DISQ - Vinyl records review

Prince And The Revolution – Parade (1986)

Prince And The Revolution「Parade」について

1986年にリリースされた、Prince And The Revolution名義の8作目のスタジオ・アルバムが「Parade」です。Princeの作品の中でも、The Revolutionをバンドとして前面に出した最後のアルバムとして知られていて、ソロ色の強い次の展開へ向かう前の節目の一枚という位置づけです。ジャンル表記としてはRock、Funk / Soul、Pop、スタイルではFunk、Minneapolis Sound、Pop Rockにまたがる内容で、Princeらしいリズムの強さと、曲ごとの色分けがはっきりした構成になっています。

作品の輪郭

このアルバムは、Prince And The Revolutionという編成のまとまりを感じさせる内容です。メンバーにはLisa Coleman、Matt Fink、Brownmark、Wendy Melvoin、Prince Rogers Nelson、Bob Rivkinがクレジットされていて、キーボード、ギター、ベース、ドラムがしっかり絡み合うバンド感が土台になっています。とはいえ、中心にいるのはやはりPrinceで、楽曲の方向性や音の設計には彼の個性が強く出ている作品です。

同時代のポップやファンクの流れの中でも、ミネアポリス・サウンドの代表的な一枚として見られることが多いアルバムです。シンセサイザーの使い方、リズムの切れ味、メロディの立ち上がり方などに、その時期のPrince作品らしい特徴がまとまっています。ファンクの躍動感とポップな聴きやすさのあいだを行き来する作りで、アルバム全体の流れも比較的コンパクトにまとまっています。

代表曲「KISS」

この作品を語るうえで外せないのが「KISS」です。シングルとして大きく知られた曲で、アルバムの中でも特に印象の強いトラックです。ギター、リズム、ファルセットの使い方がはっきりしていて、Princeの曲作りの輪郭がわかりやすい一曲になっています。ほかの楽曲も含めて、派手さだけで押すのではなく、音数や配置で引っかかりを作る感じがこのアルバムらしいところです。

映像作品とのつながり

リリース時のシュリンクには、Warner Bros.の映画「Under the Cherry Moon」の音楽であることと、「KISS」がヒットシングルであることが告知されています。つまり、このアルバムは単独の音源作品としてだけでなく、当時のPrinceの映像作品とも地続きの文脈で出てきたものです。音だけでなく、映像やキャラクター性も含めて展開していた時期の記録としても見やすい一枚です。

日本盤としての仕様

この日本盤はゲートフォールド仕様で、オビには「Prince 8th」と入っています。シュリンク上のステッカーには「KISS」のヒットを含むことや、「Under the Cherry Moon」との関連が記されています。付属品としては、英和対訳のクレジット・インサート、英和歌詞インサート、アルバム・カタログ付きのマーケティング／アンケート・カードが確認できます。レーベル表記には1986年の表記があり、Warner-Pioneer Corporation, Japanによるライセンス盤です。

ひとこと

「Parade」は、Prince And The Revolutionという名義の終盤に置かれたアルバムでありながら、曲の強さと構成のまとまりがしっかり感じられる作品です。特に「KISS」の存在で広く知られていますが、アルバム全体として見ると、ファンク、ポップ、ロックの要素がPrince流に整理された時期の記録としても興味深い内容です。

トラックリスト

Intro
A1 – Christopher Tracy’s Parade (2:11)
A2 – New Position (2:21)
A3 – I Wonder U (1:40)
A4 – Under The Cherry Moon (2:57)
A5 – Girls & Boys (5:30)
A6 – Life Can Be So Nice (3:12)
A7 – Venus De Milo (1:54)
End
B1 – Mountains (3:58)
B2 – Do U Lie? (2:43)
B3 – Kiss (3:38)
B4 – Anotherloverholenyohead (3:58)
B5 – Sometimes It Snows In April (6:50)

Tim Hardin – Painted Head (1972)

Tim Hardin「Painted Head」について

Tim Hardinは、アメリカのフォーク・シンガー／ソングライターとして知られる人物だ。
「If I Were a Carpenter」や「Reason to Believe」といった楽曲で広く名前が残っているが、「Painted Head」は1972年に発表された作品で、彼のフォーク・ブルース寄りの持ち味がまとまった一枚として位置づけられる。

作品の輪郭

このレコードは1981年に日本でリリースされた盤で、ジャケットや資料に日本語インサートが付いた仕様になっている。
オリジナルは1972年の作品なので、盤としては後年の再発にあたる。日本盤ならではの丁寧な付属物がある点も、この時期の輸入盤・国内再発らしいところだ。

サウンド面では、フォークを土台にしつつ、ブルース・ロックの要素が重なる構成。
Tim Hardinの作品らしく、歌と曲の骨格が前に出るタイプで、派手なアレンジで押すというより、言葉とメロディの流れで聴かせる印象がある。

Tim Hardinというアーティストの中で

Tim Hardinは、同時代のフォーク・シーンの中でも、シンガーとしての存在感とソングライターとしての評価が強い人だ。
自作曲が多くのアーティストにカバーされてきたことからも、楽曲そのものの強さがよくわかる。特に「If I Were a Carpenter」は、Bobby Darin、Joan Baez、Johnny Cash、The Four Tops、Robert Plantなど、多くの歌手に取り上げられた代表曲として知られている。

また「Reason to Believe」も重要な楽曲で、Rod Stewartのヒットでも広く知られる。
こうした曲と比べると、「Painted Head」はヒット曲の単独の知名度で押すというより、アルバム全体でTim Hardinの書く歌の手触りを追う作品という見え方になりやすい。

ジャンルの文脈

この作品は、Rock、Blues、Folk、World, & Countryという広い枠で整理されている。
実際のところ、60年代フォークの延長線上にあるシンガー・ソングライター作品として聴かれることが多そうだが、そこにブルース・ロックの感触が加わることで、単なる弾き語り中心の作品とは少し違う輪郭を持つ。

同時代の感覚でいえば、フォークの語り口とロックの帯域を行き来するアーティストたち――たとえばより広い意味でのシンガー・ソングライター作品群の中に置くと、Tim Hardinの独特な書き方が見えやすい。
歌詞を前面に出しながら、曲の流れ自体で引っ張るタイプの一枚、と言えそうだ。

まとめ

「Painted Head」は、Tim Hardinの代表曲で知られる作家性を、アルバム単位で確かめられる作品だ。
1972年のオリジナル作品を、1981年の日本盤で聴く形になるため、当時の日本での受け止め方も含めて残された一枚として見ておくと、より位置づけがつかみやすい。

トラックリスト

A1 – You Can’t Judge A Book By The Cover (4:09)
A2 – Midnight Caller (3:09)
A3 – Yankee Lady (4:24)
A4 – Lonesome Valley (4:29)
A5 – Sweet Lady (3:44)
B1 – Do The Do (3:44)
B2 – Perfection (3:02)
B3 – Till We Meet Again (3:11)
B4 – I’ll Be Home (5:42)
B5 – Nobody Knows You When You’re Down And Out (6:23)

2026.06.19

The Cosmic Jokers – Planeten Sit-In (1974)

The Cosmic Jokers『Planeten Sit-In』について

The Cosmic Jokersは、Klaus Schulze、Manuel Göttsching、Harald Grosskopf、Dieter Dierks、Jürgen Dollaseらが関わったドイツのスペース・ロック／エクスペリメンタル・プロジェクトだ。1973年のセッション素材をもとに1974年に作品化され、後年にはコスミッシェ・ムジーク文脈の重要作として語られることが多い。

『Planeten Sit-In』は、そのThe Cosmic Jokersの一枚。1974年のオリジナル作品として知られ、ここで挙げる盤は1996年フランス盤。ジャケットやレーベル表記も含めて、再発盤として流通している一枚だ。

作品の輪郭

収録音は、Studio Dierksでのジャム・セッションを土台にしたもの。電子音、持続音、反復するフレーズが前に出て、曲というよりは長い流れとして聴かせる作りになっている。ジャンル表記はElectronic、スタイルはExperimental、Ambient。実際に針を落とすと、シンセのレイヤーとギターの断片、リズムのゆらぎがゆっくり重なっていく構成が目立つ。

タイトル曲「Planeten Sit-In」は、宇宙旅行のイメージを前面に出したこのプロジェクトらしさが強い。歌もののヒット曲が中心の作品ではなく、音の連なりそのものが主役という印象だ。

ライナーノートと作品の見え方

この盤のリリースノートには、Hören Sie “Planeten Sit In” quadrophonisch und Sie entdecken die neuen Zauberwelten des Galaxien-Sounds der Kosmischen Musik. とあり、4チャンネル的な聴取を意識した表現が入っている。さらに、Raumschiff Galaxy や Sternenmädchen といった言葉で、宇宙船に乗って銀河を巡るような筋書きが添えられている。音だけでなく、当時のコスミックなイメージ作りも含めた作品だと受け取れる。

The Cosmic Jokersの中での位置づけ

The Cosmic Jokersは、後にクラウトロックや電子音楽の文脈で参照されることの多い名前だ。Klaus SchulzeやManuel Göttschingの参加によって、Ash Ra Tempelや初期のソロ作品に通じる質感も見えやすい。とはいえ、ここではそれぞれの個人名義作よりも、セッション素材を編集した“プロジェクト盤”としての性格が強い。

1970年代前半のドイツでは、電子音楽、即興、スペース・ロックが近い距離で交差していた。その中でThe Cosmic Jokersは、Ash Ra Tempel、Klaus Schulzeの初期作品、Tangerine Dream周辺と並べて語られることがある。『Planeten Sit-In』も、その時代の流れをそのままパッケージしたような一枚に見える。

