Passport『Oceanliner』(1980)

ドイツのジャズ・フュージョン・バンド、Passportが1980年に発表したアルバムが『Oceanliner』です。バンドは1970年にKlaus Doldingerを中心に始まり、Passport名義では1971年以降の活動で知られています。ジャズを土台にしながらロック寄りの推進力も持つグループで、この作品もその流れの中にある1枚です。

作品の位置づけ

Passportは1970年代を通じて、欧州ジャズ・ロック／フュージョンの重要な存在として活動してきました。『Oceanliner』は1980年作として、その時期のPassportのサウンドを確認できるタイトルです。Klaus Doldingerを軸に、時代ごとに多くの演奏者が参加してきたバンドでもあり、本作もそうした流動的な編成の中で作られています。

サウンドの印象

レコード情報上のジャンルはJazzとRock、スタイルはFusionとJazz-Rockです。Passportらしく、ジャズの即興性を残しつつ、ロックのリズム感やアンサンブルの推進力が前に出るタイプの作品として捉えられます。タイトルから受けるイメージの通り、曲が流れるように展開していく構成が想像しやすい一方で、演奏面では緻密さのあるグループ・サウンドが核になっているはずです。

この時期のジャズ・フュージョンは、Weather ReportやReturn to Forever、Mahavishnu Orchestraのような米国勢と並べて語られることが多いですが、Passportはそこに西ドイツのバンドらしい硬質さと、ヨーロッパのジャズ文脈を持ち込んだ存在です。『Oceanliner』も、その延長線上で聴ける作品です。

参加メンバー

クレジットにはKlaus Doldingerのほか、Udo Lindenberg、Alphonse Mouzon、Guillermo Marchena、John Mealing、Curt Cress、Wolfgang Haffner、Patrick Scales、Peter O’Maraら、多数の演奏者名が並びます。Passportは時期によって編成が変わるため、こうした多人数のクレジットはこのバンドらしい特徴です。リズム隊や鍵盤、管楽器が入れ替わりながら、作品ごとに色合いを変えていく流れが見えます。

レーベルと盤の情報

本盤はAtlantic Recording Corporationのリリースで、表記には「Ⓟ Ⓒ 1980 WEA Musik GmbH. Printed in U.S.A.」「A Warner Communications Company」とあります。US盤として流通したものです。ランアウトには、ほとんどの情報が手書きで、”ATLANTIC STUDIOS D.K” のみ機械刻印とされており、当時の制作・プレスの仕様がうかがえます。

同時代の文脈

1980年前後のジャズ・ロック／フュージョンは、70年代後半の拡張路線から、より整理された構成やソリッドな演奏へと向かう流れがありました。Passportもその時代感の中で、派手な技巧だけで押し切るというより、バンド全体のまとまりや音の運びで聴かせるタイプのグループとして位置づけられます。Klaus Doldingerのバンドとして長く続いている点も含め、単発の企画盤ではなく、継続するプロジェクトの一時点として見える作品です。

『Oceanliner』は、Passportのディスコグラフィーの中でも1980年時点のバンド像をそのまま示すタイトルです。ジャズとロックの接点を、ヨーロッパ側の視点で聴かせるアルバムとして記録されている1枚です。

トラックリスト

• A1 – Departure (4:54)
• A2 – Allegory (3:40)
• A3 – Ancient Saga (4:15)
• A4 – Oceanliner (5:52)
• B1 – Rub-A-Dub (4:39)
• B2 – Uptown Rendezvous (3:32)
• B3 – Bassride (4:09)
• B4 – Scope (2:12)
• B5 – Seaside (5:28)

関連動画

• PASSPORT – Oceanliner.wmv
• PASSPORT – Departure.wmv
• Passport – Bassride
• Passport – Rub-A-Dub – 1980
• Oceanliner
• Uptown Rendezvous
• Allegory
• Departure
• Ancient Saga
• Seaside

Tenjo Sajiki『身毒丸』について

Tenjo Sajikiは、寺山修司を中心に1967年に結成された日本のアンダーグラウンド劇団で、演劇、音楽、映像、詩をまたいだ活動で知られる存在だ。この『身毒丸』は、そうした天井桟敷の活動の中でも、舞台作品と音楽が強く結びついた一枚として位置づけられる作品である。オリジナルは1978年の作品として扱われており、2022年には盤として再登場している。

作品の輪郭

タイトルの『身毒丸』は、寺山修司の代表的な舞台作品のひとつとして知られる題材だ。天井桟敷の文脈では、単なる「サウンドトラック」以上に、舞台上の身体表現や物語の緊張感を音で支える役割が大きい。ジャケットやクレジットを見ても、寺山修司、横尾忠則、J・A・シーザー、カルメン・マキ、九條映子ら、天井桟敷を象徴する面々が並び、この集団の総合芸術的な性格がそのまま表れている。

音楽面では、J. A. Seazerによる劇伴の流れを軸に、サイケデリック・ロックの要素が前面に出る。ロックの形式に収まりきらない進行や、舞台作品らしい緊張の持続、コーラスや反復の使い方が特徴として挙げられる。一般的な歌謡曲的な起伏よりも、場面を切り替えるための音、あるいは儀式的に積み上がる音の連なりとして聴こえるタイプの作品だ。

天井桟敷の中での位置づけ

天井桟敷は、寺山修司の演劇活動を核に、音楽家、美術家、俳優が交差する場だった。その中で音楽は付随要素ではなく、舞台そのものの一部として機能している。『身毒丸』もその流れにある作品で、劇団の美学である言葉、歌、身体、絵画的なイメージが一体化した例といえる。

参加メンバーを見ると、J. A. Seazerだけでなく、横尾忠則、カルメン・マキ、九條映子、東由多加、萩原朔美、佐々木英明、山本百合子らが名を連ねる。音楽作品でありながら、演劇公演の記録としての性格も強い顔ぶれだ。

同時代の文脈

1970年代後半の日本では、ロックが単なるバンド・サウンドにとどまらず、演劇や前衛芸術と結びつく動きが見られた。天井桟敷の音楽は、その中でもかなり独自の位置にある。比較の軸としては、アングラ演劇と接続した表現という点で、一般的なロック作品とはかなり異なるし、劇伴としての機能を強く持つ点では映画音楽や舞台音楽にも近い。ただし、演劇のための音でありながら、単体のレコードとしても成立する強度を持つところが、この作品群の面白さだ。

2022年盤について

2022年に出た盤は、1978年のオリジナル作品をあらためて聴ける形にしたものとして見てよさそうだ。オリジナル盤と再発盤の違いとしては、一般に音質の整え方や収録体裁、クレジット表記の更新がありうるが、この作品については盤ごとの細かな差異を確認できる情報は前提に置かれていない。少なくとも、作品の核は1978年の『身毒丸』にある。

聴きどころ

• 寺山修司の舞台世界と直結した構成
• J. A. Seazerの劇音楽らしい反復と緊張感
• カルメン・マキらの参加が示す、歌と演劇の接点
• 天井桟敷らしい、美術・言葉・音の混線

まとめ

『身毒丸』は、Tenjo Sajikiの活動を語るうえで外せない、演劇と音楽の境界にある作品だ。ロック、サウンドトラック、舞台芸術という複数の文脈にまたがりながら、寺山修司と天井桟敷の方法論をそのまま音にしたような一枚として捉えられる。1978年のオリジナル作品としての重みと、2022年盤であらためて触れられる現在性、その両方を持つタイトルである。

トラックリスト

• A1 – 慈悲心鳥
• A2 – 撫子かくし
• A3 – 髪切虫
• A4 – 家族合わせ
• A5 – 地獄のオルフェ
• B1 – 藁人形の呪い
• B2 – 復讐鬼
• B3 – 阿梨樹墜つ

関連動画

• 天井桟敷 Tenjo Sajiki ► Selections from 身毒丸 Shintokumaru [HQ Audio] 1978

Triumvirat / Mediterranean Tales (Across The Waters)（1972）

Triumviratは、1969年にドイツ・ケルンで結成されたプログレッシブ・ロック・バンドだ。中心にいるのはキーボードのJürgen Fritzで、初期メンバーにはベースのWerner “Dick” Frangenberg、ドラム兼作詞のHans Batheltがいた。
本作 Mediterranean Tales (Across The Waters) は、1972年にHarvest/EMIから出たデビュー作で、Triumviratの名を最初に広く示した作品として位置づけられる。

作品の概要

録音は1972年1月、ケルンのElectrola Studiosで行われている。レコード情報を見ると、これはオリジナル盤で、ラベルにLCコードの印字がない初期プレス。Side Aには外周32mmと内周12mmのスタンパーリングがあり、Side Bには1本のリングのみという仕様になっている。

Triumviratは、この時点ではまだ後年ほど大きな国際的成功を得る前の段階だが、すでにクラウトロック圏のバンドらしいドイツ発のプログレッシブ・ロックとしての輪郭ははっきりしている。Fritzのキーボードを軸にした構成は、同時代の英国プログレとは別の手触りを持つ。

Triumviratにとっての位置づけ

このアルバムは、Triumviratの出発点として重要な1枚だ。後年のIllusions On A Double Dimple（1974）、Spartacus（1975）で知られる流れの前段階にあたり、バンドの基本的な作法がここで形になっている。
その後、メンバー交代を重ねながら活動を続け、特にSpartacusで商業的なピークを迎えることになるので、デビュー作はその土台を確認する意味を持つ作品でもある。

同時代の文脈

1972年のドイツ・プログレは、英米のロックとは異なるアプローチを探っていた時期だ。Triumviratもその流れの中にあり、オルガンやシンセサイザーを前面に出した展開は、GenesisやYesのような英国プログレと比較されることが多い。
ただし、Triumviratは演奏の組み立てがかなり鍵盤主導で、ギター中心のロックとは異なる重心を持っている。Krautrockの文脈でも語られることがあるのは、その出自と音の作り方によるものだろう。

内容について

本作は、のちの代表作ほど大きく知られた曲を抱える段階ではないが、バンドの方向性を示す演奏がまとまっている。楽曲は組曲的な流れや展開の切り替えを伴い、長めの構成の中でキーボードの役割が大きい。
歌ものとしての派手さよりも、曲内のパート構成や展開で聴かせるタイプのアルバムと言える。

Triumviratは後年、アメリカでのリリースをきっかけに広く知られるようになるが、このデビュー作はまだドイツ国内での第一歩という色合いが濃い。そうした意味で、バンドの原型をそのまま残した記録として見やすい。

補足

• アーティスト: Triumvirat
• タイトル: Mediterranean Tales (Across The Waters)
• オリジナル発売年: 1972年
• リリース国: Germany
• 録音: Electrola Studios, Cologne、1972年1月
• スタイル: Krautrock、Prog Rock

Triumviratのキャリアを追うなら、まずこの1972年作で出発点を押さえておくと、その後のIllusions On A Double DimpleやSpartacusとのつながりが見えやすい。デビュー時点でのバンドの輪郭が、そのまま記録されている1枚だ。

トラックリスト

• Across The Waters (16:31)
• B1 – Eleven Kids (6:00)
• B2 – E Minor 5/9 Minor /5 (7:55)
• B3 – Broken Mirror (7:14)

関連動画

• Triumvirat – Be home for tea
• TRIUMVIRAT – E Minor 5 9 Minor 5
• Triumvirat – “Across the waters”
• E minor 5/9 Triumvirat
• Triumvirat Eleven Kids
• Broken Mirror
• Triumvirat – Mediterranean Tales (Across the Waters) – [Full Album 1972]

