Your Possible Pasts (4:22)
• A3 – One Of The Few (1:23)
• A4 – The Hero’s Return (2:56)
• A5 – The Gunners Dream (5:07)
• A6 – Paranoid Eyes (3:40)
• B1 – Get Your Filthy Hands Off My Desert (1:19)
• B2 – The Fletcher Memorial Home (4:11)
• B3 – Southampton Dock (2:13)
• B4 – The Final Cut (4:46)
• B5 – Not Now John (5:01)
• B6 – Two Suns In The Sunset (5:14)

関連動画

• The Post War Dream
• Your Possible Pasts
• The Final Cut
• The Hero’s Return
• The Gunner’s Dream
• Paranoid Eyes
• Get Your Filthy Hands Off My Desert
• The Fletcher Memorial Home
• Southampton Dock
• Not Now John

Camel『Mirage』について

Camelの『Mirage』は、1974年に発表されたセカンド・スタジオ・アルバムである。英国のプログレッシブ・ロック・バンドとして知られるCamelが、初期のバンド像をはっきり示した作品として位置づけられる1枚だ。アンドリュー・ラティマー、ピーター・バーデンス、ダグ・ファーガソン、アンディ・ウォードという初期の基本編成による録音で、後年のバンドの核になる演奏感がこの段階ですでに見える。

作品の概要

本作は、1974年3月にリリースされたアルバムで、録音クレジットにはIsland Studiosでのバッキング・トラック、Decca No. 2 StudioとAIR Studiosでのオーバーダブ、AIR Studiosでのリミックスが記されている。プロデュース面も含め、当時の英国プログレらしいスタジオ作りの丁寧さがうかがえる内容だ。

Camelは1971年結成の英ロック・グループで、当時のプログレ・シーンに連なるバンドとして活動していた。『Mirage』の時点では、のちの『The Snow Goose』のような完全インストゥルメンタル路線の大作へ向かう前段階にあり、鍵盤とギターを軸にした構成が中心になっている。

バンドにおける位置づけ

『Mirage』は、Camelの初期4作を形成する時期の一作であり、バンドの基礎を固めたアルバムとして見てよさそうだ。のちにバンドは編成変更を重ねながら、よりジャズ寄りの要素も取り入れていくが、この作品ではまだ初期メンバーのバランスが強く出ている。

特にアンドリュー・ラティマーのギターとフルート、ピーター・バーデンスのキーボードは、Camelらしい旋律の運びを担う要素になっている。演奏の役割分担が明確で、各パートが過度に主張しすぎず、曲の流れの中で機能している点がこの時期の特徴といえる。

同時代の文脈

1974年は、英国プログレッシブ・ロックが成熟期に入っていた時期で、Camelもその流れの中にある。Yes、Genesis、King Crimson、Caravanといった同時代のバンドと並べて語られることが多いが、Camelは派手な技巧の誇示よりも、メロディと構成のつながりを重視するタイプとして受け取られやすい。

その意味では、『Mirage』も大作志向のプログレというより、曲ごとの展開を積み上げながらアルバム全体を聴かせる作りになっている。後年の『The Snow Goose』のような統一感のある作品へ向かう途中段階としても見える。

曲と聴きどころ

収録曲の中では、Camelの代表曲として語られることのある「Lady Fantasy」がよく知られている。長めの展開を持つ曲で、ギター、キーボード、リズム隊の受け渡しがはっきりしているのが特徴だ。アルバム全体でも、こうした組曲的な流れを感じる場面がある。

また、当時のCamelはソングライティングと演奏のまとまりが徐々に固まっていく段階にあり、『Mirage』にはその途中経過のような手触りがある。構成を追いながら聴くと、後の作品につながる要素が見えやすい。

作品のエピソード

このアルバムには、ライナーノーツ上で「Special thanks to Skin and Jack for keeping the show on the road」「Also to … and the Gemini Kids」といった謝辞が記されている。こうしたクレジットは、当時のバンド周辺の支えや制作環境を示す記述として残っている。

また、ランアウトにはエッチングがあり、T35374がボックス表記されている。US盤として流通したこの初期盤は、作品そのものだけでなく、当時のプレス情報でも確認される1枚だ。

まとめ

『Mirage』は、Camelの初期像を知るうえで重要な1974年作である。英国プログレの文脈の中で、メロディ、鍵盤、ギターの関係を軸にしたバンドの方向性が見えるアルバムだ。後年の大きな成功作『The Snow Goose』に先立つ作品としても、初期Camelを追うなら押さえておきたい位置づけになっている。

トラックリスト

• A1 – Freefall (5:55)
• A2 – Supertwister (3:20)
• A3.a – Nimrodel (9:18)
• A3.b – The Procession
• A3.c – The White Rider
• B1 – Earthrise (6:50)
• Lady Fantasy (12:59)

関連動画

• Freefall
• Supertwister
• Nimrodel (Medley)
• Earthrise
• Lady Fantasy (Medley)

Rousseau『Square The Circle』について

『Square The Circle』は、ドイツのシンフォニック・プログレッシブ・ロック・バンド、Rousseauによる1988年の作品。バンドは1977年に結成され、1980年代を中心に活動したグループで、この時期のドイツ・プログレを語るうえで外せない存在のひとつだ。Rousseau名義のアルバムとしては、初期の流れを引き継ぎながらも、より歌ものの要素を取り入れていく段階にある作品として位置づけられる。

バンドの背景

Rousseauは、デビューLPがインストゥルメンタル中心で、フルートとシンフォニックなキーボードが強く前に出ていたことで知られる。その後の作品ではボーカルも導入され、バンドの輪郭が少しずつ変化していった。『Square The Circle』は、そうした80年代の流れの中で発表されたアルバムで、バンドの編成感と音の厚みを確認できる一枚といえる。

メンバーは Uwe Schilling、Christoph Masbaum、Ali Pfeffer、Rainer Hofmann、Herbert Ruppik、Christoph Huster、Georg Huthmacher、Jörg Schwarz。クレジット上は複数メンバーによるアンサンブルで、バンド全体の演奏で組み立てるタイプの作品だ。

