Pip Proud『Adreneline & Richard』について

Pip Proudは、オーストラリア出身のシンガーソングライター、詩人、小説家、劇作家として知られる人物で、1960年代後半から独自の作品を残してきた。『Adreneline & Richard』は1968年の作品として扱われるレコードで、フォークを軸にした内容になっている。

タイトルからして少し変わった雰囲気があるが、実際にも、一般的なフォーク・シンガーの枠に収まりきらない人の作品という印象が強い。Pip Proudは歌だけでなく文章表現でも活動していたことから、曲そのものに言葉の置き方や語り口の個性が出やすいタイプのアーティストといえる。

作品の位置づけ

1968年という年は、フォークがシンガーソングライター寄りに広がっていく時期でもある。そうした流れの中で、この作品も、伝統的なフォークの響きと、より個人的な表現が近づいた時代の空気を持つ一枚として見られることが多い。Pip Proudのディスコグラフィーの中でも、初期の姿を知る手がかりになる作品といえる。

アルバムは2014年に再発されており、その盤にはグリーン印刷のインナー・スリーブと歌詞が付属している。また、David Nicholsによるアルバム解説エッセイも収録されている。再発盤としては、当時の作品を補足する資料性の高い形になっている。

音の印象

この作品は、フォークの基本的な編成と、歌詞をじっくり聴かせる作りが中心にある。派手な展開で引っぱるタイプというより、言葉と歌の運びを追うことで輪郭が見えてくるタイプの録音だ。演奏の手触りも、作品全体の気配を前に出すというより、声と言葉を支える方向に寄っている。

聴きどころは、楽曲の構造そのもの以上に、語りかけるような歌唱と、ひとつひとつのフレーズの間合いにある。フォークの素朴さを保ちながら、作家性のある言葉が前に出るところがこの作品らしさになっている。

同時代の文脈

同時代のフォーク・シーンでは、個人の内面や日常の感触を前に出すシンガーソングライターが増えていた。そうした流れの中で見ると、Pip Proudの作品も、単なる伝統曲の再演ではなく、作者自身の言葉を中心に置く方向のフォークとして位置づけやすい。比較対象としては、同じく言葉の比重が高いオーソドックスなフォーク・アーティストよりも、より私的な表現に寄った作家たちの系譜が思い浮かぶ。

補足

• アーティスト名: Pip Proud
• タイトル: Adreneline & Richard
• オリジナル年: 1968年
• 再発盤: 2014年
• ジャンル: Folk, World, & Country
• スタイル: Folk
• 付属物: 歌詞入りのグリーン印刷インナー・スリーブ、David Nicholsによる解説エッセイ

フォークという枠の中で、Pip Proudの個人的な書きぶりや歌い口がどのように出ているかを見るうえで、ひとつの重要な記録になっている一枚だ。

トラックリスト

• A1 – Adreneline And Richard (2:25)
• A2 – The Tennis Player (3:38)
• A3 – There Was Melancholy (3:58)
• A4 – Latin Version (2:12)
• A5 – Into Elizabeth’s Eyes (To Mother Whilst Dying) (4:32)
• A6 – Sounds (3:40)
• B1 – Purple Boy Gang (2:20)
• B2 – De Da De Dum (2:34)
• B3 – When Each Descends (2:18)
• B4 – We Crossed The Atlantic (3:07)
• B5 – The Old Servant (6:32)
• B6 – Laughter And Laughter (2:21)

関連動画

• Adreneline and Richard
• The Tennis Player
• There Was Melancholy
• Latin Version
• To Mother While Dying (Into Elizabeth’s Eyes)
• Sounds
• Purple Boy Gang
• De Da De Dum
• When Each Descends
• We Crossed the Atlantic

The Paul Butterfield Blues Band『The Resurrection Of Pigboy Crabshaw』

The Paul Butterfield Blues Band は、1960年代のアメリカン・ブルース・ロックを代表するグループのひとつだ。ハーモニカ奏者でバンド名の中心人物でもある Paul Butterfield を軸に、ブルースを土台にしながら、ロック、ソウル、ジャズの要素を取り込んでいったバンドである。

『The Resurrection Of Pigboy Crabshaw』は1968年作。バンドの活動がより大きく広がっていく時期の1枚で、初期のシカゴ・ブルース直系の印象から、ホーン・セクションを含むより厚い編成へと進んだ段階を示す作品として位置づけられる。Paul Butterfield のハーモニカだけでなく、バンド全体のアンサンブルの比重がかなり大きいアルバムだ。

作品の輪郭

この時期の Paul Butterfield Blues Band は、Elvin Bishop や Mike Bloomfield が在籍していた初期の編成からさらに変化し、Ralph Walsh、Gene Dinwiddie、David Sanborn、Trevor Lawrence、Steve Madaio らの名前もクレジットされる。ギター主体のブルース・ロックというより、ホーンを前面に出したソウル寄りのバンド・サウンドが核になっている。

収録曲のクレジットを見ると、複数の作家による楽曲が並び、ブルース・カバーとオリジナルが混在する構成になっている。こうした作りは、当時のブルース・ロック系バンドに共通するものでもあるが、このアルバムでは特に「演奏のまとまり」で聴かせる印象が強い。

音の特徴

ハーモニカ・ブルースの要素はもちろん残るが、全体の手触りは電化されたブルース、R&B、ソウル・バンドの方向に寄っている。リズム隊の押し出しが強く、ホーンの短いフレーズが曲の輪郭をはっきりさせる。ギターのリフ、ハーモニカ、ホーンがぶつかり合うというより、分業しながら前へ進む感じだ。

Paul Butterfield の作品群の中では、初期の「ブルースをロックに持ち込む」段階から、「ブルースを土台にしてバンド・アンサンブルを組み立てる」段階へ移ったことが見えやすい。Mike Bloomfield や Elvin Bishop のいた頃のギター主導の熱気とはまた違う、編成の厚みが前に出るアルバムである。

同時代とのつながり

1968年という年は、ブルース・ロックが拡張していった時期でもある。The Paul Butterfield Blues Band は、英国のブルース・ロック勢と比較されることも多いが、元々の出自はアメリカのブルース・シーンにあり、Chicago blues の流れをロックのフォーマットに接続した点で重要だ。

このアルバムでは、単純なブルース・コピーではなく、ソウルやジャズの要素を取り込んだバンド・サウンドが聴ける。後年のより洗練されたクロスオーバー系の流れを先取りした面もあり、当時のブルース・ロックの広がりの中でも少し独特の位置にある。

再発盤について

1989年のUK盤は、オリジナルの1968年盤からかなり時間を置いた再発である。ジャケットやクレジット表記については、裏面表記とレーベル表記で差が出ることがあり、この盤ではB5の作者クレジットがレーベル表記準拠で扱われている。再発盤を手に取る場合は、当時のオリジナル盤とはクレジットや表記の細部が異なることがある。

まとめ

『The Resurrection Of Pigboy Crabshaw』は、The Paul Butterfield Blues Band がブルース・ロックの枠を広げていく過程を示す1枚だ。ハーモニカを軸にしながら、ホーンを含む編成でソウル色を強めたサウンドが特徴で、初期作とは異なるバンドの顔つきが見えてくる。1968年という時代の空気と、ブルースを基盤にしたアメリカン・バンドの変化を感じやすい作品である。

トラックリスト

• A1 – One More Heartache (3:20)
• A2 – Driftin’ And Driftin’ (9:09)
• A3 – Pity The Fool (6:00)
• A4 – Born Under A Bad Sign (4:10)
• B1 – Run Out Of Time (2:59)
• B2 – Double Trouble (5:38)
• B3 – Drivin’ Wheel (5:34)
• B4 – Droppin’ Out (2:16)
• B5 – Tollin’ Bells (5:23)

関連動画

• The Paul Buterfield Blues Band – The Resurrection of Pigboy -1967 (FULL ALBUM)
• The Butterfield Blues Band* ‎ – The Resurrection Of Pigboy Crabshaw – side 1
• The Butterfield Blues Band* ‎ – The Resurrection Of Pigboy Crabshaw – side 2
• Driftin’ and Driftin’
• Lee Gerstmann reviews The Butterfield Blues Band’s “The Resurrection of Pigboy Crabshaw”
• One More Headache
• The Butterfleld Blues Band – The Resurrection of Pigboy Crabshaw.1967
• The Butterfield Blues Band – Droppin’ Out
• The Butterfield Blues Band – Run Out of Time
• Driftin’ and Driftin’ (Live at The Troubadour, Los Angeles, CA, March, 1970) (1997 Remaster)

