The Patron Saints『Fohhoh Bohob』

The Patron Saintsは、1966年にニューヨークで結成された米国のバンド。The Stones、The Beatles、Jimi Hendrix、Cream、The Butterfield Blues Band、The Doors、Moby Grape、The Yardbirdsなどの影響を受けた5人編成として出発し、1969年には3人編成になっている。そんな流れのなかで録音されたのが『Fohhoh Bohob』で、オリジナルは1969年にバンド自身が100枚限定で自主制作・自主発表した作品である。

2007年にUS盤として再発されたこのレコードは、限定1000枚のリリース。オリジナルの流通がごく少なかった作品だけに、再発盤の存在はこのバンドの記録をたどるうえで重要な位置づけになっている。

作品の位置づけ

このアルバムは、The Patron Saintsが5人編成から3人編成へ移ったあとの時期に残した記録。プロフィールにある通り、1969年6月にアルバムを録音している。バンドが当時どんな音を鳴らしていたかを知るうえで、中心的な資料といえる作品だろう。

また、バンドは現在も活動を続け、新作も発表している。そうした長い活動歴のなかでは、初期の自主制作盤として『Fohhoh Bohob』が特別な意味を持つ。デビュー作というより、バンドの初期像をそのまま封じ込めたアーカイブ的な一枚、という見方がしやすい。

音の方向性

ジャンル表記はRock、Pop、Folk、World, & Country。スタイルにはPower Pop、Psychedelic Rock、Folk、Prog Rock、Honky Tonkが挙がっている。バンドの背景にある60年代後半の米国ロックの文脈を思わせる並びで、同時代のThe Beatles、The Doors、Moby Grape、The Yardbirdsあたりを参照点にした音作りが想像しやすい。

パワー・ポップ寄りのメロディ感、サイケデリック・ロックの感触、フォークやホンキートンクの要素まで含む構成は、当時のロックがひとつの型に収まりきらなかった時期らしい面白さがある。プログレッシブ・ロックの要素も含まれていて、単純なガレージ・ロックに回収されない広がりを持つ作品として見られることが多そうだ。

再発盤について

2007年盤は、オリジナルの100枚限定盤に対して1000枚限定での再発。オリジナル盤が極端に少ないため、この再発盤は作品に触れる現実的な入口になっている。盤の流通量が大きく違う点は、この作品の受け取られ方にも影響していそうだ。

まとめ

『Fohhoh Bohob』は、The Patron Saintsが1969年に残した初期記録。60年代末の米国ロックの気配をまといながら、ポップ、サイケデリック、フォーク、プログレ、ホンキートンクまでを含む広い射程を持つ一枚として整理できる。バンドの出自と活動の継続性を踏まえると、単なる珍盤ではなく、グループの出発点を示す作品として見えてくる。

トラックリスト

• A1 – Flower (4:28)
• A2 – Nostalgia Trip (3:30)
• A3 – Reflections (3:41)
• A4 – Do You Think About Me? (3:10)
• A5 – White Light (5:40)
• B1 – Relax (6:15)
• B2 – My Lonely Friend (4:01)
• B3 – Andrea (5:58)
• B4 – The Goodnight Song (4:20)
• C – Shine Of Heart
• D – Do It Together

関連動画

• Flower
• Nostalgia Trip
• Reflections On A Warm Day
• Do You Think About Me?
• White Light
• Relax
• My Lonely Friend
• Andrea
• The Goodnight Song
• The Patron Saints “Fohhoh Bohob” 1969 *Nostalgia Trip*

Yes『Time And A Word』について

Yesの『Time And A Word』は、1970年に発表された2作目のアルバムで、バンド初期の姿を知るうえで重要な作品だ。プログレッシブ・ロックの文脈では、のちの大作志向や緻密なアンサンブルへ向かう前段階として位置づけられることが多い。既にYesらしい構築感は見えつつ、まだ初期のロックバンドとしての輪郭も残している時期の録音である。

この日本盤は1979年のリリースで、オリジナルの1970年盤からは時間が経っている。表記上は日本で製造された盤で、℗1970 Atlantic Recording Corporation、Made by Warner-Pioneer Corporation, Japan とある。つまり、作品そのものは1970年のアルバム、手元の盤は後年の国内流通盤という整理になる。

作品の位置づけ

本作は、Yesの初期メンバー編成を聞ける最後のアルバムでもある。マスターノートにある通り、後にスティーヴ・ハウがピーター・バンクスと交代するが、その変更はアルバム発表の前後に起きている。結果として、アメリカ盤のジャケットではスティーヴ・ハウが登場する一方、実際の演奏には参加していないという、少しややこしい事情を持つ作品でもある。

また、トニー・コックスによるライブのオーケストラ・アレンジが加わっている点も特徴的だ。バンドの演奏に弦の厚みが重なり、当時のYesがただのギターロックではなく、オーケストラ的な発想を取り込み始めていたことがわかる。

内容と曲の印象

収録曲では、タイトル曲「Time and a Word」が中心的な存在だ。のちのYesが得意とする長尺組曲とは少し違い、楽曲のまとまりを重視した構成で、メロディとアレンジの両方を前に出している。「Sweet Dreams」も初期Yesを代表する曲として知られ、シングルとして切られたことからも、この時期のバンドがアルバム全体だけでなく単独曲としての印象も意識していたことがうかがえる。

実際に聴くと、演奏の芯はロックバンドそのものだが、そこにオーケストラが入ることで空間の広がりが出る。後年のYesにあるような複雑な変拍子の積み重ねよりも、曲の展開と音色の変化で聴かせる場面が目立つ。ジョン・アンダーソンの声はすでに明確に存在感があり、クリス・スクワイアのベースも前に出る。初期盤らしい、音の密度よりも曲の流れを追うタイプのアルバムという印象である。

同時代との関係

1970年という時期を考えると、イギリスではプログレッシブ・ロックが形を整えつつあったころだ。King Crimson、Genesis、Emerson, Lake & Palmer などと並べて語られることもあるが、Yesはその中でも、メロディの明瞭さとアンサンブルの推進力を重視する方向に進んでいく。この『Time And A Word』は、その後の『Fragile』や『Close to the Edge』のような完成形へ向かう前の、まだ試行の段階が見える作品といえる。

日本盤としてのポイント

1979年の日本盤という点では、オリジナルの1970年盤とは発売時期が異なる。レコードとしては、当時の日本の流通盤らしい安定した再発の一枚として扱える。作品の中身は1970年のアルバムそのままで、初期Yesの音像を日本で改めて聴ける仕様になっている。

まとめ

『Time And A Word』は、Yesがプログレッシブ・ロックの代表格へ進む途中に置かれた、初期ならではの作品だ。オーケストラを交えたアレンジ、シングル向きの楽曲、そして初期メンバー最後の記録という要素が重なっている。後年の大作群とは違うが、Yesというバンドの出発点と方向性を確認できるアルバムである。

トラックリスト

• A1 – No Opportunity Necessary, No Experience Needed
• A2 – Then
• A3 – Everydays
• A4 – Sweet Dreams
• B1 – The Prophet
• B2 – Clear Days
• B3 – Astral Traveller
• B4 – Time And A Word

関連動画

• No Opportunity Necessary, No Experience Needed (Original Mix)
• Yes – Then
• Yes – Everydays (1970)
• Sweet Dreams (Original Mix)
• The Prophet (2003 Remaster)
• Yes – Clear days
• Astral Traveller
• Yes – Time And A Word (1970) vinyl
• Everydays

John Wetton『King’s Road 1972-1980』について

『King’s Road 1972-1980』は、John Wetton名義で1987年にUKでリリースされたコンピレーション盤。内容は、King Crimson、UK、そしてソロ作品から選ばれた楽曲をまとめた編集盤で、1972年から1980年までの活動をひとつの流れとして追える構成になっている。Wettonのキャリアを見渡すときの入口としても、各バンドでの役割の違いを確認するための資料としても、位置づけがはっきりした一枚。

John Wettonというアーティスト

John Wettonはイングランド・ダービー出身のベーシスト、シンガー、ソングライター。ベースを弾きながら歌うスタイルで知られ、1970年代の英国ロック／プログレッシブ・ロックの重要な場面に何度も関わっている人物。King Crimsonでは1970年代前半と再結成期の両方に関わり、UKではバンドの中心メンバーとして存在感を示した。後年はAsiaの結成にもつながっていくが、この編集盤が拾っているのは、まさにその前段にあたる時期の仕事である。

収録内容の性格

この作品はスタジオ・アルバムではなく、既発曲を時系列の感覚で並べた編集盤。King Crimsonの楽曲、UK時代の楽曲、ソロ名義の楽曲がひとつにまとまっているため、Wettonの声とベースを軸にした音楽がどう変化していくかが見えやすい。バンドごとに編成や作曲の重心は違うが、どの曲でもWettonの低音とボーカルが前面に出る瞬間がある。

King Crimson期では、複雑な展開の中で歌とベースがどう噛み合うかが聞きどころになる。UKでは、より洗練されたアンサンブルの中で、歌唱の輪郭がはっきり出る場面が多い。ソロ作品では、バンドの制約から少し離れた書き方が見える構成で、同じ声でも受ける印象が変わる。

1987年の編集盤としての意味

1987年という時点でこうした選曲がまとめられたことは、Wettonの70年代後半までの仕事を振り返る意図が強いリリースだったと見てよさそうだ。ひとりのアーティストを、所属バンドごとではなく、歌い手・演奏家として横断的に捉えられるのがこの種のコンピレーションの利点。特にWettonの場合、バンドが変わっても声の質感とベースの押し出しがはっきりしているので、編集盤の形でも個性が通りやすい。

同時代の文脈

1970年代の英国プログレッシブ・ロックでは、演奏の複雑さと楽曲のまとまりの両方が重視されていた。その中でWettonは、技巧だけに寄らず、ロックとしての推進力を持った歌とベースで印象を残したタイプ。King CrimsonやUKの系譜をたどると、同時代のYes、Genesis、Emerson, Lake & Palmerと比較されることもあるが、Wettonの仕事はより硬質なロックの感触を持つ場面が目立つ。

盤としてのポイント

• 1987年UKリリースの編集盤
• 収録元はKing Crimson、UK、ソロ作品
• 1972年から1980年までの活動を横断する構成
• 初回盤はインナー・スリーブ付き

まとめ

『King’s Road 1972-1980』は、John Wettonの70年代の仕事を一望できるコンピレーション盤。King Crimsonでの緊張感、UKでのバンド・サウンド、ソロでの書き手としての側面が一枚に収まっていて、Wettonという名前を軸に英国ロックの一断面をたどれる内容になっている。歌、ベース、作曲、その3つの要素がどう重なっていたかを確認するための作品としても、わかりやすい。

トラックリスト

• A1 – Nothing To Lose (3:57)
• A2 – In The Dead Of Night (5:17)
• A3 – Baby Come Back (3:24)
• A4 – Caught In The Crossfire (5:02)
• A5 – Night After Night (5:10)
• B1 – Turn On The Radio (3:41)
• B2 – Rendezvous 6:02 (4:02)
• B3 – Book Of Saturday (2:54)
• B4 – Paper Talk (3:57)
• B5 – As Long As You Want Me Here (4:59)
• B6 – Cold Is The Night (5:23)

Pink Floyd / The Dark Side Of The Moon (1973, UK)

Pink Floydの8作目のスタジオ・アルバム。1973年にロンドンのAbbey Road Studiosで録音され、UKのHarvestから発表された。バンドにとっては、それまでのサイケデリック色と実験性を保ちながら、より構成のはっきりした作品へ進んだ時期の到達点にあたる1枚だ。

この作品は、Pink Floydの代表作として広く知られている。音のつながり、効果音、会話の断片、曲間の切れ目の少なさが、アルバム全体をひとつの流れとしてまとめている。制作面では、ジャケットをHipgnosisが手がけ、内袋にポスターとステッカーが付く初期仕様もよく知られている。