作品の位置づけ

1988年のリリースということで、70年代的な長尺組曲中心のプログレ黄金期そのものというより、80年代以降の感覚で整理されたシンフォニック・ロックの作品として聴かれることが多いはずだ。Rousseauにとっては、初期のインスト主体の姿と、その後のボーカル入り路線のあいだにある時期の記録でもある。

同時代のドイツ・プログレには、シンセサイザーを前面に出したバンドや、クラシック的な構成感を持つグループが多いが、Rousseauもその文脈の中に置ける存在だろう。フルート、キーボード、バンド・アンサンブルの重なりから、クラシック寄りの組み立てを重視するタイプのシンフォニック・ロックを想起させる。

リリースについて

本作は1988年のドイツ盤として扱われる。リリースノートには、Museaレーベル盤より前に作られた私家盤の初版があったこと、白ラベルにROUSSEAUロゴが入っていたことが記されている。つまり、流通や装丁の面では初期の限定的な形があった作品だとわかる。

聴きどころ

実際の演奏面では、Rousseauらしいフルートとシンフォニック・キーボードの存在感が軸になりそうな作品だ。バンドの持ち味としては、楽器のレイヤーを重ねながら展開を作るところにあり、派手なヒット曲で押すというより、曲全体の構成と流れで聴かせるタイプのアルバムとして受け取られるだろう。

作品内で特定の代表曲が広く知られているというより、アルバム全体でバンドの色を追う楽しみ方が合う一枚。Rousseauのディスコグラフィーの中でも、1980年代のシンフォニック・プログレの空気をまとった記録として確認したい作品だ。

まとめ

『Square The Circle』は、ドイツのRousseauが1988年に残したシンフォニック・プログレ作品。インスト主体だった初期から、ボーカルも含む後年の方向へ向かう途中の時期にあたり、バンドの編成感と80年代らしい整理されたアレンジが見えるアルバムだ。私家盤の初版が先に存在したという点も含め、当時の制作背景を映す一枚として興味深い。

トラックリスト

• A1 – Magical Moments (3:34)
• A2 – Fade Away (3:18)
• A3 – Avenue Du Printemps (5:51)
• A4 – Masquerade (3:32)
• A5 – Timeless (5:12)
• B1 – Winter's Tale (7:19)
• B2 – Isle Of Light (3:04)
• B3 – Square The Circle (5:10)
• B4 – As If Painted (3:56)
• B5 – Magical Moments (2:51)

関連動画

• Magical Moments
• Fade Away
• Avenue du printemps
• Masquerade
• Timeless
• Winter's Tale
• Isle of Light
• Square the Circle
• As If Painted
• Magical Moments / Reprise

Happy The Man『Happy The Man』（1977）について

Happy The Manは、アメリカ・バージニア州ハリソンバーグで1973年に結成されたプログレッシブ・ロック・バンドだ。1977年に発表されたこの『Happy The Man』は、バンド名をそのまま冠した初のアルバムで、のちの活動を含めても重要な出発点にあたる作品である。ロックを土台にしながら、ジャズ寄りのフレーズや複雑な展開を組み込んだ演奏が特徴で、同時代のアメリカン・プログレッシブ・ロックの流れの中でも独自性の強い一枚として扱われている。

作品の位置づけ

このアルバムは、Happy The Manが最初に残した正式な長編作品であり、バンドの音楽性を外へ示した最初の記録でもある。バンドは1979年にいったん解散するため、70年代の活動期を代表する中心作という見方がしやすい。のちに再結成されるが、まずはこの1977年作で、彼らの基本線がほぼ見える。

メンバーには、Kit Watkins、Frank Wyatt、Stanley Whitaker、Rick Kennell、Coco Rousselらが名を連ねる。キーボードとギターを軸にした編成で、演奏の組み立てが細かい。バンドの個性は、派手な歌メロよりも、楽器同士の受け渡しや曲の構成に出やすいタイプだ。

音の印象

実際に聴くと、曲ごとの切り替わりがはっきりしていて、短いフレーズの積み重ねで進む場面が多い。リズムの置き方も一定ではなく、拍の感覚がずれるような箇所や、間を挟みながら展開する部分が目立つ。ジャズ・ロック寄りの要素は、ソロの長さというより、アンサンブルの運び方に表れている印象だ。

ヴォーカルは前面に出過ぎず、演奏全体の中で機能する。歌ものとして一直線に進むというより、インストゥルメンタル感覚の強い構成が中心で、楽器の音色を聴かせる場面が多い。キーボードの色づけとギターのフレーズが、曲の輪郭を作っている。

同時代の文脈

1970年代後半のプログレッシブ・ロックは、英国勢の大作志向とは少し違う形で、アメリカでも独自の展開を見せていた。この作品もその流れの中に置ける。YesやGenesisのような大きな組曲感と比べると、Happy The Manはより細かなリフの組み合わせや、室内楽的な組み立てに近い部分がある。ジャズ・ロックの要素もあるため、演奏の精度を軸に聴かれることが多いタイプだ。

収録曲と代表的な曲について

このアルバムには、後年までバンドを語るうえで触れられる曲がいくつかある。とくに「Service with a Smile」は、バンドの代表曲として言及されることが多い。ほかにも、組曲的な流れや、楽器の掛け合いが前に出る曲が並び、アルバム全体で一つのまとまりを作っている。

楽曲単位でヒットを狙う作りではなく、アルバム一枚で聴くことで輪郭が見えやすい。曲のつながりや展開の仕方が、このバンドの本質に近い。

盤の仕様

1977年のUS盤として発表されたこの作品には、帯ではなくプリント入りのインナー・スリーヴが付いている。片面にバンド写真、もう片面に歌詞を掲載した仕様で、当時のLPらしい作りだ。ジャケットとあわせて、バンドの視覚的なイメージも含めて残されている。