Kate Bush『The Kick Inside』について

Kate Bushのデビュー・スタジオ・アルバムが、1978年2月17日に発売された『The Kick Inside』だ。前年にシングル「Wuthering Heights」で一気に注目を集めたKate Bushの、最初のフル・アルバムとして位置づけられる作品である。ロックやポップの枠に収まりきらない曲作りと、物語性の強い歌詞が早い段階から表れている1枚。

この時点のKate Bushはまだ19歳。デビュー作でありながら、すでに作家性が強く、一般的な英米ポップスとは少し違う感触を持っている。のちの長いキャリアの出発点として見ると、声の使い方、曲の展開、言葉の運び方など、すでに本人の個性がはっきりしている作品だ。

作品の位置づけ

Kate Bushは、David Gilmourに才能を見出されてEMIと契約した経緯でも知られる。『The Kick Inside』は、その背景から生まれたデビュー作であり、当時の英国シーンの中でもかなり異色の存在だった。プログレッシブ・ロック周辺の流れや、シンガー・ソングライター的な文脈とも接点があるが、どちらにも完全には回収されない独自性がある。

同時代の英国ポップを思い浮かべると、緻密なアレンジと強い歌唱で押し切るタイプの作品として受け取られやすい。とはいえ、単に技巧的というより、曲ごとに情景や人物像を描く方向が目立つアルバムだ。

代表曲とアルバム内の流れ

このアルバムを語るうえで外せないのが「Wuthering Heights」だ。1978年にシングルとして発売され、複数国で1位を記録した代表曲である。高い声のフレーズと、エミリー・ブロンテの小説『嵐が丘』を下敷きにした歌詞が印象的で、Kate Bushの名を広く知らしめた。

ほかにも「The Man With The Child In His Eyes」や「The Kick Inside」など、後のKate Bush像につながる曲が並ぶ。ピアノを軸にした曲でも、ただ静かにまとめるのではなく、声の表情やフレーズの切り替えで曲の景色を変えていく作りが目立つ。

収録曲全体を見ると、シングルで強く押し出された曲と、アルバム単位で流れを作る曲が同居している。デビュー作らしいまとまりと、すでに個人作家としての輪郭が出ている両方の印象がある。

日本盤について

日本盤は、欧米盤とはフロント・カバーが異なる仕様になっている。さらに帯付きで、2面のインサートには写真、曲目、和文バイオグラフィー、歌詞の日本語訳が付属する。内袋もポリエチレン製のU字型タイプという、当時の国内盤らしい丁寧な作りだ。

日本盤では、帯に「Angel and Devil」という別タイトルが使われている点も特徴的である。盤面の表記では「Strange Phenomena」が「Strange Phenemena」となっている誤記が知られている。

聴きどころ

実際に聴くと、まず声の存在感が大きい。音数を詰め込むよりも、フレーズの間合いで引っ張る場面が多く、歌そのものが曲の中心にある。ピアノ、ギター、リズム隊の配置は比較的明快だが、その上で旋律が予想外の方向へ動くことがある。

アルバム全体は、のちの大作志向や実験性の強い作品ほど複雑ではない。けれど、すでに「曲の中で物語を進める」感覚ははっきりしていて、デビュー作でここまで輪郭があるのはかなり印象的だ。

まとめ

『The Kick Inside』は、Kate Bushの出発点であり、代表曲「Wuthering Heights」を含む初期の核となる作品だ。1978年の英国ポップ／ロックの中でも、声、曲、言葉の結びつきが独特で、後の長いキャリアを見通せる内容になっている。日本盤はジャケットや付属物も含めて、オリジナル盤との違いがはっきりした一枚である。

トラックリスト

• A1 – Moving (3:06)
• A2 – The Saxophone Song (3:47)
• A3 – Strange Phenomena (2:53)
• A4 – Kite (2:58)
• A5 – The Man With The Child In His Eyes (2:39)
• A6 – Wuthering Heights (4:29)
• B1 – James And The Cold Gun (3:35)
• B2 – Feel It (3:00)
• B3 – Oh To Be In Love (3:17)
• B4 – L’Amour Looks Something Like You (2:25)
• B5 – Them Heavy People (3:04)
• B6 – Room For The Life (4:03)
• B7 – The Kick Inside (3:34)

Holger Czukay『Full Circle』について

『Full Circle』は、Canの元ベーシストとして知られるHolger Czukayが1982年に発表した作品である。ジャンル表記ではElectronic、Rock、スタイルではDub、Electro、Experimental、Krautrockにまたがる内容とされていて、いわゆるロックのアルバムというより、編集、音響処理、断片的な構成を前面に出したソロ作品という位置づけが見えやすい。

Holger Czukayは、Karlheinz Stockhausenに学んだ経歴を持ち、Canでは演奏だけでなく録音やエンジニアリング面でも重要な役割を担った人物である。その後のソロ活動でも、ラジオ音源の使用やサンプリング的な手法で独自性を示してきたが、『Full Circle』もその延長線上にある作品として捉えられる。

作品の輪郭

このアルバムは、Holger Czukayによる「Radio painting」として紹介されている。クレジットには、彼自身が「Editing and processing」を手がけたとあり、録音された素材を組み替え、加工し、音の断片を配置していく作りが中心になっていることがうかがえる。R.P.S.は「Radio Pictures Series」の略とされている。

収録曲のうち、How Much、Where’s The Money、Trench Warfare、Twilight World は、ヨーロッパで先に12インチ・シングルとして発表されていた。アルバムではそれらの素材がまとまり、ひとつの作品として再構成されている。

1982年という位置づけ

1982年の時点で、Holger CzukayはすでにCanのメンバーとして、そしてソロの実験的な作家としても一定の位置を築いていた。『Full Circle』は、その活動の中でも、バンド演奏の延長というより、音響の編集や放送由来の素材を扱う方向をよりはっきり示す作品に見える。

同時代の文脈で見ると、クラウトロックの残響を引き継ぎながら、ダブや電子音楽、実験音楽の手法が交差する地点に置ける内容である。Can周辺の流れを思わせる一方で、一般的なロックの展開や歌を軸にする作りとは距離がある。

収録曲に触れながら

曲名だけでも、Where’s The Money や Trench Warfare のように、断片的な言葉を置いたタイトルが目につく。ここでも、メッセージを一直線に伝えるというより、語句、リズム、音色、編集の感触を並べる発想が前に出ている印象がある。

Twilight World のような曲名は、アルバム全体のラジオ断片的な構成と相性がよく、Holger Czukayが得意とした「素材の再配置」という作法を思わせる。聴感としては、演奏の巧さを見せる作品というより、音の切り貼りや距離感そのものを聴かせるタイプのアルバムとして受け取られやすいだろう。

日本盤としての『Full Circle』

今回の盤は日本で1982年に出たもの。価格表記は¥2,500となっている。作品自体はオリジナル年と同じ1982年のリリースで、後年の再発盤ではない。

Holger Czukayのソロ作品の中でも、『Full Circle』は、Can以後の実験性をそのまま持ち込みつつ、ラジオ音源や編集の感覚を強く打ち出した一枚として見てよさそうだ。クラウトロックの文脈、ダブ的な処理、電子音の扱いが交差する、彼らしい作品である。

トラックリスト

• A1 – How Much Are They? (4:48)
• A2 – Where’s The Money? (5:02)
• A3 – Full Circle R.P.S. (No. 7) (10:58)
• B1 – Mystery R.P.S. (No. 8) (8:47)
• B2 – Trench Warfare (6:45)
• B3 – Twilight World (4:20)

関連動画

• Holger Czukay, Jah Wobble, Jaki Liebezeit – How Much Are They?
• Holger Czukay, Jah Wobble and Jaki Liebezeit – Full Circle (1981/82)
• Full Circle R.P.S. (No 7)

Jon Hassell『Fourth World Vol. 1 – Possible Musics』について

Jon Hassellの『Fourth World Vol. 1 – Possible Musics』は、1980年に発表された作品です。トランペット奏者、作曲家、作家として知られるHassellが、自身のいう「Fourth World」という考え方を前面に出した初期の代表作で、電子音響と即興演奏のあいだを行き来する内容になっている。ジャンル表記はElectronic、スタイルはExperimental、Ambient。

このアルバムは、Hassellの音楽的な方向性を理解するうえで重要な位置にある作品として知られている。西洋の楽器であるトランペットを起点にしながら、インド音楽やミニマル・ミュージック、電子処理の感覚を接続していく流れが、この時点ですでに明確に表れている。

作品の位置づけ

Jon Hassellは、古いものと新しいもの、作曲と即興、東洋と西洋をひとつの音楽語法にまとめようとした人物として語られることが多い。このアルバムは、その発想をタイトルからも示した一枚で、後年の彼の活動を考えるうえでも出発点のような存在といえる。

Hassellはカールハインツ・シュトックハウゼンのもとで電子音楽やセリエル音楽を学び、その後ニューヨークでラ・モンテ・ヤングやテリー・ライリーと接点を持った。その経歴を踏まえると、本作の響きには実験音楽やミニマルの文脈が自然に通っている。

音の特徴

実際に聴くと、中心にあるのは派手な展開ではなく、音の配置と余韻の管理だ。トランペットは旋律を前に出すというより、細く長い音色やフレーズの断片として置かれ、電子的な処理や空間の広がりの中に溶け込んでいく。リズムで押す部分より、持続音や反復、音の距離感が印象に残る。

また、一般的なジャズ・トランペット作品のようなソロの見せ場とは少し違い、音そのものの質感を聴かせる場面が多い。音が鳴ってから消えるまでの時間、背後の層、輪郭の曖昧さが、この作品の聴きどころになっている。

同時代の文脈

1980年前後は、アンビエントや実験電子音楽の領域が広がっていた時期でもある。この作品は、その流れの中で、単なる環境音楽というより、異文化の要素を組み替えながら新しい音楽の地平を探る動きとして受け取られてきた。

比較対象としては、ブライアン・イーノ周辺のアンビエント、あるいはミニマルの反復感を持つ音楽が思い浮かぶ。ただしHassellの場合は、トランペットという生楽器の存在感が強く、電子音楽でありながら身体的な息づかいが残っている点が特徴的だ。

ヒット曲・代表曲について

このアルバムはシングルヒットを前提にした作品ではない。楽曲単位で広く知られるというより、アルバム全体の流れやコンセプトで語られることが多い。代表作としては、やはりこの『Fourth World Vol. 1 – Possible Musics』そのものが挙げられることが多い。

盤の情報について

今回の盤は1980年のオリジナル期のリリースで、作品の初出当時の空気を伝える一枚といえる。クレジットでは、℗ 1980 E.G. Records Ltd.、楽曲著作権はEG Music Ltd. 1980と記されている。

まとめ

『Fourth World Vol. 1 – Possible Musics』は、Jon Hassellが自分の音楽語法をはっきり示した初期の重要作。電子音響、実験性、アンビエントの要素を持ちながら、トランペットの息づかいが前に残る、輪郭のはっきりした作品だ。1980年という時点で、この方向性をここまで明確に打ち出していたこと自体が、このアルバムの大きな特徴になっている。

トラックリスト

• A1 – Chemistry = ケミストリー (6:48)
• A2 – Delta Rain Dream = デルタ・レイン・ドリーム (3:22)
• A3 – Griot (Over “Contagious Magic”) = グリオ (4:00)
• A4 – Ba-benzélé = バ・ベンゼレ (6:03)
• A5 – Rising Thermal 14° 16′ N; 32° 28′ E = ライジング・サーマル 北緯14度16分 東経32度28分 (3:34)
• B – Charm (Over “Burundi Cloud”) = チャーム (21:24)