Pugh Rogefeldt『Bolla Och Rulla』について

『Bolla Och Rulla』は、スウェーデンのシンガー／ギタリスト／ソングライター、Pugh Rogefeldtが1974年に発表したアルバムである。録音は1973年11月から1974年2月にかけて、ストックホルムのMetronome Studioで行われている。リリース元はMetronome Records AB。タイトルと同年の作品として出た、70年代前半のPugh Rogefeldtを知るうえでの一枚である。

Pugh Rogefeldtは1947年、ヴェステロース生まれ。1969年のデビュー作『Ja, Dä ä Dä』で注目を集め、その後1970年代には複数のアルバムを発表している。スウェーデン語で歌うロックを早い時期から押し出した存在として語られることが多く、英語圏のロックとは少し違う、地元の言葉とロックの感触が近いところにあるアーティストである。

作品の位置づけ

『Bolla Och Rulla』は、デビュー後に勢いを保っていた1970年代前半の流れの中にある作品で、当時のPugh Rogefeldtの活動をそのまま映している。70年代の彼は、デビュー盤以降も継続して作品を発表し、スウェーデンのロック・シーンで存在感を保っていた。

この時期の北欧ロックには、英米のロックを参照しながらも、母語での表現を前面に出す動きがあった。Pugh Rogefeldtはその流れの中で、歌詞の響きとロックの骨格を結びつけていった人物として見られることが多い。『Bolla Och Rulla』も、その文脈に置くと読みやすいアルバムである。

サウンドと内容

ジャンル表記はロック、スタイルはクラシック・ロック。演奏面では、当時のロック・アルバムらしいバンド感と、歌を中心に進む構成が軸になっている。録音時期が1973年末から1974年初頭にまたがることもあり、70年代前半のスタジオ・ロックの空気をそのまま閉じ込めたような制作背景である。

実際に聴くと、まず感じるのはPugh Rogefeldtの歌の前に出方である。メロディを強く押し出しつつ、言葉の置き方に独特の間がある。派手な技巧で引っ張るというより、曲の流れの中で声とギターを噛み合わせていくタイプの作りで、デビュー以来の彼らしさが残っている印象である。

アルバムの背景

クレジット上では、印刷されたインナー・スリーブを含む仕様となっている。収録曲はすべてMultitone AB出版。1974年のMetronome Records ABによるリリースで、当時のスウェーデン国内盤としてまとまった形の一枚である。

Pugh Rogefeldtはこの後も1970年代を通じて活動を続け、1978年にはMelodifestivalenに「Nattmara」で参加し3位となる。のちにはGrymlingsでの成功や、2008年の再共演作『Vinn Hjärta Vinn』、2012年のテレビ出演など、キャリアの節目がいくつも続く。その流れの中で見ると、『Bolla Och Rulla』は1970年代前半の充実期を示す作品のひとつとして位置づけられる。

同時代とのつながり

同じ時代のスウェーデン・ロックを考えると、母語で歌うロックの定着という点が重要である。Pugh Rogefeldtは、その先頭近くにいた人物のひとりで、後のスウェーデン語ロックやポップの土台になった流れとつながっている。英米のクラシック・ロックをそのままなぞるのではなく、言葉のリズムや歌い回しを前面に出すあたりに、この時代の北欧ロックらしさがある。

『Bolla Och Rulla』は、そうした背景の中で、Pugh Rogefeldtが1974年時点でどの位置にいたかを示す作品である。デビュー作ほど広く知られたタイトルではないかもしれないが、70年代スウェーデン・ロックの流れを追ううえでは外しにくい一枚である。

トラックリスト

• A1 – Hog Farm
• A2 – Silver-Lona
• A3 – Bolla Och Rulla
• A4 – Pansar Och Blod
• B1 – Dinga Linga Lena
• B2 – Grävmaskinen
• B3 – Mona
• B4 – Kajans Sång

関連動画

• Hog Farm
• Silver-Lona
• Bolla och rulla
• Pansar och blod
• Dinga linga Lena
• Grävmaskinen
• Mona
• Kajans sång

Judy Mowatt『Working Wonders』について

Judy Mowattの『Working Wonders』は、1986年にOverheat Recordsからリリースされたレゲエ作品。ジャマイカ出身のシンガーで、The Gaytonesの結成や、Bob Marley & The Wailersを支えたI Threesでの活動でも知られるJudy Mowattのソロ作のひとつである。録音はキングストン、マイアミ、ペンシルベニア州Gladwynなど複数のスタジオで行われ、ミックスはKajem Soundでまとめられている。

作品の位置づけ

Judy Mowattは、1970年代初頭からソロ活動を進めつつ、1973年にはRita Marley、Marcia GriffithsとともにI ThreesとしてBob Marley & The Wailersに参加した人物。その経歴を踏まえると、『Working Wonders』は、バック・ボーカルの重要人物としての経験と、ソロ・アーティストとしての視点が重なる時期の作品として捉えやすい。1980年代半ばのジャマイカン・レゲエの中で、ルーツ・レゲエの芯を残しながら、より聴きやすい歌ものの要素も意識した仕上がりに見える。

サウンドと制作

クレジットを見ると、Tuff Gong、Dynamic Sounds、Music Mountain、Criteria Sound、Kajem Soundと、録音環境が広い。ジャマイカとアメリカのスタジオが併用されていて、当時のレゲエ作品らしい制作背景がうかがえる。Overheat Recordsの作品として、日本盤ではCanyon Records. Inc.が配給を担当している点も特徴的だ。Blackstar LineやSonny Ochiaiのクレジットも入り、当時のレゲエ流通のつながりが見えてくる。

1980年代レゲエの文脈

1980年代のレゲエは、ルーツ寄りの作風と、ポップ寄りの聴きやすさが同居していた時期でもある。Judy Mowattの歌声は、その両方をまたぐ存在として語られることが多い。Rita MarleyやMarcia Griffithsと並ぶ女性ヴォーカリストとして、単にコーラスの人というより、曲の中心でしっかり歌を運ぶタイプのシンガーという印象が強い。『Working Wonders』も、その立ち位置を反映した一枚として見てよさそうだ。

聴きどころの輪郭

この作品は、派手な技巧で押すというより、歌の言葉とフレーズの運びで聴かせるタイプのアルバムとして受け取られることが多い。Judy Mowattの声は、I Threes時代から一貫して、低めの落ち着いた響きと芯のある発音が印象に残る。『Working Wonders』でも、その持ち味が前面に出る構成と考えやすい。

まとめ

『Working Wonders』は、Judy Mowattのソロ・キャリアと、ジャマイカン・レゲエの80年代的な制作感覚が重なる作品。ルーツ・レゲエの土台に、歌ものとしてのまとまりを持たせた一枚として整理できる。I Threesの歴史を知っていると、彼女がソロでどのように自分の歌を展開していたかを見る手がかりにもなる。

トラックリスト

• A1 – Black Man, Brown Man
• A2 – Working Wonders
• A3 – Lovemaking
• A4 – Let’s Dance
• A5 – So Many Eyes
• B1 – Mother Africa
• B2 – Ethiopia Salaam
• B3 – Hush Baby Mother
• B4 – Traveling Woman
• B5 – King’s Highway

関連動画

• Black Man, Brown Man
• Working Wonders
• So Many Eyes
• King’s Highway
• Let’s Dance
• Traveling Woman
• Mother Africa
• Ethiopia Salaam
• Lovemaking
• Hush Baby Mother

Quasar『The Loreli』(1989)について

Quasarは、1979年にKeith TurnerとMike Kenwrightを中心に始動した英国のロック・バンドで、プログレッシブ・ロックの作法を軸に楽曲を組み立ててきたグループだ。のちに拠点をサンフランシスコへ移し、メンバー変遷を重ねながら活動を続けている。『The Loreli』は1989年に登場した作品で、バンドのディスコグラフィーの中でも初期の重要作として見ておきたい1枚だ。

作品の輪郭

本作はUKリリースのオリジナル盤で、ピクチャー／歌詞入りのインナー・スリーヴ付き。録音はイングランドのPotters BarにあるBelair Studios、マスタリングはロンドンのCTS Studiosで行われている。クレジット上ではSleeve concept by Quasarとあり、作品の見せ方までバンド自身が手がけている点が目につく。

ブックレットというより、歌詞を追いながら曲を聴くタイプの仕様で、プログ・ロック作品らしい作り込みがうかがえる。Special thanksとしてJim Greenへの謝辞が記されており、「このアルバムは彼なしには存在しなかった」と読める一文が添えられているのも印象的だ。さらに「John Timms for the bacon?」という軽い一言まであり、硬質な作品紹介の中に少しだけ身内感のある空気が残っている。

Quasarというバンドの位置づけ

Quasarは、英国のプログレッシブ・ロックの流れを引き継ぐバンドとして知られ、1980年代後半の時点でも、その語法を比較的まっすぐに保っていたグループだ。1989年という年代を考えると、同時期の英国ロックが新しい波やポップ寄りの制作に傾くなかで、長尺構成や演奏主導の感触を前に出す姿勢が際立つ。