まとめ

『Happy The Man』は、アメリカン・プログレッシブ・ロックの中でも、演奏の細かさと曲の組み立てに重心がある1977年作だ。バンド名を冠した最初のアルバムとして、のちの活動の基盤を示す内容になっている。歌よりもアンサンブル、分かりやすい展開よりも構成の積み重ねが前に出る一枚である。

トラックリスト

• A1 – Starborne (4:22)
• A2 – Stumpy Meets The Firecracker In Stencil Forest (4:16)
• A3 – Upon The Rainbow (Befrost) (4:42)
• A4 – Mr. Mirror’s Reflection On Dreams (8:54)
• A5 – Carousel (4:06)
• B1 – Knee Bitten Nymphs In Limbo (5:22)
• B2 – On Time As A Helix Of Precious Laughs (5:22)
• B3 – Hidden Moods (3:41)
• B4 – New York Dream’s Suite (8:32)

関連動画

• Starborne
• Carousel
• Stumpy Meets the Firecracker in Stencil Forest
• New York Dream’s Suite
• Upon the Rainbow (Befrost)
• Mr. Mirror’s Reflection on Dreams
• On Time as a Helix of Precious Laughs
• Happy The Man – S/T(1977)(ProgRock)(JazzFusion)(SpaceJazz)

King Crimson『Islands』日本盤LP

King Crimsonの『Islands』は、1971年に発表された4作目のスタジオ・アルバムで、プログレッシブ・ロック初期の流れの中でも、ひときわ室内楽的なまとまりを持つ作品として知られている。バンドは1969年のデビュー作『In the Court of the Crimson King』で一気に存在感を示し、その後も編成を変えながら活動を続けたが、『Islands』はその変化の途中に置かれた1枚という位置づけになる。

この時期のKing Crimsonは、Robert Frippを軸に、管楽器やヴィブラフォン、オーボエ、チェロなども交えた編成で、ロックの基本形から少し離れた音作りを進めている。後の時代の重い音像や鋭いリズム感とは異なり、この作品では音の隙間や静けさが前面に出ているのが特徴だ。

作品の輪郭

『Islands』は、長尺曲と短い小品が並ぶ構成で、アルバム全体が一つの流れとして進んでいく印象がある。とくにタイトル曲「Islands」は、ジャズや室内楽に近い響きを持つ代表的な楽曲としてよく語られる。派手な展開で押し切るタイプではなく、旋律の置き方や音の余白で聴かせる曲だ。

一方で、アルバムには「Ladies of the Road」のような、やや骨太で直接的なロック曲も収められており、全体を通して単一の色に染まりきらない。静かな曲と強い曲の対比が、そのまま当時のKing Crimsonの不安定さや実験性につながっているように見える。

当時のKing Crimsonの中での位置

この時期のKing Crimsonは、初期の旗印だったドラマ性の強いシンフォニック路線から少し距離を取り、より内省的で複雑な方向へ進んでいた。のちに1972年以降の編成で見せる、重厚で攻撃的なプログレとはかなり手触りが違う。『Islands』は、その転換点の手前にある記録として聴かれることが多い。

同時代のプログレッシブ・ロックと比べても、Yesのような技巧の明快さや、Genesisのような物語性とは別の場所にある作品だと感じられる。むしろ、室内楽的なアレンジや即興の気配を含んだ作りは、当時のジャズ・ロックや実験色の強い英国ロックとも近い。

日本盤としての仕様

この日本盤LPは1972年のリリースで、薄手の段ボール製フリップバック・スリーブ、帯、折り込みインサート、さらに薄いカードボードのユニパック型ゲートフォールド内袋が付く仕様になっている。日本盤らしい紙物の情報量が多く、当時の国内流通盤としての存在感もある。

オリジナルは1971年発表なので、この日本盤は作品の初出から少し後に出た盤になる。レーベルやジャケットの細部、帯やインサートの有無で印象が変わるタイプのタイトルでもある。

聴きどころ

• タイトル曲「Islands」の静かな展開と旋律
• 「Formentera Lady」に見える、長い導入部と流れの作り方
• 「Ladies of the Road」の硬いリズム感
• アルバム全体に通る、管楽器や鍵盤の配置

ひとこと

『Islands』は、King Crimsonの中でも派手さよりも配置と余白が目立つ作品だ。初期の象徴的な1枚とはまた違う角度で、このバンドが何を広げようとしていたかが見えやすいアルバムである。

トラックリスト

• A1 – Formentera Lady (9:55)
• A2 – Sailor’s Tale (7:20)
• A3 – The Letters (4:25)
• B1 – Ladies Of The Road (5:29)
• B2 – Prelude: Song Of The Gulls (4:14)
• B3 – Islands (9:14)

関連動画

• Formentera Lady
• Sailor’s Tale
• The Letters
• Ladies of the Road
• Prelude – Song Of The Gulls
• Islands
• Ladies of the Road (Robert Fripp & David Singleton Remix) ( [Bonus Track])
• Studio Sessions ( [Bonus Track])
• King Crimson – Islands (Album Visualiser)

Karen Dalton『In My Own Time: 50th Anniversary Deluxe Edition』について

Karen Daltonの『In My Own Time』は、1971年にJust Sunshineから出たアルバムで、Karen Daltonにとって重要な位置を占める作品だ。2022年盤の『In My Own Time: 50th Anniversary Deluxe Edition』は、そのオリジナル作を軸に、未発表音源や当時の関連音源を加えた拡張版になっている。

Karen Daltonは、オクラホマ州エニッド出身のアメリカのフォーク／ブルース歌手で、12弦ギターとロングネック・バンジョーを演奏した人物。グリニッジ・ヴィレッジのフォーク・シーンと近い距離にあり、Fred NeilやHoly Modal Rounders、Bob Dylan周辺とも結びついて語られることが多い。歌はブルース、フォーク、カントリー、ポップ、モータウンまで幅広く、声の質感そのものが強く印象に残るタイプの表現者だ。

作品の輪郭

『In My Own Time』は、1971年の録音でBearsville Sound StudiosとMercury Sound Studiosで制作された。クレジット上はMichael LangとMarv Graftonのディレクション、Just Sunshineの作品としてまとまっている。オリジナル盤はKaren Daltonの代表作として扱われることが多く、この50周年デラックス盤でもその中心性は変わらない。