関連動画

• (432 HZ) Brian Eno & Jon Hassell – Fourth World Vol. 1: Possible Musics [Full Album]

The Moody Blues『Seventh Sojourn』について

The Moody Bluesは、1964年にイングランドのバーミンガムで結成されたロック・グループで、2018年にはロックの殿堂入りも果たしたバンドだ。フルート、キーボード、ギター、ベース、語りを含む編成で知られ、1960年代後半から1970年代前半にかけて、演奏と曲作りの両面で独自の存在感を築いていった。

『Seventh Sojourn』は、1972年に発表された8作目のスタジオ・アルバム。日本盤は1973年リリースで、OBI付き・小型ブックレット付きの仕様になっている。

作品の位置づけ

このアルバムは、The Moody Bluesのいわゆる黄金期の終盤に置かれる作品だ。前作までに確立されていた、メロディ重視のロックにシンフォニックな感触や内省的な歌詞を重ねる作風が、この時点でもはっきりしている。バンドとしては、1960年代末から続いてきたアルバム単位での完成度の高さを、そのまま1972年まで引き継いだ一枚という印象がある。

音の特徴

『Seventh Sojourn』は、The Moody Bluesらしい厚みのあるアレンジと、各メンバーの役割がはっきりした演奏が中心にある作品だ。Justin Haywardのギターと歌、John Lodgeのベースと歌、Mike Pinderのキーボード、Ray Thomasのフルートやハーモニカ、Graeme Edgeのドラムが、それぞれに曲の輪郭を作っている。プログレッシブ・ロックの文脈でも語られることがあるが、演奏が過度に技巧へ寄りすぎず、曲の流れを保っているところにこのバンドらしさがある。

同時代の英国ロックでは、YesやGenesisのように構成の複雑さを前面に出す流れが強まっていた一方で、The Moody Bluesはメロディと歌の比重を保ったまま、サウンドの広がりを作っていた。そこが比較されやすい点でもある。

代表曲について

収録曲の中では「Isn’t Life Strange」が知られている。オーケストラ的な広がりを感じさせる展開と、バンドのメロディ志向がまとまった曲として扱われることが多い。The Moody Bluesの代表的な一面、つまり叙情性の強い歌と分厚い音像が、この曲にもよく出ている。

また、アルバム全体を通して、派手な一曲で押すというより、曲ごとの雰囲気と流れで聴かせる構成になっている。作品単位で追うタイプのバンドらしさが、そのまま表れた内容だ。

聴きどころの整理

• Justin Haywardの歌とギターの安定感
• Mike Pinderのキーボードが作る空間
• Ray Thomasのフルートやハーモニカの色付け
• John Lodgeのベースが支える曲の推進力
• 1972年時点の英国ロックらしい構成感とメロディ感

日本盤としての見どころ

この盤は1973年の日本盤で、OBIと小型ブックレット付きという点が特徴になる。オリジナルの1972年盤をそのまま追うのではなく、1973年時点の日本で流通した仕様として見ると、当時の輸入盤・国内流通盤の空気も感じやすい。ジャケットや付属物を含めて楽しむタイプのレコードだ。

まとめ

『Seventh Sojourn』は、The Moody Bluesが1960年代から積み上げてきたメロディ志向、内省的な歌、厚いアレンジを、1972年の時点で整理して示したアルバムだ。派手な変化を狙う作品というより、バンドの持ち味をそのまま作品としてまとめた一枚、という見方がしやすい。

トラックリスト

• A1 – Lost In A Lost World (4:42)
• A2 – New Horizons (5:11)
• A3 – For My Lady (3:58)
• A4 – Isn’t Life Strange (6:09)
• B1 – You And Me (4:21)
• B2 – The Land Of Make-Believe (4:52)
• B3 – When You’re A Free Man (6:06)
• B4 – I’m Just A Singer (In A Rock And Roll Band) (4:18)

関連動画

• Isn’t Life Strange
• Lost In A Lost World
• The Moody Blues – New Horizons (HD)
• The Moody Blues For my Lady
• You And Me
• The Land Of Make Believe
• When You’re A Free Man
• Moody Blues: I’m Just a Singer in a Rock and Roll Band
• The Moody Blues – I’m Just A Singer (In A Rock And Roll Band)

Eyes Of Blue「The Crossroads Of Time」について

「The Crossroads Of Time」は、ウェールズ・ニース出身のプログレッシブ・ロック・バンド、Eyes Of Blueによる作品で、オリジナルは1968年のリリースとなる。バンドは1960年代前半に結成され、Chuck Stallion、The Mustangsを経てEyes Of Blueへと名を変えていった経歴を持つ。1960年代の南ウェールズのロック・シーンで評価を高めた後、メンバーの入れ替わりを経ながら活動を続けたグループである。

バンドの位置づけ

Eyes Of Blueは、初期にはソウル色のあるR&Bバンドとしてスタートし、その後にキーボードを含む編成へ発展した。フィル・ライアン、ジョン・ウェザーズ、ゲイリー・ピックフォード＝ホプキンスといったメンバーが加わった時期の流れは、後の英国プログレッシブ・ロックへつながる音作りを感じさせる要素として知られている。特にPhil Ryanの存在はバンドの輪郭をはっきりさせる要因になっている。

作品の内容と聴きどころ

「The Crossroads Of Time」は、当時の英国ロックらしく、ギター、オルガン、ヴォーカルを軸にした演奏の組み立てが見どころになる作品として語られることが多い。収録曲の中では、展開のある構成や、バンド全体で進めていくアンサンブルが印象に残るタイプの録音である。シングルで広く知られた代表曲中心の作品というより、アルバム全体の流れで聴かれる性格が強い。

歌詞や曲の構成には、1960年代後半の英国ロックに通じる感触があり、ブルース、R&B、サイケデリックの周辺を通りながら、プログレッシブ・ロックへ向かう過程の一枚として見ることができる。派手なヒット曲を前面に出すタイプではなく、バンドの演奏と編成の変化を確認する資料性もある作品である。

同時代との関係

同時代の英国バンドでいうと、キーボードを含む編成、R&Bからの発展、長めの構成を持つ楽曲という点で、後のプログレッシブ・ロック勢と地続きの印象がある。Eyes Of Blueは大きな商業的成功で知られるグループというより、南ウェールズのシーンから出てきた実力派として位置づけられることが多い。

なお、バンドは後にThe Imposters名義でシングルを出し、さらに1971年にはBig Sleepへと改名している。こうした変遷も含めて見ると、「The Crossroads Of Time」はEyes Of Blueという名義の時期を代表する記録のひとつと言えそうだ。

ドイツ盤について

今回の盤はドイツでのリリースで、限定500枚とされている。オリジナルの1968年盤と比べると、再発盤としての流通形態が異なり、コレクション用途で手に取られることの多いタイプだろう。盤ごとの音質やマスターの違いまで断定はできないが、少数プレスの再発盤として扱われている点は確認できる。

まとめ

「The Crossroads Of Time」は、Eyes Of Blueの成り立ちや1960年代後半の英国ロックの流れをたどるうえで、ひとつの節目になる作品である。R&B由来のバンドが、キーボードを含む編成でプログレッシブ・ロックへ接近していく、その途中の空気が残る一枚だ。

トラックリスト

• A1 – Crossroads Of Time (5:00)
• A2 – Never Care (3:19)
• A3 – I’ll Be Your Friend (3:49)
• A4 – 7 + 7 Is (2:33)
• A5 – Prodigal Son (5:27)
• B1 – Largo (3:15)
• B2 – Love Is The Law (5:16)
• B3 – Yesterday (4:23)
• B4 – I Wonder Why (3:15)
• B5 – World Of Emotion (2:50)
• B6 – Inspiration For A New Day (3:09)

関連動画

• Eyes Of Blue “The Crossroads Of Time” 1968 *Crossroads Of Time*
• Eyes Of Blue “The Crossroads Of Time” 1968 *Never Care*
• 0Eyes Of Blue “The Crossroads Of Time” 1968 *I’ll Be Your Friend*
• Eyes Of Blue “The Crossroads Of Time” 1968 *7 + 7 Is*
• Eyes Of Blue “The Crossroads Of Time” 1968 *Prodigal Son*
• Eyes Of Blue “The Crossroads Of Time” 1968 *Largo*
• Eyes Of Blue “The Crossroads Of Time” 1968 *Love Is The Law*
• Eyes Of Blue “The Crossroads Of Time” 1968 *Yesterday*
• Eyes Of Blue “The Crossroads Of Time” 1968 *I Wonder Why*
• Eyes Of Blue “The Crossroads Of Time” 1968 *World Of Emotion*

Acqua Fragile『Mass-Media Stars』について

Acqua Fragileは、イタリア・パルマ出身のプログレッシブ・ロック・バンドである。1971年に、元Gli ImmortaliのBernardo Lanzetti（vo, g）、Gino Campanini（g）、Piero Canavera（ds）を中心に結成され、Franz Dondi（b）、Maurizio Mori（key）を加えた編成で活動を始めた。Premiata Forneria Marconi（PFM）に見出されて契約し、1973年のデビュー作に続いて、1974年に2作目として発表したのが本作『Mass-Media Stars』である。

バンドのディスコグラフィーの中では、初期の代表作のひとつに数えられるタイトルで、のちにBernardo LanzettiがPFMへ加入する前の、Acqua Fragileの完成形に近い姿を示す作品でもある。イタリアン・プログレの文脈では、PFMやBanco del Mutuo Soccorsoと並べて語られることが多い流れの中にあるが、Acqua Fragileは比較的ソフトな感触と、英語詞による歌唱が印象に残るバンドとして知られている。

作品の位置づけ

『Mass-Media Stars』は、Acqua Fragileのオリジナル・スタジオ作2枚のうちの2作目にあたる。前作『Acqua Fragile』で示した音楽性を引き継ぎつつ、バンドとしてのまとまりをさらに強めた時期の記録といえる。ここでの演奏は、ギターとキーボードを軸にした組み立てと、Lanzettiの歌を中心にした展開が特徴で、イタリアン・プログレらしい構成の変化を持ちながらも、過度に技巧へ寄りすぎない流れがある。

その後、Maurizio Moriは本作のあとに脱退し、Joe Vescoviが加わる。さらにBernardo Lanzettiも1975年にPFMへ移るため、Acqua Fragileは短い活動期間のまま解散する。そうした経緯を踏まえると、『Mass-Media Stars』はこのバンドの初期活動を締めくくる重要な1枚として見られる盤である。

音の印象

実際の聴感としては、演奏の切り替えがはっきりしていて、曲の中で静かな部分と動きのある部分が行き来する作りが目立つ。ギターは前に出すぎず、キーボードと一緒に曲の輪郭を作る場面が多い。英語詞のボーカルは、イタリアン・プログレの中でも比較的聴き取りやすいタイプで、旋律を追いやすいのがこのバンドの持ち味として伝わる。

同時代のイタリア勢と比べると、PFMのようなシンフォニックな展開の流れは共有しつつも、より歌を軸にした印象がある。欧州プログレの中では、Jethro TullやCamelのようなメロディ重視のバンドを思わせる場面を持ちながら、あくまでイタリア産の編曲感覚が前面に出るタイプ、と捉えられることが多い。