盤の情報

アーティスト: The Cosmic Jokers
タイトル: Planeten Sit-In
オリジナル年: 1974年
この盤のリリース年: 1996年
リリース国: France
ジャンル: Electronic
スタイル: Experimental, Ambient

スパインとレーベルにはSPALAXLP14104、バックカバーには14104の表記。フランス盤としてまとまった仕様になっている。

『Planeten Sit-In』は、The Cosmic Jokersの中でも、宇宙的なイメージと編集されたジャム感が前に出た作品だ。1970年代ドイツの電子音楽が持っていた、即興と構成の境目をそのまま残したような内容である。

トラックリスト

A1 – Raumschiff Galaxy Startet (1:04)
A2 – The Planet Of Communication (0:55)
A3 – Elektronenzirkus (0:37)
A4 – Der Narr Im All (1:16)
A5 – Raumschiff Galaxy Fliegt In Die Sonne (2:12)
A6 – Intergalactic Nightclub (4:08)
A8 – Loving Frequencies (3:18)
B1 – Electronic News (3:56)
B2 – Intergalactic Radio Guri Broadcasting (4:24)
B3 – Raumschiff Galaxy Gleitet Im Sonnenwind (0:40)
B4 – Interstellar Rock: Kosmische Musik (3:11)
B5 – Raumschiff Galaxy Saust In Die Lichtbahnen (0:44)
B6 – Der Planet Des Sternenmädchens (8:21)

Patto – Patto (1970)

Patto / Patto（1970年・UK）

Pattoのデビュー作にあたるPattoは、1970年にUKで登場した作品だ。もともとTimeboxに在籍していたMike Pattoを中心に、Ollie Halsall、Clive Griffiths、John Halseyらが合流してPattoへと改名した流れの中で生まれたアルバムで、バンド名そのものを掲げた最初の一枚という位置づけになる。

ジャンルとしてはRock、スタイルとしてはProg RockとHard Rockに分類されている。実際にバンドの成り立ちを見ても、60年代末の英国ロックから70年代初頭のプログレ／ハードロックへ接続する時期の作品として捉えやすい。派手な看板を立てるというより、演奏力を前に出して押していくタイプのバンド像が見える作品だ。

バンドの輪郭

Pattoは1970年にイングランドで結成された英国のプログレッシブ・ロック・バンドで、ヴォーカルのMike Pattoを核に、Timebox由来のメンバーを加えて始動した。ラインナップにはOllie Halsallのギターとヴィブラフォン、Clive Griffithsのベース、John Halseyのドラムが並ぶ。のちにBernie HollandやMichael McCarthyの名もクレジットに見えるが、このアルバム時点の基本線は、Patto、Halsall、Griffiths、Halseyの4人組として押さえておくのが自然だ。

作品の位置づけ

このPattoは、バンドの出発点をそのまま刻んだ一枚として見やすい。Timeboxから名前を変えて新しい形を打ち出した直後の記録であり、以後のPattoの方向性を示す入口になっている。UK産のプログレッシブ・ロックが拡張していく時期の中で、サイケデリック寄りの流れやハードなバンド演奏が交差するあたりに置けるアルバムだ。

演奏面の注目点

Pattoの名前を押し出した作品だけに、中心はMike Pattoの歌とOllie Halsallのプレイに集まりやすい。Halsallは後年まで語られることの多いギタリストで、ここでもバンドの色を作る重要な存在として機能している。リズム隊のまとまりも含めて、曲ごとの展開を追うより、バンド全体の推進力で聴かせるタイプのアルバムという印象が強い。

盤について

このレコードはUK盤として流通している。レーベル表記や盤面の仕様に違いがある個体も見られるため、コレクションとしてはプレス違いの確認がポイントになりやすい。とはいえ作品そのものは、1970年当時のPattoの出発点を示す内容として理解しておけばよさそうだ。

同時代の文脈

同じ時代のUKロックで言えば、プログレッシブ・ロックの構成感と、ハードロックの押し出しをまたぐ位置にいる。派手なコンセプト性よりも、演奏の密度やリフの手触り、ボーカルの存在感で勝負する流れが見える。そうした意味で、当時の英国ロックの中でも、バンドの身体感覚が前に出る作品として置ける。

Pattoというバンド名をそのまま冠した初期作として、まずはここから彼らの輪郭が立ち上がる。1970年のUKロックの空気を、演奏主体で切り取った一枚だ。

トラックリスト

A1 – The Man (6:12)
A2 – Hold Me Back (4:40)
A3 – Time To Die (2:54)
A4 – Red Glow (5:15)
B1 – San Antone (3:07)
B2 – Government Man (4:20)
B3 – Money Bag (10:04)
B4 – Sittin’ Back Easy (3:42)

Kuni Kawachi & Friends – 切狂言 (1970)

Kuni Kawachi & Friends『切狂言』について

Kuni Kawachi & Friendsの『切狂言』は、1970年に発表された日本のロック作品で、サイケデリック・ロックとアシッド・ロックの流れの中に置かれる1枚だ。メンバーには和田アキラではなく、川内康範…ではなく、Kuni Kawachi、Joe Yamanaka、Hideki Ishima、Chito Kawachiが名を連ねている。日本のサイケデリック・ロック史を語るうえで、当時の空気を強く反映した作品として見られることが多い。

作品の輪郭

アルバムはタイトル曲「Kirikyogen」から始まり、「Time Machine」「Omaeno Sekaihe」「Renai Bochi」「Onna No Kyoushitsu」など、英訳を添えた曲名も並ぶ構成だ。全7曲というまとまりの中で、言葉の置き方と演奏の緊張感が前面に出ている印象がある。レコード全体としては、歌ものの形を保ちながらも、演奏のうねりや音の質感が曲の骨格を作っているタイプの作品だ。

収録曲の見どころ

A1「Kirikyogen」: タイトルを冠した導入曲。作品の入口として置かれた1曲。
A2「Ningen Syutaino Keieitokoji (Works Composed Mainly By Humans)」: 長い曲名が印象に残る。言葉遊びの感触もある。
A3「Time Machine」: タイトルからして、当時のサイケデリックな感覚と相性のよい楽曲名。
B1「Omaeno Sekaihe (To Your World)」: 英訳付きの表記で、曲の輪郭がつかみやすい。
B2「Renai Bochi (Graveyard Of Love)」: 邦題と英訳の落差が目を引く。
B3「Onna No Kyoushitsu (Classroom For Women)」: 物語性を感じさせる題名。
B4「Otokowo Onnakaramita Kagakutekicyousa (Scientific Investigation)」: アルバムの終盤を締める、最も長い曲名の1曲。

サウンドと時代感

1970年の日本ロックは、英米のサイケデリック・ロックやアシッド・ロックの影響を受けつつ、国内の歌謡的な感覚や実験性が交差していた時期だ。『切狂言』もその文脈に置くと、当時の日本のロックが持っていた語法のひとつとして聴こえてくる。Joe Yamanakaのヴォーカル、Hideki Ishimaのギター、Kuni Kawachiの作曲面、Chito Kawachiのリズムが組み合わさって、曲ごとの推進力を作っている構成だ。

同時代の日本のサイケデリック・ロックやアート寄りのロックと比較されることはありそうだが、この作品はとくにバンド名義のまとまりと、曲名に表れた言葉の強さが目立つ。演奏そのものとタイトルの並びが、作品の印象を決めている1枚と言えそうだ。

2021年盤について

この盤は2021年リリースのものだが、作品自体は1970年のオリジナル発表。したがって、内容としては初期の作品を現在の盤で聴く形になる。再発盤としての大きな違いは、少なくともこの情報だけでは細かくは追えないが、作品の本体は1970年のオリジナル録音にある。

まとめ

『切狂言』は、Kuni Kawachi & Friendsという名義のもとで、日本のサイケデリック・ロックが持っていた実験性と歌の輪郭が同居した作品だ。全7曲という構成、長い曲名の並び、1970年という時代背景が、そのままアルバムの性格を形作っている。

トラックリスト

A1 – 切狂言 (芝居小屋の名役者)
A2 – 人間主体の経営と工事
A3 – タイム・マシーン
B1 – おまえの世界へ
B2 – 恋愛墓地
B3 – 女の教室
B4 – 男から女を見た科学的調査

Areski – Brigitte Fontaine – Je Ne Connais Pas Cet Homme (1973)

Areski – Brigitte Fontaine「Je Ne Connais Pas Cet Homme」

フランスのAreski BelkacemとBrigitte Fontaineによる共作名義、Areski – Brigitte Fontaineの一枚。1973年のオリジナル作品として知られるタイトルで、ここに収められているのはシャンソンを軸にしながら、アヴァンギャルドや実験的な要素を前面に出した世界観だ。

作品の輪郭

Brigitte Fontaineの語りかけるような歌唱と、Areskiの多彩な演奏・構成がぶつかり合うというより、同じ空間の中で少しずつ形を変えていく作り。ロックやポップの枠に置かれながらも、一般的な歌モノの流れには収まらない、ひっかかりのある音像がこの作品の中心にある。

この二人の共同作業は、単独名義の作品とは少し違って、作品全体がひとつの会話のように進むところが特徴的だ。メロディが前に出る場面もあれば、言葉の運びや間の取り方が主役になる場面もあり、シャンソンの伝統と前衛的な感覚が同居している。

聴きどころ

この手のAreski-Fontaine作品では、派手な展開や分かりやすいサビよりも、音の配置や声の置き方に耳が向く。Brigitte Fontaineの声は、歌うというよりも言葉を音楽の中に置いていくようで、Areskiの側はその動きを受け止めながら、楽曲の輪郭を少しずつずらしていく印象がある。