この再発は、LP2枚組に加えて7インチ・シングル2枚を付属した構成。LPは3面にアルバム本編とボーナストラックを収め、4面目にセッション由来の追加曲を配置している。さらに7インチでは、1971年4月のドイツ・ブレーメンでのBeat Club音源や、1971年フランス盤の再現シングルが収められている。

盤の仕様

• 180グラム重量盤
• 45RPMカッティング
• 2021年の新規トランスファーを使用
• RTIプレスのダブルLP
• Third Man Pressing製の7インチ2枚
• 20ページのブックレット付属
• 未公開写真とLenny Kayeによるライナー
• Nick Cave、Devendra Banhartの寄稿あり
• 特別仕様のトリフォールド・ジャケット

オリジナルの1971年盤と比べると、この2022年盤は内容もパッケージもかなり拡張されている。単なる再プレスではなく、アーカイブ資料や別音源を含めて作品の周辺まで見せる作りになっている点が特徴だ。

聴きどころ

収録曲の中では、「Something on Your Mind」はKaren Daltonの代表曲として知られる。もともと彼女の歌の中でも特に取り上げられることの多い曲で、今回の盤ではシングル形態でも収められている。こうした選曲からも、この作品がアルバム本編だけでなく、当時の周辺セッションや別媒体での発表まで含めて見直されていることがわかる。

Beat Club音源の付属も、作品の性格を補強している。スタジオ録音とは違って、当時のライブの空気がそのまま残るため、Karen Daltonの歌と演奏の輪郭がより直接的に伝わる構成だ。

同時代の文脈

1971年という時期は、アメリカのフォークやシンガーソングライター文化が広く展開していた時代。Karen Daltonはその中でも、技巧の誇示よりも声と間の取り方で引きつけるタイプの歌い手として語られやすい。Bob DylanやFred Neil、Holy Modal Rounders周辺と並べて語られることがあるのも、同じシーンの空気を共有していたからだろう。

このデラックス盤のライナーにLenny Kayeが関わっている点も、彼女の作品が後年の音楽家やリスナーにとって再評価の対象であり続けていることを示している。Nick CaveやDevendra Banhartの寄稿も、その受容の広がりを感じさせる要素だ。

まとめ

『In My Own Time: 50th Anniversary Deluxe Edition』は、1971年のオリジナル盤を核にしながら、未発表音源、ライブ音源、資料を加えて作品の周辺を立体的に見せる再発盤だ。Karen Daltonの歌唱、当時の録音環境、シングルやライブの断片まで含めて、ひとつの時代の記録としてまとめられている。

オリジナル盤の存在感を保ちながら、50年後の視点でその輪郭を広げた編集盤、という位置づけの一枚だ。

トラックリスト

• In My Own Time
• A1 – Something On Your Mind (3:20)
• A2 – When A Man Loves A Woman (2:56)
• A3 – In My Own Dream (4:15)
• B1 – Katie Cruel (2:20)
• B2 – How Sweet It Is (4:41)
• B3 – In A Station (3:48)
• C1 – Take Me (4:38)
• C2 – Same Old Man (2:38)
• C3 – One Night Of Love (3:10)
• C4 – Are You Leaving For The Country (3:08)
• D1 – Something On Your Mind (Alternate Take) (3:18)
• D2 – In My Own Dream (Alternate Take) (5:31)
• D3 – Katie Cruel (Alternate Take) (2:53)
• Something On Your Mind / One Night Of Love
• E – Something On Your Mind (3:20)
• F – One Night Of Love (3:10)
• One Night Of Love b/w Take Me
• G – One Night Of Love (3:20)
• H – Take Me (3:57)

関連動画

• Something On Your Mind
• When A Man Loves A Woman
• In My Own Dream
• Katie Cruel
• How Sweet It Is
• In A Station
• Take Me
• Same Old Man
• One Night Of Love
• Are You Leaving For The Country

Modern English『Stop Start』（1986）

Modern Englishは、1977年にイングランド・エセックス州コルチェスターで結成されたバンドだ。ロビー・グレイ、ゲイリー・マクドウェル、マイケル・コンロイを中心に始まり、初期はパンク寄りの現場で活動しながら、その後4ADに拾われて頭角を現した。『Mesh & Lace』の陰影のあるポストパンク、『After The Snow』でのギターの厚みとメロディの伸び、そして「I Melt With You」のヒットで知られる流れをたどると、『Stop Start』はその次の段階に置かれる作品になる。

本作『Stop Start』は1986年のアルバムで、Modern Englishが4ADを離れた後に発表した作品だ。録音はGenetic StudiosとTrident Studios、ミックスはTrident Studiosで行われている。盤はドイツ製で、WEA Musik GmbHおよびRecord Service GmbH, Alsdorfのクレジットが入っている。プリント・インナー・スリーブ付きという仕様も確認できる。

バンドの流れの中での位置づけ

『After The Snow』でアメリカでも認知を広げたModern Englishは、その後の『Ricochet Days』でより端正なプロダクションへ進み、そして『Stop Start』の時点ではメンバー編成も変化している。アーティスト情報にある通り、リチャード・ブラウンとスティーヴン・ウォーカーはこの時点で脱退し、アーロン・デヴィッドソンがキーボード／ギターで加わっている。バンドの輪郭が変わる時期の作品として見える。

レーベル面でも、この時期は4AD期の流れから離れ、Sire Records系のリリースとして出ている。初期の4AD作品にあった暗さや硬さから、より整ったニューウェイヴ／シンセポップの文脈へ寄った時期の記録とも受け取れる。

サウンドの印象

ジャンル表記はElectronic、スタイルはNew Wave、Synth-pop。実際に聴くと、ギター主体の初期作よりも、リズムとシンセの整理された配置が目立つタイプの作品として耳に入る。ロビー・グレイの歌は前面に出ていて、メロディの運びは保ちながら、バンド全体の音像は80年代中盤らしい輪郭に寄っている。