作品の位置づけ

1960年代後半の実験的なPink Floydから、70年代の大きな成功へつながる中心作といえる。Syd Barrett在籍期のサイケデリックな側面を引き継ぎつつ、Roger Waters主導の構成意識が前面に出ている。のちの『Wish You Were Here』や『Animals』へ向かう流れの中でも、特に分かりやすく完成度の高い地点に置かれる作品だ。

同時代の英国ロックの中では、YesやGenesis、King Crimsonなどのプログレッシブ・ロック勢と並べて語られることが多い。ただし本作は、長大な組曲の技巧を見せるタイプというより、音響処理やテーマの統一感で聴かせる作りになっている。

収録曲と代表曲

アルバムを通してよく知られるのは、“Time”、“Money”、“Us and Them”、“Brain Damage”、“Eclipse”あたりだ。特に“Money”は、異色の7拍子のリフとレジスター音の導入で印象が強い。“Time”は時計の音から始まる構成がはっきりしていて、アルバムの中でも曲の輪郭が見えやすい。

“The Great Gig in the Sky”では、歌詞を持たないヴォーカル・パートが置かれていて、アルバム内の役割が明確だ。Barry St. John、Doris Troy、Lesley Duncan、Liza Strikeのバック・ヴォーカル参加も、クレジット上で細かくは目立たないが、聴こえ方には確かに影響している。

音と構成

演奏は、David Gilmourのギター、Roger Watersのベース、Richard Wrightの鍵盤、Nick Masonのドラムを軸にしている。シンセサイザーやテープ効果、環境音の使い方が曲のつなぎ目に組み込まれていて、各曲が単独で完結するというより、アルバム全体でひとつのまとまりを作る方向に寄っている。

冒頭と終盤の会話の断片も有名だ。Nick Masonの著書『Inside Out – A Personal History of Pink Floyd』では、収録された発言の出どころとして、Abbey RoadのドアマンGerry O’Driscollの「There is no dark side of the moon. Matter of fact, it’s all dark.」などが挙げられている。こうした断片が、作品のテーマ性を補強している。

オリジナルUK盤について

オリジナルのUK Harvest盤は、ラベルのプリズム図柄の仕様で見分けられることで知られる。初期には、青いプリズムがはっきりしたデザインが使われている。今回の盤は1973年リリースの初期仕様に近い位置づけで、後年の再発盤とはラベルや細部の表記が異なる。

初期のジャケットには、見開き内に2枚のポスターと2枚のステッカーが付属した。コピーによっては、黒いポリライニング内袋や、ゲートフォールドの開口部の貼り方、裏面表記の位置などに違いがある。こうした差異は、UKオリジナル期のプレスを追う際の注目点になっている。

まとめ

『The Dark Side Of The Moon』は、Pink Floydの実験性、構成力、スタジオ作品としての完成度が強く出たアルバムだ。サウンドの細部、曲間のつながり、効果音の配置まで含めて、1970年代ロックの中でも特に設計の意識が見えやすい1枚である。

ヒット曲としては“Money”がまず挙がるが、アルバム全体で聴くと、単曲の人気だけでは収まらないまとまりがある。UKオリジナル盤では、その完成形に近い初期プレスならではの細部も含めて、作品の歴史を感じやすい。

トラックリスト

• A1 – Speak To Me
• A2 – Breathe
• A3 – On The Run
• A4 – Time
• A5 – The Great Gig In The Sky
• B1 – Money
• B2 – Us And Them
• B3 – Any Colour You Like
• B4 – Brain Damage
• B5 – Eclipse

関連動画

• Pink Floyd – The Dark Side of the Moon (Side 1) | UK 1st Press “Solid Blue” A2/B2 | Vinyl Rip
• Pink Floyd – The Dark Side of the Moon (Side 2) | UK 1st Press “Solid Blue” A2/B2 | Vinyl Rip

The Waitresses『Wasn’t Tomorrow Wonderful?』について

The Waitressesは、アメリカ・オハイオ州アクロン出身のニュー・ウェイヴ／ポストパンク・バンド。のちにニューヨークへ拠点を移し、鋭いギター・ワークと、話し言葉に近いボーカル、軽妙なユーモアを含む楽曲で知られるグループだ。本作『Wasn’t Tomorrow Wonderful?』は1982年に登場した作品で、同年リリースの日本盤として流通している。

バンド名を聞いてまず思い浮かぶのは、やはりPatty Donahueのボーカルと、Chris Butlerを中心にしたひねりのある曲作り。The Waitressesは、同時代のニュー・ウェイヴの中でも、単にシンセや速いビートを並べるだけではない、言葉の運びや曲の切り方に特徴があるグループとして語られることが多い。本作も、その輪郭がはっきり出る時期の一枚として捉えやすい。

作品の位置づけ

1982年という時期は、The Waitressesにとって比較的知られた楽曲が広く流通していた時期でもある。代表曲としては「I Know What Boys Like」がよく挙がり、バンドの名前を外へ押し出した曲として扱われることが多い。そうした流れの中で聴くと、『Wasn’t Tomorrow Wonderful?』は、バンドの持ち味をアルバム単位で確認するための作品として見えやすい。

アメリカのニュー・ウェイヴやポストパンクの文脈では、Talking HeadsやB-52’sのように、ロックの基本形をそのままなぞらずに、リズムや言葉の置き方で個性を作るバンドが並ぶ。その中でもThe Waitressesは、より都会的で、少し乾いた感触のある仕上がりが印象に残るタイプだ。

音の特徴

クレジット上のジャンルはElectronic、Rock、Pop、スタイルはNew Wave。実際の印象としては、ロックの骨格を土台にしながら、電子音やキーボードの配置で空気を整え、ポップなフックを曲の中に通していく作り。演奏の熱量を前面に押し出すというより、フレーズの置き方や間の取り方で曲を進める場面が目立つ。

この手のニュー・ウェイヴ作品は、派手さよりも、短い言葉、反復、少しずらしたノリで印象を残すことが多い。本作もその系譜にある一枚として見やすい。Patty Donahueの歌い回しに耳が向く人は多そうで、バンドのユーモアや距離感は、そうしたボーカルの立ち方にも支えられている。

参加メンバーについて

クレジットにはChris Butler、Mars Williams、Ralph Carney、Holly Beth Vincent、David Hofstra、Billy Ficca、Dan Klayman、Tracy Wormworth、Patty Donahue、Stuart Austin、Ariel Warner、Patty Darlingの名が並ぶ。The Waitressesの中心人物としてはChris ButlerとPatty Donahueがまず挙がり、そこにサックスやリズム隊、補助的なプレイヤーが加わる形。ニュー・ウェイヴ期らしい柔軟な編成感がある。

日本盤としての特徴

この日本盤には、歌詞シートと帯が付属する。日本で流通した当時の洋楽LPらしい仕様で、コレクション面でもわかりやすいポイントだ。マスタリングはSterling Soundで行われ、Ze Recordsからのライセンス盤として出ている。

オリジナルの1982年作品として見た場合、日本盤は作品内容そのものに大きな変更があるタイプではなく、当時の国内流通向けのパッケージ違いとして捉えるのが自然だろう。帯や歌詞シートの有無は、聴く体験というより、手元に置く楽しさに関わる要素になっている。

まとめ

『Wasn’t Tomorrow Wonderful?』は、The Waitressesというバンドの個性を、1982年時点のニュー・ウェイヴの空気の中で確認できる作品。アクロン発のバンドがニューヨークへ移りながら形にしていった、言葉の切れ味とリズム感のバランスが、この時期の重要な手がかりになっている。

代表曲で知られるバンドを、アルバム単位で追う入口としても位置づけやすい一枚。派手な大ヒットだけではなく、当時のポップ／ロック／電子音の交差点にあった感触を残す作品として記憶されることが多い。

トラックリスト

• A1 – No Guilt
• A2 – Wise Up
• A3 – Quit
• A4 – It’s My Car
• A5 – Wasn’t Tomorrow Wonderful?
• B1 – I Know What Boys Like
• B2 – Heat Night
• B3 – Redland
• B4 – Pussy Strut
• B5 – Go On
• B6 – Jimmy Tomorrow

関連動画

• I Know What Boys Like – The Waitresses (HQ Audio)
• The Waitresses – I Know What Boys Like (1982)
• THE WAITRESSES- Wasn’t Tomorrow Wonderful
• The Waitresses – Christmas Wrapping (Music Video)
• The Waitresses – No Guilt (Live TV 1982)
• The Waitresses – I Know What Boys Like (Excerpt from the Sitcom “Square Pegs”, 1982)
• No Guilt
• Wise Up
• Quit
• It’s My Car

Todd Rundgren『Space Force』について

『Space Force』は、Todd Rundgrenが2022年に発表したアルバム。リリース国はUS表記だが、盤の記載では「Made in Canada」となっている。Todd Rundgrenは、ソロ・アーティストとしてだけでなく、プロデューサー、マルチインストゥルメンタリストとしても長く活動してきた人物で、本作もその幅広いキャリアの延長線上にある作品と見てよさそうだ。

Rundgrenは1960年代後半にNazzで頭角を現し、その後ソロに移行。『Something/Anything?』や『A Wizard, A True Star』、さらにUtopiaでの活動など、ポップ寄りの楽曲から実験性の強い作風まで、かなり振れ幅の大きい作品を重ねてきた。本作『Space Force』も、その長い活動歴の中に置くと、年輪のあるソロ作のひとつという位置づけになる。

作品の位置づけ

2022年作という時点で、いわゆる初期の代表作とはかなり離れた時期の作品だが、Todd Rundgrenの名前で出るアルバムらしく、作曲、演奏、プロデュースの感覚が一体になった作品群の流れにある。70年代から続く彼のキャリアを知っていると、単なる懐古ではなく、長年の作家性を現在形で聴くタイプの一枚として捉えやすい。

Rundgrenは、ポップ、ハードめのロック、ソウル寄りの感触まで横断してきた人で、同時代のアーティストと並べるなら、単なるシンガーソングライターというより、アルバム単位で世界を組み立てるタイプのミュージシャンとして見えてくる。比較対象を挙げるなら、同じく作家性の強いアメリカン・ロックの系譜に置きやすい存在だが、Rundgrenの場合はさらにスタジオ感覚の強さが特徴になっている。

聴きどころとして見たい点

本作については、彼の近年作としてのまとまりと、長年のキャリアで培われたアレンジ感がポイントになりそうだ。Todd Rundgrenの作品は、メロディの明快さと、ひねりのある構成が同居することが多く、タイトル曲『Space Force』もそうした文脈で受け取られることが多いだろう。

また、彼は自身の代表曲として『Hello It’s Me』や『Open My Eyes』でも知られているが、そうした初期ヒットの延長だけではなく、より広い意味でのアルバム・アーティストとして評価されてきた。本作も、そうした長い履歴の上にある一作として見るとわかりやすい。

Todd Rundgrenという人物

Todd Rundgrenは1948年生まれ、ペンシルベニア州アッパー・ダービー出身。ボーカル、ギター、ベース、キーボード、ドラム、サックス、テルミンまでこなすマルチプレイヤーで、ソロ活動だけでなく他者の作品のプロデュースでも重要な仕事を残している。音楽性の変化が大きいのに、作家としての芯はぶれにくい、そういうタイプのアーティストだ。

『Space Force』は、その長いキャリアの後半に置かれた作品として、過去の代表作と並べて聴くことで輪郭が見えやすいアルバム。Todd Rundgrenの音楽を追ってきた人にとっては、彼が2022年時点でどの位置にいたのかを確認できる一枚になっている。

トラックリスト

• A1 – Puzzle
• A2 – Down With The Ship
• A3 – Artist In Residence
• A4 – Godiva Girl
• A5 – Your Fandango
• A6 – Someday
• B1 – I’m Not Your Dog
• B2 – Espionage
• B3 – STFU
• B4 – Head In The Ocean
• B5 – I’m Leaving
• B6 – Eco Warrior Goddess