70年代フランスのシャンソン周辺には、BarbaraやJacques Higelin、Magma周辺のように既存の形式を崩しながら独自の表現へ向かう動きがあったが、この作品もその流れの中で語られることがありそうだ。とはいえ、ロックの推進力だけでも、実験音楽の硬さだけでもなく、その中間にある独特の距離感が残る。

リリースについて

盤として流通しているものは1990年代後半から2000年代初頭の再発盤とみられ、オリジナルの1973年盤とは別の時代のプレスになる。再発盤としては、価格コードやバーコードが付かない仕様という点が目立つ。

アーティストのキャリアの中では、AreskiとBrigitte Fontaineの共同名義作品の一つとして位置づけられる一枚。二人の関係性そのものが作品の核にあるタイプで、単なる客演ではなく、名前どおりの共同制作として捉えるのが自然だ。

まとめ

「Je Ne Connais Pas Cet Homme」は、フランスのシャンソンを土台にしながら、ポップ、ロック、実験性が同じ画面に並ぶ作品。歌と演奏の役割分担が固定されず、曲ごとに表情が変わっていくところが面白い。

トラックリスト

A1 – Depuis (1:54)
A2 – J’ai 26 Ans, Madame (1:15)
A3 – La Fille Du Curé (2:04)
A4 – Comment Ca Va (1:40)
A5 – Montparnasse (1:23)
A6 – La Recherche De L’Hiver (3:44)
A7 – Les Blanchisseuses (1:09)
A8 – C’est Normal (4:21)
B1 – Dis-moi (4:03)
B2 – Insert (0:25)
B3 – On N’est Pas Des Arbres (1:45)
B4 – La Renarde Et Le Bélier Touffu (3:56)
B5 – Insert (0:25)
B6 – Je Ne Connais Pas Cet Homme (2:18)
B7 – Nous Ne Pourrons Plus Dormir (1:32)
B8 – La Morvien (2:37)
B9 – Le Silence (1:52)
B10 – Final (0:35)

Patrice Witt – For D’js And Long Highways (1982)

Patrice Witt『For D’js And Long Highways』について

Patrice Wittはフランスのキーボーディスト／作曲家で、For D’js And Long Highwaysは1982年にフランスでリリースされた作品だ。ジャンルはElectronic、Jazz、Rock、スタイルはProg Rock、Ambient、Fusionに位置づけられている。ひとことで言えば、キーボードを軸にしたインストゥルメンタル寄りの作品として受け止めやすい1枚で、同時代のプログレッシブ・ロックやフュージョンの流れの中に置くと見通しがつきやすい。

作品の位置づけ

このアルバムは、Patrice Wittにとってソロ名義の初期作にあたる。ジャケットには「Vent D’Estのピアニストによる初のソロ・アルバム、Pierre Moerlen参加」といった内容のステッカーが付くものもあるようで、バンド活動とは別に、キーボード奏者としての個性を前面に出した作品として扱われていることがわかる。1982年という時期を考えると、プログレの語法とエレクトロニックな質感、ジャズ由来の演奏感覚が近い距離で並ぶ時代性も見えやすい。

音の輪郭

この作品の核にあるのは、キーボードのフレーズと音色の組み立てだろう。ロックの推進力、ジャズの流れ、エレクトロニックなレイヤーが重なり、派手な歌ものというよりは、演奏と構成の変化で聴かせるタイプの内容として捉えられる。フュージョンの手触りもあり、当時のフランス周辺のプログレ／インストゥルメンタル作品と並べて語られることがありそうだ。

同時代の比較対象としては、キーボード主導のプログレや、ジャズ・ロックの延長にある作品群が思い浮かぶ。Pierre Moerlenの参加がクレジットされる点からも、リズム面にしっかりした推進力が入る構図が見えてくる。こうした背景を踏まえると、単なるソロ・キーボード作品というより、バンド的な緊張感を持ったインスト作品として受け取られやすい。

リリース情報

アーティスト: Patrice Witt
タイトル: For D’js And Long Highways
オリジナルリリース年: 1982年
リリース国: フランス
アーティストの国: フランス
ジャンル: Electronic / Jazz / Rock
スタイル: Prog Rock / Ambient / Fusion

まとめ

For D’js And Long Highwaysは、1982年のフランスで生まれた、キーボード奏者Patrice Wittのソロ作品だ。プログレ、アンビエント、フュージョンの要素が同居し、同時代のインストゥルメンタル作品の流れの中で見ていける内容。派手なヒット曲で押すというより、演奏の組み立てや音色の変化で輪郭を作るタイプのアルバムとして記憶されやすい1枚だ。

トラックリスト

A1 – On The Edge Of Time (4:23)
A2 – Just The Sound Of Your Name (4:50)
A3 – Mandragore (3:20)
A4 – Blind Eyes (3:56)
A5 – Dreams Of Sun (5:40)
B1 – Catfish (3:18)
B2 – Crying Guitar Reggae (3:08)
B3 – Gypsy Queen (2:50)
B4 – You’re Just Seventeen (4:06)
B5 – Exodus Space Flight To Cygnus X1 (5:22)

King Crimson – Lizard (1970)

King Crimson「Lizard」について

King Crimsonの「Lizard」は、1970年に発表されたプログレッシブ・ロックの重要作です。もともと初期King Crimsonは、Robert Frippを中心に、Ian McDonald、Greg Lake、Michael Giles、Peter Sinfieldらが参加した編成で出発し、1969年のデビュー作で強い印象を残しました。その流れの中で作られた本作は、初期King Crimsonの中でも特に組曲的な構成が目立つ一枚です。

この日本盤は1971年リリースの初期国内盤で、見開きジャケット仕様。Rock Age obi付きのファースト・イシューで、インサートも封入されています。ライナーノーツの日付は「1971.3.11」となっています。

作品の位置づけ

「Lizard」は、King Crimsonの中期以降の重厚なサウンドへ直結するというより、初期の実験性と室内楽的な構成感が強く出た作品として位置づけられることが多いアルバムです。バンドの編成変化が続いていた時期の作であり、Robert Frippを軸にしながらも、楽曲ごとの色がはっきり分かれている印象があります。

同時代のプログレッシブ・ロックの文脈では、YesやGenesisのようなメロディ志向の展開とは別に、より不安定な和声やジャズ寄りの動き、劇的な構成を前面に出したタイプとして聴かれることが多い作品です。Keith Tippettの参加も、このアルバムの音の輪郭を形づくる要素になっています。

聴きどころ

本作の中心は、組曲的に展開する長尺曲「Lizard」になる。パートごとに場面が切り替わる構成で、ロックのリズム感だけで押し切るというより、ブラスやピアノを含むアレンジで進んでいくのが特徴です。曲単位でのまとまりより、全体を通してひとつの組曲として聴く感覚が強い作品といえます。

また、アルバム全体としては、硬質なギターの響きと、アンサンブルの混線する感じが同居しています。派手なヒット曲で押すタイプではなく、曲の流れや音の配置を追う楽しさがある一枚です。

日本盤としての魅力

この日本盤初期プレスは、当時の国内発売の仕様をそのまま味わえる点がまず目を引きます。見開きジャケットや帯、インサートを含めて、1970年代初頭の日本盤らしい作りです。オリジナル盤の年代は1970年ですが、こちらは1971年の国内流通盤として手元に置くタイプのリリースになります。

まとめ

「Lizard」は、King Crimsonの初期の実験精神を強く映したアルバムです。バンドの歴史の中では、編成の揺れが続く時期の作品でありながら、組曲構成、ジャズ的な要素、室内楽的な処理がひとつの形になっているのが面白いところです。初期プログレの中でも、かなり個性の出たタイトルとして語られる一枚です。

トラックリスト

A1 – Cirkus (Including: Entry Of The Chameleons) (6:28)
A2 – Indoor Games (5:38)
A3 – Happy Family (4:15)
A4 – Lady Of The Dancing Water (2:43)
Lizard (22:24)

Carmen Maki & Oz – 閉ざされた町 = Tozasareta Machi (1976)

Carmen Maki & Oz「閉ざされた町 = Tozasareta Machi」について

Carmen Maki & Ozの「閉ざされた町 = Tozasareta Machi」は、1976年に日本でリリースされた作品だ。東京を拠点に1972年に結成されたこのバンドは、Carmen Makiを中心に、Shigeyuki Kawakami、Osamu Takeda、Hirofumi Kasuga、Yoshihiro Naruse、Tetsuya Nishi、George Azuma、Yasuyuki Hasegawaといったメンバーで活動した。1970年代半ばの日本のロックの流れの中で、プログレッシブ・ロックとハードロックの要素を持つバンドとして位置づけられる作品群のひとつだ。

作品の位置づけ

1976年という年は、バンドにとって活動の中盤にあたる時期で、1977年の解散より少し前の段階になる。Carmen Maki & Ozは、当時の日本ロックの中でも、演奏の密度や曲の構成に重心を置いたグループとして見られることが多く、この作品もその流れの中にある一枚だ。タイトルから受ける印象どおり、都市や空間の閉塞感を意識させるような感触がある。

サウンドの印象

実際に聴くと、バンド名に含まれるCarmen Makiの歌声が前面に出てくる場面があり、そこにギター、ベース、ドラムの硬質なバンドサウンドが重なる。曲の展開は単純に進むというより、フレーズやリズムの切り替えを交えながら進行していく印象で、70年代ロックらしい手触りがある。演奏は、歌を支えるだけでなく、曲の空気そのものを作る役割を担っているように感じられる。

同時代の文脈

1970年代半ばの日本のロックには、海外のハードロックやプログレッシブ・ロックの影響を受けながらも、日本語の歌詞や独自の感覚を前面に出すバンドが少なくない。「閉ざされた町」も、そうした時代の流れの中で聴かれる作品だ。派手なヒット曲で押すというより、アルバム全体の流れや曲ごとの構成で印象を残すタイプの作品として捉えやすい。