同時代の感触で言えば、ポストパンクの質感を残しつつ、よりポップな構造へ接近した流れの中にある。4AD周辺の初期作や、『After The Snow』での展開を知っていると、ここでの音の整理のされ方がはっきり感じられるはずだ。

代表曲とのつながり

Modern Englishの代表曲としては、やはり「I Melt With You」がまず挙がる。本作『Stop Start』は、その曲のような広がりのあるフックを期待して聴くと、少し別の方向にあることが分かる。ヒット曲中心の作品というより、バンドの編成変化と音の更新が記録されたアルバムという印象が強い。

まとめ

『Stop Start』は、Modern Englishが初期のポストパンク的な輪郭から、1980年代中盤のニューウェイヴ／シンセポップ寄りのサウンドへ進んだ時期を示す一枚だ。4AD期の作品群や「I Melt With You」で知られる流れの先にあり、バンドの転換点をそのまま音にしたような位置づけにある。

トラックリスト

• A1 – The Border (4:04)
• A2 – Ink And Paper (3:58)
• A3 – Night Train (3:10)
• A4 – I Don’t Know The Answer (3:08)
• A5 – Love Breaks Down (5:29)
• B1 – Breaking Away (4:00)
• B2 – The Greatest Show (4:52)
• B3 – Love Forever (3:16)
• B4 – Start Stop Stop Start (5:42)

関連動画

• Love Breaks Down
• Stop Start
• Modern English – Breaking Away [1986]
• Ink and Paper
• The Border
• I Don’t Know the Answer
• Breaking Away

Chad & Jeremy『Before And After』について

Chad & Jeremyは、Chad StuartとJeremy Clydeによるイギリスのデュオで、1960年代前半にロンドンで結成された。フォーク寄りの歌声と、ポップ・ソングとしてのまとまりを両立させたグループとして知られ、1960年代の英米ポップスの流れの中で存在感を残した組み合わせでもある。

『Before And After』は1965年に発表された作品で、彼らの初期から中期にかけての活動を示す1枚。1981年盤として日本で出たこのレコードは、オリジナルの時代感をそのまま持ちながら、日本盤として再び手に取れる形になったものといえる。

作品の位置づけ

Chad & Jeremyは、ビート・グループ的な勢いよりも、2人のハーモニーと整ったアレンジで聴かせるタイプのデュオだった。英米のポップスがフォークやシンガー・ソングライター的な感覚へ広がっていく時代の中で、彼らの音楽はその流れにきれいに収まる。

1965年という時期は、ブリティッシュ・インヴェイジョン以後のポップスが多様化していた頃で、同時代にはThe BeatlesやThe Searchers、Herman’s Hermitsのような英国勢がラジオをにぎわせていた。Chad & Jeremyはその中でも、派手さよりも歌の輪郭を見せる方向に立っていたデュオだと言える。

聴きどころ

この作品の魅力は、2人の声が重なるときのまとまりにある。高低の分担がはっきりしていて、メロディを無理に押し出さず、言葉の流れを保ったまま進むところが特徴的だ。演奏面でも、フォーク系の響きとポップ・ソングとしての明快さが前に出る。

実際に耳にすると、音数で押すのではなく、歌とフレーズの整理で聴かせるタイプのアルバムだと感じやすい。曲ごとの輪郭がはっきりしていて、デュオ作品としてのまとまりがある。

代表曲・知られた曲との関係

Chad & Jeremyといえば、一般には「Yesterday’s Gone」や「A Summer Song」がよく知られている。『Before And After』も、そうした彼らの代表的な持ち味、つまり柔らかなハーモニーとメロディ中心の作りを確認できる作品のひとつとして見られる。

大きなヒット曲を並べて聴くと、彼らが60年代のポップスの中でどの位置にいたかが分かりやすい。強いリズムやロック的な押し出しよりも、歌そのものを前に出すスタイルである。

1981年盤としての見方

このレコードは1981年に日本で出ているため、初出当時の空気をそのまま背負ったオリジナル盤とは、流通の文脈が少し異なる。日本盤としては、当時の洋楽再評価の流れの中で、60年代デュオの作品に触れられる形になっている。

再発盤として見ると、オリジナル時代の録音を別の年代にもう一度聴くための窓口という性格が強い。音楽そのものは1965年のままでも、レコードとしての受け止められ方は1981年の日本のリスナーに向けたものになっている。

まとめ

『Before And After』は、Chad StuartとJeremy Clydeの2人組らしい、端正な歌とハーモニーを軸にした作品。1960年代英国ポップスの流れの中で、フォークの要素とポップな明快さを両立させたデュオの持ち味がよく見える1枚だ。Chad & Jeremyの代表的なイメージを、アルバム単位で確かめるにはわかりやすい存在になっている。

トラックリスト

• A1 – Before And After (2:37)
• A2 – Why Should I Care (2:43)
• A3 – For Lovin’ Me (2:13)
• A4 – I’m In Love Again (2:33)
• A5 – Little Does She Know (2:52)
• A6 – Tell Me Baby (3:12)
• B1 – What Do You Want With Me (2:53)
• B2 – Say It Isn’t True (1:58)
• B3 – Fare Thee Well (2:08)
• B4 – Evil-Hearted Me (2:11)
• B5 – Can’t Get Used To Losing You (1:59)

関連動画

• Chad & Jeremy – Before & After from Mono 1965 Columbia LP Record.
• Chad & Jeremy – Why Should I Care from Mono 1965 Columbia LP Record.
• Chad & Jeremy – For Lovin’ Me from Mono 1965 Columbia LP Record.
• Chad & Jeremy – I’m In Love Again from Mono 1965 Columbia LP Record.
• Chad & Jeremy – Little Does She Know from Mono 1965 Columbia LP Record.
• Chad & Jeremy – Tell Me Baby from Mono 1965 Columbia LP Record.
• Chad & Jeremy – What Do You Want With Me from Mono 1965 Columbia LP Record.
• Chad & Jeremy – Say It Isn’t True from Mono 1965 Columbia LP Record.
• Chad & Jeremy – Marianne from Mono 1965 Columbia LP Record.
• Chad & Jeremy – Evil Hearted Me from Mono 1965 Columbia LP Record.