再発盤としての特徴

この日本盤は1979年リリースで、オリジナル発表から少し時間を置いた再発盤にあたる。装丁はシングル・スリーブで、日本語歌詞インサートが付属する。フロントの帯には「European 2 Rock Collection 1800」の表記があり、裏帯には「European Rock Collection 1800 Part II」としてシリーズ内の8作が案内されている。

こうした日本盤は、当時の国内リリースとしてイタリアン・プログレのカタログをまとまって紹介する役割を担っていた。内容面では1974年作の音源をそのまま楽しむ盤であり、オリジナル発表時の作品像を日本市場向けの体裁で伝える1枚という位置づけになる。

関連情報

• アーティスト: Acqua Fragile
• 作品: Mass-Media Stars
• オリジナル・リリース年: 1974年
• 日本盤リリース年: 1979年
• 国: Japan
• ジャンル: Rock
• スタイル: Prog Rock

まとめ

『Mass-Media Stars』は、Acqua Fragileの初期活動を代表するアルバムのひとつであり、短命ながらもイタリアン・プログレの流れの中に確かな足跡を残した作品である。Bernardo Lanzettiを中心とした編成、PFMとの接点、その後のメンバーの動きまで含めて見ると、この盤は単なる2作目というだけでなく、バンドの到達点と転機を同時に示す記録でもある。

トラックリスト

• A1 – Cosmic Mind Affair (7:22)
• A2 – Bar Gazing (5:07)
• A3 – Mass-Media Stars (6:55)
• B1 – Opening Act (5:40)
• B2 – Professor (6:49)
• B3 – Coffee Song (5:57)

関連動画

• Cosmic Mind Affair
• Bar Gazing
• Mass-Media Stars
• Professor
• Coffee Song
• Opening Act

Mark Stewart『Dream Kitchen』（1996）について

Mark Stewartは、ブリストル出身のイングリッシュ・シンガー／ソングライター／アーティスト／プロデューサー。The Pop Groupの創設メンバーとして知られ、その後もソロやさまざまなプロジェクトで活動を続けた人物だ。『Dream Kitchen』は1996年にUKで出た作品で、電子音楽を軸にダブとインダストリアルの要素が交わる一枚として位置づけられる。

作品の輪郭

この時期のMark Stewartは、バンド時代の先鋭的な感覚を土台にしながら、より機械的な質感や音響的な処理を前面に出していく流れにある。『Dream Kitchen』も、その延長線上にある作品として捉えやすい。リズムの組み立て方や音の置き方に、ダブ由来の空間処理と、インダストリアル寄りの硬い手触りが見える。

ブリストル・シーンの文脈で見ると、同じ街の音楽が持っていた低音重視の感覚や、ポストパンク以後の実験性とつながる部分がある。Massive AttackやPortisheadのような“ブリストル・サウンド”が広く知られる少し前後の時期にあたるため、そうした空気と並べて語られることもある。ただし、Mark Stewart本人はよりラディカルで、ポストパンクの緊張感を強く残した立ち位置にいる。

Mark Stewartにとっての位置づけ

Mark Stewartのキャリア全体で見ると、『Dream Kitchen』はThe Pop Group以後のソロ活動の中で、ダブとインダストリアルの接点を深めた作品のひとつとして扱われることが多い。パンクの直線的な勢いだけではなく、音の間、反復、ノイズの扱いに重心を置く方向性がはっきりしている時期だ。

彼の作品群は、単なるソロ作というより、ポストパンク以降の実験音楽、レゲエ／ダブの処理、クラブ以後のビート感を横断する動きとして見たほうがわかりやすい。そうした意味で、『Dream Kitchen』はMark Stewartらしい方法論が比較的よく出たタイトルのひとつといえる。

聴きどころとして見える点

• ダブ的な残響と間の使い方
• インダストリアル寄りの硬い音像
• 電子音楽の枠組みの中で保たれる緊張感
• ポストパンク由来の声の置き方と語り口

ヒット曲のような形で広く知られた代表曲を前提に聴く作品ではなく、アルバム全体の流れや音の作りそのものを追うタイプの内容だ。曲ごとの派手な展開よりも、音の圧や質感、反復の組み立てで聴かせる構成になっていると見てよさそうだ。

まとめ

『Dream Kitchen』は、Mark Stewartがブリストルの先鋭的な音楽感覚とポストパンク以後の実験性をつなぐ中で生まれた1996年の作品。Electronicを土台に、DubとIndustrialの要素が絡む、彼の活動史の中でも輪郭のはっきりした一枚として捉えられる。

トラックリスト

• A1 – Dream Kitchen
• A2 – Crawl Space
• B – Simulacra (Clone1)

関連動画

• Mark Stewart – Dream Kitchen (1996 – Adrian Sherwood)

Daryl Hall & John Oates『X-Static』（1979）

Daryl Hall & John Oatesは、1967年から活動を続けるアメリカのポップ・ロック・デュオだ。1970年代後半には、ソウルやポップスの要素に加えて、当時の新しい音の感触も取り入れながら、アルバムごとに少しずつ表情を変えていく。

『X-Static』は1979年に発表された作品で、電子的な質感を前面に出した時期の一枚として位置づけられる。ジャンル表記はElectronic、スタイルはSynth-pop。Hall & Oatesの中でも、いわゆるヒット曲主体のイメージだけでは見えにくい、時代の空気に寄ったサウンドがまとまっている。

作品の輪郭

このアルバムでは、Daryl Hallの歌とJohn Oatesのギター／コーラスの組み合わせを軸にしながら、シンセサイザーの比重が比較的はっきりしている。1979年という時期を考えると、ロック・バンド的な演奏感よりも、鍵盤や機械的なリズムの存在感が先に立つ作りと受け取れる。

レコードのクレジットには、©1979 RCA Records、Manufactured by RVC Corporation, Tokyo, Japan とある。日本盤として流通した一枚で、盤自体は強い光にかざすと半透明に見える translucent vinyl 仕様だ。

Hall & Oatesの中での位置づけ

Hall & Oatesはこの後、1980年代に入ると『Voices』や『Private Eyes』、『H2O』などで大きくヒットを重ねていく。その流れの手前にある『X-Static』は、後年の成功作ほど広く知られるタイプではないが、デュオがポップ・ソングの作り方を更新していく途中の記録として見やすい。

同時代の文脈では、ソウル寄りのポップ・ロックからシンセを使った新しいポップへ移っていく動きの中に置ける。完全にニューウェイヴへ寄るというより、既存のメロディ志向を保ちながら、音の表面を時代に合わせていく感触がある。

聴きどころ

実際の音像としては、歌の輪郭を中心にしつつ、シンセのレイヤーが曲の空間を作るタイプのアルバムといえる。派手なギター・ロックの押し出しより、リズムと音色の配置で聴かせる場面が目立つ。

代表曲としては、アルバムからシングルとして知られる「Wait for Me」が挙げられることが多い。メロディの分かりやすさと、当時らしいシンセの使い方が同居していて、作品全体の方向性をつかみやすい一曲だ。

まとめ

『X-Static』は、Hall & Oatesのディスコグラフィの中で、1970年代末の電子的なポップ感覚を映した一枚。大きなヒット作として語られることは多くないが、デュオの変化の途中をそのまま記録したアルバムとして見ると、なかなか輪郭のはっきりした作品だ。

日本盤の半透明ビニールも含め、1979年当時のRCA周辺のパッケージ感を持ったレコードとして手元で眺める面白さもある。

トラックリスト

• A1 – The Woman Comes And Goes (3:48)
• A2 – Wait For Me (4:06)
• A3 – Portable Radio (4:44)
• A4 – All You Want Is Heaven (4:00)
• A5 – Who Said The World Was Fair (4:08)
• B1 – Running From Paradise (6:35)
• B2 – Number One (3:43)
• B3 – Bebop / Drop (3:56)
• B4 – Hallofon (1:17)
• B5 – Intravino (3:33)

関連動画

• Daryl Hall & John Oates『X-Static』[Full Album]
• Oatley Halls [Zyron RetouchEdit]
• No Brain No Pain
• Who Said The World Was Fair
• Number One
• Times Up (Alone Tonight)
• Hallafon
• All You Want Is Heaven
• Daryl Hall & John Oates – Wait For Me (Official Video)
• Daryl Hall & John Oates – Bebop/Drop

Robert Wyatt『Shipbuilding / Memories Of You / Round Midnight』について

Robert Wyattの1982年の7インチ・シングル。収録曲は「Shipbuilding」「Memories Of You」「Round Midnight」の3曲で、UK Rough Tradeから出た作品です。Robert WyattはSoft Machineの創設メンバーとして知られ、その後はソロでも、ジャズやロックの境界をまたぐ作品を続けてきた人。このシングルも、その流れの中にある一枚です。

作品の位置づけ

1982年といえば、Wyattのソロ活動がかなりはっきりした輪郭を持っていた時期です。Soft Machine以後のキャリアの中でも、彼はジャズ、ポップス、カバー曲、政治性のある楽曲を自然に並べていくタイプで、このシングルもそうした持ち味がよく出ている一枚です。特に「Shipbuilding」は、彼の代表曲としてよく挙げられる楽曲で、Robert Wyattの名前を広く印象づけた曲のひとつと言えます。

収録曲

• Shipbuilding
• Memories Of You
• Round Midnight

「Shipbuilding」は、戦争と造船業を結びつけた内容の曲として知られ、落ち着いた歌唱と、曲の持つ冷たい手触りが印象に残る曲です。Robert Wyattらしい、感情を大きく押し出しすぎない歌い方が曲の内容と合っています。

「Memories Of You」はスタンダード寄りの曲想で、Wyattの声の細い響きが前に出るタイプの楽曲。「Round Midnight」はセロニアス・モンクで有名なジャズ・スタンダードで、Wyattがこの時期にジャズの語法を自分のポップス感覚の中へ取り込んでいたことがわかる選曲です。

サウンドの印象

全体としては、派手に展開するタイプではなく、音数を絞った中で曲の輪郭を見せる作りです。Robert Wyattの声は、強く張るというより、言葉の意味やメロディの線をそのまま運ぶ感じがあるので、この手の楽曲では特に存在感がある。ジャズ・ロックやアート・ロックの文脈で語られるのも納得できる内容です。

ジャケットと盤の仕様

1982年のオリジナル盤は、赤ラベルの盤として知られています。ジャケットにはStanley Spencerの絵画《Shipbuilding On The Clyde : Riveters》の一部が使われており、造船所の労働を描いたイメージが「Shipbuilding」というタイトルときれいに結びついています。レーベル表記ではA面が「A Clangwinstello Production」となっています。

なお、1983年には複数の別スリーヴによる再発も出ていますが、1982年盤はその前の初期仕様。赤いラベルの盤と、のちの再発との違いがある点は、このシングルのコレクション面でよく話題になります。

同時代の文脈

Robert Wyattの1980年代前半の仕事は、単なるプログレの延長ではなく、もっと歌もの寄りの感覚と、ジャズや室内楽的な響きが混ざったものとして受け取られやすいです。Rough Tradeからのリリースという点も含めて、当時の英国インディー／オルタナティブの空気とも接続している作品です。John CaleやChris Cutler周辺の、政治性や実験性を持ちながらも曲として成立させる系譜と並べて語られることもあります。

まとめ

『Shipbuilding / Memories Of You / Round Midnight』は、Robert Wyattの代表曲「Shipbuilding」を軸に、ジャズ・スタンダードも並べた1982年のシングル。Soft Machine以後のWyattが、ロック、ジャズ、ポップスを自分の声でつないでいく、その感触がよく出た一枚です。ジャケット、選曲、歌唱のまとまりが強く、Robert Wyattというアーティストの輪郭をつかむうえで重要な作品のひとつと言えます。