関連動画

• Todd Rundgren & Rivers Cuomo – Down with the Ship (Official Music Video)
• Todd Rundgren & Sparks – Your Fandango (Official Video)
• Todd Rundgren & The Roots – “Godiva Girl” (Official Lyric Video)
• Todd Rundgren & Thomas Dolby – I’m Not Your Dog (Official Lyric Video)
• Puzzle
• Down with the Ship
• Artist in Residence
• Godiva Girl
• Someday
• I’m Not Your Dog

Babe Ruth『Best Of Babe Ruth』について

Babe Ruthは、1971年にイギリスで結成されたロック・バンドで、もともとはShacklockという名義で活動を始めたグループだ。中心人物はギタリスト／ソングライターのAlan Shacklockで、1970年代前半のUKロック文脈の中で、ハードなギター・サウンドと演奏力の高さを持つバンドとして知られている。『Best Of Babe Ruth』は、その活動期の楽曲をまとめたベスト盤で、オリジナルのリリース年は1977年、こちらの盤は1986年にUKで出た再発盤になる。

バンドの位置づけ

Babe Ruthは、長く大きな商業的成功で語られるタイプのバンドというより、70年代英国ロックの中で個性を残した存在として見られることが多い。1976年にいったん解散しており、このベスト盤は、バンドの初期活動を振り返る形でまとまった一枚といえる。のちに2002年にはアルバム『Que Pasa』のため再結成しているが、この『Best Of Babe Ruth』は、まず70年代の本体を知るための資料性が強い作品だ。

サウンドの特徴

ジャンル表記はRock、スタイルはHard Rock。Babe Ruthの音は、単なる直線的なハードロックというより、リズムの動きや曲展開に工夫があるところが目立つ。ギターの切れ味、ヴォーカルの押し出し、曲の組み立ての細かさが印象に残るタイプだ。70年代の同時代バンドで言えば、よりアメリカ的な厚みを持つハードロック勢とも、英国のブリティッシュ・ロック勢とも比較されやすいが、Babe Ruthはその中でも少し独特な立ち位置にある。

収録曲の聴きどころ

ベスト盤なので、バンドの代表曲を追う目的で手に取られることが多い。Babe Ruthを語るうえでよく挙がるのは、初期の代表曲群で、特に「The Mexican」はバンドの名前を広く知らしめた曲として扱われることが多い。重心の低いリフ、印象的な構成、ライヴ感のある進行が特徴で、Babe Ruthの個性がまとまって見える一曲だ。

また、ヴォーカルのJenny Haanの存在感も重要だ。ハードロック・バンドの中でも女性ヴォーカルを前面に出した編成で、歌の強さがバンド全体の印象を決めている。単に勢いで押すのではなく、曲によっては緩急やドラマ性もあり、そのあたりがベスト盤で通して聴くと見えやすい。

1986年盤としての特徴

1986年のUK盤は、1977年のオリジナル盤をもとにした再発で、スリーヴ・アートワークが異なる点が大きい。内容の核はオリジナル期の楽曲集でありつつ、装丁の違いによって当時の再評価の流れも感じられる。70年代のバンドを80年代に改めてコンパイルし直す流れは珍しくなく、この盤もそうした文脈の中に置ける。

メンバーについて

クレジットには、Ellie Hope、Alan Shacklock、Jenny Haan、Dave Hewitt、Bernie Marsden、Dave Punshon、Ed Spevock、Steve Gurl、Chris Holmes、Dick Powellの名前が並ぶ。Babe Ruthはメンバーの入れ替わりも含めて活動していたバンドで、このベスト盤はそうした時期の楽曲をまとめて振り返る性格が強い。

まとめ

『Best Of Babe Ruth』は、Babe RuthというUKハードロック・バンドの輪郭をつかむための編集盤だ。70年代英国ロックの中で、演奏力と楽曲の作り込みを備えたバンドとしての姿が見えてくる。とくに「The Mexican」を含む代表曲の流れを通して聴くと、バンドの持っていた硬質さと独自性がわかりやすい一枚といえる。

トラックリスト

• A1 – Wells Fargo
• A2 – Ain’t That Livin’
• A3 – Private Number
• A4 – Theme From For A Few Dollars More
• A5 – Joker
• A6 – Dancer
• B1 – The Duchess Of Orelans
• B2 – Black Dog
• B3 – If Heaven’s On Beauty’s Side
• B4 – Lady
• B5 – Jack O’Lantern

関連動画

• Babe Ruth – Ain’t That Livin’
• Babe Ruth – Private Number
• Babe Ruth – The Duchess of Orleans
• Babe Ruth – Jack O’ Lantern
• Babe Ruth – Wells Fargo
• Joker – Babe Ruth
• Babe Ruth – Dancer
• Babe Ruth’ “Black Dog”(Audio Only)
• Babe Ruth – if heaven’s on beauty’s side.wmv
• babe ruth – lady.mp4

Duncan Mackay『Chimera』について

『Chimera』は、イギリスのキーボーディスト、シンガー、アレンジャー、作曲家として知られる Duncan Mackay の作品で、オリジナルは1974年のリリース。プログレッシブ・ロックとシンフォニック・ロックの流れの中に置かれる1枚で、1970年代前半らしい、鍵盤を中心に組み立てるロック作品として捉えやすいアルバムだ。

Duncan Mackay は 1950年7月26日、英国ヨークシャー州リーズ生まれ。ソロ活動だけでなく、鍵盤奏者としての仕事でも知られる人物で、この時期の英国ロック周辺のキーボード主体のサウンドを語るうえで名前の挙がる存在のひとりだ。『Chimera』は、そのキャリアの中でも初期のソロ作として位置づけられる作品と見てよさそうだ。

作品の内容と聴きどころ

このアルバムは、ギターのリフや歌を前面に押し出すタイプというより、キーボードの音色変化と曲展開で聴かせる作りの印象が強い。オルガン、ピアノ、シンセ系の音が場面ごとに入れ替わり、ロックの土台の上に組曲的な展開を重ねる、70年代プログレの手触りがある。

曲ごとのテンポや密度の差がはっきりしていて、静かなパートから厚みのあるセクションへ進む流れが目立つ。シンフォニック・ロックの要素としては、単なる技巧の見せ場ではなく、楽曲の構成そのものを鍵盤が支えている点が特徴的だ。

また、歌ものとしての分かりやすさだけで押す作品というより、演奏とアレンジの変化を追う楽しさがあるタイプのアルバムだ。プログレッシブ・ロック周辺の作品に慣れた耳だと、曲の切り替わりや音の重ね方に注目しやすいだろう。

1974年当時の文脈

1974年は、英国プログレッシブ・ロックがひとつの成熟期を迎えていた時期でもある。長尺の構成、鍵盤主導の展開、クラシック寄りの和声感を持つロック作品が各地で作られていた流れの中で、『Chimera』もそうした時代の空気を共有している。

同時代の鍵盤主体のロック作品と並べると、派手な超大作というより、ソロ・アーティストとしての感覚を生かした、比較的コンパクトにまとめた印象の作品として見ることができる。プログレとシンフォニック・ロックの中間にある、70年代中盤らしい1枚だ。

2010年盤について

2010年盤は、180g重量盤、ゲートフォールド仕様で、オリジナルのアナログ・マスター・テープからのカット、ファーストプレスの再現をうたうリイシューだ。コレクション性の高い作りで、ジャケットやパッケージ面でも当時の雰囲気を意識した再発盤として扱われている。

オリジナル盤との違いとしては、内容そのものを別物として作り替えた盤ではなく、当時の作品を現代の仕様で再提示したもの、という見方が自然だ。音質やプレスの安定感、パッケージの保存性を含めて、再発盤ならではの利点があるタイプといえる。

まとめ

『Chimera』は、Duncan Mackay の初期ソロ作として、鍵盤を軸にした70年代プログレッシブ・ロック／シンフォニック・ロックの文脈で聴けるアルバムだ。派手なヒット曲で押す作品というより、曲の構成と音の積み上げで聴かせる内容。2010年の再発盤では、180g重量盤とゲートフォールド仕様で、オリジナル盤の雰囲気を意識した形で復刻されている。

トラックリスト

• A1 – Morpheus
• A2 – Twelve Tone Nostalgia
• B – Song For Witches

関連動画

• Morpheus
• 12 Tone Nostalgia
• Song for Witches

The Smiths『Meat Is Murder』について

The Smithsの『Meat Is Murder』は、1985年に発表された2作目のスタジオ・アルバムだ。英マンチェスター出身の4人組による作品で、Morrisseyの歌詞とJohnny Marrのギターを軸に、1980年代の英国インディー・ロックを代表する一枚として知られている。

この盤は2009年のUS盤リイシュー。オリジナルの1985年盤をもとにした再発で、180グラム盤、両面に歌詞とクレジットを載せた特製ダストカバー付きという仕様になっている。録音はLiverpoolのAmazon StudiosとSurreyのRidge Farm、ミックスは1984年冬のロンドン、Island Studiosで行われた。

作品の位置づけ

The Smithsにとって『Meat Is Murder』は、デビュー作に続いてバンドの方向性をはっきり示したアルバムだ。デビュー盤で見えたバンドの輪郭を、そのまま次の段階へ進めた印象が強い。Morrisseyの言葉選びはこの時点でかなり明確で、日常の感情、社会への視線、身体性のあるテーマが並ぶ。

タイトル曲「Meat Is Murder」は、バンド名義の作品の中でも特にメッセージ性が前面に出た曲としてよく知られている。アルバム全体の中で、The Smithsが単なるギターポップの枠に収まりきらない存在として受け止められる理由のひとつでもある。

サウンドと聴きどころ

Johnny Marrのギターは、この時期のThe Smithsらしく、コード感と細かなフレーズの組み合わせが目立つ。Mike JoyceとAndy Rourkeのリズム隊は、派手に前へ出るというより、曲の流れを崩さずに支える役回りだ。そこにMorrisseyの歌が乗ることで、軽い音数でも曲の輪郭がはっきりする作りになっている。

実際に聴くと、音の密度は高いのに、演奏の見通しは悪くない。ギターの刻み、ベースの動き、歌の間の取り方が分離して聞こえやすく、各曲の構造が追いやすい盤だ。

代表曲

• 「The Headmaster Ritual」: アルバム冒頭を飾る曲で、緊張感のあるギターと歌の組み合わせが印象に残る。
• 「How Soon Is Now?」: The Smithsを代表する楽曲のひとつ。後年も繰り返し参照されることの多い曲で、アルバムの存在感を大きくしている。
• 「Well I Wonder」: 歌と演奏の距離感が近く、内省的な流れが出やすい曲。
• 「That Joke Isn’t Funny Anymore」: 作品後半の中でもよく知られる曲で、感情の置き方がはっきりしている。

ジャケットについて

ジャケットに使われた人物は、1967年9月21日に南ベトナムのダナンで撮影されたMarine Corporal Michael Wynnだとされている。元のヘルメットには「Make War Not Love」と書かれていたが、アルバム用の画像では文字が差し替えられている。戦争写真を引用したこのジャケットは、タイトルとあわせて作品の主題を強く印象づけるものになっている。

同時代との関係

1980年代前半の英国インディー・シーンでは、The SmithsはThe CureやNew Orderと並んで語られることが多い。もっとも、The Smithsはシンセ主体の方向よりも、ギターの組み立てと歌詞の語り口で独自の立ち位置を作ったバンドだ。後のオルタナティブ・ロックやインディー・ロックにも影響が広がっていくタイプの作品でもある。