比較対象としては、同じくメロディと組曲的展開を重視する英国プログレ勢の系譜が思い浮かぶ。とはいえ、本作は大仰な時代再現というより、バンドの内部で積み上げた書法をそのまま記録したような立ち位置に見える。Keith Turnerを中心に、トレードマークのような作曲スタイルが続いている点も、Quasarらしさとして押さえておきたいところだ。

メンバー・クレジット

本作に関連するクレジットには、Paul Vigrass、Nick May、Steve Leigh、Tracy Hitchings、Dillon Tonkin、Dave Wagstaffe、Steen Doosing、Cyrus Khajavi、Peter Strade、Keith Turner、Toshi Tsuchiya、Nick Williams、Kevin Fitzgerald、Susan Robinson、Mike Kenwright、David Cairns、Greg Studley、Keren Gaiser、Robert Robinson、Paul Johnsonといった名前が並ぶ。Quasarの周辺には多くの参加者がいて、制作や演奏の広がりを感じさせる。

アーティストプロフィール上では、現在のラインアップはKeith Turner、Robert Hunt Robinson、Paul Johnson、Greg Studley、Keren Gaiserとされている。1989年のこの作品は、そうした長い変遷の途中にある時期の記録として読むことができる。

サウンドの印象

実際に聴くと、曲は歌を軸にしながらも、演奏の切り替えや展開で聴かせる場面が多い。ギター、キーボード、歌の役割分担がはっきりしていて、フレーズの受け渡しで曲が進むタイプの作りだ。派手な即効性より、構成の積み重ねで曲を立ち上げる感触がある。

また、歌詞付きインナーが付属していることもあって、内容を言葉で追いながら聴く楽しみがある。プログ・ロックの文脈では、演奏だけでなく、詞の世界観も作品の一部として扱う傾向があるが、『The Loreli』もその流れにある1枚といえる。

代表曲について

収録曲の中で特定のヒット曲が一般的に広く知られているタイプの作品ではなく、アルバム全体で流れを聴かせる性格が強い。なので、1曲だけを切り出して語るより、通して聴いたときの構成やテーマのまとまりに目を向けたほうがこの作品には合っている。

まとめ

『The Loreli』は、Quasarが1989年に残した英国プログレッシブ・ロック作品で、バンド自身の概念設計、歌詞付きの仕様、英国内スタジオでの制作がそろった記録だ。メンバーの入れ替わりを経ながらも、作曲と演奏を軸にした姿勢は一貫していて、Quasarの活動史をたどるうえで外せない位置にある。

80年代末のプログ・ロックを、当時の文脈のまま残したアルバムとして見ておきたい。

トラックリスト

• A1 – The Loreli (5:10)
• A2 – Seeing Stars Part 2 (The Dark Star) (4:56)
• A3 – As You Fall Asleep… (10:34)
• B1 – Logic? (10:30)
• B2 – Power In Your Hands (7:02)

関連動画

• Quasar – The Loreli. 1989. Progressive Rock. Neo Prog. Full Album
• The Loreli
• As You Fall Asleep…
• Logic?
• Power In Your Hands

Lily『V.C.U. (We See You)』について

『V.C.U. (We See You)』は、ドイツ・フランクフルト周辺で活動していたプログレッシブ／ジャズ・ロック系バンド、Lilyのアルバム。オリジナルは1973年作で、ベルリン系ではなくフランクフルトのローカル・シーンから出てきたバンドらしい、演奏重視の作品として知られている。2012年盤はMalesch Records／Long Hairからの再発で、オリジナル盤はBellaphonから出たもの。

バンドの流れとしては、もともとThe Modsを起点に、のちにMonsunとしてまとまり、1973年の録音時にBellaphon側の意向でLily名義になった、という経緯がある。つまりLilyは完全に新しい始まりというより、60年代半ばから続くバンドの変遷の一段階という位置づけになる。

アルバムの背景

レコーディングは1973年、Dierks Studioで行われた。メンバーはWilfried Kirchmeier、Manfred-Josef Schmid、Klaus Lehmann、Manfred Schlagmüller、Hans-Werner Steinberg。中心人物としては、ギターのManfred-Josef Schmidとベース／ヴォーカルのWilfried Kirchmeierが核になっている。

バンドは1972年春のデモ録音でプロデューサーのPeter Haukeに注目され、FrankfurtのZoom Clubでのライヴを経て契約に至ったとされる。1973年1月にDierks Studioで3日間のセッションを行い、その成果がこのアルバムになった。Bellaphonは彼らを“glitter rock”寄りに売り出そうとし、国際的で華やかな名前としてLilyを採用した、という経緯も残っている。

作品の位置づけ

『V.C.U. (We See You)』は、バンドにとって最初のアルバムであり、同時に最も知られる時期の記録でもある。発売当時は大きなセールスにはつながらず、販売数は多くなかったとされる。その後、1973年末にSchmidが脱退し、バンドは徐々に縮小していくため、この作品は初期Lilyのまとまりを示す一枚として見られることが多い。

1970年代前半のドイツ産ロックという文脈では、いわゆるクラウトロックの流れの中に置かれる作品で、同時代の実験性や演奏の切り込み方を持ちながら、メロディや曲の進行にはよりロック・バンドらしい感触もある。ジャズ・ロック、プログレッシブ・ロック、サイケデリック・ロックの要素が交差するあたりが、この時期のドイツのバンドらしいところ。

再発盤について

2012年盤は2011年ライセンス表記の再発で、ジャケットや付属資料を含めて当時の作品を現在の流通で聴ける形にしたもの。オリジナル盤との大きな違いは、再発盤としての入手性の高さと、インサート付きである点。内容そのものは1973年録音のアルバムをそのまま収めたものとして扱える。

聴きどころとして見える点

実際に耳を通すと、バンド名義の変遷や売り出し方の印象とは別に、フランクフルトのローカル・バンドがスタジオでしっかり組み上げた演奏盤という印象が残る。管楽器を含む編成と、ギター、ベース、ドラムの連携が軸になっていて、歌ものだけに寄らない構成が特徴的だろう。

また、英語圏の派手なグラム・ロックとは少し距離があり、ドイツ国内のプログレ／ジャズ・ロックの文脈で聴くと、当時の空気感が見えやすい一枚だと思える。

まとめ

Lilyの『V.C.U. (We See You)』は、Monsunから続く流れの中で1973年に形になった、ドイツ産プログレッシブ／ジャズ・ロックのアルバム。オリジナル盤はBellaphonから、2012年にはMalesch Records／Long Hairによる再発盤が出ており、70年代前半のドイツ・ロックの一断面を伝える作品として位置づけられる。

トラックリスト

• A1 – In Those Times (9:12)
• A2 – Which Is This (4:25)
• A3 – Pinky Pigs (6:35)
• B1 – Doctor Martin (4:37)
• B2 – I’m Lying On My Belly (Including “Tango Atonale”) (5:57)
• B3 – Eyes Look From The Mount Of Flash (9:42)

関連動画

• In Those Times
• Which Is This
• Pinky Pigs
• Doctor Martin
• I’m Lying On My Belly (Incl. Tango Atonale)
• Eyes Look from the Mount of Flash
• Chemical New York (Bonus Track)
• Adlerbar (Bonus Track)
• Catch Me (Bonus Track)
• The Wanderer (Bonus Track)

Phaesis『Réminiscence』（1989）について

フランスのプログレッシブ・ロック・バンド、Phaesisによる『Réminiscence』は、1989年にフランスで発表された作品です。バンドは1982年に結成されており、この時期のフレンチ・プログレの流れの中で活動していたグループのひとつとして見てよさそうです。

作品の基本情報

• アーティスト: Phaesis
• タイトル: Réminiscence
• リリース年: 1989年
• 国: フランス
• ジャンル: Rock
• スタイル: Prog Rock

制作クレジット

録音はStudio Phaesisで行われ、アレンジとミックスはStudio Milk Shakeで仕上げられている。バンド自身のスタジオ名が記されている点からも、制作面でかなり主体的に関わった作品だったことがうかがえる。

メンバー

• Dominique Vassart
• Patrick Parmentier
• Rachid Tazibt
• Eric Herbillon

フランスのプログレ文脈で見る一枚

1980年代後半のフランスでは、70年代の大作志向をそのまま引きずるというより、バンドごとの個性を前面に出したプログレッシブ・ロックが点在していた。Phaesisもその流れの中に置けるグループで、英語圏の大手勢とは違う、フランス国内の独自のロック表現の一端を示す存在といえる。

同時代のプログレを思い浮かべると、演奏の緻密さや構成重視の姿勢は共有しつつも、フランス勢はよりヨーロッパ的な色合いを持つことが多い。Phaesisについても、その地域性の中で理解すると見通しが立ちやすい。