代表曲について

この作品では、タイトル曲の「閉ざされた町 = Tozasareta Machi」がまず中心になる。作品名そのものを担う曲だけに、アルバムの方向性を示す役割を持つ存在として聴こえる。曲名からも、当時の都市感覚や心理的な圧迫を連想させる。

まとめ

Carmen Maki & Ozの「閉ざされた町 = Tozasareta Machi」は、1976年の日本のロックを語るうえで外せない一枚のひとつだ。バンドの演奏力、Carmen Makiの存在感、そして当時のハードロック／プログレッシブ・ロックの空気が、ひとまとまりになった作品として見えてくる。解散前の時期に作られたこともあって、バンドの輪郭がはっきり感じられる内容だ。

トラックリスト

A1 – Introduction
A2 – 崩壊の前日
A3 – 振り子のない時計
A4 – 火の鳥
B1 – Lost Love
B2 – 閉ざされた町
B3 – Epilogue

Novela – Exciting Mini (Unreleased Takes and Limited Edition) (1984)

Novela『Exciting Mini (Unreleased Takes and Limited Edition)』

1984年に日本で登場した、Novelaのミニ・アルバム。大阪で結成された日本のプログレッシブ・ロック／ハード・ロック・バンドらしく、速い展開と鍵盤を前に出した編成がはっきりしている作品だ。タイトルどおり、未発表テイクを含む内容で、当時のバンドの演奏感をコンパクトに切り取った一枚になっている。

バンドの立ち位置

Novelaは1979年に大阪で結成されたバンドで、1986年まで活動した。もともとプログレッシブ・ハード・ロック・バンドSchéhérazadeのメンバー4人と、山水館の元メンバー2人から始まった経歴を持つ。日本の70年代末から80年代前半にかけてのプログレ／ハード・ロックの流れの中で、テクニカルな演奏と劇的な展開を持つバンドとして語られることが多い。

作品の内容

この盤はミニ・アルバムで、未発表テイクを収録しているのが大きな特徴。加えて、インサートとポスターが付属し、クリア・ヴィニール仕様という点もコレクター向けの要素として目を引く。1984年のオリジナル盤として見た場合、Novelaの活動期の中盤にあたる時期の記録という位置づけになる。

収録曲の細部まではここで触れられる情報が限られるが、バンドの持ち味であるギターの切り込み、キーボードの前面に出るアレンジ、そしてリズム隊の推進力は、この時代のNovelaをそのまま示す要素として受け取れる。日本のプログレッシブ・ロックが80年代に入ってもなお、演奏面の密度を保っていたことを感じさせる内容だ。

同時代の文脈

日本のプログレ／ハード・ロックでは、同時代にアースシェイカーや44マグナムのようなハード・ロック勢が存在し、プログレ方面ではアングラ系の色合いを持つバンドも少なくなかった。Novelaはその中でも、よりシンフォニックな鍵盤の使い方と、メタリックなギターを両立させたタイプとして捉えられることが多い。

クレジット

アーティスト: Novela
タイトル: Exciting Mini (Unreleased Takes and Limited Edition)
オリジナル・リリース年: 1984年
リリース国: 日本
ジャンル: Rock
スタイル: Prog Rock, Hard Rock

Novelaのディスコグラフィーの中では、アルバム本編とは少し違う角度から当時のバンド像を見せる一枚。未発表テイクという性格もあり、作品としてのまとまりより、活動期の断片を記録した資料性が前に出る盤だ。

トラックリスト

A1 – Metal Fantasy
A2 – Limited Express
B1 – Lunatic (Live Version)
B2 – Harukana-Toki No Hate Ni (Live Version)

Il Rovescio Della Medaglia – Contamination (1973)

Il Rovescio Della Medaglia『Contamination』

イタリアのプログレッシブ・ロック・バンド、Il Rovescio Della Medagliaが1973年に発表したアルバム。バンド初期のハード・ロック寄りの作風から一歩進み、キーボードを加えた編成でシンフォニックな方向へ寄った作品として知られている。イタリアン・プログレの中でも、演奏の密度と構成の切り替えがはっきりした一枚だ。

バンドの流れの中での位置づけ

Il Rovescio Della Medagliaは1970年ごろ、ローマで結成されたグループ。1971年の『La Bibbia』、1972年の『Io come io』では、硬質なギターを軸にしたサウンドにプログレ的な要素を少しずつ取り入れていた。そこから本作『Contamination』では、Franco Di Sabatinoのキーボードが加わり、音の中心がより多層的になっている。

この作品では、アルゼンチン出身の作曲家との協働も行われており、バンド単独のハードさよりも、組曲的な展開や管弦楽的な組み立てが前に出ている。グループにとっては、初期2作とは明確に方向の違う3作目という位置づけになっている。

1973年オリジナル盤の特徴

1973年のオリジナル・リリースは、イタリア国内盤として出たもの。バンドは当時、非常に大音量のライブでも知られており、その勢いがスタジオ作品にも通じている。ギター、ベース、ドラムにキーボードが重なることで、リフ主体の硬さと、展開の多い構成が並立している。

また、この時期のバンドは国外展開も意識していて、英語詞版も制作され、複数の国で発売されている。イタリアン・プログレの中でも、国内市場だけでなく海外流通を見据えた動きがあった作品として見られる一枚だ。

2015年盤について

2015年盤は、デジタル・リマスターを施した180グラム盤としてリリースされている。オリジナル盤の年代とは別に、再発盤として音質面の見直しが行われた形だ。アナログ盤としての重量盤仕様になっている点も、この再発の特徴になっている。

曲の印象と聴きどころ

本作は、派手な単発ヒットを前面に出すタイプではなく、アルバム全体の流れで聴かせる構成。キーボードが入ったことで、ギターの押し出しだけではなく、音の層そのものを動かす場面が増えている。硬めの演奏と、組曲的に場面が変わる展開の両方が目に入る内容だ。

イタリアン・プログレの同時代作品と比べると、演奏の力感を保ちながらも、よりシンフォニックな作りへ踏み込んだ位置にある。初期のハード・ロック色を残しつつ、より構成重視のアルバムへ移った転換点として捉えられる。

メンバー

Franco Di Sabatino
Gino Campoli
Pino Ballarini
Enzo Vita
Stefano Urso

作品データ

アーティスト: Il Rovescio Della Medaglia
タイトル: Contamination
オリジナル・リリース年: 1973年
盤のリリース年: 2015年
リリース国: Italy
ジャンル: Rock
スタイル: Prog Rock

トラックリスト

A1 – Absent Minded
A2 – Orphan Me
A3 – Johann’s Rock
A4 – Another Name Am I
A5 – Crazy Baby
A6 – Lost Myself Today
B1 – Johann
B2 – Scotched
B3 – I Can Fly
B4 – Contamination
B5 – Isolation Ward
B6 – For The Love Of Anna
B7 – Bach Lives

Harris Chalkitis – Marita (1975)

Harris Chalkitis「Marita」

「Marita」は、フランスで1975年にリリースされたHarris Chalkitisの作品。作曲、編曲、歌唱、マルチインストゥルメンタリストとして知られるHarris Chalkitisが、パリのBarclay Studiosで1975年4月から5月にかけて録音した一枚である。ジャズ、ロック、ファンク、ポップ、フォークの要素をまたぐ作風で、ジャズロック、ジャズファンク、プログレッシブ・ロック、ディスコの文脈でも語られる作品になっている。

作品の輪郭

Harris Chalkitisは1945年にカイロで生まれ、幼少期に家族とともにギリシャへ移った人物。作曲家、オーケストレーター、シンガー、マルチインストゥルメンタリストとして活動し、後年はQueen Samanthaのプロデュースでも知られるほか、Demis Roussos、Mireille Mathieu、Dalidaなどの作曲も手がけている。その経歴を踏まえると、「Marita」も単独の歌手作品というより、作編曲の手腕が前面に出るタイプのレコードとして位置づけやすい。

録音はパリのBarclay Studios。℗表記も1975年のBarclayで、フランス盤として同年の空気をそのまま閉じ込めた資料性のあるレコードといえる。ジャズ寄りのリズム感、ロックの推進力、ファンクのうねり、そして当時のポップ／ディスコの感触が並ぶところに、この時代のヨーロッパ制作らしい混ざり方が見える。

サウンドの印象

この作品のポイントは、ジャンルの切り替えがはっきりしていること。ジャズ・ロックやジャズ・ファンクの文脈では演奏の密度が前に出やすく、プログレッシブ・ロックの要素では展開の組み立てが目立つ。そこにディスコ的なビート感や、ポップ、フォーク、ワールド・ミュージックの要素が重なっているため、単一の型に収まらない作りになっている。

実際に聴くと、歌ものとしての輪郭と、編曲の細かい動きの両方が見えやすいタイプの作品になりそうだ。メロディを追いながらも、伴奏のリズムや管弦の配置に耳が向く盤だろう、という印象である。

時代背景とつながり

1975年という年は、ヨーロッパのポップスやフュージョン、ディスコ前夜のサウンドが交差していた時期。フランス制作のレコードとして見ると、シャンソン的な歌心と、当時の国際的なソウル／ファンク感覚の接点にある作品とも捉えやすい。Harris Chalkitisの後年のプロデュースワークや大衆歌謡への関わりを考えても、この時期の仕事は彼の幅広い作曲・編曲感覚を示す一枚といえる。

代表曲やヒット曲として広く知られる定番曲の情報は見当たらないが、制作年、録音場所、参加した音楽的文脈をたどると、70年代フランス盤の中でも作り手の個性が出る作品として見ていける。

盤について

この盤は1975年のフランス盤。ラベルにはMade in Franceの表記があり、当時のBarclay系プレスとして出回ったものだとわかる。プレスリングの仕様も1975年のフランス国内プレスに特徴的なものとされている。