2009年US再発盤として

この2009年US再発盤は、オリジナルの1985年盤を現在のフォーマットで手に取りやすくしたものだ。180グラム盤という点に加え、歌詞とクレジットをまとめたダストカバーが付くことで、当時の作品情報に触れやすい構成になっている。レーベル表記には1985年の著作権・原盤情報が残っており、作品自体はあくまで1985年作として扱うのが自然だ。

まとめ

『Meat Is Murder』は、The Smithsの初期像をはっきり示すアルバムだ。Morrisseyの主題の置き方、Marrのギターの組み方、バンド全体の空気感がまとまっていて、1980年代英国ロックの中でも特徴のある一枚として位置づけられている。

トラックリスト

• A1 – The Headmaster Ritual (4:52)
• A2 – Rusholme Ruffians (4:20)
• A3 – I Want The One I Can’t Have (3:14)
• A4 – What She Said (2:42)
• A5 – That Joke Isn’t Funny Anymore (4:58)
• B1 – Nowhere Fast (2:37)
• B2 – Well I Wonder (4:00)
• B3 – Barbarism Begins At Home (6:57)
• B4 – Meat Is Murder (6:07)

関連動画

• Barbarism Begins at Home (2011 Remaster)
• Meat Is Murder (2011 Remaster)
• What She Said (2011 Remaster)
• Rusholme Ruffians (2011 Remaster)
• The Smiths – The Headmaster Ritual (Official Audio)
• The Smiths – I Want The One I Can’t Have (Official Audio)
• The Smiths – That Joke Isn’t Funny Anymore (Official Audio)
• The Smiths – How Soon Is Now? (Official Music Video)
• The Smiths – Nowhere Fast (Official Audio)
• The Smiths – Well I Wonder (Official Audio)

The David『Another Day, Another Lifetime』について

The Davidは、1960年代半ばから後半にかけて活動したロサンゼルスのサイケデリック・グループだ。ブレントウッドで近所同士だったTim Harrison（ドラム）とWarren Hansen（ボーカル、キーボード）を中心に始まり、Palisades High SchoolつながりのMike Butte（ギター）、Chuck Spieth（ベース）、そして最後にMark Bird（リードギター）が加わった経緯が知られている。最初はThe Reasonsという名前だったが、マネージャーの「ヒットを取るのはダビデとゴリアテの戦いのように難しい」という言葉からThe Davidに改名した、というエピソードも残っている。

『Another Day, Another Lifetime』は1967年の作品として位置づけられる。The Davidにとって、20th Century Fox Recordsとのシングル契約を経て世に出た時期の音源で、バンドの初期像を知るうえで重要なタイトルといえる。

作品の位置づけ

The Davidは、同時代の米国西海岸サイケデリック・ロック、ガレージ・ロックの流れの中にあるバンドだ。活動時期や音の背景から、The Seeds、The Electric Prunes、The Chocolate Watchbandのような60年代後半のバンド群と並べて語られることが多いタイプの存在だろう。キーボードを含む編成もあって、ギター主体のガレージ感だけでなく、当時のサイケデリック・ポップらしい色合いも意識される。

アーティスト情報を見ると、The Davidはロサンゼルス周辺の若いメンバーで固まったバンドで、60年代後半の地元シーンの空気をそのまま反映したような成り立ちだ。大型バンドというより、シングルやローカルな流通を軸にしたグループとして理解すると、時代背景と合いやすい。

内容と聴きどころ

この作品は、サイケデリック・ロックを土台にしながら、ポップ・ロックやガレージ・ロックの要素を含む内容として捉えられる。曲単位では、当時のロサンゼルス産サイケに見られる、歪んだギター、はっきりしたリズム、メロディを残すボーカルの組み合わせが軸になっていると考えられる。

代表曲として特に広く知られた定番曲がこのタイトルから生まれている、というよりは、バンドそのものの資料的価値が大きい作品だ。メジャーなヒットを前面に押し出すタイプというより、60年代後半のローカル・サイケの断片を伝える記録として見たほうが実態に近い。

リリースと再発について

オリジナルは1967年のリリース。関連ノートによると、Vance Music Corp.に関わるリリースとして扱われている。のちにドイツで1990年代にブートレグ盤が出回ったことがあり、さらに現在VMCラベル表記で見かける再発はScorpio Recordsによるものとされている。

オリジナル盤と再発盤では、外観にも違いがある。再発盤はオリジナルよりもカバーが薄く、より現代的な仕様になっているとされる。盤を見分ける際には、この点が手がかりになりそうだ。

まとめ

『Another Day, Another Lifetime』は、The Davidというバンドの初期像を知るための1967年作だ。ロサンゼルスのサイケデリック・グループらしい編成と背景を持ち、60年代後半のガレージ／サイケの流れの中で位置づけられる一枚。作品単体のヒット性よりも、当時のローカル・シーンの記録としての意味合いが強い内容だ。

トラックリスト

• A1 – Another Day, Another Lifetime / I Would Like To Know (5:50)
• A2 – I’m Not Alone (1:48)
• A3 – Sweet December (3:05)
• A4 – Tell Me More (2:25)
• A5 – Now To You (3:58)
• B1 – Professor Crawford (2:40)
• B2 – Time M (4:50)
• B3 – So Much More (2:16)
• B4 – Mirrors Of Wood (3:40)
• B5 – Of Our Other Days (2:05)

関連動画

• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *Another Day, Another LifetimeI-I Would Like To Know*
• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *I’m Not Alone*
• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *Sweet December*
• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *Tell Me More*
• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *Not To You*
• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *Professor Crawford*
• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *Time M*
• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *So Much More*
• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *Mirrors Of Wood*
• The David “Another Day, Another Lifetime” 1968 *Of Our Other Days*

Brainbox『To You』について

Brainboxは、1968年にアムステルダムで結成されたオランダのロック・グループだ。Jan Akkerman、Pierre van der Linden、Kazimierz Lux（Kaz）を中心に始まり、のちにメンバーを入れ替えながら活動した。『To You』は1972年にオランダで出た作品で、Brainboxという名前で追うときに、バンドの流れをたどるうえで重要な一枚として見えてくる。

作品の基本情報

• アーティスト: Brainbox
• タイトル: To You
• オリジナル・リリース年: 1972年
• リリース国: Netherlands
• ジャンル: Rock
• スタイル: Classic Rock, Blues Rock

盤の表記では、B.V. Bovema/EMI, Haarlem Hollandで録音・製造され、N.V. Litho Zwanenburg, Hollandによる印刷表記もある。オランダ国内盤らしいクレジットが並ぶ仕様だ。

Brainboxというバンドの位置づけ

Brainboxは、Jan Akkermanの存在で語られることが多いバンドだ。AkkermanはのちにFocusでも知られるギタリストで、Brainboxでは初期から強い個性を持ち込んでいる。Pierre van der Lindenも同じく重要なメンバーで、後年のオランダ・プログレ系ロックの流れを考えると、このバンドの名前は外しにくい。

一方で『To You』の時期は、初期Brainboxの編成とは少し離れた段階にある。メンバー表を見ても、Robert Verwey、Shell Schellekens、Frans Smit、Cees Van Der Laarse、Michel van Dijk、André Reijnen、John Schuursma、Rudy de Queljoe、Herman Meyer、Ronnie Meyjes、Tony De Queljoe らがクレジットされていて、バンドが複数回の変化を経てきたことがわかる。そうした人員の移り変わりも含めて、Brainboxの作品群の中では時期の違いを感じやすい一枚だ。

内容の印象

この作品は、クラシック・ロックとブルース・ロックの軸をはっきり持った内容として受け取られている。ギター主体の展開、ロックの骨格を保った演奏、ブルース由来のフレーズ感が見えやすいタイプの作品だ。Jan Akkermanの名前から連想される流麗なギターワークは、Brainboxというバンドの魅力を考えるうえで大きな要素になっている。

同時代のオランダ勢でいうと、Focusのような組み立ての細かいロックよりも、こちらはよりロックの直進性やブルースの感触に寄った印象で語られやすい。英国ロックの流れで見れば、ギター主導のハード寄りクラシック・ロックや、ブルースを土台にしたバンド群と並べて語られることが多い。

ヒット曲・代表曲について

Brainboxは、作品単位で語られることが多く、特定の大ヒット曲だけで知られるバンドというよりは、Jan AkkermanやKaz Luxを含む演奏の流れで評価されてきた印象が強い。『To You』についても、アルバム全体のまとまりで聴かれることが多いタイプの作品だ。

オリジナル盤と盤の違い

この盤には、裏ジャケットに「Een Habo hoes」がないものと、あるものが区別されている。提示されている盤は「Without “Een Habo hoes” on the back cover」の版にあたる。レコード・コレクションの文脈では、同じ1972年盤でもこうした細部の違いが識別点になる。

また、ランアウトはエッチング、スタンパー番号はスタンプで入っており、二重のスタンパー番号（20, 40, 37, 44）は左右反転している、という物理的な特徴もある。こうした情報は、オランダ盤の製造工程を確認する手がかりになる。

まとめ

Brainbox『To You』は、オランダのロック史の中で、Jan Akkermanをはじめとするバンドの流れをたどる際に押さえておきたい1972年作だ。クラシック・ロックとブルース・ロックの要素を持つ一枚として、Brainboxの変遷と当時のオランダ・ロックの空気を映す作品として見えてくる。

トラックリスト

• A1 – Virgin (3:40)
• A2 – Amsterdam, The First Days (3:30)
• A3 – Sinner’s Prayer (2:19)
• A4 – Dark Rose (5:24)
• A5 – Cruel Train (2:21)
• B1 – Down Man (2:44)
• B2 – Woman’s Gone (3:57)
• B3 – To You (3:16)
• B4 – Summertime (4:02)
• B5 – Doomsday Train (3:00)
• C1 – Between Alpha And Omega (2:19)
• C2 – Baby, What You Want Me To Do (2:22)
• C3 – Scarborough Fair (5:55)
• C4 – The Flight (3:13)
• C5 – So Helpless (2:28)
• D1 – The Smile (Old Friends Have The Right To) (2:55)
• D2 – Reason To Believe (2:13)
• D3 – Sea Of Delight (2:51)
• D4 – Mobilae (5:55)
• D5 – Good Morning, Day (2:40)

関連動画

• Brainbox – Dark Rose
• Brainbox! – Down Man [HQ]
• Brainbox To You
• Brainbox – Virgin
• Brainbox – Sinner´s Prayer
• Brainbox ~ Amsterdam, the First Days

Guru Guru『UFO』について

Guru Guruは、1968年にドイツで結成されたクラウトロック・バンドで、Mani Neumeierを中心に活動してきたグループだ。政治性や風刺を含んだロックから出発し、その後は実験性の強い作品を次々と発表していく。『UFO』はその初期にあたる1970年の作品で、バンドの出発点を知るうえで重要な一枚として位置づけられる。

この盤は1996年にドイツで出た再発盤で、レーベル表記では1970年録音・1996年発行という形になっている。オリジナル時点の空気をそのまま伝える内容として、初期クラウトロックの流れをたどる際に外せないタイトルのひとつだ。

作品の内容と初期Guru Guruの輪郭

『UFO』には、当時のロックの枠を押し広げるような長尺演奏と、即興的な展開が目立つ。曲ごとの構成に頼るというより、演奏の流れそのものを聴かせるタイプのアルバムで、反復、ノイズ、間の取り方が前面に出る。のちのクラウトロック作品に通じる要素が、この時点ですでにかなりはっきりしている。

バンドの初期はライブ中心で始まり、スタジオ録音に入ったのがこのデビュー作の時期にあたる。以後の作品ではプロデューサーとの協働も始まるが、『UFO』はその前段階にあるため、より荒さと自由度が強く感じられる構成だ。

聴感上の特徴

実際に耳に入るのは、ドラムの推進力、ベースの粘り、ギターや電子音のぶつかり合いだ。ロックのビートを土台にしながら、途中から演奏が崩れたり、別の方向へ逸れたりする。その変化が曲の展開としてそのまま残されている印象がある。