作品としての位置づけ

『Réminiscence』は1989年作として、Phaesisの活動の中でもバンドの表現がまとまっていた時期の記録と受け取れる。1982年結成から数えて7年ほどの時点で出た作品であり、バンドとしての経験値が反映された一枚と見ることができる。

聴きどころとして見える点

実際に音源を聴いた印象として書ける範囲ではないが、クレジットやジャンル表記からは、演奏の組み立てや曲の流れを重視した作りが想像しやすい。タイトルの『Réminiscence』も、記憶や回想を連想させる語感があり、アルバム全体を通じてひとつのまとまりを意識した構成だった可能性を感じさせる。

まとめ

Phaesis『Réminiscence』は、1989年のフランス産プログレッシブ・ロック作品として、バンドの制作姿勢と当時のフランス・ロックの空気を伝える一枚。録音からアレンジ、ミックスまでを含めて、グループの手触りが強く出た作品として眺めると、その位置づけが見えやすい。

トラックリスト

• A1 – Intrusion
• A2 – Fly Away
• A3 – Paradoxe
• A4 – Réminiscence
• A5 – Human
• B1 – Radiance
• B2 – You
• B3 – Aurore
• B4 – Final Flight

関連動画

• Intrusion / Fly Away)
• Paradoxe / Réminiscence / Human
• Radiance
• You
• Aurore / Financial Flight)

Hako Yamasaki『幻想旅行』について

『幻想旅行』は、山崎ハコが1981年に発表した作品である。山崎ハコは、1970年代のフォークブームを代表するシンガーソングライターのひとりで、ハスキーな歌声と、日常感のある言葉をそのまま置いていくような歌い方で知られる。本作も、その持ち味が前面に出た時期のアルバムとして聴ける作品だ。

作品の位置づけ

山崎ハコは1975年のデビュー以降、コンスタントに作品を重ねてきた。本作が出た1981年は、フォークの文脈だけでは収まりきらない歌作りが、ロックやブルース寄りの感触も含めて広がっていった時期に当たる。『幻想旅行』というタイトルからも、現実の風景をそのまま写すというより、内面の揺れや視点の移動を曲に落とし込む方向性がうかがえる。

音の輪郭

クレジット上のジャンルはRock、Blues、Pop、Folk、World & Country、スタイルはVocal、Blues Rock、Pop Rock、Folkとなっている。山崎ハコの作品として見ると、アコースティックな歌を軸にしつつ、バンドの厚みやブルース由来の粘りを含んだ音像が想像しやすい。歌そのものを中心に据えた構成で、伴奏はあくまで言葉と旋律を支える役回りになりやすいタイプの作品だろう。

山崎ハコらしさ

山崎ハコの楽曲は、感情を大きく誇張するよりも、抑えた温度のまま深いところへ入っていく曲が多い。本作でも、その線は続いていると見てよさそうだ。声質の個性が強いだけでなく、歌詞の言い回しや間の取り方に独特の重さがあるため、派手な展開よりも一曲ごとの言葉の運びが印象に残りやすい。

同時代との関わり

1980年前後の日本のシンガーソングライター作品は、フォークの語り口を残しながら、編成やサウンド面でロック化・ポップ化していく流れが見られる。山崎ハコもその流れの中にいて、同時代の女性シンガーソングライターの中でも、率直さよりも陰影のある歌で存在感を示していた。吉田拓郎系のフォーク・ロックや、井上陽水のような言葉の感触を重視する流れとも近く、ただし山崎ハコの場合は、より硬質で、個人の体温がそのまま録音に残るような印象が強い。

代表曲について

山崎ハコの代表曲としては「呪い」「気分をかえて」「織江の唄」などがよく知られている。『幻想旅行』がそのまま最大のヒット作というより、彼女の表現の幅を確認できる時期の一枚として見られることが多い。こうした代表曲に通じる、歌の強さと、感情を抑え込んだまま積み上げる作法は、本作でも確認できるはずだ。

聴きどころの見方

この作品を聴くときは、メロディの派手さよりも、声の質感、言葉の置き方、伴奏との距離感に注目すると輪郭がつかみやすい。山崎ハコの作品は、1曲単位で大きく盛り上げるというより、曲が進むにつれてじわじわと印象が残るタイプが多い。『幻想旅行』も、その流れの中で位置づけられるアルバムとして捉えやすい。

1981年という時点での山崎ハコの歌を知るうえで、ひとつの節目として置いておける作品だ。

トラックリスト

• A1 – 幻想旅行
• A2 – 北北東
• A3 – 終点まで満員
• A4 – 東北・都
• A5 – 雪の道
• B1 – サンクチュアリーへ
• B2 – 港の歌
• B3 – さくら
• B4 – 歌は旅
• B5 – 旅路

関連動画

• Hako Yamasaki – Genso Ryoko/山崎ハコ – 幻想旅行 (1981)

Azitis『Help』について

Azitisの『Help』は、1971年に発表されたサイケデリック・ロック作品。アメリカ・カリフォルニア州サクラメントで活動した宗教系のサイケデリック・バンドによる録音で、バンド名は「AZZ’-it-iz」、つまり「As It is」と読む。

メンバーはMichael Welch、Dennis Sullivan、Steve Nelson、Donald Lowerの4人。作品全体は、当時のアメリカのサイケデリック・ロックの流れの中にありながら、宗教性を前面に出している点が特徴になっている。

作品の位置づけ

『Help』は、Azitisにとって重要な記録盤として扱われる作品。宗教性を含んだサイケデリック・ロックという組み合わせは、同時代の一般的なバンドと比べてもかなり特徴がはっきりしている。60年代末から70年代初頭にかけてのアメリカ西海岸周辺のサイケデリック作品の文脈で見ると、音の作りやテーマの置き方に個性が出やすいタイプの録音といえる。

ジャンル表記はRock、スタイルはPsychedelic Rock。こうした整理からも、ギター主体のバンド・サウンドを軸にした作品として受け取れる。

内容と聴きどころ

この作品については、録音や曲の細部まで聴き込んで語られる機会は多くないが、一般に知られる範囲では、宗教的メッセージを含みつつ、当時らしいサイケデリックな展開を持つアルバムとして扱われている。タイトル曲の「Help」は作品名を冠した中心曲として見られやすく、アルバム全体の印象を示す役割を担っている。

また、Azitisは長くオリジナル盤が入手しにくい存在だったため、この『Help』はコレクターズ・アイテムとしても注目されてきた。カルト的な再評価を受けるタイプの70年代アメリカン・サイケ作品の一つ、という位置づけがしっくりくる。

2015年リイシュー盤について

ここで扱う2015年盤は、ギリシャで出た公式再発盤。180グラムのブラック・ヴァイナル仕様で、シングル・スリーブのジャケット、750枚限定。さらに「First ever official reissue」とされており、初の正式再発として出された点が大きい。

オリジナルの1971年盤と比べると、2015年盤は入手性の面で大きく意味があるリリース。内容面そのものはオリジナル作品をそのまま伝える再発盤として理解できる。

同時代の文脈

1971年前後のアメリカでは、サイケデリック・ロックが一段落したあとも、宗教色を帯びたロックや、精神性を前面に出した作品がいくつか現れている。Azitisの『Help』もその流れに置くと見やすい。派手なヒットを狙うというより、バンドの背景や信念がそのまま記録されたアルバムとして捉えられる作品だ。

同時代のサイケデリック系作品と並べて聴くと、音の広がりだけでなく、メッセージの置き方にも差が出やすいタイプ。そうした点が、この盤の個性になっている。

まとめ

Azitis『Help』は、1971年のアメリカ西海岸発サイケデリック・ロックの記録であり、宗教性を含んだバンドの姿勢がそのまま残された作品。2015年のギリシャ盤は、その初の正式再発として重要な位置を持つ。オリジナル盤の入手難を背景に、カルト作品として知られてきた一枚だ。

トラックリスト

• A1 – Creation / Lord I Saw You Cry (6:09)
• A2 – There Is An Answer (3:43)
• A3 – Who Will Be (3:22)
• A4 – The Prophet (6:08)
• B1 – Time Has Passed (4:56)
• B2 – From This Place (3:27)
• B3 – Hope To Save (3:59)
• B4 – Judgement Day (4:45)

関連動画

• Azitis “Help” 1971 *(Creation) Lord I Saw You Cry*
• Azitis “Help” 1971 *There Is An Answer*
• Azitis “Help” 1971 *Who Will Be*
• Azitis “Help” 1971 *The Prophet*
• Azitis “Help” 1971 *Time Has Passed*
• Azitis “Help” 1971 *From This Place*
• Azitis “Help” 1971 *Hope To Save*
• Azitis “Help” 1971 *Judgement Day*
• Creation, Lord I Saw You Cry
• There Is An Answer