トラックリスト

• A – Shipbuilding
• B1 – Memories Of You
• B2 – Round Midnight

関連動画

• Robert Wyatt – Shipbuilding
• Memories Of You
• Robert Wyatt ~ ‘Round Midnight

Jody Grind『One Step On』について

Jody Grindの『One Step On』は、1969年に登場したブリティッシュ・プログレッシブ・ロックの初期作品です。バンドは1968年11月に結成され、短い活動期間ののち1970年に解散しているので、この作品はその活動の中でもかなり早い時期の記録にあたります。トランスアトランティック系の英国ロック文脈で語られることが多い一方で、ジャズやブルースの感触もにじむバンドとして知られています。

作品の位置づけ

Jody Grindはアルバムを2枚残していて、『One Step On』はその2作目にあたる時期の作品です。デビュー作から続くバンドの流れの中で、よりまとまったバンド・サウンドを聴かせる一枚として位置づけられます。メンバーはIvan Zagni、Roger Sutton、Tim Hinkley、Bernie Holland、Pete Gavin、Barry Wilson。編成を見るだけでも、鍵盤とギターを軸にした英国ロックらしい手触りが想像しやすいです。

収録内容と盤の特徴

このイタリア盤は、オリジナルLPに対してA2がボーナス・トラックとして加わっているのが大きな違いです。つまり、同じタイトルでもオリジナル盤とは収録曲が少し異なる形になっています。盤の表記としては、スパインとラベルにAK 059、裏ジャケットには059という表記が見られます。また、ラベル表記ではバンド名が「Giody Grind」と誤記されています。

• オリジナル作品年: 1969年
• 盤のリリース国: イタリア
• 盤の特徴: オリジナルLPにないA2を追加収録
• ラベル表記: 「Giody Grind」と誤記

同時代の文脈

1969年前後の英国ロックは、ブルースロックの延長線上から、より組曲的な構成や鍵盤主体の展開へと広がっていく時期です。Jody Grindもその流れの中に置きやすいバンドで、同時代の英国プログレ周辺のバンドと比べると、派手な大作主義よりも、演奏の流れや曲の切り替わりに耳が向くタイプの作品として見られます。ジャズロック寄りの感触を持つグループと並べて語られることもあるバンドです。

聴きどころとして見えやすい点

実際に聴くと、鍵盤の動きとリズム隊の押し引きが曲の進行を作っていく印象が出やすい作品です。ギターが前面に出る場面もありますが、単独のリフで押し切るというより、バンド全体で展開を組み立てる感覚が強いです。プログレの初期らしい、曲の中で場面が変わっていく作りが見どころになりやすい一枚です。

まとめ

『One Step On』は、短命ながらも個性を残したJody Grindの1969年作として、初期英国プログレの空気を伝える作品です。イタリア盤ではオリジナルLPにない曲が加わっていて、同じタイトルでも少し違う顔を持っています。バンドの活動時期、編成、そして当時の英国ロックの流れを合わせて見ると、この一枚の輪郭がつかみやすいです。

トラックリスト

• One Step On (18:43)
• A2 – Paint It Black (Single Version) (5:06)
• B1 – Little Message, 31/7/69 (4:39)
• B2 – Night Today, 27/7/69 (5:02)
• B3 – U.S.A., 27/7/69 (6:41)
• B4 – Rock’n Roll Man, 27/7/69 (4:31)

関連動画

• Jody Grind – One Step On – 1969 – (Full Album)

RAH Band『Producers Choice』について

RAH Bandは、Richard A. Hewsonを中心に動くUKのスタジオ・プロジェクト。70年代後半から80年代にかけて、ジャズ・ファンク、シンセポップ、ポップの要素を行き来しながら、UKチャートでも結果を残してきたユニットだ。

『Producers Choice』は2020年にUKでリリースされた2枚組アナログ盤。Record Store Day 2020向けの限定盤として出た作品で、RAH Bandの各アルバムから選ばれた楽曲を、オリジナル・テープからリマスターしてまとめた編集盤になっている。印刷スリーブ付きの仕様で、Atjazz Record Companyからのライセンス盤でもある。

作品の位置づけ

RAH Bandの代表曲を、あらためてまとまった形で聴ける一枚という位置づけ。70年代のスタジオ志向の作り込みと、80年代のダンス寄りの感触、その両方を横断する内容になっている。

Richard Hewsonは、編曲家、指揮者、マルチ・インストゥルメンタリストとして活動を始めたのち、自身のイニシャルを冠したRAH Band名義で制作、作曲、演奏まで手がけるようになった。そうした個人プロジェクトとしての性格が、編集盤であってもはっきり見えるのがこの作品の面白さだ。

収録曲の中心となる代表曲

この盤の核としてまず挙がるのが「Clouds Across The Moon」と「Messages From The Stars」。どちらもRAH Bandを語るときによく触れられる曲で、前者はUKヒットとして知られ、後者も後年まで広く親しまれてきた。

「Clouds Across The Moon」は、曲名のイメージどおり宇宙的な題材を持ちながら、打ち込みとバンド的な演奏感が同居するところが特徴。RAH Bandのシンセポップ面と、ソウル寄りの感触が重なる1曲として位置づけられる。

「Messages From The Stars」は、80年代のRAH Bandらしい軽快さと電子音の整理された鳴りが前に出る楽曲。のちにクラブ文脈や再評価の流れでも名前が出やすい代表曲だ。

聴きどころ

この編集盤は、曲ごとの年代差をそのまま並べるというより、RAH Bandの制作スタイルの変化を追いやすい構成になっている。ジャズ・ファンク寄りの楽器の運び、ポップとしての覚えやすさ、シンセを使った音の設計、その3つが曲ごとに違う比重で現れる。

リマスター盤なので、オリジナル盤で聴かれていた曲も、現在の再生環境で輪郭をつかみやすい。とくに低音のラインやシンセのレイヤー、コーラスの重なり方は、編集盤としてまとめて聴くと整理して追いやすい印象がある。

同時代の文脈

RAH Bandは、UKの70年代後半から80年代初頭にかけての、スタジオ主導のポップ／ダンス音楽の流れに位置する。派手なバンド・サウンドというより、作曲、編曲、録音の作業を前面に出したタイプで、同時代のシンセポップやジャズ・ファンクと接点を持つ。

その意味では、ディスコ以後のダンス・ミュージックや、英国のソウル／ファンク寄りポップと並べて語られることが多い存在だ。RAH Bandの曲は、ラジオ向けのポップ感と、スタジオ作品としての細かな構成が同居している。

まとめ

『Producers Choice』は、RAH Bandの主要曲をオリジナル・テープからリマスターし、2枚組LPにまとめた2020年の編集盤。代表曲「Clouds Across The Moon」や「Messages From The Stars」を軸に、Richard Hewson主導のスタジオ・プロジェクトとしてのRAH Band像をつかみやすい内容だ。

70年代のジャズ・ファンク的な流れと、80年代のシンセポップ／ダンス・ポップの接点を一度にたどれる盤、という見方がしやすい。

トラックリスト

• A1 – Beyond
• A2 – Downside Up
• A3 – Out On The Edge
• B1 – Float
• B2 – Perfumed Garden
• B3 – Shadow Of Your Love
• C1 – Clouds Across The Moon (Supanova Mix)
• C2 – Electric Fling
• C3 – Messages From The Stars
• D1 – Falcon
• D2 – Slide
• D3 – Riding On A Fantasy

関連動画

• The RAH Band – Downside Up (Remaster)
• The RAH Band – Beyond (Remaster)
• The RAH Band – Out On The Edge (Remaster)
• The RAH Band – Float (Remaster)
• The RAH Band – Perfumed Garden (Remaster)
• The RAH Band – Shadow Of Your Love (Remaster)
• The RAH Band – Clouds Across The Moon (Supanova Mix Remaster)
• The RAH Band – Electric Fling (Remaster)
• The RAH Band – Messages From The Stars (Remaster)
• The RAH Band – Falcon (Remaster)

Pink Floyd『Original Motion Picture Soundtrack From The Film “More”』

Pink Floydが1969年に発表した、Barbet Schroeder監督の映画『More』のサウンドトラック盤である。バンドにとっては3作目のスタジオ・アルバムであり、同時に初の映画音楽作品でもある。サイケデリック期のPink Floydをそのまま記録したような内容で、のちの大作志向とは少し違う、短い曲を中心にした構成になっている。

作品の位置づけ

この時期のPink Floydは、Syd Barrett脱退後の編成を固めつつあった段階にある。中心メンバーはRoger Waters、Nick Mason、Richard Wright、そしてDavid Gilmour。映画音楽という用途があるぶん、通常のアルバムよりも場面ごとの切り替わりがはっきりしていて、楽曲の長さや展開も比較的コンパクトである。

1969年のPink Floydは、実験性の強いサイケデリック・ロックの文脈にありながら、フォーク寄りの曲調や、当時の映画サウンドトラックらしい用途性も備えている。後年の『The Dark Side of the Moon』や『Wish You Were Here』のような統一感の強い作品群とは異なり、この段階ではまだ曲ごとの性格がかなりはっきりしている。

収録曲と聴きどころ

このアルバムには、のちに単独でも語られる曲がいくつか入っている。代表的なのは「Cymbaline」「Green Is the Colour」「Crying Song」あたりで、いずれも映画の空気に沿った、抑えめの演奏が印象に残る。

• 
  

  「Cymbaline」: 物語性のある曲調で、映画音楽としての役割が強い楽曲

  
  
• 
  

  「Green Is the Colour」: アコースティックな感触が前に出る曲

  
  
• 
  

  「Crying Song」: 短い尺の中でメロディが立つ曲

  
  
• 
  

  「The Nile Song」: この作品の中では異質な、硬いギターが前に出る曲

  
  

特に「The Nile Song」は、Pink Floydの初期作品の中でもかなり強い音像を持つ曲として知られる。映画サウンドトラックという枠の中で、こうした直線的なロック・ナンバーが入っているのが面白い点である。

同時代の文脈

1969年前後の英ロックでは、映画との接点を持つ作品が少なくないが、『More』はその中でも、バンドの持ち味をそのまま映画用に流し込んだタイプに入る。サイケデリック・ロック、フォーク・ロック、映画音楽の要素が同居していて、同時代の実験的な作品群、たとえば関連性のあるアート・ロックやプログレッシブ・ロックの流れとも地続きに感じられる。

ただし、この時点ではまだ巨大なコンセプト作品というより、楽曲単位の密度や色分けが前に出る。Pink Floydが後に築く“アルバム全体で聴かせる”形式への途中経過として見ると、位置づけが分かりやすい。

US盤の再発について

ここでの盤は、USのHarvest再発盤として出たもの。オリジナルのUS盤はTowerからのリリースで、再発盤ではレーベル表記やプレス工場が異なる。記録上、Winchester plantでプレスされたことが示されている。

また、ラベル上の表記に「B2」の曲名の綴り違いがあり、サイドBのランアウト表記も通常のものと異なる点がある。こうした細かな差は、当時の再発盤らしい個体差として見ておくとよい。

まとめ

『More』は、Pink Floydの初期サウンドを映画のためにまとめた作品である。サイケデリックな曲、フォーク寄りの曲、やや硬質なロックが同居し、のちの大規模なアルバム作品とは違う、1969年のバンドの姿がそのまま残っている。代表曲としては「Cymbaline」「Green Is the Colour」「The Nile Song」などが挙げられる。