派手なメロディを追う作品ではなく、演奏の持続とズレを楽しむタイプの内容だ。後年の整ったサイケデリック／プログレッシブな録音と比べると、もっと生々しく、ライブ感の強い手触りがある。

同時代の文脈

1970年前後の西ドイツでは、Can、Amon Düül II、Faust、Neu! などと並んで、ロックを英米の模倣から切り離そうとする動きが進んでいた。Guru Guruもその流れの中にいて、特に『UFO』では、後のクラウトロックで定着する反復志向や即興性が、かなり早い段階で見えている。

同時代のバンドの中でも、Guru Guruはユーモアや演奏の暴れ方が前に出る場面があり、同じクラウトロックでも、Canの編集的な緊張感やNeu!の直線的な推進力とは少し違う手触りがある。

アルバムの位置づけ

『UFO』はGuru Guruの初期像をそのまま示す作品だ。のちにメンバー交代を重ねながら活動が続いていくが、この時点では、バンドが何を目指していたのかがかなりはっきり出ている。デビュー作として、グループの基礎を知る入口になっている。

代表曲を一曲で語るというより、アルバム全体の流れで聴く作品だ。タイトル曲を含め、曲単位よりも演奏の連なりが印象に残る内容で、初期クラウトロックの記録として見ても存在感がある。

再発盤について

この1996年盤は、オリジナル1970年盤の再発として流通したものだ。盤面表記にある通り、著作年は1970年、盤の発行は1996年で、ドイツ盤として再度リリースされている。

再発盤では、当時の録音をそのまま聴ける点がいちばん大きい。初期クラウトロックの生々しい演奏と、1960年代末から1970年代初頭の空気が残る一枚として、作品の輪郭はかなり明確だ。

まとめ

Guru Guru『UFO』は、ドイツの初期クラウトロックを語るうえで外せないデビュー作だ。ロック、電子音、即興性がひとまとまりで鳴っていて、バンドのその後の長い活動の出発点にもなっている。作品としては、整った完成度よりも、当時の現場感や実験の始まりが見える内容だ。

トラックリスト

• A1 – Stone In (5:42)
• A2 – Girl Call (6:15)
• A3 – Next Time See You At The Dalai Lhama (6:10)
• B1 – Ufo (10:15)
• B2 – Der LSD-Marsch (8:25)

関連動画

• [FULL] GURU GURU___ UFO 1970

The Cocoon『While The Recording Engineer Sleeps』について

The Cocoonはドイツのグループで、Gunter Hampel、Matthias Arfmann、Rüdiger Klose、Jürgen Gleueの4人による作品としてこの『While The Recording Engineer Sleeps』を残している。1985年にStudio Harderbergで録音されており、フリー・ジャズとサイケデリック・ロックの接点にある内容として位置づけられる1枚だ。

タイトル曲のように、録音現場の気配をそのまま作品名に取り込んだ作りも印象に残る。特に“Teenage Dope Slaves”はIdiot Studioで録音されており、ほかの曲とは別の場所で収録されたことが記されている。こうした記録からも、まとまりのあるスタジオ作品というより、セッションの流れや場の空気をそのまま閉じ込めたタイプのアルバムとして見えてくる。

作品の位置づけ

オリジナルの制作時期は1985年、盤としてのリリースは2015年。つまり、1980年代半ばの音を後年に聴ける形で残した作品と受け取れる。The Cocoonのキャリア全体の中では、当時のドイツの実験音楽、即興演奏、ロック的なエネルギーが交わる地点を示す記録として扱える。

Gunter Hampelはジャズ／フリー・インプロヴィゼーションの文脈で知られる人物で、この作品でもその流れが土台にある。一方で、ロック寄りの粗い推進力や反復の感触も入り込んでいて、単純なジャズ作品とも、ロック作品とも言い切りにくい構成になっている。

同時代の文脈

1980年代のドイツでは、ジャズの即興性とロックの身体性をまたぐ試みがいくつも生まれていた。The Cocoonもその延長線上で聴ける。比較対象としては、フリー・ジャズの開放感と、クラウトロック以降の反復感、さらにサイケデリックな音の伸びを併せ持つ作品群が思い浮かぶ。とはいえ、このアルバムはそうした要素を整然と並べるのではなく、録音の現場感を残したまま進んでいく印象が強い。

聴きどころ

この盤は、曲の完成度を前に出すというより、演奏の呼吸や音のぶつかり方を追う楽しさがあるタイプだ。ドラム、管楽器、ギター、ベースの距離感が近く、即興の流れがそのまま記録されている感じがある。とくに“Teenage Dope Slaves”は、タイトルの強さもあって、アルバムの中でも少し異なる輪郭を持つ曲として受け取れそうだ。

再発盤が2015年に出ているため、現在この作品に触れる場合はその盤で聴くことになる。音源そのものは1985年録音なので、後年の再発であっても、作品の核は80年代半ばのセッションにある。録音年と盤の発売年が異なる点は、このアルバムを見るうえで押さえておきたいところだ。

まとめ

『While The Recording Engineer Sleeps』は、ドイツのフリー・ジャズとサイケデリック・ロックの交差点に置かれる作品。4人編成の演奏、1985年録音という時代性、そして録音場所をまたいだ収録という事実が、そのまま作品の輪郭になっている。派手なヒット曲を狙うアルバムではなく、セッションの記録として読むと見えやすい1枚だ。

トラックリスト

• A1 – Ventilator Changes Into Airplane (5:23)
• A2 – I Can See Voices (5:50)
• A3 – Bag Lady (5:15)
• A4 – Seems Like I Can’t LSD Your Mind (3:57)
• B1 – The Ritual Of The Boogie Transformation (7:56)
• B2 – While The Recording Engineer Sleeps (5:27)
• B3 – The Shadow Man (4:52)
• B4 – Teenage Dope Slaves (6:55)

関連動画

• Ventilators Change into Airplanes
• The Cocoon – I Can See Voices
• The Cocoon – Bag Lady – 1985
• Seems Like I Can’t Lsd Your Mind
• The Cocoon – The Ritual Of The Boogie Transformation – 1985/89
• The Cocoon – While the Recording Engineer Sleeps
• The Shadow Man
• Teenage Dope Slaves

John WettonとManzaneraの名前が並ぶ1987年作

「Wetton Manzanera」は、John Wetton名義で1987年に日本で出た作品。レコーディングは1986年3月から8月にかけて、イングランドのSurreyにあるGalery Studioで行われている。タイトルからも分かる通り、John Wettonと、元Roxy Musicのギタリストとして知られるPhil Manzaneraの関係が前面に出た一枚という位置づけになっている。

John Wettonは、1970年代の英国ロックをいくつも渡り歩いたベーシスト、シンガー、ソングライター。King Crimson、Roxy Music、U.K.、Asiaといったバンド歴があり、プレイヤーとしての存在感と、歌い手としての芯のある声で知られてきた人物だ。この盤も、そうしたWettonのキャリアの流れの中で見ていくと輪郭がつかみやすい。

作品の位置づけ

1987年という時期のJohn Wettonは、ハードなプログレッシブ・ロックの文脈だけでなく、より歌を中心にした作品へと軸足を置いていた時期。ここではPhil Manzaneraとの組み合わせが核になっていて、WettonのボーカルとManzaneraのギターがどう噛み合うかが聴きどころになっている。

1970年代のWettonを思い浮かべると、King CrimsonやU.K.時代の緊張感の強い演奏がまず出てくるが、この1987年作では、その路線をそのまま引き継ぐというより、曲の輪郭を立てて聴かせる作りの印象が強い。日本盤として出た1987年リリースという点でも、当時の国内ロック／AOR／ポップロックの受け止め方と重なる部分がありそうだ。

John Wettonの声とPhil Manzaneraのギター

Wettonの歌は、低めの音域に重心があり、輪郭がはっきりしている。こうした声質は、派手に張り上げるタイプではなくても、メロディをしっかり前に出せるのが特徴だ。一方のManzaneraは、Roxy Musicで知られる通り、音数を詰め込みすぎず、フレーズの置き方で曲の空気を作るタイプのギタリストとして語られることが多い。

この組み合わせは、ロックの中でも演奏の密度だけで押すというより、歌とギターの役割分担で聴かせる形に向いている。Wettonのキャリアを追っていると、U.K.やAsiaのような大きな編成のバンドでの存在感とは別に、こうした人物同士の呼吸で進む作品にも魅力がある。

同時代の文脈

1980年代半ばの英ロックには、プログレッシブ・ロックの系譜を持つミュージシャンが、より整った曲構成やポップな手触りへ寄っていく流れが見える。John Wettonもその中にいる。King CrimsonやU.K.のような作品群とは距離を取りつつも、演奏の確かさや曲の組み立てはそのまま残る、という見え方になりやすい。

Phil Manzanera側から見ても、Roxy Music以後の活動の延長線上で、ロックの中に洗練されたギターの役割を持ち込む人物として、この顔合わせは自然なものに映る。派手な技巧の応酬というより、曲の芯をどう作るかに焦点がある組み合わせ。

オリジナル盤としての1987年日本盤

この作品は1987年のオリジナルリリースとして扱われる日本盤。レコーディング時期からも、80年代後半の制作感がそのまま反映された時代の記録といえる。再発盤ではなく、その年の初出として出ている点が大きい。

日本でのリリースということもあり、当時の国内の輸入ロック・ファンや、Wettonの名前をKing CrimsonやAsiaで知ったリスナーの耳に届く位置にあった作品と見てよさそうだ。

まとめ

「Wetton Manzanera」は、John Wettonのキャリアの中でも、歌を軸にしながらPhil Manzaneraとの関係性を前に出した1987年の一枚。プログレッシブ・ロックの重い文脈だけでなく、1980年代のロックが持っていた整理された曲作りの感覚も感じられる作品だ。Wettonという名前の持つ歴史を踏まえると、バンドの中心人物としての顔とはまた違う、人物同士の距離感が見えるタイトルになっている。

トラックリスト

• A1 – It’s Just Love (3:38)
• A2 – Keep On Loving Yourself (5:12)
• A3 – You Don’t Have To Leave My Life (4:24)
• A4 – Suzanne (3:24)
• A5 – Round In Circles (4:32)
• B1 – Do It Again (4:49)
• B2 – Every Trick In The Book (4:06)
• B3 – One World (3:54)
• B4 – I Can’t Let You Go (3:22)
• B5 – Have You Seen Her Tonight? (4:47)

Stardrive『Stardrive』(1974)

Stardriveは、1974年にUSで登場したセルフタイトル作。クレジット上は「Stardrive Featuring Robert Mason」とされていて、Robert Masonを前面に出した形の作品だ。メンバーにはMichael Brecker、Steve Gadd、Harvey Sarch、Jaime Austria、Howard Rego、Robert Masonが並ぶ。

編成を見るだけでも、当時のUSロックの枠を少し広げたような顔ぶれだ。電子的な要素、ロックの推進力、ファンク寄りのリズム感が同居する作りで、スタイル欄にあるFunk、Prog Rock、Ambientの要素がそのまま結びついている印象になる。

作品の輪郭

このアルバムは、1974年という時代らしい、バンド演奏の手触りとスタジオ的な音作りが同じ場所にある1枚として捉えやすい。フュージョン以後の感覚、プログレッシブ・ロックの構成意識、ファンクのリズム処理が交差するタイプの作品だ。電子音を前に出しながらも、演奏者の身体感覚が残るところがポイントになる。

Michael BreckerとSteve Gaddの参加も目を引く。Breckerはサックス奏者としての存在感で知られ、Gaddはタイトなドラミングで多くの録音に名を残した人物だ。この2人が加わることで、作品全体に演奏面の厚みが出ている構図になる。