Pink Floyd『Relics』について

『Relics』は、Pink Floydが1971年に発表した編集盤だ。オリジナル・アルバムではなく、初期シングルや未発表曲、アルバム収録曲の別テイクをまとめた内容で、バンドのサイケデリック期を手早くたどれる1枚になっている。1971年という時点で、すでに『The Dark Side of the Moon』以前のPink Floyd像を整理して見せる役割を持っていた作品でもある。

作品の位置づけ

Pink Floydはロンドンで結成されたイングリッシュ・ロック・バンドで、初期はSyd Barrettを中心にした実験色の強いサイケデリック・ロックで知られる。『Relics』には、その時代の流れがそのまま入っている。のちの大作主義やコンセプト・アルバムのイメージよりも前の、短い曲、ラフな演奏、遊びのある音作りが目立つ構成だ。

バンドにとっては、シングル曲やアルバム未収録曲をまとめた“初期資料集”のような意味合いが強い。正規アルバムの流れとは少し違って、Pink Floydの出発点を確認できる位置づけと言える。

収録曲の特徴

この作品でよく知られるのは、初期代表曲の「Arnold Layne」や「See Emily Play」を含む点だ。どちらもSyd Barrett在籍期の重要曲で、当時の英国サイケデリック・シーンを語るうえで外せない存在になっている。ほかにも『The Piper at the Gates of Dawn』や『A Saucerful of Secrets』期の曲が入り、時期の幅が見える。

編集盤なので、曲の並びからアルバムとしての統一感を強く押し出すタイプではない。ただ、初期Pink Floydにありがちな奇妙さ、軽さ、実験性が一枚の中で続いていくので、バンドの変化前夜を聴く感覚ははっきりある。

サウンドと時代感

サウンドは、のちのプログレッシブ・ロックの大編成な展開というより、60年代後半の英国サイケデリック・ロックの文脈に近い。ギターのフレーズ、オルガン、効果音の使い方に、当時の実験精神が出ている。The Beatles後期の遊び心や、Soft Machine、The Move、The Niceあたりと並べて語られることのある時代の空気も感じやすい。

一方で、Pink Floydらしい“空間の使い方”や、音の隙間を活かす感覚はすでに見える。派手な技巧を前面に出すというより、曲ごとの手触りで引っ張るタイプの内容だ。

この盤ならではの点

今回の日本盤は黒盤、ゲートフォールド仕様とされている。編集盤としての性格上、オリジナル・アルバムのような統一コンセプトはないが、ジャケットを開く楽しさも含めて、コレクション性のある作りになっている。

『Relics』は、Pink Floydの完成形を聴く作品というより、完成前の姿をまとめて見せる作品だ。Syd Barrett期の断片、シングル向けの短い曲、実験の痕跡がまとまっていて、バンドの初期像をつかむにはわかりやすい。

まとめ

1971年の『Relics』は、Pink Floydの初期をコンパクトに並べた編集盤だ。代表曲「Arnold Layne」「See Emily Play」を含み、サイケデリック・ロックからプログレッシブ・ロックへ向かう前の段階が見える内容になっている。バンドの歴史をたどるうえで、非常にわかりやすい入口のひとつと言える。

トラックリスト

• A1 – Arnold Layne (2:52)
• A2 – Interstellar Overdrive (9:38)
• A3 – See Emily Play (2:54)
• A4 – Remember A Day (4:28)
• A5 – Paintbox (3:35)
• B1 – Julia Dream (2:35)
• B2 – Careful With That Axe, Eugene (7:45)
• B3 – Cirrus Minor (5:13)
• B4 – The Nile Song (3:23)
• B5 – Biding My Time (5:16)
• B6 – Bike (3:21)

Man『Slow Motion』(1974)

ウェールズのロック・バンド、Manによる1974年作。サイケデリック・ロックとプログレッシブ・ロックの要素を含みつつ、バンドの持つ長尺志向と曲ごとの展開を押し出したアルバムとして知られる作品だ。Manは1968年結成、The Bystandersを前身に持つバンドで、70年代の英ロック文脈の中でも、自由度の高い演奏と曲の流れで評価されてきた。

作品の位置づけ

『Slow Motion』は1974年のManを知るうえで重要なタイトルのひとつ。バンドはこの時期、メンバーの出入りを重ねながらも、Micky Jones、Deke Leonard、Martin Ace、Terry Williamsらを軸に活動を続けていた。アメリカ盤として出たこのオリジナル・リリースも、当時のManが持っていた“曲をじっくり聴かせる”性格をよく示す1枚として扱われることが多い。

同時代の英ロックでいうと、CanやPink Floydのような実験性の強い流れというより、よりバンド演奏の手触りが前に出るタイプ。アメリカ盤ながら、英国産のプログレ/サイケの空気をそのまま持ち込んだ作品という印象が強い。

タイトルとジャケットのエピソード

タイトルは、ジャケットのデザインを手がけたRick Griffinへの挑戦として選ばれたという話が残っている。もともとはMad誌のキャラクター、Alfred E. Neumanが魚を振り回すような案も試されたが、Mad側の意向で採用されず、最終的には“魚”のイメージを前面に出した構図になった。バンド名「Man」も、Madのロゴを思わせる書体で表記されている。

こうした背景を知ると、単なるアルバム・タイトル以上に、ユーモアや引用を含んだアートワークとして見えてくる。70年代のロック作品らしい、音楽とパッケージが一体になった作りだ。

内容面の特徴

収録曲は、演奏の流れや曲間のつながりを意識した作りが目立つ。Manらしいのは、派手なフックだけで押すのではなく、ギター、ベース、ドラム、キーボードが少しずつ場面を変えながら進むところ。Terry Williamsのドラム、Micky JonesやDeke Leonardのギター、Phil Ryanの鍵盤が絡む場面では、バンドの編成そのものがそのまま曲の推進力になっている。

ヒット曲を前面に置くタイプの作品というより、アルバム全体を通して聴くことで輪郭が見える内容。Manのカタログの中でも、即効性よりも演奏の展開で聴かせる性格がはっきりしている。

オリジナル盤について

このUS盤は1974年のオリジナル・リリース。クレジットとストーリーを載せたプリント入りインナー・スリーブが付属している。ラベル表記や曲尺の違いなど、近いUS盤がいくつか存在するが、この盤は1974年の初出時の内容として位置づけられる。

• アーティスト: Man
• タイトル: Slow Motion
• リリース年: 1974年
• 国: US
• ジャンル: Rock
• スタイル: Psychedelic Rock, Prog Rock

まとめ

『Slow Motion』は、Manというバンドの演奏力、曲の運び、そして70年代ロックらしいジャケット文化まで含めて楽しめる1枚。派手な代表曲で押す作品ではないが、バンドの個性がアルバム単位でまとまって出ている作品として、1974年のManを示す重要な記録になっている。

トラックリスト

• A1 – Hard Way To Die (5:17)
• A2 – Grasshopper (5:09)
• A3 – Rock And Roll You Out (3:50)
• A4 – You Don’t Like Us (4:32)
• B1 – Bedtime Bone (5:54)
• B2 – One More Chance (4:20)
• B3 – Rainbow Eyes (6:02)
• B4 – Day And Night (4:05)

関連動画

• Hard Way to Die
• Grasshopper
• Rock and Roll You Out
• You Don’t Like Us
• Bedtime Bone
• One More Chance
• Rainbow Eyes
• Day and Night
• Rock and Roll You Out (First Mix)
• A Hard Way to Live (Live)

Sage And Seer『Sage And Seer』について

Sage And Seerは、デンバーを拠点に活動した短命のフォーク・ポップ／サイケデリック・デュオ。メンバーはDavid ReaとDon Beckmannの2人で、1969年に同名作を残している。今回の盤は2021年リリースのスペイン盤で、オリジナル期の録音をまとめた再発盤として位置づけられる。

録音はJackson Sound Productionsで行われており、収録曲に加えてA7とB7には当時のシングルからのボーナストラックが入る。500枚限定。4ページのインサートには写真とバンドの経歴が掲載され、小さなポスターに歌詞を収めた仕様になっている。

作品の輪郭

クレジット上のジャンルはRock、Pop、スタイルはFolk Rock、Psychedelic Rock、Pop Rock。いわゆる大編成のロックというより、2人組ならではのまとまりで聴かせるタイプの作品として捉えやすい。1960年代後半のアメリカ西部圏で生まれたフォーク寄りのポップ・サイケの流れに置くと、時代感がつかみやすい。

同時代の文脈で見ると、フォークの語り口にポップなメロディ、そこへサイケデリック・ロックの色合いを重ねた作りで、当時のアンダーグラウンド寄りの作品群とも接点がある。派手なヒット曲で知られるタイプではなく、作品全体のまとまりや曲調の移り変わりで聴かれる一枚といえる。