Harris Chalkitisのキャリアを追ううえで、「Marita」は、作曲家・編曲家としての感覚と、当時のフランス録音の空気が重なる一枚として押さえておきたい作品である。

トラックリスト

A1 – Marita (3:45)
A2 – Funny She Loves Me (2:18)
A3 – Right On Moving (2:49)
A4 – Always On My Mind (2:37)
A5 – Without You (4:15)
B1 – Introduction Moog (0:59)
B2 – Glory Of A Love Song (3:25)
B3 – Morning Sunshine (2:47)
B4 – New York City (3:47)
B5 – With A Smile (2:35)
B6 – Let Me Go My Way (2:42)

Missing Persons – Color In Your Life (1986)

Missing Persons『Color In Your Life』

Missing Personsは、1980年に結成されたカリフォルニアのニュー・ウェイヴ・バンド。Dale Bozzioの存在感あるヴォーカルと、Terry Bozzio、Warren Cuccurulloらを含む編成で知られ、「Destination Unknown」「Right Now」「Walking In L.A.」「Words」といった曲で名前が広まったグループだ。

『Color In Your Life』は1986年の作品。ElectornicとRockを軸に、Pop RockやSynth-popの流れの中でまとめられたアルバムで、バンドの80年代的なサウンドがそのまま出ている一枚になっている。

作品の輪郭

録音はカリフォルニア州タルザーナのCan-Am Recordingと、ロサンゼルスのLarrabee Recordingで行われている。ミックスはA1からB3、B5がMedia Sound in NYC、B4がLarrabee Recording in L.A.、マスタリングはFrankford/Wayne in NYC。制作の流れを見ても、西海岸で録音しつつニューヨークで仕上げる、当時らしい作業環境がうかがえる。

クレジットにはPatrick O’Hearn、Dale Bozzio、Terry Bozzio、Chuck Wild、Warren Cuccurulloらが並ぶ。バンドの中心人物が多く関わっており、Missing Personsの持っていた演奏面とサウンド面の両方が反映されやすい構成だ。

聴きどころ

この時期のMissing Personsは、初期の代表曲で印象づけたシンセ主体の質感を保ちながら、ロック寄りの輪郭も見せる流れにある。Dale Bozzioの声は、輪郭のはっきりしたシンセやギターとぶつかることで、曲の中でかなり目立つ。80年代のポップスとして聴いたときも、音の置き方が整理されていて、リズムとメロディの役割がわかりやすい。

代表曲を持つバンドのアルバムとして見ると、過去のヒット曲のイメージをそのままなぞるというより、当時のバンドがどこにいたかを確認できる作品という位置づけに近い。ニュー・ウェイヴ、シンセ・ポップ、ポップ・ロックの文脈で並べて聴くと、同時代のバンド群の中でもMissing Personsらしい整った打ち込み感と、演奏の生っぽさが同居している。

同時代との関係

1986年という時期は、ニュー・ウェイヴの初期衝動が少し落ち着き、シンセ・ポップやポップ・ロックの形に整理されていく頃でもある。Missing Personsもその流れの中にあり、当時のLA周辺のバンドや、シンセを前面に出したロック・バンドと並べて語られやすい存在だ。

『Color In Your Life』は、バンドの名前を知っている人にはその延長線上の作品として、80年代のポップ・ロックを追っている人には当時の音作りを確認できる一枚として見えてくる。派手な説明よりも、録音と演奏の配置で聴かせるタイプのアルバムだ。

基本情報

アーティスト: Missing Persons
タイトル: Color In Your Life
オリジナルリリース年: 1986
リリース国: Europe
ジャンル: Electronic, Rock
スタイル: Pop Rock, Synth-pop

トラックリスト

A1 – Color In Your Life (5:00)
A2 – I Can’t Think About Dancin’ (5:16)
A3 – No Secrets (4:29)
A4 – Flash Of Love (4:15)
B1 – Go Against The Flow (5:54)
B2 – Boy I Say To You (4:38)
B3 – Come Back For More (3:41)
B4 – Face To Face (3:33)
B5 – We Don’t Know Love At All (5:02)

Fernando Yvosky – Dos Mundos (1975)

Fernando Yvosky『Dos Mundos』について

Fernando Yvoskyは、ベネズエラの演出家、劇作家、俳優、そして音楽家でもある人物で、この『Dos Mundos』は1975年に発表された作品である。電子音楽、ロック、ラテンの要素を土台に、プログレッシブ・ロック、実験音楽、シンフォニック・ロックの流れの中で聴かれる一枚となっている。

作品の輪郭

タイトルの「Dos Mundos」は「二つの世界」を意味する言葉で、作品全体の構えにもそのままつながる印象がある。ロックの編成感と、ラテン系のリズム感、さらに電子的な質感が同じ盤面に置かれている点が、この作品の大きな特徴と言える。ベネズエラの1970年代作品として見ると、当時のラテンアメリカ圏で広がっていたシンフォニック・ロックや実験的なロックの文脈にしっかり乗った内容である。

Fernando Yvoskyの経歴を踏まえると、演劇や戯曲の世界で培った感覚が、音楽の構成や展開にも反映されている可能性がある。音だけで進むというより、場面が切り替わるような組み立てを意識した作品として受け取れそうだ。

1986年盤について

この盤は1986年にベネズエラで再発されたもの。クレジットには「master tapes」からの再発とあり、CaracasのVinyl International SRLからリリースされている。ジャケットも新たにデザインし直されたシングルカバー仕様になっている。オリジナルの1975年盤と比べると、音源そのものは同じ系統であっても、見た目の印象は異なる再発盤である。

サウンドの位置づけ

ジャンル表記としてはElectronic、Rock、Latin、スタイルとしてはProg Rock、Experimental、Symphonic Rockが並ぶ。実際、この並びが示す通り、単純なロック作品ではなく、音の層や構成の変化を楽しむタイプの一枚として捉えやすい。ラテンアメリカのプログレ作品に関心を持つ人なら、同時代の各国シーンと並べて見たくなる内容でもある。

ヒット曲や代表曲として特定の曲名が広く知られているわけではないが、アルバム全体の流れそのものを聴くタイプの作品として扱われることが多そうだ。曲ごとの見せ場というより、連続した構成の中で雰囲気が形を取っていく印象である。

まとめ

『Dos Mundos』は、ベネズエラのアーティストFernando Yvoskyによる1975年作品であり、1986年に再発された盤も存在する。ロック、電子音楽、ラテンの要素を含みながら、プログレッシブ・ロックや実験性、シンフォニックな展開へつながる構成が見どころの一枚。演劇畑の人物による作品として見ると、その背景も含めて興味深い記録である。

トラックリスト

A1 – Prólogo
A2 – La Música, Mágico Vehículo
A3 – Merengue Al Hombre Del Tiempo
A4 – El Señor De Azul
A5 – El Anciano
B1 – Es Difícil Expresarlo
B2 – Exteriorizaciones De Un Mundo Interior
B3 – Estoy Viviendo
B4 – Eres Bella
B5 – En Busca De El

Intergalactic Touring Band – The Intergalactic Touring Band (1977)

Intergalactic Touring Band「The Intergalactic Touring Band」について

Intergalactic Touring Bandは、実在の固定バンドというより、1977年に登場したSFコンセプト・アルバム名義のプロジェクトだ。UKではCharisma Recordsからリリースされ、タイトルもそのまま「The Intergalactic Touring Band」。電子音響、ロック、ファンク／ソウルをまたぐ内容で、シンフォニック・ロック、ディスコ、プログレッシブ・ロック、ファンク、パロディの要素が並ぶ作品として知られている。

参加メンバーがかなり豪華で、Meat Loaf、Ben E. King、Larry Fast、Percy Jones、Annie Haslam、Rod Argent、Peppi Marchelloなど、ジャンルの違うプレイヤーやシンガーが集まっているのが特徴だ。プロフィール欄にあるMarvin Lee Adayは、Meat Loafの本名として知られる名前。

作品の輪郭

このアルバムは、多世代にわたる宇宙旅行と、人類の宇宙移住を大きな筋として曲がつながっている。いわゆるストーリー仕立ての作品で、各曲が独立しながらも、全体ではひとつのSF世界を形づくる構成になっている。歌詞、イラスト、クレジットを収めた12ページの光沢ブックレットと、ピクチャー入りインナー・バッグが付属する仕様も、作品のコンセプトを補強する要素になっている。

同時代の空気とのつながり

1977年という時期を考えると、ロックの中でもプログレッシブ・ロックの語法や、シンフォニックな展開、ディスコ寄りの感触、ファンクのリズム感が同居していた時代の空気がある。特定のバンドの継続作というより、複数の名手を集めて大型企画として組み上げたアルバムで、当時のコンセプト・アルバム文化やスタジオ主導の制作とも重なる位置づけと言えそうだ。

Meat LoafやAnnie Haslam、Ben E. Kingといった歌い手が同じ枠に並ぶこと自体が、この作品の性格をよく表している。ロック、ポップ、ソウル、プログレの境界をまたぐキャスティングで、ジャンルの分かれ目を使い分ける作りになっている点が見どころだ。

聴きどころとして見える点

実際に聴くと、参加者ごとの声質や演奏の輪郭がはっきりしていて、曲ごとの表情が変わるタイプのアルバムとして受け取れそうだ。ひとつのバンドが一貫した音を鳴らすというより、楽曲ごとに色を変えながらも、宇宙旅行というテーマでまとめる構造が中心にある。派手な歌唱や分厚いアレンジ、リズムの跳ね方など、個々の要素が前に出る場面が想像しやすい内容だ。