同時代の文脈

1974年のUSでは、ロック、ファンク、電子音楽の境界が少しずつ曖昧になっていく時期だった。Stardriveもその流れの中に置くと見えやすい。プログレッシブ・ロックの組み立て感と、ファンクの反復するグルーヴ、さらにアンビエント的な広がりを持つ音像が重なるあたり、同時代の実験的なバンドや、クロスオーバー志向の作品群と並べて語られやすいタイプだ。

ただし、前面に出るのは派手なコンセプトよりも、演奏と音の質感のほうだ。ロックのバンド編成を軸にしながら、電子的な処理で空間を作るところにこの作品の特徴がある。

リリース情報

• アーティスト: Stardrive
• タイトル: Stardrive
• オリジナルリリース年: 1974年
• リリース国: US
• ジャンル: Electronic, Rock, Funk / Soul
• スタイル: Funk, Prog Rock, Ambient

まとめ

『Stardrive』は、1974年のUSで生まれた、ロックとファンクと電子音の接点にあるアルバムだ。Robert Masonを中心に据え、BreckerやGaddを含む演奏陣が参加している点も含め、当時のクロスオーバー感覚をそのまま映したような1枚として見えてくる。セルフタイトル盤らしく、まずはバンドの輪郭そのものを示す作品という位置づけになっている。

トラックリスト

• A1 – Funkascensions (5:28)
• A2 – Ballad I (2:23)
• A3 – Jupiterjump (7:40)
• B1 – Pulsar (5:47)
• B2 – Ballad II (2:36)
• B3 – Air Sauce (5:37)
• B4 – Ballad III (3:14)
• B5 – Journey (6:55)

関連動画

• Stardrive – Pulsar 1974.
• Stardrive – Ballad (I)
• Stardrive – Funkascensions. Classic funky fusion with 2 ARP 2500 synths.
• Stardrive – Ballad (III)
• Ballad (II)
• Jupiterjump
• Air Sauce
• Stardrive – Journey

Chris Squire『Fish Out Of Water』（1975年）について

Chris Squireのソロ作品『Fish Out Of Water』は、1975年に登場した1枚です。Yesのベーシストとして知られるChris Squireが、自身の名前で発表した代表的なアルバムとして語られることが多く、バンド作品とは少し違う視点で彼の音楽性をたどれる内容になっている。プログレッシブ・ロックの文脈では、同時代のソロ作の中でもよく参照されるタイトルのひとつ。

作品の位置づけ

Chris Squireは1948年生まれの英国出身で、合唱隊での経験を持ち、そのことが後のヴォーカル・アレンジや楽曲構成への感覚につながっているとされる人物。Yesでは結成時から中心メンバーとして活動し、亡くなるまでスタジオ・アルバムすべてに参加した唯一のメンバーでもある。そうした経歴を踏まえると、『Fish Out Of Water』は、バンドの中で培われた彼の感覚が、かなり前面に出た作品として見えてくる。

このアルバムは、Yesの大作主義や緻密なアンサンブルを思わせる部分を持ちながらも、Chris Squire個人の作家性をまとめた一枚という印象が強い。派手なソロ名義作というより、ベース奏者としての役割を超えた、曲作りと構成の手つきを確かめるような内容。

録音とリリース

制作は1975年の春から夏にかけて、英国サリー州のVirginia WaterとロンドンのMorgan Studiosで進められている。オリジナル盤はAtlanticから米国でリリースされ、ジャケットやラベル表記も1975年の作品としてまとまっている。今回の盤はPresswellプレスで、ランアウトにもPRの表記が見られる仕様。

付属品としてカスタム・インナー・スリーブが付いており、内ジャケットにはSD 18159の表記が確認できる。アメリカ盤らしい仕様がはっきりしたリリースで、当時のAtlanticの流通に乗った一枚という印象。

音の特徴

実際に聴くと、まず耳に入るのはChris Squireのベースの存在感。旋律を支えるだけでなく、フレーズそのものが曲の輪郭を作っていくタイプで、Yesで聴けるプレイの延長線上にありながら、より個人の色が濃く出ている。楽曲は長めの展開を持つものが中心で、パートの切り替えや声の重ね方にも気を配った作り。

ヴォーカル面では、合唱的な重なりやコーラスの処理がアルバム全体の印象を左右している。派手な歌メロを押し出すというより、複数の声部を組み合わせて曲の推進力を作るやり方で、Chris Squireのバックグラウンドがそのまま表れているように聴こえる。

同時代の文脈

1975年は、プログレッシブ・ロックが大きく展開していた時期。Yes、Genesis、King Crimson、Emerson, Lake & Palmerといったバンドがそれぞれの方法で複雑な構成や演奏の密度を追求していた。その中で『Fish Out Of Water』は、バンドの中心人物が個人名義で出した作品として、プログレのソロ作の一角を占める。

同じくYes周辺のソロ作と並べると、キーボード主体の作品とは違って、ベースと合唱的な構成感が軸になっている点が目立つ。Chris Squireらしさを、演奏だけでなく曲の組み立てから聴けるアルバム。

曲について

このアルバムは、1曲単位で独立したヒット曲を前面に出すタイプというより、アルバム全体で流れを作る構成が中心。代表曲としては、タイトル曲「Fish Out Of Water」がまず挙げやすい。作品名そのものを冠した曲であり、アルバムの性格を示す位置に置かれている。

全体としては、ベース主体のソロ作品というより、演奏・合唱・構成をまとめたプログレッシブ・ロック作品として受け止められてきた一枚。Chris Squireというプレイヤーの個性と、1975年という時代の空気が同時に見える内容になっている。

まとめ

『Fish Out Of Water』は、YesのChris Squireが自分の音楽語法を前面に出した1975年のアルバム。合唱隊での経験、旋律的なベース、緻密なアレンジという彼の要素が、そのまま作品の骨格になっている。プログレッシブ・ロックのソロ作をたどるうえでも、Chris Squireという人物を知るうえでも、重要な位置にある作品。

トラックリスト

• A1 – Hold Out Your Hand (4:14)
• A2 – You By My Side (5:03)
• A3 – Silently Falling (11:21)
• B1 – Lucky Seven (6:57)
• B2 – Safe (Canon Song) (14:53)

関連動画

• Hold Out Your Hand
• You By My Side
• Silently Falling
• Lucky Seven | Chris Squire | Fish Out Of Water | 1975 Atlantic LP
• Safe (Canon Song)
• Chris Squire – Fish Out Of Water (1975) (Full Album)

Vangelis名義で知られるEvangelos Papathanassiouの「Ignacio」

ギリシャ出身の作曲家、Evangelos PapathanassiouことVangelisによる「Ignacio」は、1977年に再びこのタイトルで世に出た作品だ。電子音楽、モダン・クラシカル、アンビエントの要素を含む内容で、Vangelisらしい鍵盤中心の響きと、映像作品を思わせる構成感が前面にある。

この作品はもともと1975年に「Can You Hear The Dogs Barking?」およびフランス語表記の「Entends-tu Les Chiens Aboyer?」として出ていたものが、1977年の再発で「Ignacio」という題名になったもの。タイトルはメキシコ映画「No Oyes Ladrar Los Perros?」の主人公名に由来する。オリジナルの時点から、作品の性格そのものは既に固まっていたと見てよさそうだ。

作品の位置づけ

Vangelisは、1970年代のプログレッシブ・ロック周辺から、のちの映画音楽やアンビエント寄りの作風まで広く知られる人物だが、「Ignacio」はその中でも初期の電子的、室内楽的な感触を持つ時期の一枚として捉えやすい。大げさな展開で押すというより、音の重なりや余韻で進むタイプの作品で、後年の映像音楽につながる手つきも見える。

同時代の電子音楽やプログレ周辺の作家と比べると、シンセのスペックを見せる方向よりも、旋律の置き方や和声の運びを重視する印象がある。たとえば、同じく鍵盤主体の音作りを展開した作家たちの中でも、Vangelisはアコースティックな響きの残し方がはっきりしている。

盤としての1979年版

今回の盤は1979年リリースのものだが、作品そのものは1977年に「Ignacio」として出たものとして扱うのが自然だろう。1979年の盤は、その後の流通上の再プレスや再発にあたる位置づけで、内容面では1977年版の延長線上にある。Vangelisの初期作品では、こうしたタイトル変更や再発がしばしば見られる。

音の印象

実際に聴くと、派手なリフや強いビートで引っ張るタイプではなく、音の層がゆっくり重なる流れが中心だ。電子音だけで冷たくまとめるのではなく、鍵盤の響きに温度が残っているのが特徴的。短いフレーズの反復や、余白を使った進行が目立ち、映像のない場面にも風景が立ち上がるような作りになっている。

代表曲として広く知られた定番曲が前面にある作品ではないが、Vangelisの初期の語法を追ううえでは、のちの大作に通じる断片が詰まった一枚として見ることができる。映画音楽寄りのドラマ性と、アンビエント寄りの静けさ、その両方の間に置かれた作品という印象だ。

まとめ

「Ignacio」は、Vangelisの初期電子音楽の輪郭をつかむうえで外せないタイトルのひとつだ。1975年の初出から題名を変え、1977年に「Ignacio」として再登場した経緯も含めて、作品の流通史そのものにVangelisらしさがある。1979年盤は、その流れを受けた日本盤として位置づけられる。

トラックリスト

• A – Ignacio
• B – Entends-Tu Les Chiens Aboyer?

関連動画

• Entends Tu Les Chiens Aboyer? (Pt. 1)
• Entends Tu Les Chiens Aboyer? (Pt. 2)

Mzylkypop『Kiedy Wilki Zawyja?』について

Mzylkypopによる『Kiedy Wilki Zawyja?』は、2018年に発表された作品で、UKのアーティストMichael Wardの名義による録音だ。2019年にはアナログ盤としてリリースされており、赤盤、ゲートフォールド仕様という物理フォーマット面でも存在感のある一枚になっている。

作品の位置づけ

アーティスト情報は多くないが、Bandcampで公開されていることからも、音源単位で作品を届けるタイプのリリースと見てよさそうだ。タイトルの Kiedy Wilki Zawyja? は「When Will The Wolves Howl?」という意味で、作品全体の印象にもどこか寓話的な輪郭を与えている。

クレジット上のジャンルは Jazz、Rock、Folk、World、& Country、スタイルは Psychedelic Rock、Jazz-Rock、Experimental。実際、こうしたタグが並ぶ作品は、曲ごとに明確な区切りを作るよりも、演奏の流れや音色の変化で聴かせることが多い。Michael Wardのソロ的な作家性が前に出るタイプの作品として捉えやすい。

リリース情報

• オリジナル発表年: 2018年
• アナログ盤リリース年: 2019年
• リリース国: UK
• アーティスト国: UK
• フォーマット: LP
• 仕様: 赤盤、ゲートフォールド・スリーブ
• 枚数: 240枚限定

このLPは240枚限定で、うち100枚はDiscusレーベルに割り当てられている。Disc usのCD版リリースを2021年9月に支えるための配分で、レーベル向けの分については裏面のリシーラブル・プラスチック・ラッパーにバーコードが付く仕様だ。オリジナルの作品に対して、アナログ盤ではコレクター向けの物理的な差異がはっきりしている。

音楽的な輪郭

この作品は、ジャズの即興性、ロックの推進力、フォーク由来の語り口、そして実験的な構成感が、ひとつの流れの中で交差するタイプに見える。タイトル曲らしき言葉を含む作品名からも、ストレートなロック作品というより、音の展開や間の取り方に重心がある印象だ。

同時代の文脈で見ると、ジャズ・ロックやサイケデリック・ロック、実験音楽の境界を行き来するUK発のソロ作品として位置づけやすい。演奏を前面に出しつつ、曲の骨格は崩しすぎない、そのあたりのバランスが聴きどころになりそうだ。

聴きどころとして見える点

実際の音像については手元で確認できる情報が限られるが、こうした編成・タグの作品では、楽器ごとの重なり方や、テーマと即興の切り替えが重要になることが多い。派手なヒット曲で押すというより、アルバム全体の流れで聴かせる作りと考えるのが自然だ。