映画音楽としての機能を持ちながら、Pink Floydらしい音の扱いもすでに見えている作品だといえる。

トラックリスト

• A1 – Cirrus Minor (5:16)
• A2 – The Nile Song (3:24)
• A3 – Crying Song (3:25)
• A4 – Up The Khyber (2:07)
• A5 – Green Is The Colour (2:53)
• A6 – Cymbaline (4:45)
• A7 – Party Sequence (1:10)
• B1 – Main Theme (5:27)
• B2 – Ibiza Bar (3:17)
• B3 – More Blues (2:13)
• B4 – Quicksilver (7:03)
• B5 – A Spanish Piece (1:00)
• B6 – Dramatic Theme (2:11)

The Count『The Intuition Element』

The Countの『The Intuition Element』は、1984年にフランスで登場した作品。クレジットされているメンバー数が多く、Joe Tortelli、Carolyn Casey、Chuck Stanton、Fudge Keegan、Todd Carnes、Jay Roewe、Joseph A. Viglione、Jeff Hill、Jim Surrette、Chuck Chewning、Mike Quinn、Bill Allenらが参加している。ロックの枠に置かれつつ、スタイル面ではニュー・ウェイヴの要素が前面にある1枚として見てよさそうだ。

作品の輪郭

タイトルからも受ける印象どおり、直感や感覚の動きを意識した作りの作品名で、1984年という時代らしい空気もまとっている。ニュー・ウェイヴ期の作品らしく、ロックの骨格を保ちながら、当時の新しい音像やリズム感へ寄せていく流れの中にある盤だろう。フランス盤として出ている点も、この時代の欧州圏ニュー・ウェイヴ作品らしい流通のかたちを感じさせる。

収録曲はすべてVar Music Publishing Co.管理のクレジットになっており、作品全体として一つのまとまりを意識した構成だったことがうかがえる。メンバー表記の人数から見ても、バンドというよりプロジェクト色の強い編成だった可能性がある。

サウンドの印象

実際の音を追うと、ロックの直線的な推進力に、ニュー・ウェイヴ特有の整理されたビート感や、少し硬質な質感が重なって聞こえるタイプの作品として受け取れそうだ。1984年の作品らしく、ギター主体のバンド感だけで押し切るというより、アレンジの切り替えや音の隙間の作り方に意識が向いている印象がある。

同時代の文脈で見ると、The Cure、Talking Heads、B-52’s、XTCのような、ロックを土台にしながらニュー・ウェイヴの文法を取り込んだ潮流と近い空気を共有している。とはいえ、The Countのこの盤はその中でも、よりローカルな制作感やバンド内の役割分担が前に出るタイプに見える。

位置づけ

The Countにとって『The Intuition Element』は、少なくとも1984年時点の活動を示す重要な記録として扱える作品だ。タイトルの初出年でもあり、バンドの方向性をその時点で形にしたアルバム、あるいはシングルやプロジェクト作品に近い性格を持つ可能性もある。いずれにしても、当時のニュー・ウェイヴ周辺の空気をまとった、フランス発のロック作品として見るのが自然だろう。

まとめ

『The Intuition Element』は、1984年のロック／ニュー・ウェイヴの文脈に置くと輪郭がつかみやすい作品。多人数編成のクレジット、統一された出版管理、そしてフランス盤という条件から見ても、時代性の強い一枚として位置づけられる。派手な逸話や代表曲の情報は見当たらないが、80年代前半のニュー・ウェイヴ周辺を掘るときには、名前を押さえておきたい盤だ。

トラックリスト

• A1 – Million Miles A Minute (2:34)
• A2 – Auguste Winds (2:34)
• A3 – Run The Night Away (4:02)
• A4 – You Didn’t Hear It From Me (2:46)
• A5 – Experienced Again (2:25)
• A6 – Reaction (2:15)
• B1 – The Midnight Run (2:59)
• B2 – Wave Descends (3:03)
• B3 – Somewhere Inside Today (2:12)
• B4 – Here In My Heart (2:44)
• B5 – The Intuition Element (6:24)

関連動画

• The intuition element by The Count
• The Intuition Element Mystical Eye III

Jon Lord「Sarabande」について

Jon Lordの「Sarabande」は、1976年に発表されたソロ作品です。Deep Purpleの共同創設者として知られるLordが、バンドの枠を離れて自身の音楽性を前面に出したアルバムで、ロックの語法とクラシック寄りの構成を結びつけた作品として位置づけられます。ハモンド・オルガンの強い存在感で知られる彼らしい作りですが、ここでは単なるキーボード主体のロックというより、組曲的な流れを持つインストゥルメンタル作品として聴こえます。

作品の位置づけ

1970年代半ばのJon Lordは、Deep Purpleでの活動と並行して、より大きな編成や作曲面に踏み込んだ仕事を進めていました。「Sarabande」はその流れの中にあるアルバムで、ロック・オルガンの名手というイメージだけでは収まりきらない、作曲家としての側面を確認できる内容です。Deep Purpleの強いリフや即興性とは少し距離があり、構成を追って聴くタイプの作品になっている点が特徴です。

音の印象

実際に聴くと、まず耳に入るのはオルガンの厚みと、弦やリズム隊を含めた編成の動きです。曲の展開は直線的ではなく、場面が切り替わるように進んでいきます。ロックの推進力を保ちながら、クラシック音楽のような組み立てを意識した流れが見えるのが面白いところです。派手な歌ものではなく、楽器同士の掛け合いや、テーマの反復で聴かせるタイプの作品といえる内容です。

Deep Purpleとの関係

Jon Lordといえば、やはりDeep Purpleでの存在感が大きいです。ハモンド・オルガンを大きな音で鳴らし、ときに歪ませながらロックと古典的な要素を接続していったスタイルは、ハードロックやヘヴィメタルの形成にも影響を与えたものとして語られます。「Sarabande」は、その延長線上にある一方で、バンドの枠内では見えにくい作曲志向を前に出した作品として聴けます。

1976年という時代

1976年という年は、ハードロックが成熟し、同時により複雑な構成や演奏を取り入れる流れも強まっていた時期です。Jon Lordのこのアルバムも、その時代の空気と無関係ではなさそうです。ロックのエネルギーを保ちながら、より長いスパンで音楽を組み立てる発想が前に出ていて、同時代のプログレッシブ・ロック周辺とも近い感触があります。

この盤について

このドイツ盤は白盤仕様のエディションとして出ており、ラベルには1976年の表記、裏ジャケットには1983年のクレジットが見られます。再発盤として流通しているものです。制作年と盤の流通年が異なるため、作品そのものは1976年のものとして捉えるのが自然です。

また、この再発盤は西ドイツでプレス・印刷されたものです。ジャケットやレーベル表記からも、オリジナルの時代感を残しつつ、後年に再流通した盤であることがわかります。

まとめ

「Sarabande」は、Jon Lordのロック・キーボード奏者としての顔と、作曲家としての顔の両方が見えるアルバムです。Deep Purpleの強烈なイメージとは少し違い、楽曲の構成や音の配置をじっくり追う楽しさがある作品。1970年代ロックの周辺で、クラシック的な発想をどう取り込むかという流れを感じる一枚です。

トラックリスト

• A1 – Fantasia (3:30)
• A2 – Sarabande (7:20)
• A3 – Aria (3:42)
• A4 – Gigue (11:06)
• B1 – Bouree (11:00)
• B2 – Pavane (7:35)
• B3 – Caprice (3:12)
• B4 – Finale (2:03)

関連動画

• Jon Lord ► Gigue [HQ Audio] Sarabande 1976
• Fantasia
• Jon Lord – Sarabande
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Steve Hillage『L』（1976年）

Steve Hillageのソロ作『L』は、1976年に発表されたアルバムだ。Gongでの活動を経て、ソロ・ギタリストとしての輪郭がさらにはっきりしてくる時期の作品で、UKのプログレッシブ・ロックと実験的な音響感覚が前面に出ている。後年のアンビエント寄りの仕事や、System 7での活動を知っていると、この時点ですでにエコーやリバーブを活かしたギターの処理がかなり意識されていることがわかる。

作品の位置づけ

Hillageは、Uriel、Egg、Arzachel、Kevin Ayers周辺の活動を経てGongに参加し、Daevid Allen流のグリッサンド・ギターを吸収しながら独自の演奏へ進んだ人物だ。『L』は、その流れの中でソロ・アーティストとしての個性を固めていく初期の重要作として位置づけられる。Gong的なサイケデリック感覚を残しつつ、より整理されたバンド・サウンドと、ギターの音色そのものを聴かせる作りになっている。

音の印象

この時期のHillageのギターは、速いフレーズを並べるだけではなく、音の伸びや残響で空間を作るところが特徴だ。歪みの質感も含めて、単なる技巧派というより、音響の流れを組み立てるプレイヤーという印象が強い。シンセサイザーとの重なりもあり、ロックの推進力と実験性が同じ場に置かれている感じがある。

同時代の文脈で見ると、HawkwindやGong、あるいはCamelや初期のYes周辺のプログレと並べて語られることがあるタイプの作品だが、『L』はよりギターの処理に焦点がある。のちのアンビエント・テクノやニューエイジ寄りの感触を先取りしているようにも聴こえる。

収録曲と代表曲

『L』には、のちにHillageの代表曲として知られる「Hurdy Gurdy Glissando」が収録されている。この曲は、タイトルどおりグリッサンドを軸にした演奏で、Hillageのギター表現を端的に示す一曲だ。メロディをなぞるというより、音の滑りと持続で印象を作る曲で、彼のソロ活動を語るうえで外せない存在になっている。

制作とリリース情報

US盤はPresswellでのプレス。プロモーション盤にはゴールドのDJスタンプやタイミング・ストリップが付くものがあり、一部にはTodd RundgrenのUtopiaの写真が同封されるものもある。クレジット上でも「Todd Rundgren’s Utopia appear by courtesy of Bearsville Records」と記されており、当時のUSロック／プログレ周辺のつながりが見える。

同時代とのつながり

Steve Hillageはこの時代、演奏技術だけでなく、音色や残響の扱いで個性を出していた。のちにSimple Mindsのプロデュースで知られる一方、The Orbに自身の音源をサンプリングされたことをきっかけにSystem 7へつながっていく流れを見ると、『L』の時点で既にロックの枠を越える要素があったことがわかる。1976年という年のプログレ作品としては、構築性と実験性のバランスに特徴があるアルバムだ。

まとめ

『L』は、Gongを経たSteve Hillageが、ソロ・ギタリストとしての言語を固めていく途中の重要作だ。ギターのグリッサンド、残響、シンセとの絡み、そして「Hurdy Gurdy Glissando」に代表される演奏の組み立て方。そのあたりに、この人の後年まで続く核がはっきり出ている作品といえる。

トラックリスト

• A1 – Hurdy Gurdy Man (6:32)
• A2 – Hurdy Gurdy Glissando (8:54)
• A3 – Electrick Gypsies (6:24)
• B1 – Om Nama Shivaya (3:33)
• B2 – Lunar Musick Suite (11:59)
• B3 – It’s All Too Much (6:26)

関連動画

• Hurdy Gurdy Man (2006 Digital Remaster)
• Hurdy Gurdy Glissando (Remastered)
• Electrick Gypsies (2006 Remaster)
• Om Nama Shivaya (2006 Digital Remaster)
• Lunar Musick Suite (2006 Digital Remaster)
• It’s All Too Much (2006 Digital Remaster)
• Shimmer (2006 Digital Remaster)