代表曲について

この作品は、一般的な意味で広く知られたヒット曲を持つアルバムというより、アルバム全体のコンセプトと参加メンバーの顔ぶれで語られることが多い。曲単位での単独ヒットよりも、企画盤としてのまとまりや、SF的な物語性が印象に残るタイプの1枚だ。

まとめ

「The Intergalactic Touring Band」は、1977年のUKリリースらしい、企画性の強いコンセプト・アルバム。ロック、電子音楽、ファンク／ソウルの要素を、宇宙開拓というテーマで束ねた作品で、参加ミュージシャンの顔ぶれも含めて、当時の野心的なスタジオ作品の一例として見えてくる。バンド作品というより、ひとつの物語を多人数で演じるアルバムとして受け取ると輪郭がつかみやすい。

トラックリスト

A1 – Approach (Overture) (2:41)
A2 – Silver Lady (4:25)
A3 – Universal Zoo / Why? (4:55)
A4 – Starship Jingle (3:25)
A5 – Heartbreaker (3:59)
A6 – Reaching Out (4:08)
B1 – First Landing (3:18)
B2 – Space Commando (4:03)
B3 – Robot Salesman (4:43)
B4 – Love Station (2:54)
B5 – A Planet Called Monday / Epilogue (4:34)
B6 – Keeper Keep Us (3:46)

Caravan – Caravan (1969)

Caravan『Caravan』について

Caravanの『Caravan』は、1969年にオリジナルが出た初期作品で、Canterbury系プログレッシブ・ロックの出発点を確認できる1枚。こちらは1982年に日本で出た盤で、ジャケットやクレジットからも、当時の国内流通盤としての位置づけが見えてくる。録音は1968年10月、ロンドンのAdvision Studios。バンドがまだ初期段階にあった時期の記録である。

バンドの成り立ちと、この作品の位置

Caravanは、Wilde Flowersの流れをくむメンバーを中心に1968年に結成された英国のバンド。Canterbury周辺の音楽シーンを代表する存在として知られ、のちの『In the Land of Grey and Pink』で高い評価を受けることになるが、この『Caravan』はその少し前、バンドの輪郭が固まりつつある時期の作品にあたる。

この時点では、後年の代表作で前面に出てくる組曲的な展開や、ジャズ寄りの複雑な構成というより、ロックを土台にブルースの要素を含んだ演奏が中心。Canterbury系の中でも、比較的ストレートなバンド・サウンドとして聴こえる一面がある。

収録曲と聴きどころ

本作では、長めの展開を持つ曲と、比較的コンパクトな曲が並び、初期Caravanらしい試行の幅が見える。代表曲としてまず挙がるのは「Place of My Own」「Magic Man」あたりで、バンド名義の初期レパートリーとしても重要な存在。特に「Place of My Own」は、のちのCaravanを知ってから聴くと、すでにメロディの運びにこのバンドらしさが出ていることが分かる。

演奏面では、デヴィッド・シンクレアのキーボード、パイ・ヘイスティングスのギターとヴォーカル、リチャード・シンクレアのベース、リチャード・コフランのドラムという初期の核がそのまま機能していて、バンドとしてのまとまりがはっきりしている。各パートがきっちり役割を持ち、派手に押し切るというより、曲の流れを崩さず進めていくタイプの演奏。

同時代との関係

1969年という時期を考えると、英国ではプログレッシブ・ロックの輪郭が見え始め、サイケデリック・ロックやブルース・ロックもまだ強く残っていた頃。Caravanはその交差点にいるバンドで、同じCanterbury系のSoft Machineと並べて語られることも多い。とはいえ、本作ではジャズ色の強い方向へ深く振り切る前段階として、ロック・バンドとしての輪郭がはっきりしている。

後年のCaravanを知っていると、この盤には「完成された代表作」よりも、バンドの初期衝動や方向性の確認といった意味合いが強く感じられる。そこがこの作品の面白いところでもある。

1982年日本盤について

この1982年の日本盤は、オリジナルが1969年という作品を国内向けにあらためて届けた盤。クレジットには「Manufactured by Polydor K. K., Japan」とあり、当時の日本盤らしい仕様になっている。オリジナル盤との内容差については、この情報からは特に別テイクや大きな改訂は読み取れず、作品としては初期Caravanの記録をそのまま伝えるものとして扱える。

まとめ

『Caravan』は、Canterbury系プログレの本流に入る前のCaravanを確認できる初期作。ブルース・ロックを土台にしつつ、のちのバンド・カラーにつながる要素がすでに見えている。代表作の影に隠れがちだが、バンドの始まりをたどるうえでは外せない1枚である。

トラックリスト

A1 – Place Of My Own
A2 – Ride
A3 – Policeman
A4 – Love Song With Flute
A5 – Cecil Rons
B1 – Magic Man
B2 – Grandma`s Lawn
B3 – Where But For Caravan World I

Gomrath – Gomrath (2024)

Gomrath『Gomrath』について

Gomrathの『Gomrath』は、2024年にリリースされた作品で、1971年のオリジナル録音をもとにまとめられたLPです。UK & Irelandのバンドによる音源で、メンバーはRoy Wiles、Clive Rutledge、Adrian Long、Paul Martin。ロックを軸に、Acid Rock、Psychedelic Rock、Prog Rockの要素が並ぶ内容になっている。

作品の位置づけ

この盤は、7インチのアセテート、KCS LP、プライベート・スタジオ・テープから構成された音源をもとにしている。つまり、当時のセッションや試作的な録音を含むアーカイブ的な1枚という見方がしやすい。1971年という時期を考えると、サイケデリック・ロックの余韻と、プログレッシブ・ロックへ向かう流れが重なるタイミングで、そうした時代の空気がそのまま残っている盤とも言える。

サウンドの印象

アシッド・ロック、サイケデリック・ロック、プログ・ロックという並びからは、ギターの響きや展開のある曲作り、当時らしいロックの質感が想像しやすい。オリジナル録音が1971年なので、音の芯に残る素朴さや、スタジオ録音ならではの距離感もこの作品の要素になっているはずだ。再発盤としての2024年盤は、そうした断片的な資料をまとまった形で聴ける点に意味がある。

オリジナル録音と2024年盤

本作の内容は1971年録音に基づくが、盤としてのリリースは2024年。つまり、作品そのものの年代と、現在手に取るLPの年代は分けて考える必要がある。オリジナルの時点では正式なアルバムとして流通していなかった音源群が、2024年に1枚の作品として整理されている形だ。

時代背景とジャンルの文脈

1971年前後のUKロックでは、サイケデリックな感覚を残したバンドが、より長尺で構成的な演奏へ移っていく流れがあった。Gomrathの音源も、そうした時代の空気の中で捉えると輪郭が見えやすい。ハードに寄るアシッド・ロック、色彩のあるサイケデリック・ロック、構成を意識したプログ・ロックが同じ盤の中で並ぶところに、この時期ならではの混ざり方がある。

まとめ

『Gomrath』は、GomrathというUK & Irelandのグループが1971年に残した録音を、2024年にLPとしてまとめたアーカイブ作品。メンバー4人による当時の音を、ロック、アシッド・ロック、サイケデリック・ロック、プログ・ロックの文脈で追える1枚になっている。

トラックリスト

A1 – Spare Time
A2 – Telephone Song
A3 – Collage
A4 – Hebrides
B1 – Better By You Better Than Me
B2 – Louisiana Gatepost
B3 – Home In The Rain
B4 – You Jumped In The River To Avoid The Fish
B5 – Spare Time (Slight Return)

Jade Warrior – Released (1971)

Jade Warrior『Released』について

Jade Warriorの『Released』は、1971年に発表された2作目のスタジオ・アルバム。バンドは1970年に結成されたブリティッシュ・プログレッシブ・ロック・バンドで、Jon Field、Tony Duhig、Glyn Havardを中心に活動を始めた。前作で見せたエスニックでワールド・ミュージック寄りの要素に対して、本作ではよりストレートなプログレッシブ・ロックの流れが前面に出ている作品として位置づけられている。

アルバムの内容

本作は、力強いロック・ナンバーと静かなバラード、さらにインストゥルメンタルを組み合わせた構成になっている。公式サイトの紹介でも、“Three-Horned Dragon King” や “We Have Reason To Believe” のような直線的なロック曲、“Bride Of Summer” や “Yellow Eyes” のような穏やかな曲、そしてジャズの感触を含む “Water Curtain Cave”、ブラスを加えた長尺ジャム “Barazinbar” が対照的に並ぶとされている。

実際に聴くと、曲ごとの役割がはっきりしている印象が残る。ロック曲はリズムとギターの押し出しが強く、バラードは音数を絞って展開し、インスト曲では演奏の組み立てそのものを聴かせる流れ。1枚の中で温度差が大きく、アルバム全体の構成で聴かせるタイプの作品といえる。

Jade Warriorの中での位置づけ

『Released』は、Jade Warriorの初期2作目にあたるアルバム。のちの作品でより独自の音楽性を深めていく前段階として、プログレッシブ・ロックの文法を比較的まっすぐに使っているのが特徴になっている。初期の段階で、バンドの持つ演奏面のまとまりや、曲調の切り替えのうまさが見えやすい作品でもある。

同時代の文脈

1971年のブリティッシュ・プログレッシブ・ロックといえば、演奏技術の高さと組曲的な構成、曲想の切り替えが目立つ時期。Jade Warriorもその流れの中にありつつ、フォークやジャズの要素を曲の中に滑り込ませる場面がある。大作主義のバンドと比べると、曲の長さやアレンジの置き方に独自のバランスがある。

収録曲に触れると

Three-Horned Dragon King：勢いのあるロック曲
We Have Reason To Believe：直進性のあるバンド演奏が軸の曲
Bride Of Summer、Yellow Eyes：静かな面を担うバラード
Water Curtain Cave：ジャズ寄りのインストゥルメンタル
Barazinbar：ブラスを含む長尺のジャム