再発盤としての特徴

2021年盤は、オリジナル1969年盤の内容に加えて、シングル由来のボーナストラックを収録している点が大きい。さらに、写真や歴史をまとめたインサート、歌詞入りの小型ポスターが付属するため、作品そのものだけでなく、当時のバンドの記録を補う資料性もある。

オリジナル盤をそのまま追うというより、関連音源と解説資料を足して全体像を見せる再発盤、という印象。短命デュオの足跡をたどるうえで、まとまった形で手に取りやすい仕様になっている。

この作品で押さえたい点

• アーティストはデンバー拠点の短命デュオ、Sage And Seer
• オリジナルは1969年作
• 2021年にスペインで再発
• 録音はJackson Sound Productions
• 2人組のフォーク寄りポップ／サイケ色のある作品
• シングル音源のボーナストラック入り
• 写真、バンド史、歌詞付きの付属物あり

1960年代末のフォーク・ロックやポップ・サイケの周辺を追うときに、名前を覚えておきたい一枚。作品単体というより、デンバーのローカルな流れや、当時のシングル音源まで含めて眺めると輪郭が見えやすいタイトルだ。

トラックリスト

• A1 – Pictures Through A Sunday Afternoon
• A2 – She Died Again
• A3 – Candle
• A4 – I’ve Cried
• A5 – Time Has Come Between Us
• A6 – Be Still When You Cry
• A7 – Calling
• B1 – Clarissa
• B2 – I Want You To Know
• B3 – All Those Yesterdays
• B4 – No
• B5 – Blue, Blue And Blue
• B6 – Farewell, St. John
• B7 – I Can’t Take You Home

関連動画

• Sage and Seer – All Those Yesterdays
• Time Has Come Between Us – Sage And Seer
• Sage and Seer – I Want You To Know
• Sage & Seer – Pictures Through A Sunday Afternoon (vinyl rip)
• Sage & Seer – Sage & Seer (1969) [Full Album]

Icehouse『Primitive Man』について

Icehouseの『Primitive Man』は、1982年9月に発表された2作目のアルバムで、バンド名をIcehouseに改めた後の早い時期の作品だ。オーストラリア出身のグループとして出発し、初期にはFlowers名義で活動していたが、1981年にChrysalisと契約したのを機に現在よく知られるIcehouseへと改名している。もともとRoxy MusicやT. Rex、David Bowie系の流れを演奏していたという背景もあり、このアルバムにもそうした80年代初頭の洗練されたロックとシンセポップの感触が見える。

作品の位置づけ

『Primitive Man』は、Icehouseにとって初期の代表作のひとつとして扱われることが多い。デビュー作『Icehouse』から続く流れの中で、より広いリスナーに届いた時期の作品であり、バンドの名前と音楽性を結びつける役割も大きい。後年、英国盤では1983年に『Love In Motion』として再発されている。

サウンドの印象

収録音の中心にあるのは、シンセサイザーの輪郭がはっきりしたポップ・ロックだ。電子音の質感を前に出しつつ、バンド演奏の芯も残していて、ニュー・ウェイヴ期らしい整った作りになっている。Iva Daviesのボーカルは、押し出しの強さよりも、線の細さと抑えた表情で曲を運ぶタイプで、曲ごとの温度差をあまり大きくしないまま進んでいく。

同時代の文脈で見ると、Roxy Music以降の都会的なロック感覚と、80年代前半のシンセポップの整理された音作りが近い。ニュー・ウェイヴ、ポップ・ロック、シンセポップの接点に置けるアルバムだと言える。

代表曲・注目曲

このアルバムを語るうえでは「Hey Little Girl」が外せない。Icehouseの代表曲として知られ、後の活動を見ても重要な位置にある楽曲だ。もうひとつ「Great Southern Land」もよく挙げられる曲で、バンドの名前を広めた楽曲群の中でも存在感がある。どちらも、シンセのフレーズと歌の運びが明確で、1982年という時期の音像をよく示している。

メンバーについて

クレジットにはIva Daviesを中心に、Simon Lloyd、John Lloyd、Keith Welsh、Michael Hoste、Andy Qunta、Robert Kretschmer、Paul Wheelerらの名前が並ぶ。Icehouseは時期によって参加メンバーの変動が大きいグループで、このアルバムのクレジットからも、固定的なバンドというより制作体制を含む流動的な編成が見えてくる。

まとめ

『Primitive Man』は、IcehouseがFlowers時代からIcehouseへ移行した後の代表的な初期作品で、1982年当時のシンセポップ／ニュー・ウェイヴの空気をまとったアルバムだ。派手さよりも曲構成と音の整理に重心があり、代表曲「Hey Little Girl」や「Great Southern Land」を通して、バンドの初期像をつかみやすい一枚になっている。

トラックリスト

• A1 – Uniform (4:09)
• A2 – Street Cafe (4:22)
• A3 – Hey’ Little Girl (4:10)
• A4 – Glam (3:18)
• A5 – Great Southern Land (5:14)
• B1 – Trojan Blue (4:59)
• B2 – Love In Motion (3:34)
• B3 – Mysterious Thing (4:21)
• B4 – One By One (3:57)
• B5 – Goodnight, Mr. Matthews (3:57)

関連動画

• Icehouse – Great Southern Land
• Icehouse – Love In Motion
• Trojan Blue
• Hey, Little Girl
• Uniform
• Great Southern Land
• Mysterious Thing
• Street Cafe
• Glam
• One By One

Synthesis『Synthesis』について

フランスのプロジェクト、Synthesisによるアルバム『Synthesis』は、オリジナルが1976年にRCAから出た作品。ここでの2002年盤は、その1976年作の再発盤にあたる。ジャズ、ロック、ファンク／ソウルの要素をまたぐ内容で、ソウル・ジャズ、ジャズ・ロック、ジャズ・ファンク、フュージョンの流れに置かれる1枚だ。

作品の輪郭

この作品には、Didier Lockwood、Chantal Curtis、Paula Moore、François Jeanneau、Marc Chantereau、André Ceccarelli ら、フランスのジャズ／スタジオ系で知られる演奏家が並ぶ。大編成の気配があり、ホーン、リズム、ヴォーカルが前に出る作りが想像しやすい参加メンバー構成だ。

収録曲の詳細はここでは触れないが、1970年代半ばのフランス産フュージョンとして、当時のジャズの即興性と、ロックやファンクの拍感を接続するタイプの作品として見ることができる。クロスオーバー期の録音らしい、編成の厚みとリズムの推進力が軸になっているアルバムだ。

1976年という時代性

1976年は、ジャズが電気化し、ロックやソウルの語法を取り込んでいった時期。アメリカではマイルス・デイヴィス以後の流れや、ウェザー・リポート、ハービー・ハンコック周辺の動きが広く影響を与えていた時代で、ヨーロッパでもその感覚を独自に咀嚼した作品が増えていた。『Synthesis』も、その文脈に置ける1枚といえる。

フランス勢の作品として見ると、ジャズの演奏技術を土台にしながら、ファンクの反復やロック寄りのアレンジを組み合わせる方向性が読み取りやすい。国際的なクロスオーバーの空気を、フランスのプレイヤーがどう扱っていたかを知る手がかりにもなる。

再発盤としての位置づけ

2002年盤は、1976年のオリジナル盤をもとにした再発。したがって、作品そのものの成立は1976年で、2002年はあくまで盤のリリース年になる。再発によってオリジナルの流通に触れやすくなったタイプのタイトルと考えられる。

リリースノートには、トランペット奏者 Freddy Hovsepian への謝辞や、Georgs Mary、Violette Paredes への感謝が記されている。こうしたクレジットは、当時の制作現場の人間関係や、セッションの雰囲気を伝える要素でもある。

聴きどころとして見えやすい点

• Didier Lockwood のヴァイオリンが軸になる可能性
• ホーン・アレンジの厚みと、ジャズ寄りの推進力
• ファンク由来の反復と、フュージョンらしい展開
• ヴォーカルを交えたソウル寄りの色合い

実際の音像としては、技巧だけを前面に出すより、編成全体でグルーヴを作るタイプのアルバムとして受け取られやすいはずだ。ジャズの即興性、ロックの直進性、ファンクの腰のあるリズムが並行して動く、1970年代中盤らしい設計の作品といえる。

まとめ

『Synthesis』は、フランスのジャズ／フュージョン文脈の中で、1976年という時代の音をきちんと反映したアルバム。Didier Lockwood をはじめとする参加者の顔ぶれからも、演奏者主導の現場感が強い作品として見えてくる。2002年盤はその再発であり、オリジナルの記録を現在に伝える役割を持つ1枚だ。