King Crimson『The Young Persons’ Guide To King Crimson = 新世代への啓示（キング・クリムゾン・ベスト）』

King Crimsonは、1968年に結成されたイングランドのプログレッシブ・ロック・バンドである。ロバート・フリップを軸に、編成を大きく変えながら活動を続けてきたグループで、この1976年作は、バンドの初期から中期までをまとめた2枚組の編集盤である。

タイトルの通り、単なるベスト盤というより、当時までのKing Crimsonを俯瞰するための案内役のような位置づけの作品で、英語題と日本語題の両方が付いた日本盤として出ている。オリジナルのLPは1976年リリースで、この盤も同年の日本製ライセンス盤である。

作品の性格

収録範囲は、デビュー作『In The Court Of The Crimson King』期から、70年代前半の編成まで広い。プログレッシブ・ロックの中でも、King Crimsonはシンフォニックな展開だけでなく、硬質なリフ、即興性、ジャズ寄りの緊張感を持ち込んだバンドとして語られることが多いが、この編集盤でもその振れ幅が見える構成になっている。

初期の代表曲として知られる「21st Century Schizoid Man」や「Epitaph」、静かな曲調の「I Talk to the Wind」、ギターのフレーズが印象に残る「The Court of the Crimson King」など、バンド名と一緒に語られやすい楽曲群が並ぶ。さらに、70年代前半の楽曲やライヴ音源も含まれていて、単純な“名曲集”よりは、時期ごとの変化を追うための1枚という印象が強い。

収録曲にまつわるポイント

この盤の注記で特に目を引くのは「I Talk To The Wind」の別ヴァージョンである。1968年7月、ロンドンの93A Brondesbury Roadで録音されたテイクで、後に『In The Court Of The Crimson King』に入る版とは異なり、ボーカルはJudy Dybleによるものになっている。Fairport ConventionのJudy Dybleが参加している点でも、King Crimson初期の輪郭が少し違って見える。

また、ライナーノーツには曲ごとの録音場所も記されている。Wessex Sound Studios、Command Studios、Olympic Sound Studios、そしてアムステルダム・コンセルトヘボウでのライヴ録音など、スタジオ録音とライヴ録音が混在している編集盤であることがわかる。

日本盤としての仕様

• 2枚組LP
• 見開きジャケット
• 日本語・英語併記の両面ライナー／歌詞インサート
• 8ページの写真ブックレット
• 青帯OBI

インターナショナル盤に見られるツアー情報は、この日本盤ブックレットには入っていない。ラベル表記には「℗ 1976 Atlantic Recording Corporation」「Made by Warner-Pioneer Corporation, Japan, under license from Atlantic Recording Corp U. S. A.」とあり、日本でのライセンス発売であることが明記されている。

音の印象

実際に聴くと、King Crimsonの初期録音は、曲の長さ以上に構成の切り替えが細かい。静かなパートから急に音が立ち上がる場面があり、メロディだけでなく、間の取り方や音数の置き方に耳が向く。『In The Court Of The Crimson King』の大きなコーラス感と、70年代前半の緊張感ある演奏が、1セットの中で見比べやすい編集である。

特に初期の楽曲は、同時代のYesやGenesisのような叙情的な展開とも比べられる一方で、King Crimsonはもっと鋭い音の置き方をする。ジャズ、即興、硬質なロックの要素が、曲ごとにかなり露出している点が特徴的である。

King Crimsonの中での位置づけ

1976年時点のKing Crimsonは、1974年に一度解散している時期である。この編集盤は、その空白期に過去の活動を整理する形で出た作品とも言える。フリップがその後1981年に再始動する前段階として、初期から中期までのバンド像をまとめた記録でもある。

つまり、これは新録や新機軸を示すアルバムではなく、1968年から74年頃までのKing Crimsonを一度見渡すための作品である。バンドの変遷を追う入口として、当時のキャリア総括に近い役割を持っている。

まとめ

『The Young Persons’ Guide To King Crimson』は、King Crimsonの初期代表曲、別テイク、ライヴ音源をまとめた2枚組編集盤である。1976年の日本盤は、見開きジャケット、青帯OBI、日本語・英語併記のインサート付きで、資料性も高い。バンドの出発点から70年代前半までの流れを、曲単位でたどれる内容になっている。

トラックリスト

• Epitaph = エピタフ（墓碑銘） (8:52)
• A2 – Cadence & Cascade = ケイデンスとカスケイド (3:36)
• A3 – Ladies Of The Road = レディース・オブ・ザ・ロード (5:27)
• A4 – I Talk To The Wind = 風に語りて (3:17)
• B1 – Red = レッド (6:18)
• B2 – Starless = スターレス (12:17)
• C1 – The Night Watch = 夜を支配する人々 (4:38)
• C2 – Book Of Saturday = 土曜日の本 (2:52)
• C3 – Peace – A Theme = 平和 / テーマ (1:14)
• C4 – Cat Food = キャット・フード (2:43)
• C5 – Groon = グルーン (3:30)
• C6 – Coda From Larks’ Tongues In Aspic, Part I = 太陽と戦慄 パートI (2:09)
• Moonchild = ムーンチャイルド (2:24)
• D2 – Trio = トリオ (5:36)
• In The Court Of The Crimson King = クリムゾン・キングの宮殿 (9:21)

Moving Pictures / Days Of Innocence

Moving Picturesは、1979年にシドニーで結成されたオーストラリアのバンドだ。1981年のデビュー作に収められた「What About Me」は、母国オーストラリアで大きなヒットとなり、海外でも広く知られることになった。その流れの中で登場するのが、このDays Of Innocence。1981年発表の作品で、盤としては1982年のUSプレスとなっている。ジャンル表記はRock、スタイルはPop Rock。