代表曲を一曲に絞るタイプではなく、アルバム全体の流れで印象が残る作品。プログレッシブ・ロックの初期らしい試みと、バンドの演奏力がまとまっている一枚として見てよさそうだ。

メンバー

クレジットには Jon Field、Tony Duhig、Glyn Havard をはじめ、Dave Sturt、David Duhig、Allan Price、Dave Conners、Gowan Turnbull、Colin Henson らの名前が見える。初期のJade Warriorらしい、編成の変化も含めたバンドの動きがうかがえる。

トラックリスト

A1 – Three-Horned Dragon King (6:09)
A2 – Eyes On You (3:05)
A3 – Bride Of Summer (3:19)
A4 – Water Curtain Cave (6:28)
A5 – Minnamoto’s Dream (5:30)
B1 – We Have Reason To Believe (3:50)
B2 – Barazinbar (15:00)
B3 – Yellow Eyes (2:51)

Trees – On The Shore (1970)

Trees『On The Shore』について

Treesは、1969年から1972年にかけて活動したイングランドのフォーク・ロック・バンド。『On The Shore』は、その活動初期にCBSから発表された2枚目のスタジオ・アルバムで、オリジナルは1971年の作品だ。今回の盤は1987年リリースのUK盤で、オリジナル盤から時間を置いた再発として聴かれることになる。

グループは、トラディショナル・ソングのアレンジと、主にBias Boshellによるオリジナル曲を組み合わせた構成で知られる。Fairport Conventionと並べて語られることが多い一方で、こちらはもう少しサイケデリックな色合いが強い、とされるバンドだ。『On The Shore』は、そのバンド像がまとまって見える1枚という位置づけにある。

アルバムの背景

TreesはCBSと1969年8月に契約し、Sound Techniquesスタジオでトニー・コックスのプロデュースのもと、短い間隔で2枚のアルバムを制作した。1枚目の『The Garden Of Jane Delawney』に続く本作では、フォークの曲調を軸にしながら、演奏の組み立てや曲の運びに独特の緊張感がある。カバー・アートはHipgnosisのStorm Thorgersonによるもの。

メンバーはBias Boshell、Barry Clarke、Celia Humphris、David Costa、Unwin Brown、Barry Lyons、Alun Eden。バンド内での役割がはっきりしていて、女性ヴォーカルのCelia Humphrisを含む編成が、楽曲の輪郭をはっきりさせている。

サウンドの印象

実際に聴くと、アコースティックな響きが中心にありつつ、曲によってはエレクトリックな入り方や展開の付け方に70年代初頭らしい質感がある。フォーク・ロックの枠内に収まりながら、素朴さだけで終わらない構成で、曲ごとの陰影が出やすいアルバムだ。トラッド由来の素材とオリジナル曲が並ぶことで、バンドの編集感覚も見えやすい。

派手なヒット曲で押すタイプではなく、アルバム全体で流れを聴かせる性格が強い。なので、1曲単位の知名度よりも、作品全体のまとまりで印象が残るタイプのレコードだと思う。

同時代との関係

同時代の英国フォーク・ロックとしては、Fairport Conventionとの比較がよく挙がる。Treesの場合は、伝統曲の扱いに加えて、少し心理的な陰りやサイケデリックな感触が混ざる点が特徴として語られることが多い。『On The Shore』は、その方向性がはっきりした中期の記録として見える。

1987年盤として

この盤は1987年のUKリリース。オリジナルの1971年盤と比べると、作品そのものは同じ内容として受け取られる一方、再発盤としては当時の入手性を補う役割が大きい。Treesのアルバムをまとめてたどるうえで、80年代後半の再発は重要な入り口になっている。

まとめ

『On The Shore』は、Treesというバンドが持っていた英国フォーク・ロックの骨格と、少しだけ外側に出る感触をそのまま残したアルバムだ。トラディショナルとオリジナルの並び、Celia Humphrisの歌声、Sound Techniquesでの録音、Storm Thorgersonのアートワーク。そうした要素が揃っていて、バンドの代表的な1枚として見られることが多い作品になっている。

トラックリスト

A1 – Soldiers Three (1:50)
A2 – Murdoch (5:05)
A3 – Streets Of Derry (7:30)
A4 – Sally Free And Easy (10:40)
B1 – Fool (5:20)
B2 – Adams Toon (1:10)
B3 – Geordie (5:05)
B4 – While The Iron Is Hot (3:20)
B5 – Little Sadie (3:05)
B6 – Polly On The Shore (6:10)

Vita Nova – Vita Nova (1971)

Vita Nova『Vita Nova』について

Vita Novaのセルフタイトル作。1971年のオリジナル盤を土台にした、2004年盤。ドイツのミュンヘン周辺で活動した短命のプロジェクトで、Sylvester Levay、Eddy Marron、Christian Von Hoffmannの3人による編成になっている。

バンド名のVita Novaはラテン語で「新しい人生」の意味。作品の中身もその名の通り、ラテン語詞を軸にした構成で、クラシック寄りのロックと当時のフュージョン感覚が交差する内容になっている。プログレッシブ・ロックとクラウトロックの文脈で語られる一枚だが、演奏の中心にあるのは、ギターと鍵盤の動きが細かく組み合わさるアンサンブル。

制作背景

1971年2月、Sylvester LevayがミュンヘンのUnion Studiosを数日間借りて録音したという経緯がある。スタジオ内で自由に演奏する形で進められた作品で、ライブ活動は行わず、録音専用のグループとして完結していた点も特徴的。

メンバーは、ポーランド出身のEddy Marron、ハンガリー出身のSylvester Levay、スイス出身のChristian Von Hoffmannという国際色のある顔ぶれ。ミュンヘンのシーンの中でも、国籍の異なる音楽家が集まった編成として見ておきたいところ。

音の印象

この作品では、Hohner Clavinetの存在感が大きい。Levayが弾くこの電気ハープシコード的な音色が、ギターやドラムと絡みながら、硬質なリズム感を作っている。クラシック寄りの展開と、ロックの推進力が同居するあたりに、当時のドイツ産プログレらしい手触りがある。

演奏は簡潔なロックの枠に収まらず、組曲的な流れやパートの切り替えが目立つ。ラテン語詞のため、歌の意味を追うというより、声も含めて楽器の一部として機能している印象。

アーティストの中での位置づけ

Vita Novaは、1971年のこのアルバムだけで存在感を残したグループ。のちに活動は続かず、短い期間の記録として残った作品になっている。Eddy MarronやSylvester Levayの個性が前面に出た一作で、バンドの出発点かつ終着点という位置づけ。

同時代の文脈

同時代のドイツのプログレ／クラウトロックと並べると、即興や反復だけに寄らず、構成の細かさが際立つタイプ。英国系プログレの影響を感じさせる部分もありつつ、ドイツのスタジオ志向の制作感も見える。比較対象としては、同時期のクラシック要素を含むロックや、ジャズ寄りのフュージョンを取り入れた作品群が思い浮かぶ。

再発盤について

2004年盤は、1971年オリジナル盤の再発。オリジナルのアルバムに加えて、1971年夏に録音された未発表曲「Lacrimosa (Death Of A World)」「Olymp 99」が収録されている。もともとのアルバム本編に、当時未発表だった2曲が補われた形になっている。

まとめ

Vita Nova『Vita Nova』は、ミュンヘンのスタジオで生まれた、ラテン語詞のプログレッシブ・ロック作品。国際的なメンバー構成、Clavinetの音色、短命に終わったバンドの記録という点が重なる一枚になっている。

トラックリスト

A1 – Quomodo Manet
A2 – Vita Nova Inventions
A3 – Whirl Wind
A4 – Istanbul
A5 – Sylvester
A6 – Wildman
A7 – Inventions Finale
A8 – Heya-Cleya
A9 – Olymp 99
B1 – Adoramus
B2 – Sunt Alteri
B3 – Adoramus Finale
B4 – Tempus Est
B5 – Lacrimosa

Vulcan – Meet Your Ghost (1981)

Vulcan「Meet Your Ghost」について

Vulcanの「Meet Your Ghost」は、1981年にオリジナルが出たUSロック作品だ。アメリカのロック文脈の中でも、サイケデリック・ロック、ローファイ、ハードロックの要素が重なる一枚として見ておきたいタイトルである。

作品の輪郭

この作品は、派手な完成度で押すタイプというより、ざらついた録音感や生々しさが前に出る印象の作品として受け取られやすい。ハードロックの骨格に、サイケデリック・ロックらしい広がりや揺らぎが混ざり、そこへローファイな質感が加わることで、音の輪郭が少し荒く残るところに特徴がある。

1981年という時期を考えると、ハードロックやロックの表現が多様化していた時代背景の中で、こうした直線的すぎない手触りが一つの個性になっている。整った大作感よりも、バンドの温度や空気感がそのまま残るタイプの作品として捉えやすい。

聴きどころ

実際に聴くと、きっちり磨き上げた音像というより、演奏の勢いと音の粗さが同居しているところが耳に残る。ギターの歪み、曲の進み方、空間の取り方に、サイケデリック・ロック寄りの感触が見える場面があり、そこにハードロックの押しの強さが重なる構成だ。

全体として、曲ごとの表情を大きく振るというより、同じ温度でぐいっと進める流れに魅力がある。ローファイな録音の質感も含めて、音そのものを作品の要素として聴かせるタイプの一枚と言えそうだ。

同時代の文脈

USロックの中で、1970年代後半から1980年代初頭にかけては、ハードロックの語法にアンダーグラウンドな感触やサイケデリックな要素を残すバンドも少なくない。その流れの中で「Meet Your Ghost」も、洗練よりも手触りを重視した作品として見ると位置がつかみやすい。