The Flying Lizards『ミュージック・ファクトリー』について

The Flying Lizardsは、David Cunninghamを中心にした実験色の強いポップ・グループだ。1970年代後半のイギリスで始まり、既成のロックやポップの型をずらした音作りで知られている。この1980年作『ミュージック・ファクトリー』は、日本ではこのタイトルで紹介された作品で、英題はThe Flying Lizards。日本盤は1980年リリースで、帯、英日対訳の歌詞折り込み、そして日本語解説紙が付いた仕様になっている。

作品の位置づけ

オリジナル・アルバムとしては1979年のデビュー作に続く時期の作品で、The Flying Lizardsの初期の流れをつかむうえで重要な一枚といえる。バンドの核にあるのは、David Cunninghamのプロデュース感覚と、入れ替わる演奏者・ヴォーカリストの組み合わせだ。実験音楽の側面がありながら、曲の骨格はポップ寄りに保たれているところが、このグループらしさになっている。

聴こえてくるもの

この作品では、音の配置がかなり特徴的だ。リズムやボーカルが前に出たり引いたりしながら、普通のバンド演奏の流れから少し外れた場所で曲が進む。電子的な処理、硬いビート、短いフレーズの反復が目立ち、ロックの体裁を取りつつも、パンク以後の制作感覚やアート寄りの手つきが強い。

実際に聴くと、音の抜き差しがはっきりしていることが印象に残る。メロディを大きく押し出す場面より、声や音色の置き方で引っかかりを作る場面が多い。単純な「聴きやすさ」ではなく、音がどこに置かれているかを追っていくタイプの作品だ。

同時代とのつながり

1970年代末から1980年前後のイギリスでは、ポストパンクやニューウェーブの文脈で、ロックの形式を崩す試みが多く見られた。The Flying Lizardsもその流れの中に置けるが、一般的なバンド像からはかなり離れている。アート寄りの感覚、スタジオ作業の比重、既存曲の扱い方などから、同時代の実験的なポップ・アクトや、切り貼りの感覚を持つ作品群と並べて語られることがある。

David Cunninghamの関与を軸に見ると、演奏の生々しさよりも編集や構成の面白さが前に出る。David Toop、Steve Beresford、Patti Palladinらの名前が並ぶのも、このバンドの流動的な性格を示している。

日本盤の仕様

この日本盤は、ジャケットに帯が付き、英語と日本語の歌詞を収めた4ページの折り込みインサート、さらに日本語解説の一枚紙が付属する。盤を光にかざすとやや透けて見える茶色味があり、JVC Supervinylでプレスされたことがわかる仕様だ。背面表記には、ロンドンのBerry StreetとBrixtonで録音されたこと、さらにニューヨーク、ミュンヘン、Maidstoneなどでも追加録音が行われたことが記されている。制作の移動の多さも、この作品の断片的な手触りにつながっているように見える。

代表曲について

The Flying Lizardsといえば、一般にはシングル曲の印象が先に来ることが多い。特にデビュー期の「Money (That’s What I Want)」は、このグループの代表的な楽曲として知られている。『ミュージック・ファクトリー』は、その一曲だけで語れる作品ではないが、バンドの輪郭を理解するうえでは、あのずらした感覚がアルバム全体にも通じている。

まとめ

『ミュージック・ファクトリー』は、The Flying Lizardsの初期像を日本盤の丁寧な体裁で伝える1980年の一枚だ。ポップの形を借りながら、その中身を少しずつ組み替えていくような作り。ロック、電子音、編集感覚が同居する、当時の実験的な空気をそのまま閉じ込めた作品として見えてくる。

トラックリスト

• A1 – Mandelay Song = マンドレイ・ソング (2:28)
• A2 – Her Story = ハー・ストーリー (4:40)
• A3 – TV (4:00)
• A4 – Russia = ロシア (6:36)
• A5 – Summertime Blues = サマータイム・ブルース (3:31)
• B1 – Money = マネー (5:49)
• B2 – The Flood = ザ・フラッド (4:56)
• B3 – Trouble = トラブル (2:48)
• B4 – Events During Flood = イベンツ・デュアリング・フラッド (3:24)
• B5 – The Window = ザ・ウィンドウ (5:35)

関連動画

• The Flying Lizards – Money (That’s What I Want)
• Money (That’s What I Want) – The Flying Lizards (1979)

Lily & Maria『Lily & Maria』について

Lily & Mariaの『Lily & Maria』は、1968年に発表されたデュオ唯一のアルバムである。メンバーはMaria Neumannと、Lily FiszmanあらためLily Isaacs。アメリカ出身のフォーク・ポップ・デュオとして、21歳のときにこの1枚を残した、という位置づけの作品である。のちに2008年に180g仕様の再発盤が登場し、ゲートフォールド仕様、ライナー・ノーツ付きの形で出ている。

作品の全体像

音楽性は、アコースティックを軸にしたフォーク、バラード、ポップ・ロックの要素が中心である。ジャンル表記としてはRock、Pop、Folk、World, & Countryが並び、スタイル面ではAcoustic、Ballad、Folk、Pop Rockに分類されている。デュオ編成らしい声の重なりと、当時のフォーク・ポップの感触がまとまっている1枚といえる。

アーティストの紹介では「one lone album」とされており、このアルバムがLily & Mariaというユニットの核になる作品であることがわかる。活動終了後も二人は友人関係を保ったというプロフィールも残っている。

再発盤について

2008年盤は、180g virgin vinyl、Mastered at Abbey Road、All-analogue audiophile pressingという表記がある再発盤である。裏ジャケットには「Mastered […] at Hiltongrove, London, March 2008」と記されており、オリジナル1968年盤とは別に、2008年時点で新たにマスタリングされた盤として流通したことがうかがえる。

パッケージはゲートフォールド仕様で、ライナー・ノーツも付属している。オリジナル盤の詳細な仕様との比較はここでは触れないが、少なくとも2008年盤は音質面と装丁面を意識した再発として作られている。

同時代の文脈

1968年という時期は、フォークとポップの接点が広がっていた時代である。Lily & Mariaも、その流れの中で、アコースティック主体の楽曲とポップな構成を行き来する作品として受け取れる。デュオの歌声を軸にした作りは、同時代のフォーク・ポップ系の作品群と並べて語られることが多いタイプのものだろう。

このアルバムについては、アーティスト紹介ページとして挙げられているGalactic Rambleの「Search Music」記事でも取り上げられている。埋もれやすい作品を掘り起こす文脈で参照されることがある、という立ち位置のアルバムである。

まとめ

Lily & Maria『Lily & Maria』は、1968年に残されたデュオ唯一のアルバムで、アコースティック主体のフォーク・ポップ作品である。2008年には180gの再発盤がゲートフォールド仕様で登場し、Abbey Roadでのマスタリングやアナログ・プレスを前面に出した形で再提示された。作品そのものは、短い活動の中で残された、二人の歌の関係性を軸にした記録として見ることができる。

トラックリスト

• Ismenè-Jasmine
• A1 – Subway Thoughts
• A2 – Everybody Knows
• A3 – I Was
• A4 – Ismenè – Jasmine
• A5 – There’ll Be No Clowns Tonight
• Scatterings
• B1 – Aftermath
• B2 – Morning Glory Morning
• B3 – Melt Me
• B4 – Fourteen After One

関連動画

• Subway Thoughts
• Everybody Knows
• I Was
• Ismenê – Jasmine
• There’ll Be No Clowns Tonight
• Aftermath
• Morning Glory Morning
• Melt Me
• Fourteen After One
• Lily & Maria – Lily & Maria 1968 (FULL ALBUM) [folk-rock/acid folk/psychedelic folk]

Tim Bowness『Powder Dry』について

Tim Bownessの『Powder Dry』は、2024年に登場した作品。No-Manの中心人物として知られるTim Bownessが、ソロ名義であらためて自分の音楽をまとめた一枚で、アート・ロックとプログレッシブ・ロックの流れの中に置ける内容になっている。

Tim Bownessは、Porcupine TreeのSteven Wilsonと組んだ長期プロジェクトNo-Manで広く知られる存在だが、ソロや客演でも活動の幅を広げてきたアーティスト。この『Powder Dry』も、その経歴が反映された作品で、バンドの枠に収まりきらない作り手としての視点が前に出るタイトルといえる。

制作とリリースの情報

本作は、イングランドのウィルトシャーで2022年11月から2024年2月にかけて録音され、ロンドンのNo Man’s Landで2023年3月から2024年3月にかけてミックスされた。制作期間が比較的長く、段階を追って仕上げられたことがうかがえる。

盤は2024年リリース。フルカラーのインナー・スリーブが付属し、歌詞とクレジットを収録。シュリンクのステッカーには「kscope1242」とある。さらに、購入元によってはサイン入りアートプリントが付く形で流通していた。

音楽的な位置づけ

Tim Bownessの作品群の中では、No-Manで培われた繊細な構成感と、ソロならではの個人的な温度が重なるタイプのアルバムに見える。Stephen Bennettが参加している点も含め、演奏とアレンジのバランスを重視した作りが想像される。

アート・ロックやプログレッシブ・ロックの文脈では、派手な技巧を前面に出すというより、曲の流れや音の配置で聴かせるタイプの作品として捉えやすい。Tim Bownessは、そうした英国的な室内感のあるロックの系譜に位置するアーティストで、同時代のプログレ周辺の作家性を持つミュージシャンたちと比較されやすい存在でもある。

作品の見どころ

このアルバムは、全曲が2022年から2024年にかけてじっくり作られている点が特徴。短期集中でまとめた作品というより、時間をかけて音を整えた記録として受け取れる。歌詞とクレジットがきちんと付属するあたりも、アルバム全体を通して聴かせる設計を感じさせる。

Tim Bownessのソロ作は、No-Manのファンからも自然に接続できる一方で、より個人の視点が出やすいところがある。『Powder Dry』も、その延長線上にあるタイトルとして見ると輪郭がつかみやすい。

ひとことで整理すると

2024年のTim Bownessによるソロ作品。No-Man以後の文脈を引き継ぎながら、アート・ロック／プログレッシブ・ロックの手触りでまとめられたアルバム、という位置づけの一枚。

トラックリスト

• A1 – Rock Hudson (2:04)
• A2 – Lost / Not Lost (2:09)
• A3 – When Summer Comes (2:59)
• A4 – Idiots At Large (2:50)
• A5 – A Stand-Up For The Dying (4:59)
• A6 – Old Crawler (1:18)
• A7 – Heartbreak Notes (1:33)
• A8 – Ghost Of A Kiss (1:36)
• B1 – Summer Turned (2:06)
• B2 – You Can Always Disappear (2:38)
• B3 – Powder Dry (2:38)
• B4 – Films Of Our Youth (1:30)
• B5 – This Way Now (2:20)
• B6 – I Was There (4:07)
• B7 – The Film Of Our Youth (2:17)
• B8 – Built To Last (2:32)

関連動画

• Rock Hudson
• Lost / Not Lost
• When Summer Comes
• Idiots At Large
• A Stand Up For The Dying
• Old Crawler
• Heartbreak Notes
• Ghost of A Kiss
• Summer Turned
• You Can Always Disappear

Caravan『Canterbury Tales (The Best Of Caravan)』について

Caravanは、イングランドのカンタベリー周辺で生まれたプログレッシブ・ロック・バンドで、1960年代末から70年代前半のカンタベリー・シーンを代表する存在のひとつだ。この『Canterbury Tales (The Best Of Caravan)』は、バンドの楽曲をまとめたベスト盤として1976年に登場した作品で、ここで扱う日本盤は1978年リリース。オリジナル・アルバムではなく、Caravanの主要曲を振り返る編集盤という位置づけになる。