まとめ

『Kiedy Wilki Zawyja?』は、2018年の作品として発表され、2019年にUK盤LPとして形になった、Michael WardによるMzylkypop名義の一枚だ。赤盤・限定240枚・ゲートフォールド仕様というアナログ盤ならではの要素に加え、ジャズ、ロック、フォーク、実験性が交差する作品として記録されている。タイトルの意味を含め、音だけでなく作品名や物理仕様も含めて印象を残すリリースになっている。

トラックリスト

• A1 – Witch Drones
• A2 – She Turns To Dust
• A3 – Slumber Pin
• A4 – Sylwia’s List
• A5 – The God Of Claws
• B1 – Last Exit To Lublin
• B2 – Elphame
• B3 – Red White And Blue
• B4 – Narky Monkey
• B5 – TV Lives

関連動画

• Witch Drones / The State
• She Turns to Dust
• Slumber Pin
• Sylwia’s List
• God of Claws
• Last Exit to Lublin
• Elphame
• Red White and Blue
• A Narky Monkey
• TV Lives

Egg『Seven Is A Jolly Good Time』について

Eggは、1968年にロンドンで結成されたイングランドのプログレッシブ・ロック・バンドだ。オルガンのDave Stewart、ベース／ヴォーカルのMont Campbell、ドラムのClive Brooksという編成で始まり、後にカンタベリー系の流れの中で語られることの多いグループでもある。

『Seven Is A Jolly Good Time』は、そんなEggの初のアルバム『Egg』の再発盤にあたる作品だ。オリジナルは1970年リリースで、この盤は1985年の再発。タイトルは変わっているが、内容はデビュー作の再構成盤という位置づけになる。

作品の位置づけ

Eggにとっては、バンドの出発点を示す1枚。のちの『The Polite Force』や『The Civil Surface』に続く前段階であり、バンドの基本的な性格がここでかなり見えている。Soft Machineからの影響、変拍子への強い意識、オルガン主体の音作りといった要素が前面に出る作品だ。

同時代の英国プログレの中では、派手な大作志向というより、鍵盤トリオ的なアンサンブルの緊張感や、変則的な拍の扱いで個性を出しているタイプに近い。EggやDave Stewartの周辺は、Hatfield and the North、National Health、Soft Machine周辺の流れと一緒に語られることが多い。

再発盤としての内容

この1985年盤には、1969年8月発売の7インチ・シングルから2曲がボーナス収録されている。つまり、オリジナルLPに対して補足的な形で資料性を持たせた再発盤という見方ができる。

• オリジナルLP収録曲
• 1969年のシングル音源2曲を追加

また、このアルバムには少しややこしい版違いがある。最初期プレスには「Movement 3」が収録されていたが、まもなく差し替えられ、その後のLPではこの曲が外れた状態で流通した。クレジット文言も変更されており、初期盤ではストラヴィンスキー『春の祭典』の「Danse des Adolescents」に触れた説明が付いていたが、後の版では著作権上の理由で省略された旨に改められている。

なお、2024年のEsoteric Recordings盤では「Movement 3」が復活しているが、この1985年盤については、ボーナストラック付きの再発としてオリジナルLPを補完する内容になっている。

音の印象

実際に聴くと、まずオルガンの存在感が大きい。ギター主導ではなく、キーボードが曲の輪郭を作っていくタイプで、リズム隊も含めて細かく組み立てられている印象がある。メロディを大きく押し出すというより、リフや反復、拍の切り替わりで展開していく場面が目立つ。

全体としては、後年のカンタベリー系に通じる理知的な組み立てと、サイケデリック・ロック由来の色彩が同居している感じだ。派手な即効性より、曲の構造や音の配置を追っていく面白さがある作品といえる。

代表曲について

この盤はバンドの初期アルバム再発であり、一般的な意味での大きなヒット曲が前面にある作品ではない。ただ、バンドの初期像を知るうえでは重要な1枚で、のちのEggを追うときの基点になる。

まとめ

『Seven Is A Jolly Good Time』は、Eggのデビュー作『Egg』を1985年に別タイトルで再発した盤だ。変拍子、オルガン主体のアンサンブル、Soft Machine以後の英国プログレ的な感触がまとまっていて、バンドの出発点を確認できる内容になっている。初期盤に存在した「Movement 3」をめぐる版違いの話も、この作品の背景を知るうえで興味深い。

トラックリスト

• A1 – Bulb (0:09)
• A2 – While Growing My Hair (3:53)
• A3 – I Will Be Absorbed (5:10)
• A4 – Fugue In D. Minor (2:46)
• A5 – They Laughed When I Sat Down At The Piano (1:17)
• A6 – The Song Of McGillicudie The Pusillanimous (5:07)
• A7 – Boilk (1:00)
• A8 – You Are All Princes
• Symphonie N° 2
• B2 – Seven Is A Jolly Good Time

関連動画

• Egg – Bulb ____ UK Prog Rock
• Egg – While Growing My Hair ____ UK Prog Rock
• I Will Be Absorbed
• Egg – Fugue In D Minor ____ UK Classical Influenced Prog Rock
• They Laughed When I Sat Down At The Piano…
• Egg – The Song of McGillicudie The Pusillanimous – Keyboard led Prog rock
• Boilk
• Symphony No. 2 (Movement 1, Movement 2, Blane, Movement 4)
• Egg – Symphony No 2 – 3rd Movement (Cover)

The Wood Children – Sweets For The Blind（1990）

London出身のインディー・ロック・グループ、The Wood Childrenによる作品が、Sweets For The Blind。1990年のUK盤で、同年のオリジナル・リリースとして扱われる一枚です。メンバーはPaul Wigens、Andy Shelley、Richard Wilhelm、Nick Stockman、Richard Kirklandの5人編成。ロックの中でも、当時のUKインディー・シーンに連なる作品として見ると分かりやすいタイトルです。

作品の位置づけ

リリースノートによると、Side 1はRaezor Recording、Side 2はRMSとLocoで録音されており、別セッションをまたいでまとめられた構成です。また、Taken from the Demon LP/CD Shopaholic とあるため、この盤はそのアルバム由来の音源を切り出した内容として理解できる。シングルやEP的な役割を持つリリースだった可能性が高いです。

The Wood Childrenはロンドンのインディー・ロック・グループとして記録されており、90年前後のUKらしいギター主体のバンド群の中に置いて考えやすい存在です。同時代には、The Wedding Present、Ride、The Pale Saints、The House of Loveなど、ロックの枠内でインディー色の強いバンドが多く活動していた時期で、この作品もその文脈で捉えられます。

音像とクレジットから見えること

実際の音を前提にすると、録音場所がサイドごとに異なることから、曲ごとに質感やまとまりに差が出ている可能性があります。ただし、ここでは断定はしない。少なくとも、スタジオで整えた一枚というより、複数の現場で作られた素材をまとめた印象のあるクレジットです。

ジャンル表記はRock、スタイルはIndie Rock。派手な装飾よりも、バンドの演奏、曲の輪郭、メロディの運びを軸にした作品として見るのが自然です。UKインディーの文脈では、荒さと整ったポップ感のあいだを行くバンドも多く、この作品もそうした流れの中で受け止められていたかもしれません。

代表曲や話題性について

この作品について、広く知られたヒット曲や定番曲として特記できる情報は見当たりません。作品単位で追うタイプの盤で、バンドの活動時期やアルバム周辺の記録をたどるうえで意味を持つ一枚と言えそうです。

まとめ

Sweets For The Blindは、1990年のロンドン産インディー・ロックを、その時代のUKらしい手触りの中で記録した作品。Shopaholic由来の音源をベースに、複数のレコーディング・セッションを束ねた構成が特徴です。The Wood Childrenというバンドの輪郭を知るうえで、アルバム単体というよりシーンの一断面として見えてくる一枚です。

トラックリスト

• A1 – Sweets For The Blind (3:04)
• A2 – Sin Like A King (3:50)
• B1 – Mannipple (4:25)
• B2 – Fine By Me (3:34)

The Nice『Attention!』について

The Niceは、キース・エマーソンを中心に活動した英国のロック・バンドだ。クラシック音楽の引用や長尺のインストゥルメンタルを取り込みながら、ロック、ジャズ、クラシックの要素をつないでいった初期の存在として知られている。のちのEmerson, Lake & Palmerにつながる流れを考えるうえでも、重要なグループだろう。

『Attention!』は1973年に日本で出た作品で、The Nice名義の初出タイトルとして扱われている。収録内容はThe Niceの活動期をまとめたもので、グループの初期から中期にかけての演奏スタイルや、キース・エマーソンのオルガンを軸にした構成が見えやすい内容だ。

バンドの位置づけ

The Niceは、もともとソウル歌手P.P. Arnoldのバック・バンドとして始まった。そこから独立し、イアン・ヘイグに代わってブライアン・デイヴィソンが加わると、バンドはより攻撃的で劇場性の強い演奏へ進んでいく。キース・エマーソンはそこで頭角を現し、銀色の衣装、ハモンド・オルガンへのナイフ、舞台上の過激なパフォーマンスでも注目を集めた。

当時のThe Niceは、英国内では存在感を強めた一方、アメリカでは大きなブレイクには至らなかった。その後、エマーソンはグレッグ・レイク、カール・パーマーとEmerson, Lake & Palmerを結成し、The Niceで試していたクラシック引用や組曲的な発想をさらに大きく広げていく。

作品の聴きどころ

この時期のThe Niceを語るうえで外せないのは、やはりキース・エマーソンの鍵盤だ。モーツァルト、バッハ、シベリウス、チャイコフスキーなどをロックの文脈に持ち込む手つきが、すでにこの段階ではっきりしている。単なる引用ではなく、ロック・バンドの編成に置き換えて押し切るところに、このバンドの個性がある。

また、The Niceは演奏の切り替えや曲の展開にも特徴がある。ハードなバンド・サウンドから、クラシカルなフレーズへ移る場面、オルガンが前面に出る場面、ジャズ寄りの動きが差し込まれる場面など、曲の中で役割がはっきりしている。スタジオ作品でもライブ感の強さが残るのが、このグループらしいところだ。

エピソードと代表曲

The Niceの代表的なエピソードとしてよく知られているのが、レナード・バーンスタインの「America」をめぐる一件だ。ロイヤル・アルバート・ホールで同曲を演奏し、アメリカ国旗のレプリカを燃やそうとしたことで物議を醸した。バーンスタイン本人も強く反応したとされ、このバンドが当時どれほど挑発的に受け止められていたかを示す出来事だ。

代表曲としては、「The Thoughts of Emerlist Davjack」や、バッハをもとにした「Acceptance Brandenburger」などが挙げられる。前者はデビュー期を象徴する題材で、後者はThe Niceがクラシックとロックの接続をより明確にした例として見られている。

日本盤としての特徴

この日本盤は帯とインサート付きで出ている。ランアウトはスタンプ刻印とのことだ。のちに同じ曲目で、別ジャケット写真・Keith Emerson & The Nice名義の再発も出ているため、そちらとは見た目とクレジットが異なる。

タイトル初出の1973年という時期は、The Nice本体の活動史を振り返る形で作品が置かれている年でもある。バンドの初期衝動、エマーソンの鍵盤主導のアレンジ、そして英ロックがプログレッシブ化していく過程が、この一枚からも読み取りやすい。

まとめ

『Attention!』は、The Niceの特徴をコンパクトに追える作品だ。P.P. Arnoldのバック・バンドとして始まり、キース・エマーソンの個性を前面に押し出し、クラシックの要素をロックに接続していった流れが見える。英プログレの初期史、そしてELP以前のエマーソンを知るうえで、位置づけのはっきりした一枚といえる。