特定のヒット曲を前面に押し出すタイプの作品というより、アルバム全体のまとまりや音の質感で印象を残す一枚だ。タイトル曲「Meet Your Ghost」も、作品名を背負う曲として自然に目が向く存在である。

まとめ

Vulcan「Meet Your Ghost」は、1981年のUSロック作品として、サイケデリック・ロック、ローファイ、ハードロックの要素が交差する一枚だ。音の粗さとバンド感、そして少し揺れを含んだ進行が、作品の核になっている。

トラックリスト

A1 – Prelude
A2 – High C
A3 – Lightning
A4 – Noname
A5 – Count On Us Next Time
B1 – One Nighter
B2 – Untitled Instrumental
B3 – Title Track
B4 – The End

The Average Disco Band – Stranded In A Latin Disco (1978)

The Average Disco Band「Stranded In A Latin Disco」

1978年にUSでリリースされた、The Average Disco Bandのアルバム「Stranded In A Latin Disco」。タイトルの通り、ディスコを軸にしながら、LatinとFunk / Soulの要素を取り込んだ1枚で、70年代後半らしいフロア志向の空気がはっきり出ている作品だ。

作品の輪郭

この時期のディスコ作品らしく、リズムの推進力が前に出るタイプの内容で、踊るための音楽としてのまとまりがある。ラテン系のパーカッシブな感触と、ファンク由来のベースやビート感が重なっていて、ディスコの定型に少しだけ別の色を足した作りに見える。

US制作、USリリースという点も含めて、当時のアメリカのディスコ・シーンの中に置いて聴くと分かりやすい。ジャズ・ファンクやソウル寄りのディスコ、あるいはラテン色のあるダンス・ミュージックと近い距離感がある。

聴きどころ

実際に聴くと、派手な展開で押すというより、ビートと反復で引っ張る感触が印象に残る。曲の構成も、ダンスフロアでの流れを意識した作りに感じられる場面が多い。ラテン・パーカッションの入り方や、ファンク寄りの演奏があることで、単純な四つ打ちのディスコとは少し違う手触りになっている。

この時代のディスコ作品をよく聴く人なら、ラテン・ディスコやファンク・ディスコの文脈で自然に入ってくるタイプの内容だろう。華やかさだけでなく、リズムの細かい動きが耳に残る作り。

同時代との関係

1978年という年は、ディスコが大きく広がっていた時期で、ラテン要素やソウル、ファンクを混ぜた作品も数多く出ていた。「Stranded In A Latin Disco」も、その流れの中で理解しやすい。ラテン・ディスコやソウル寄りのダンス・サウンドを聴いている人には、当時の空気が伝わりやすいタイトルだ。

The Average Disco Bandという名義自体も、作品の中身に合わせてかなり機能的で、バンドの個性を前面に出すというより、ディスコという形式に寄せた設計が見える。

まとめ

「Stranded In A Latin Disco」は、1978年のディスコ・シーンにある、LatinとFunk / Soulの要素を備えたUS盤。ラテンのパーカッション感、ファンク由来のグルーヴ、ディスコの反復感が同居する1枚として、当時のダンス音楽の広がりを感じさせる作品だ。

トラックリスト

A1 – Tico Tico (4:40)
A2 – Feelings (5:22)
A3 – Love Is The Answer (4:40)
A4 – Another Star (5:34)
B1 – Grease (5:58)
B2 – Hey Girl, Come And Get It (5:22)
B3 – Copacabana (At The Copa) (5:58)

Pentangle – Cruel Sister = クルーエル・シスター (1970)

Pentangle『Cruel Sister = クルーエル・シスター』について

Pentangleは、1960年代後半から活動したイギリスのフォーク・ロック・バンドだ。Jacqui McSheeの歌声、Bert JanschとJohn Renbournのギター、Danny Thompsonのダブルベース、Terry Coxのドラムスという編成で知られ、アコースティックな響きとロックのリズム感を同時に持つグループとして位置づけられる。

『Cruel Sister』は1970年に発表された作品で、Pentangleの初期の流れを代表する1枚として知られている。バンドの持ち味である、声と弦楽器の組み合わせ、リズムの細かな動き、民謡由来の素材を扱う感覚が、そのまま盤全体の骨格になっている。

作品の輪郭

タイトルの通り、伝承歌やバラッドの要素を軸にした作品として受け取られることが多い。Pentangleは同時代のブリティッシュ・フォークの中でも、伝統曲の扱い方に独自性があるグループで、Fairport Conventionのような英国フォーク・ロックの文脈と並べて語られることがある。

ただし、Pentangleの場合はロック寄りの勢いだけで押すタイプではなく、演奏の細部をじっくり聴かせる印象が強い。Jacqui McSheeのボーカルが前面に出る場面もあれば、JanschとRenbournのギターが絡み合う場面もあり、そこにThompsonのベースとCoxのドラムスが入ることで、曲の輪郭がはっきり立つ構成になっている。

聴きどころ

実際に聴くと、派手な展開よりも、音の置き方や間の取り方が印象に残るタイプの作品だ。アンサンブルは緻密だが、過剰に作り込んだ感じは薄く、楽器それぞれの音が見えやすい。フォークの素材感と、ロックのバンド演奏としてのまとまりが同居しているところが、この作品の核になっている。

代表曲という意味では、Pentangle全体で知られる楽曲群の中で語られることが多い曲名はいくつかあるが、この作品はアルバム単位での流れが重視される印象が強い。1曲ごとの強さより、通して聴いたときの組み立てに目が向く盤だ。

1980年盤としての位置づけ

今回の盤は1980年の日本盤だ。オリジナルの1970年盤からは時間が経っているが、Pentangleの初期作品を日本で改めて手に取れる形にしたリリースとして見られる。ジャケット表記や帯など、国内盤らしい体裁で流通した可能性がある点も、この時期の再発売盤らしいところだ。

オリジナル盤と比べた内容面の違いは、少なくとも作品情報上では確認しにくい。なので、ここでは1970年作としての『Cruel Sister』が、1980年に日本で再度聴かれる形になった盤、と捉えるのが自然だ。

Pentangleというバンドの中で

Pentangleは、フォークの伝統をそのまま保存するのではなく、バンド編成の中で再構成したグループだった。『Cruel Sister』は、その姿勢がよく見える作品のひとつだと思える。アコースティック主体でありながら、演奏は単なる伴奏に収まらず、各パートが対話するように進む。そこにこのバンドならではの強みがある。

1970年前後の英国フォーク・ロックを追うとき、Pentangleは外せない存在だ。その中でも『Cruel Sister』は、伝承曲の題材とバンド演奏の両方を、かなり明確に見せてくれるアルバムとして印象に残る。

トラックリスト

A1 – A Maid That’s Deep In Love = 恋する女 (5:25)
A2 – When I Was In My Prime = 若かりし頃 (2:54)
A3 – Lord Franklin = ロード・フランクリン (3:22)
A4 – Cruel Sister = クルーエル・シスター (6:58)
B – Jack Orion = ジャック・オリオン (18:40)

The Box – Secrets Out (1983)

The Box『Secrets Out』（1983）について

『Secrets Out』は、イングランド・シェフィールド出身のThe Boxが1983年に発表した作品です。電子音楽とロックの要素を軸にしながら、新しい波の時代らしい硬質さと実験的な感触をあわせ持つ1枚として聴こえます。The Boxは、Clock DVAの初期メンバーだったPaul Widger、Charlie Collins、Roger Quailを中心に、Terry Toddらが加わって結成されたグループで、この作品はそうした流れの中で形になった初期の仕事にあたります。

作品の立ち位置

バンドは後にGo! DiscsからLPを2枚と複数のシングルを出し、その後はCabaret VoltaireのDoublevisionレーベルでも活動を続けています。そうした経歴を踏まえると、『Secrets Out』はThe Boxの出発点に近い時期の記録であり、のちの展開につながる輪郭がすでに見える作品として位置づけられるはずです。Peter Hopeが参加した編成で、メンバーはPeter Hope、Roger Quail、Charlie Collins、Paul Widger、Terry Todd。

音の印象

楽器の配置はかなり整理されていて、リズムの刻み、ギターの切れ味、電子的な質感が前に出るタイプの音像です。ロックの推進力を保ちながら、ニューウェーブ以降の乾いた空気感や、実験色のある組み立てが同居しているところが耳に残ります。シェフィールド周辺の同時代の流れ、たとえばCabaret VoltaireやClock DVAに通じる緊張感を感じさせる場面もあり、ただしそのまま同列に置けるわけではなく、よりバンドとしてのまとまりが見える印象です。

同時代の文脈

1983年という時期は、ポストパンクの余韻と電子音楽の方法が交差していた時代です。The Boxもその空気の中で、単純なロックでも純粋な電子音楽でもない形を取っています。音の作り方にしても、歌ものとしての分かりやすさより、リズムや質感の組み合わせを優先しているように聴こえる場面があり、この時代の実験的なニューウェーブ作品らしい手触りです。

ひとこと

『Secrets Out』は、The Boxが1980年代前半のシェフィールド・シーンの中でどんな位置にいたかを確かめやすい作品です。電子音、ロック、ニューウェーブ、実験性が一枚の中でどう接続されているか、その輪郭が見えやすいタイトルといえます。

トラックリスト

A1 – Water Grows Teeth
A2 – Skin, Sweat And Rain
A3 – Something Beginning With ‘L’
A4 – Strike
A5 – The Hub
A6 – Hang Your Hat On That!
B1 – I Give Protection
B2 – No Sly Moon
B3 – Slip And Slant
B4 – Old Style Drop Down
B5 – Swing
B6 – Out

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