トラックリスト

• A1 – Hell (3:08)
• A2 – Vane (5:00)
• A3 – Sun (4:48)
• A4 – City Life (3:22)
• A5 – City Song (3:00)
• B1 – Feeling (4:20)
• B2 – We Need It (3:25)
• B3 – It’s So New (4:56)
• B4 – Sophie’s Gift (5:05)

関連動画

• Synthesis
• Synthesis Hell Vain
• Synthesis – City Life, City Song
• Synthesis – Sophie’s Gift
• Synthesis (feat. Chantal Curtis) – Feeling (1976)
• A FLG Maurepas upload – Synthesis – We Need It / It’s So New / Sophie’s Gift – Jazz Fusion

Various『Syde Tryps Seven』（2001）について

『Syde Tryps Seven』は、UK発のコンピレーション盤で、2001年にTenth Planetからリリースされた。盤面には「Limited edition of 1000 hand-numbered copies」とあり、1000枚限定の手書きナンバリング仕様。レーベル面では、Brain名義の音源をEMIのライセンスで収録し、デジタル・リマスターを施した再発盤としてまとめられている。

内容は1967年から1968年にかけて録音された音源中心で、未発表曲と既発曲を織り交ぜた構成。ガレージ・ロック、ジャズ・ロック、サイケデリック・ロック、プログレッシブ・ロックといった周辺をまたぐ録音が並び、60年代後半のUKアンダーグラウンドの空気をまとめて聴ける一枚になっている。

収録音源の特徴

A面は、1967年録音の未発表曲が多くを占める。A1、A2、A4、A6は1967年3月から6月にかけての録音で、いずれも当時は未発表。A3とA7は1968年録音で、A3は『The Jygsaw Record Their Own』収録曲、A7は別リリースに収録された音源。B面も同様に、未発表曲と既発曲が混在している。

とくに注目されるのは、B1の「I’m Not Your Stepping Stone」。この曲は以前にシングルA面として出ていた音源で、元々は同時代のロック／ガレージ文脈でよく知られる楽曲。ここではBrainの録音として収録され、コンピレーション全体の中で比較的耳に入りやすい存在になっている。

作品の立ち位置

この盤は、Brainというバンドの音源をまとまって聴けるアーカイブ的な性格が強い。未発表曲が多いことから、オリジナル・アルバムというよりは、当時の録音を時系列に近い形で追うための編集盤として見たほうが自然だ。

1967年録音の曲では、ガレージ・ロック寄りの直線的な演奏と、ジャズ・ロック的な展開の両方が見えてくる構成。1968年録音では、サイケデリック・ロックやプログレッシブ・ロックの要素が前面に出る流れがあり、60年代後半の英国ロックが変化していく途中経過をそのまま切り取ったような内容になっている。

曲目の注目点

• A1「Copyright Control」：1967年3月/6月録音、未発表
• A2「Q Track」：1967年5月19日録音、未発表
• A3：1968年録音、既発曲
• A7 / B6：1968年録音、既発曲
• B1「I’m Not Your Stepping Stone」：シングルA面として既発
• B7：1967年5月22日録音、未発表

こうして見ると、未発表曲の比率が高く、しかも録音時期が1967年と1968年に集中している点がこの作品の核になっている。単なるアウトテイク集というより、Brainの活動時期を補完する資料性の高い編集盤としてまとまっている。

同時代の文脈

この時期のUKでは、ガレージ・ロックの勢いと、ジャズやサイケデリックな感覚を取り込んだバンドが同居していた。Brainの音源もその流れの中にあり、後年の再評価盤で見つかるタイプの録音群として位置づけられる。収録クレジットを見る限り、録音年代の幅を抑えた編集で、当時の変化が分かりやすい構成になっている。

まとめ

『Syde Tryps Seven』は、Brainの1967〜1968年録音を中心にまとめた2001年の限定編集盤。未発表曲が多く、既発曲も含めて当時のUKアンダーグラウンド・ロックの断片を一枚で追える内容だ。デジタル・リマスター、1000枚限定ナンバリングという仕様も含め、資料性のある再発盤として位置づけられる。

トラックリスト

• A1 – Nobody Knows The Game
• A2 – Blow Up
• A3 – 0099
• A4 – Shot On Sight
• A5 – Can’t Be So Bad
• A6 – One In A Million
• A7 – Smiley’s Tram
• B1 – I’m Not Your Stepping Stone
• B2 – Try Me On For Size
• B3 – Murder
• B4 – Penelope Breedlove
• B5 – Most Likely You Go Your Way And I’ll Go Mine
• B6 – She’s A Lover
• B7 – Path Through The Forest

関連動画

• Those Fadin’ Colours – Blow Up
• Jygsaw – 0099.
• Fire – Can’t Be So Bad.
• BRAINS – ONE IN A MILLION
• Smiley’s Tram
• Those Fadin’ Colours – Try Me On For Size
• 6AX – Penelope Breedlove
• Obscure gems: THE BRAIN – Most Likely You Go Your Way And I’ll go mine (Emidisc, 1967)
• She’s A Lover
• Snappers – she’s a lover

Blue Mink『Melting Pot』について

Blue Minkは、1969年に始動した英国の5人組ポップ・グループで、ここで取り上げる『Melting Pot』はそのデビュー・アルバムにあたる作品だ。オリジナルのリリースは1969年12月。70年代初頭の英ポップ／ロックの空気の中に、ソウルやR&Bの要素、アンサンブル重視の作りを持ち込んだ一枚として見える。

メンバーには、Madeline Bell、Alan Parker、Barry Morgan、Ray Cooper、Herbie Flowers、Mike Moran、Roger Greenaway、Roger Cook、Ann Odell、Roger Coulamといった名前が並ぶ。演奏や作編曲の面で、当時のUKセッション・シーンの厚みを感じさせる構成だ。

作品の位置づけ

『Melting Pot』は、Blue Minkにとって最初のアルバムであり、バンドの方向性を示す初期作という位置づけになる。グループは1974年まで活動しているので、この時点ではまだキャリアの出発点。後年の代表作へつながる前段階として、まず音の輪郭をつかむための作品と言える。

また、このアルバムは国や盤によって内容やジャケットが異なることで知られる。検閲の影響により、世界各地で複数のカバーと異なる曲順・収録曲で出回った。とくに「Can You Feel It Baby」は、収録有無が版によって分かれ、入っている版でも背面表記とレーベル表記が食い違うケースがある。

サウンドの印象

実際に聴くと、曲ごとに役割の分担がはっきりしていて、歌とバンド演奏の関係が見えやすい作りだ。Madeline Bellのボーカルを軸に、演奏陣が細かく支える形で進む場面が多く、単なる軽いポップ盤というより、編成の厚みを前面に出したアルバムとして聴こえる。

タイトルの通り、いくつかの音楽要素を混ぜ合わせた感触があり、60年代末の英国ポップが70年代型のアレンジ感へ移っていく途中の空気もある。プロッグ・ロックのタグが付くのも、曲の組み立てやアレンジの運びに、当時の同時代感がにじむからだろう。

同時代とのつながり

この時期の英国では、ポップ・グループでもソウル寄りの歌唱や、セッション・ミュージシャン主導の緻密なアレンジを持つ作品が増えていた。Blue Minkもその流れの中に置くと理解しやすい。バンドというより、優秀な作家陣と演奏陣が一体になった制作体制が見える点が特徴的だ。

Roger CookとRoger Greenawayのコンビは、作家としても知られており、楽曲のキャッチーさを担う部分が大きい。そこにBellの歌声と、Herbie FlowersやAlan Parkerらの演奏が重なることで、単なるソフトなポップではない輪郭が生まれている。

代表曲・注目曲

収録曲の中でよく知られるのは「Melting Pot」だろう。アルバムの題名にもなっているこの曲は、Blue Minkを語るうえで外しにくい存在で、グループの代表曲として扱われることが多い。社会的な混交を思わせるタイトルも印象に残る。

版によっては「Can You Feel It Baby」の有無があり、オリジナル盤と後年の各国盤を比べると、アルバムの印象が少し変わる。内容の違いを追う楽しみがある一枚でもある。

まとめ

『Melting Pot』は、Blue Minkの出発点を示す1969年のデビュー作。英国ポップの流れの中で、ソウル感覚と緻密な演奏をまとめたアルバムとして位置づけられる。国ごとに収録曲や装丁が異なる点も含めて、当時の作品流通の事情まで見えてくるタイトルだ。

トラックリスト

• A1 – Mary Jane (4:10)
• A2 – Gidda Wadda Wobble (3:45)
• A3 – Country Chic (4:30)
• A4 – Over The Top (6:13)
• B1 – Melting Pot (3:50)
• B2 – Blue Mink (4:02)
• B3 – Prelude (3:50)
• B4 – But Not Forever (3:00)
• B5 – Chopin Up Stix (4:25)