Caravanの音楽は、サイケデリック・ロック、ジャズ、クラシックの要素を混ぜながら、演奏の流れや曲展開を重視した作りが特徴だ。プログレッシブ・ロックの中でも、YesやGenesisのような大きなスケール感とは少し違って、より室内楽的、あるいは英国の抒情性が前に出るタイプとして語られることが多い。カンタベリー・シーンの文脈では、Soft MachineやHatfield and the Northと並べて語られることもあるが、Caravanはその中でも比較的メロディのわかりやすさが残るバンドとして知られている。

作品の位置づけ

1971年の『In the Land of Grey and Pink』が批評面で特に評価の高い代表作として知られており、このベスト盤は、そうした初期Caravanの流れを一望するための一枚として見やすい。バンドはメンバー交代を重ねながら活動を続けたが、70年代中期の時点でその歩みを整理する意味でも、こうした編集盤の存在は大きい。

収録曲の選び方によっては、初期の組曲的な長尺曲から、よりコンパクトな楽曲まで、Caravanの音作りの幅が見えやすい。プログレ系のベスト盤にありがちな「代表曲集」というより、バンドの変化を追う資料的な性格も持つ一枚といえる。

内容と聴きどころ

Caravanの代表的な楽曲では、ピアノやオルガンを軸にした旋律、柔らかいコーラス、ジャズ寄りのリズム展開が目立つ。ギターが前面に出る場面でも、ハードさよりはフレーズの運びや曲全体の流れが重視される印象だ。曲が進むにつれて拍子感や展開が変わることも多く、ロックでありながら組曲を聴いているような感覚が残る。

Caravanの楽曲の中では、『Golf Girl』や『Nine Feet Underground』、『Love to Love You (And Tonight Pigs Will Fly)』などが広く知られている。とくに『In the Land of Grey and Pink』期の楽曲は、バンドを代表するイメージを形作った重要な材料になっている。

この編集盤でも、そうした初期の核になる楽曲群を通して、Caravanらしい流れがつかみやすい。メロディの伸び方、楽器の受け渡し、曲の途中で空気が変わる感じなど、ベスト盤であってもバンドの個性が比較的はっきり出るタイプだ。

日本盤について

1978年の日本盤には、和文と英文の歌詞インサートが付属している。英語詞を追いながら聴ける点は、Caravanのように歌詞の響きと曲の展開が結びつくバンドではありがたい仕様だ。日本盤ならではの付属物として、コレクション面でもわかりやすい要素になっている。

カンタベリー・シーンの中で

Caravanは、カンタベリー・シーンの中でも中心的な存在として扱われることが多い。Wilde Flowersの流れを引き継いだメンバー構成、ジャズ的な感覚を持つ演奏、英国的なユーモアや抒情を含む歌ものの作りなど、同時代の他のプログレ・バンドとは少し違う立ち位置にある。

同じシーンのバンドと比べると、Caravanは技巧の見せ場よりも、曲の流れとメロディのまとまりが印象に残りやすい。そうした点が、このベスト盤でも確認しやすいはずだ。

まとめ

『Canterbury Tales (The Best Of Caravan)』は、Caravanの初期から中期にかけての魅力をまとめた編集盤。1971年の『In the Land of Grey and Pink』を頂点とする初期の流れを軸に、カンタベリー・シーンらしい感触をつかめる内容になっている。1978年日本盤では歌詞インサートも付属し、聴く側にとってはバンドの楽曲を追いやすい形の一枚だ。

トラックリスト

• A1 – If I Could Do It All Over Again, I’d Do It All Over You
• A2 – Winter Wine
• A3 – Waterloo Lily
• A4 – L’Auberge Du Sanglier / A Hunting We Shall Go / Pengola / Backwards / A Hunting We Shall Go (Reprise) (10:05)
• B1 – Stuck In A Hole
• B2 – Introduction
• B3 – Can’t Be Long Now/Francoise/For Richard/Warlock
• B4 – The Fear And Loathing In Tollington Park Rag

The Butler Twins『Live In Detroit』について

『Live In Detroit』は、デトロイト出身の双子兄弟、Clarence ButlerとCurtis ButlerによるThe Butler Twinsのライヴ盤で、1988年にUSでリリースされた作品。タイトル通り、地元圏のライヴを記録した一枚で、録音は1988年5月21日、ミシガン州DearbornのMoby Dick Loungeで行われている。

バンド編成は、Clarence ButlerとCurtis Butlerを中心に、ゲスト・ミュージシャンを加えた形。プロフィール上ではエレクトリック・ブルースのグループとして紹介されており、この作品もその流れの中にある。ハーモニカ・ブルースの要素も含むため、ギター主体の電気的なブルース・バンド・サウンドと、ハーモニカの鳴りが前に出る構成が想像しやすい。

作品の位置づけ

このアルバムは、The Butler Twinsにとって少なくとも1988年時点のライヴ活動を記録した初出の作品。デトロイト周辺のブルース・シーンを背景にした、現場感のあるドキュメントとして位置づけられる一枚といえる。

デトロイトのブルースといえば、都市のR&Bやソウルの感触を引きつつ、シカゴ・ブルースの流れとも接点を持つことが多い。この作品も、その周辺文脈の中で聴かれることが多そうだ。エレクトリック・ブルース、ハーモニカ・ブルースという枠組みからも、派手な装飾より、演奏の押し出しやバンドの呼吸が重要なタイプの作品として見えてくる。

ライヴ盤としての見どころ

録音場所がクラブのMoby Dick Loungeである点も、この作品の性格をはっきりさせている。大きなホール録音というより、近い距離感の会場での演奏を切り取ったもの。ライヴ盤では、スタジオ盤よりもテンポの揺れ、掛け合い、観客との距離感が出やすいが、この作品もそうした現場の要素が前面に出るタイプに見える。

実際に聴いた感想としては、ここでは断定を避けるが、こうした構成のライヴ・ブルース盤は、曲そのもの以上に演奏の進め方や音のぶつかり方が印象を左右しやすい。特に双子の兄弟を中心にした編成は、息の合った展開が作品の核になっている可能性が高い。

アーティストについて

The Butler Twinsは、Clarence ButlerとCurtis Butlerの双子兄弟によるデトロイトのエレクトリック・ブルース・バンド。Clarence Butlerは2003年に亡くなり、その3か月後にCurtis Butlerも続いたとされている。そうした経緯を踏まえると、『Live In Detroit』は兄弟の演奏を同時代の空気とともに残した記録としても受け止められる。

まとめ

『Live In Detroit』は、1988年のデトロイト圏ブルースを、ライヴの形でそのまま伝える作品。The Butler Twinsという双子のユニット名が示す通り、兄弟の結びつきがそのまま演奏の軸になっているはずの一枚で、エレクトリック・ブルースとハーモニカ・ブルースの現場感を知るうえで、重要な記録のひとつとして見てよさそうだ。

トラックリスト

• A1 – Introduction: Famous Coachman (0:30)
• A2 – Long Distnace Love (4:34)
• A3 – Hey Baby (5:02)
• A4 – The Fatman (5:12)
• A5 – I’ve Got To Move Out Of My Neighborhood (6:28)
• A6 – Take Me Back (3:55)
• B1 – Butler Boogie (7:22)
• B2 – Old Blouse Or Two (5:46)
• B3 – Ex Old Man (3:58)
• B4 – Miss T (3:42)

Shingetsu「New Moon / Shingetsu」（1979）について

Shingetsuは、1970年代の日本のプログレッシブ・ロック／シンフォニック・ロックを代表する短命ながら重要なバンドのひとつだ。この「New Moon / Shingetsu」は1979年に日本で登場した作品で、バンド名をそのまま冠した初出作として位置づけられる。メンバーはNaoya Takahashi、Akira Hanamoto、Haruhiko Tsuda、Shizuo Suzuki、Makoto Kitayamaの5人編成。

Shingetsuのプロフィールを見ると、中心人物のAkira HanamotoとHaruhiko Tsudaは、その後も関連プロジェクトへつながっていく流れがある。つまりこの作品は、単発のアルバムというより、70年代日本プログレの一つの到達点として見ると輪郭がつかみやすい。バンドの公式サイトもあり、後年まで一定の注目を集めてきたことがわかる。

作品の位置づけ

1979年という時期は、日本のロックが70年代的な実験性から次の段階へ移っていくタイミングでもある。その中でShingetsuのこの作品は、英米のプログレ勢と同じ文脈で語られやすい一方で、日本語圏のロックが持っていた独自の緊張感も残している盤として扱われることが多い。国産シンフォニック・ロックの流れを振り返るときに、しばしば名前が挙がるタイプの作品だ。

サウンドの特徴

実際に聴くと、演奏はかなり整理されていて、各パートがはっきり分かる作り。ギター、鍵盤、リズム隊の役割が明確で、長尺の中で展開を積み重ねていく構成が目立つ。単に技巧を並べるタイプというより、曲の流れを保ちながら場面を切り替えていく印象がある。

プログレッシブ・ロックらしい組曲的な発想や、シンフォニック・ロックに通じる音の厚みは確かに感じられるが、派手さだけを押し出す感じではない。むしろ、演奏の緊張感と構成の組み立てで聴かせるタイプの作品だと思える。

同時代の文脈

同じ時代の日本のプログレを思い浮かべると、Far East Family BandやMikami Kanの周辺、あるいは海外ではGenesisやYes、King Crimsonなどの影響圏が見えてくる。この作品もそうした大きな流れの中に置けるが、単純な模倣ではなく、国産バンドらしいまとまり方がある。

特に1970年代後半の作品として見ると、初期プログレの奔放さよりも、構成の精度や演奏の密度が前に出ている。Shingetsuのこの盤も、その流れに乗った作品として受け取れる。

代表曲について

収録曲の中では、アルバム全体の流れの中で印象を残す長めの曲が核になっているタイプだ。シングルヒットで知られる作品というより、アルバム単位で聴かれる性格が強い。どの曲を抜き出すかより、曲間のつながりや展開の積み重ねを含めて楽しむ盤と言えそうだ。

まとめ

Shingetsu「New Moon / Shingetsu」は、1979年の日本のプログレッシブ・ロックを知るうえで外しにくい一枚だ。短命なバンドながら、関連プロジェクトへ広がる人脈を持ち、国産シンフォニック・ロックの文脈でも重要な存在として見られている。演奏のまとまり、長尺曲の構成、当時の日本のロックの空気感が、ひとつの作品として収まっている。

トラックリスト

• A1 – 鬼 / Oni
• A2 – 朝の向こう側 / The Other Side Of The Morning
• A3 – 発熱の街角 / Influental Streets
• A4 – 雨上がりの昼下がり / Afternoon-After The Rain
• B1 – 白唇 / Fragments Of The Dawn
• B2 – 魔笛”冷凍” / Magic Flute “Reitou”
• B3 – 科学の夜 / The Night Collector
• B4 – せめて今宵は / Return Of The Night

関連動画

• Shingetsu ► Oni 鬼 [HQ Audio] New Moon 新月 1979
• Shingetsu – The Other Side Of Morning
• Shingetsu – Night Collector
• SHINGETSU — Shingetsu — 1979
• Shingetsu – Return Of The Night
• Shingetsu- Fragments Of The Dawn (Symphonic Prog Japan 1972)
• Shingetsu　新月　(New Moon) – Oni 鬼 (Demon)