トラックリスト

• A1 – Third Movement Pathetique
• A2 – The Thoughts Of Emerlist Davjack
• A3 – America (2nd Amendment)
• B1 – My Back Pages
• B2 – Country Pie / Brandenburg Concerto No. 6
• B3 – One Of Those People

Tangerine Dream『White Eagle』（1982）について

『White Eagle』は、Tangerine Dreamが1982年にVirgin Recordsから発表したアルバム。ベルリン・スクール系電子音楽の流れを代表するバンドが、1980年代前半に進めていたシーケンサー主体のスタイルをそのまま押し出した作品だ。録音とミックスは1982年1月、ベルリンで行われている。

Tangerine Dreamは、Edgar Froeseを中心に1967年のベルリンで始まったグループで、初期の実験性から、のちにはシンセサイザーとシーケンサーを軸にした構成へと発展していった。1970年代半ばのVirgin期に築いた音作りは、のちの電子音楽やアンビエント、映画音楽にもつながる重要な土台になっている。

1982年時点のTangerine Dream

この時期のTangerine Dreamは、Edgar Froese、Christopher Franke、Johannes Schmoellingの編成。1970年代後半までの長尺で浮遊感の強い展開から、よりリズムの輪郭がはっきりした曲作りへと移っていた時期にあたる。『White Eagle』もその流れの中にあるアルバムで、シーケンスの反復とメロディの整理された配置が印象に残る一枚だ。

同時代の電子音楽としては、同じくシンセサイザーを前面に出したクラウトロック周辺の系譜や、映画音楽へ接近していく80年代初頭の電子作品と並べて語られることが多い。Tangerine Dreamの場合は、ミニマルな反復と叙情的な旋律の両方を持ち込むところが特徴になっている。

作品の位置づけ

『White Eagle』は、1970年代の代表作群の延長線上にありつつ、1980年代前半のTangerine Dreamらしさをよく示す作品として扱われることが多い。バンドがこの時期に進めていた、より明快なビート感と整った構成への移行を確認できる内容だ。のちのサウンドトラック仕事が増えていく前段階として見ることもできる。

聴きどころ

このアルバムでは、シーケンサーの反復が曲の骨格を作り、その上に音色の層が重なっていく。電子音の動きが細かく変化しながら進むため、同じフレーズの繰り返しでも単調になりにくい。Tangerine Dreamの作品に慣れている人なら、音の密度やリズムの置き方に1982年らしい整理された感触を見つけやすいはずだ。

タイトル曲「White Eagle」は、この作品を代表する曲として知られる。アルバム全体の方向性を端的に示す存在で、冒頭から電子音のレイヤーと推進力のある展開が続く。曲名を冠した中心曲として、アルバムの印象を決める位置にある。

まとめ

『White Eagle』は、Tangerine Dreamがベルリン・スクール由来の電子音楽を1980年代の形に整えていった時期の一作。1982年のベルリン録音、Virgin期の作品、そしてバンドの編成がまとまっていた時期の記録として見ても分かりやすい。シーケンサー主体の構成、明瞭なリズム、そしてタイトル曲を軸にしたアルバムとして、Tangerine Dreamの80年代前半を語るうえで外しにくい作品だ。

トラックリスト

• A1 – Mojave Plan (19:55)
• B1 – Midnight In Tula (3:52)
• B2 – Convention Of The 24 (9:27)
• B3 – White Eagle (4:30)

関連動画

• Mojave Plan (1995 Remaster)
• Midnight In Tula (1995 Remaster)
• Convention Of The 24 (1995 Remaster)
• White Eagle (1995 Remaster)

Algy Lord Gray『Bertie』について

Algy Lord Grayの『Bertie』は、オリジナルは1970年の作品として扱われる1枚で、2021年にUKで再発盤が出ている。ジャンル表記はRock / Pop、スタイルはPsychedelic Rock、Pop Rock、Art Rock。アーティストの説明文からも、ただのソロ作品というより、当時の英国ロックの周縁で生まれた、かなり個性的な録音物として位置づけられている。

この作品の背景には、Algyと仲間たちがウェールズに移り、Plas Llechaという放棄された邸宅で録音を進めたという経緯がある。素朴な環境の中で制作が行われ、手作りで個別のカバーを持つ盤として出回ったことも、この作品の特徴として語られている。John Peelに1枚送られ、返事が来て、その後にPeel Sessionの機会につながった、というエピソードも残っている。

作品の位置づけ

『Bertie』は、Algy Lord Grayの活動の中でも、後のThe Great Crashへつながる流れの出発点として語られている。プロフィールでは、この盤に見られる感覚が「英国の風変わりな伝統」に連なるものとして説明されており、James Joyce、The Goons、Hawkwind、Monty Pythonといった名前が並ぶ。つまり、単なるポップ作品というより、ユーモアと実験性、英国的な遊び心が同居した作品として扱われている。

その後のThe Great Crashでは、1971年から1974年にかけて、ピアノ中心のメロディックなArt Rockを30曲ほど録音したとされている。『Bertie』は、その前段階にあたる作品として、より自由で、より手作り感の強い出発点と見てよさそうだ。

音の方向性

ロックとポップを軸にしつつ、サイケデリックな感触とアート志向が混ざった内容がうかがえる。派手なスタジオ・プロダクションよりも、場所そのものの空気や演奏の癖が前に出るタイプの記録として受け取れる。

比較の手がかりとしては、同時代の英国ロックの中でも、整ったポップスよりは、少し外側にある感覚が近い。後年のThe Great CrashがElton John初期、10cc、Deja Vu的な要素に触れられているのに対し、『Bertie』はその前の段階として、もう少し荒削りで、発想先行の雰囲気が強い作品と見られる。

2021年盤について

2021年のUK盤は、オリジナル作品の再発にあたる。手作りで少量流通したとされる初出盤の性格を踏まえると、再発盤はこの作品に触れる入口としての役割が大きい。オリジナル盤は入手性がかなり限られるはずで、2021年盤はその歴史的な位置をあらためて示す形のリリースになっている。

関連エピソード

• ウェールズのPlas Llechaという廃屋のような邸宅で録音されたこと
• 盤が手作りで、1枚ごとに異なるカバーが付けられたこと
• John Peelに送られ、返事が来て、Peel Sessionにつながったこと
• 後年、同じ場所がOasisやThe Verveの録音でも知られるようになったこと

まとめ

『Bertie』は、1970年という時代の英国ロックの中で、かなり個人的な環境から生まれた作品として見るのが自然だ。ロック、ポップ、サイケデリック、アート志向が入り混じる一方で、手作り盤、ウェールズでの共同生活、John Peelとの接点など、音以外の履歴も強い。Algy Lord Grayという名前を追ううえでの起点であり、The Great Crashへと続く流れの前史としても重要な1枚だ。

トラックリスト

• A1 – Would You Like A Brown Ale?
• A2 – Giraffe Song
• A3 – Get Involved With Your Work
• A4 – Post Orgasm Confessions
• A5 – Do You Know Where I Can Score?
• B1 – Bloated Fridge Road
• B2 – Dragonfly Wings
• B3 – Biafra
• B4 – Bertie, Where Are Your Trousers?
• B5 – The Nice Game
• B6 – Can’t Escape Your Fate

関連動画

• Algy Lord Gray – Bertie (1970) (2021 Seelie Court CD Reissue)
• Algy Lord Gray – Would You Like A Brown Ale?
• Algy Lord Gray – Giraffe Song
• Algy Lord Gray – Get Involved With Your Work
• Algy Lord Gray – Post Orgasm Confessions
• Algy Lord Gray – Do You Know Where I Can Score?
• Algy Lord Gray – Bloated Fridge Road
• Algy Lord Gray – Dragonfly Wings
• Algy Lord Gray – Biafra
• Algy Lord Gray – Bertie, Where Are Your Trousers?

Camel『Nude』について

Camelの『Nude』は、1981年に発表された8作目のスタジオ・アルバムで、同年のプログレッシブ・ロックの流れの中でも、物語性を強く意識した作品として知られている。Camelは1971年結成のイングリッシュ・プログレッシブ・ロック・バンドで、初期からギターとフルートを担うAndrew Latimerを軸に、緻密なアンサンブルとメロディの明確さを持つ作風を築いてきた。

この作品は、実在の日本兵として戦後も長くジャングルに残った横井庄一のエピソードを下敷きにしたコンセプト作として語られることが多い。孤立、帰還、記憶といった要素を、曲ごとの流れでたどる構成になっている点が大きい。

作品の位置づけ

Camelは1970年代前半にデビューし、『The Snow Goose』で代表的な評価を得たバンドだが、『Nude』はその後の流れにある一枚として、よりストーリー性のある組み立てが目立つ作品。1970年代後半のメンバー変動を経たのちのアルバムで、演奏面ではLatimerを中心に、Richard Sinclair、Mel Collins、Kit Watkins、Jan Schelhaas、Colin Bassらが参加している。バンドの持つ叙情性と、曲の展開を重視する姿勢が、そのままアルバム全体に出ている印象だ。

Camelの中では、派手なヒット曲で押すタイプの作品というより、アルバム全体の流れで聴かれる性格が強い。代表曲としては、序盤の「City Life」や、組曲的に展開する後半の流れが挙げられることが多い。

曲の流れと聴きどころ

『Nude』は短い曲をつないで物語を進める構成で、各曲が場面転換のように機能している。冒頭から、静かな導入とバンドらしいリフ、キーボードのレイヤーが順に重なっていく。派手に押し切るというより、場面ごとの温度を変えながら進む作りだ。

実際に聴くと、Latimerのギターは音数を詰め込みすぎず、旋律を前に出す場面が多い。Mel Collinsのサックスやフルートも、単なる色付けではなく、場面の輪郭をはっきりさせる役割を持っている。Camelらしい歌心は保ちながら、作品全体ではやや硬質な緊張感もある。

後半に向かうにつれて、断片的だった要素がまとまり、物語の終着点へ向かう流れになる。組曲的な進行が好きな人には、曲間のつながりそのものが聴きどころになりやすいアルバムだ。

同時代の文脈

1981年という時期のプログレは、70年代前半の大作志向とは少し違う形で残っていた。Camelもその中で、GenesisやYesのような大きな成功路線とは別に、演奏の丁寧さとコンセプトの明確さを軸に作品を積み重ねている。『Nude』は、その中でもストーリーを前面に出した一枚として位置づけやすい。

同系統の英国プログレを聴く人なら、叙情面ではGenesis、曲のまとまりではPink Floyd、アンサンブルの細やかさではYesやCaravan周辺を連想するかもしれない。ただしCamelは、そうした比較の中でも、ギターを中心にした旋律の運びと、過度に技巧を見せつけない進め方が特徴になっている。

1982年盤について

今回の盤は日本盤で、盤としてのリリースは1982年。作品そのものは1981年のオリジナル作として扱われる。日本盤では、輸入盤を追いかけて入手した人にとって、国内で手に取りやすい形になった一枚だったはずだ。内容はオリジナル作に基づくため、作品の骨格は1981年盤と同じとみてよい。

まとめ

『Nude』は、Camelの持つメロディ重視のプログレ感と、コンセプト・アルバムとしてのまとまりがはっきり出た作品だ。単曲での派手さより、アルバム全体で一つの物語を追う作り。Camelのディスコグラフィの中では、バンドの叙情性と構成力がよく見える位置にある一枚といえそうだ。

トラックリスト

• A1 – City Life
• A2 – Nude
• A3 – Drafted
• A4 – Docks
• A5 – Beached
• A6 – Landscapes
• B1 – Changing Places
• B2 – Pomp & Circumstance
• B3 – Please Come Home
• B4 – Reflections
• B5 – Captured
• B6 – The Homecoming
• B7 – Lies
• B8 – The Last Farewell: The Birthday Cake / Nude’s Return

関連動画

• City Life
• Nude
• Drafted
• Docks
• Beached
• Landscapes
• Changing Places
• Pomp & Circumstance
• Please Come Home
• Reflections