バンドの核にあるのは、シングルで前に出る曲作りと、メロディをはっきり聴かせる演奏の組み立てだろう。Moving Picturesは、派手なギターサウンドで押し切るタイプというより、歌を中心に据えたポップ寄りのロックを鳴らすバンドとして整理しやすい。「What About Me」で知られる印象ともつながるところで、この作品もそうした路線の延長線上に置いて聴ける一枚。

作品の位置づけ

Days Of Innocenceは、バンドが国際的に認知されていく時期の作品として見ると、わかりやすい。デビュー作で注目を集めた後のリリースであり、Moving Picturesの持ち味であるメロディ重視の作りが、そのまま作品全体の骨格になっている。アーティスト名から受ける印象よりも、実際にはかなり歌もの寄りの感触があるバンドで、その点がこの時代のロックの中でも目立つ。

同時代とのつながり

1980年代初頭のポップ・ロックは、ラジオ向けの分かりやすいフックと、バンド演奏の手触りを両立させる方向に進んでいた。Moving Picturesもその文脈に収まる存在で、同時代のオーストラリア勢や、広い意味ではメロディアスなロックを軸にしたバンド群と並べて語りやすい。大きな音圧で押すより、曲の輪郭をきっちり見せるタイプの作品という印象だ。

US盤について

ここでの盤は1982年のUSプレス。マトリクスの記録では、ランアウトは刻印主体で、MASTERED BY CAPITOL がスタンプとされている。オリジナル発表年より少し後の流通盤なので、作品そのものの時期と、手元の盤の製造時期は分けて見たほうがよい。

まとめ

Days Of Innocenceは、Moving Picturesのポップ・ロック志向を確認しやすい一枚。What About Meで知られるバンドの、歌を前面に出した作りがそのまま反映された作品として見ると、位置づけがつかみやすい。オーストラリア発のバンドが、80年代初頭のロック／ポップ・ロックの流れにどう乗っていたかを知るうえでも、押さえておきたいタイトルだ。

トラックリスト

• A1 – Nothing To Do (3:28)
• A2 – What About Me (3:37)
• A3 – Round Again (4:06)
• A4 – Bustin’ Loose (4:34)
• A5 – Wings (4:55)
• B1 – The Angel And The Madman (4:27)
• B2 – Sweet Cherie (3:38)
• B3 – So Tired (4:02)
• B4 – Joni And The Romeo (3:28)
• B5 – Streetheart (7:05)

関連動画

• So Tired – Moving Pictures live State Theatre 30 July 2011
• Joni & the Romeo – Moving Pictures live State Theatre July 30 2011
• Moving Pictures – What About Me
• Moving Pictures – What About Me (Subtítulos español)
• what about me… the original moving pictures@ the palms melbourne august 2013
• Wings – Moving Pictures live at the State Theatre 30 July 2011
• So Tired
• Round Again
• The Angel and the Madman
• Moving Pictures – Days of Innocence

Goliath『Goliath』について

Goliathは、1970年ごろの英国に現れた非常に知られざるバンドだ。今回取り上げる『Goliath』は、そのバンド名をそのまま冠した作品で、UKのプログレッシブ・ロック文脈に置かれる1枚である。CBS系のブラス入りプログレらしい作りを持ちながら、Linda Rothwellの強い声の存在が大きく、そこがこのグループを語るうえでの要点になっている。

バンドの輪郭

メンバーはJoseph Rosbotham、Malcolm Grundy、Eric Eastman、Linda Rothwell、John Williamson。全員が無名の存在として扱われている。バンド紹介では、当時のCBS周辺にあったブラスを含むプログレ的な感触がありつつ、女性ヴォーカルの比重がはっきり高いことが強調されている。Linda Rothwellの歌い方は、Jefferson AirplaneのGrace SlickやDeliveryのCarol Grimesと比較されることがある。

この比較からも、単に演奏中心の英国プログレというより、ヴォーカルが前面に出るタイプの作品として見られてきたことが分かる。Linda Rothwellはのちにシングルも残している。

作品の位置づけ

『Goliath』は、1970年という時期の英国ロックの流れの中で、プログレッシブ・ロックの形式感と、ブラスや女性ヴォーカルを含む編成が重なる作品として位置づけられる。派手な知名度を持つアルバムではないが、同時代のCBS系プログレ周辺にあった要素を拾いながら、Linda Rothwellの声で個性を出している点がこの作品の核になっている。

再発盤について

ここでの盤は2012年の再発盤。Sweet Dandelionからの再発で、500枚限定とされる。オリジナルの1970年盤と比べると、作品そのものは同じ1970年作として扱われるが、現物としては再発盤であるため、コレクション用途ではその点が区別点になる。ランアウトにはGZ Digital Media由来の打ち消し線付きの数字が入っている。

聴きどころとして見える点

実聴感については、公開情報から確実に言えるのはLinda Rothwellの声がこのバンドの中心にあることだ。男性中心の英国プログレとは少し違う重心で、ヴォーカルの強さが前に出る構成が特徴として語られている。ブラスを含む編成も、同時代の英国ロックの中では耳に残る要素だろう。

まとめ

Goliath『Goliath』は、1970年の英国プログレ周辺にある、かなり埋もれた作品だ。バンドの知名度は高くない一方で、女性ヴォーカルの存在とCBS系プログレらしい編成が目立つ。Linda Rothwellの歌を軸に、同時代の英国ロックの中でも少し違った輪郭を持つ1枚として捉えられる。

トラックリスト

• A1 – Port And Lemon Lady (4:05)
• A2 – Festival Of Light (4:58)
• A3 – No More Trash (3:43)
• A4 – Hunters Song (9:54)
• B1 – Men (3:43)
• B2 – I Heard A Song About A Friend (4:31)
• B3 – Prism (6:06)
• B4 – Emerge, Breath, Sunshine, Dandelion (3:32)
• B5 – Maajun (A Taste Of Tangier) (4:30)

関連動画

• Goliath ► Maajun (A Taste Of Tangier) [HQ Audio] 1970
• GOLIATH men – 1970 – UK
• “Hunters Song” by Goliath (UK, 1970)
• Goliath – I Heard About A Friend (Progressive Music) 1970
• Goliath – Maajun (A Taste Of Tangier) 1970
• Goliath – Hunters Song (1970)
• Goliath – Maajun (A Taste Of Tangier) (1970)

Mike Oldfield『The Killing Fields (Original Film Soundtrack)』について

Mike Oldfieldの『The Killing Fields (Original Film Soundtrack)』は、1984年公開の映画『The Killing Fields』のために制作されたサウンドトラック作品である。Mike Oldfieldにとっては10作目のスタジオアルバムであり、映画音楽としての性格を強く持つ一枚でもある。オリジナルのリリースは1984年11月26日で、日本盤は1985年のリリースとなっている。

Mike Oldfieldは、ギターやキーボードを中心に多くの楽器をこなすイギリスのマルチ・インストゥルメンタリストで、プログレッシブ・ロックを軸に、フォーク、民族音楽、クラシック、電子音楽などを横断してきた人物である。『Tubular Bells』や「Moonlight Shadow」で広く知られる一方で、この作品のように映像作品へ深く関わった仕事も重要な位置を占める。

作品の位置づけ

『The Killing Fields』は、Mike Oldfieldの1980年代前半の活動を語るうえで外せない作品のひとつである。前作群で見られた長尺の構成やレイヤーの厚い音作りを保ちながら、映画の内容に沿って場面ごとの色合いを作る方向へ寄っている。アルバム単体として聴いても、曲のつながりや音の設計に作曲家としての手つきがはっきり出ている。

この時期のMike Oldfieldは、ロック・ミュージシャンというより、映画音楽や環境的な音響表現にも軸足を置く作家として見たほうが分かりやすい。『The Killing Fields』もその流れの中にあり、代表曲「Moonlight Shadow」のヒットで広がった認知とは別の面を示す作品といえる。

音の印象

実際に聴くと、派手なメロディを前面に出すというより、映像の流れに合わせて音を組み立てる場面が多い。電子音の質感、反復するフレーズ、空間の広がりを使った構成が目立つ。ジャンル表記としてはElectronic、Stage & Screenが中心だが、実際の聴こえ方はAmbientやDowntempo、Experimentalの要素も含んでいる。

アルバムの中では、静かな部分と緊張感のある部分の切り替えがはっきりしており、映画の場面転換を意識した流れになっている。単独の楽曲として耳に残るだけでなく、断片が積み重なって全体の空気を作るタイプの作品である。

収録曲と代表的な要素

このサウンドトラックからはシングルも切られており、アルバムの中で特に知られている楽曲のひとつとして扱われている。Mike Oldfieldの作品群の中では、メロディ主導のヒット曲とは別に、映画音楽としての機能性が前に出た作品である点が特徴的である。

映画『The Killing Fields』自体は、カンボジアを舞台にしたドラマ作品で、重い主題を持つ。そのため、音楽も装飾的というより、状況や感情の変化を支える役割が強い。Mike Oldfieldの作風の中でも、こうした題材に対して電子音と旋律を組み合わせていく手つきが見える。

日本盤について

今回の盤は日本で1985年にリリースされたもの。オリジナルの1984年盤に対して、レコード盤としての発売年が後から来る形である。盤面にはプロモーション・シンボルがある仕様とされ、録音はイングランド、ドイツ、スイスで行われている。

オリジナル盤と再発盤の大きな内容差については、ここでは盤情報として確認できる範囲に留まる。少なくとも作品そのものは1984年のサウンドトラックとして成立しており、日本盤はその後に出た流通版という位置づけである。

同時代の文脈

1980年代前半の映画音楽や電子音楽の文脈で見ると、この作品はシンセサイザーを使った映像音楽の流れの中に置ける。作曲家の個性を強く出しつつ、映画に合わせて機能する音楽という意味で、同時代のサウンドトラック作品と並べて語られることが多いタイプである。

ただし、Mike Oldfieldの場合は単なる劇伴作家というより、自身のアルバム制作で培った音の積み重ねや編集感覚を映画音楽に持ち込んでいる印象がある。だからこそ、ロックのファンと映画音楽のリスナーの両方から見られる作品になっている。

まとめ

『The Killing Fields (Original Film Soundtrack)』は、Mike Oldfieldの1984年作として、映画音楽とアルバム作品の中間にあるような一枚である。代表曲で知られる作家の別の側面、つまり映像に寄り添う構成力と音響設計を確認できる作品といえる。1985年の日本盤は、そのオリジナル作品を日本で手に取れる形にした盤である。

トラックリスト

• A1 – Pran’s Theme (0:45)
• A2 – Requiem For A City (1:45)
• A3 – Evacuation (5:10)
• A4 – Pran’s Theme – 2 (1:40)
• A5 – Capture (2:01)
• A6 – Execution (4:10)
• A7 – Bad News (1:10)
• A8 – Pran’s Departure (2:03)
• B1 – Worksite (1:18)
• B2 – The Year Zero (0:27)
• B3 – Blood Sucking (1:18)
• B4 – The Year Zero – 2 (0:36)
• B5 – Pran’s Escape / The Killing Fields (3:11)
• B6 – The Trek (1:58)
• B7 – The Boy’s Burial / Pran Sees The Red Cross (2:40)
• B8 – Good News (1:44)
• B9 – Etude (4:38)

関連動画

• Etude (From “The Killing Fields” Soundtrack / Remastered 2015)
• Evacuation (From “The Killing Fields” Soundtrack / Remastered 2015)
• Mike Oldfield – The killing fields – Etude
• Pran’s Theme (From “The Killing Fields” Soundtrack / Remastered 2015)
• Good News (From “The Killing Fields” Soundtrack / Remastered 2015)
• Requiem For A City (From “The Killing Fields” Soundtrack / Remastered 2015)
• Etude (From “The Killing Fields” Soundtrack / Remastered 2015 / Single Edit)
• Capture (From “The Killing Fields” Soundtrack / Remastered 2015)
• Mike Oldfield – The Killing Fields – Evacuation
• Mike Oldfield – The killing fields – Good news