関連動画

• Blue Mink – Melting Pot
• Blue Mink – Gidda Wadda Wobble
• But Not Forever
• Melting Pot
• Good Morning Freedom

Pentangle『Open The Door』について

Pentangleは、1960年代後半から1970年代前半にかけて活動した英国のフォーク・ロック・バンドとして知られる。ジャッキー・マクシーの歌、ジョン・レンボーンとバート・ヤンシュのギター、ダニー・トンプソンのダブルベース、テリー・コックスのドラムという編成で、フォークの曲作りとジャズ寄りのリズム感を行き来するバンドとして評価されてきた。

『Open The Door』は1985年に登場した作品で、Pentangleの中ではかなり後年のタイトルになる。録音はロンドンのLivingston Studiosで行われ、Rounder Recordsからクレジットされている。オリジナルの活動期とは時期が離れているため、初期のPentangleを知る人には、その後のバンド像を確認する一枚としても見られるはずだ。

作品の輪郭

収録メンバーには、ダニー・トンプソン、ジェリー・コンウェイ、バート・ヤンシュ、ジョン・レンボーン、テリー・コックス、ジャッキー・マクシーに加え、アラン・トムソン、ピーター・カートリーの名が並ぶ。Pentangleの核となる人物が揃っている一方で、1985年という時期らしく、編成には時代をまたいだ広がりがある。

ジャンル表記はRock、Folk、World, & Country、スタイルはFolk Rock、Folk。Pentangleの持ち味であるアコースティック・ベースの感触、ギターの絡み、そして歌を中心にした構成が、この作品でも軸になっていると考えられる。

Pentangleというバンドの位置づけ

Pentangleは、英国フォークをロックの編成に持ち込んだバンドの一つとして語られることが多い。Fairport ConventionやSteeleye Spanのような同時代の英国フォーク・ロック勢と並べて語られることもあり、伝統曲の扱いとバンド演奏の緊張感の両立が特徴になっている。

その中でもPentangleは、ジャズ由来のリズム感やアンサンブルの細かさが目立つグループとして知られる。特にバート・ヤンシュとジョン・レンボーンのギター、ダニー・トンプソンのベースは、バンドの音の輪郭を決める重要な要素として扱われてきた。

この時期の意味合い

1985年の『Open The Door』は、初期の代表的な活動期とは別の時間軸に置かれる作品だが、バンドの中心人物たちの名前が見えることで、Pentangleの楽曲や演奏の手触りを後年の時点で確かめる資料にもなっている。オリジナルの時代を知る人には、その延長線上の記録として受け取られるだろうし、後追いで触れる人には、Pentangleがどんな音のバンドだったのかを考える入口にもなりうる。

聴きどころとして見える点

実際の演奏については、Pentangleらしくアコースティックな弦のやり取りと、リズム隊の細かな動きが中心に置かれている可能性が高い。ジャッキー・マクシーの声を軸にしたフォーク寄りの楽曲運び、バート・ヤンシュとジョン・レンボーンのギターの対話、そしてダニー・トンプソンの低音が支える構図は、このバンドの基本形として意識されるところだ。

ヒット曲を前面に押し出すタイプの作品として見るより、Pentangleというバンドの持つ演奏力と曲の組み立てを味わう作品として捉えるほうが近い。初期代表曲で知られるバンドの後年作として、グループの歴史の中に置いて眺めると輪郭がつかみやすい一枚だ。

まとめ

『Open The Door』は、Pentangleの中心人物たちの名前が並ぶ1985年の作品で、英国フォーク・ロックの文脈にあるバンドの後年の姿を示すレコードだ。初期の名声を支えた演奏家たちの手触りを確認できる点に、この作品の意味がある。

トラックリスト

• A1 – Open The Door (4:15)
• A2 – Dragonfly (3:09)
• A3 – Mother Earth (2:36)
• A4 – Child Of The Winter (5:04)
• A5 – The Dolphin (2:39)
• B1 – Lost Love (3:35)
• B2 – Sad Lady (3:40)
• B3 – Taste Of Love (4:05)
• B4 – Yarrow (4:35)
• B5 – Street Song (5:37)

関連動画

• Open the Door
• Dragonfly
• Sweet Mother Earth
• Child of the Winter
• The Dolphin
• Lost Love
• Sad Lady
• Taste of Love
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Edgar Froese『Stuntman』について

『Stuntman』は、Tangerine Dreamの中心人物として知られるEdgar Froeseが1979年に発表したソロ作品だ。電子音楽、とくにベルリン・スクールの流れの中で語られることの多い1枚で、Froeseのソロ作としては、作曲者本人の感覚が前に出たアルバムとして位置づけられる。

この時期のFroeseは、Tangerine Dreamの活動を続けながら、ソロ名義でも作品を重ねていた。グループの長いサウンドスケープとは少し違い、個人の名義ならではのまとまり方があるのが、このアルバムのポイントといえる。

作品の輪郭

『Stuntman』は1979年のUK盤としてリリースされた。電子音を中心に組み立てられたインストゥルメンタル作品で、シーケンスの反復、伸びていくパッド、空間の広がりを軸に進む。ベルリン・スクールらしい構成だが、Tangerine Dream本体の大作群と比べると、よりソロ作品らしいまとまりがある。

収録曲の中では、アルバムと同名の「Stuntman」が核になる。曲名そのままの印象を持つ、動きのある電子トラックで、アルバム全体の方向性を示す1曲と受け取れる。ほかの曲も、ドラマ性よりは、音の層と推移で聴かせるタイプの作りだ。

Edgar Froeseにおける位置づけ

FroeseはTangerine Dreamの創設者であり、1970年代後半にはすでに電子音楽の重要人物として認識されていた。『Stuntman』は、その活動の延長線上にあるソロ作で、バンドの看板の下ではなく、個人名義で自分の音の組み立てを示した作品という意味合いがある。

1979年という時期は、Tangerine Dreamが国際的な評価を広げていた時代でもある。そのため本作も、当時のベルリン・スクールの文脈、つまり長尺の電子演奏、反復するシーケンス、空間の設計といった要素の中で聴かれることが多い。

サウンドの特徴

• シンセサイザー主体のインストゥルメンタル構成
• 反復フレーズを軸にした展開
• メロディを前面に出しすぎず、音の移り変わりで進む作り
• ベルリン・スクールの要素がはっきりした内容

聴感としては、派手な展開を連続させるタイプではなく、一定のパターンを保ちながら少しずつ景色を変えていく印象が強い。Tangerine Dreamの作品群を知っていると、Froese個人の考え方が見えやすい1枚でもある。

同時代の文脈

1970年代後半のドイツ電子音楽は、Klaus SchulzeやTangerine Dreamを中心に大きく広がっていた。『Stuntman』もその流れの中にあり、長尺のシンセ作品、ミニマルな反復、スタジオでの音作りといった共通項を持つ。とはいえ、Froeseの作品はTangerine Dreamの文脈が強く、バンドの延長として聴かれる面もある。

レコードとして

この盤は1979年のUKリリースで、プリントされたインナー・スリーブ付きで出ている。後年にはCD化もされている。オリジナル盤としては、当時の空気をそのまま伝える1979年のリリースという位置づけになる。

まとめ

『Stuntman』は、Edgar Froeseがソロ名義で示した電子音楽作品のひとつで、ベルリン・スクールの文脈の中で自然に置けるアルバムだ。Tangerine Dreamの創設者としての顔を持ちながら、個人の作家としてどのように音を組み立てていたかが見えやすい。1979年の電子音楽を追ううえでも、Froeseのソロ作品をたどるうえでも、ひとつの節目になる作品といえる。

トラックリスト

• A1 – Stuntman (4:13)
• A2 – It Would Be Like Samoa (10:40)
• A3 – Detroit Snackbar Dreamer (6:26)
• B1 – Drunken Mozart In The Desert (9:55)
• B2 – A Dali-Esque Sleep Fuse (8:26)
• B3 – Scarlet Score For Mescalero (4:12)

関連動画

• Edgar Froese – Stuntman (Album)
• Stuntman

Peter Lundblad『Öga För Öga…』について

『Öga För Öga…』は、スウェーデンのシンガー／ソングライター、Peter Lundbladが1973年に発表したアルバムである。録音は1972年12月から1973年2月にかけて、ストックホルムのEMI Studioで行われている。ロックとポップを軸にした作品で、クレジット上ではソフト・ロック、プログレッシブ・ロックの要素も含む1枚として位置づけられている。

Peter Lundbladという人物

Peter Lundbladは1950年8月26日、セーデルマンランド県Vadsbroで生まれたスウェーデンのポップ／ロック系アーティスト。ソングライターとしても活動し、のちにソロやグループで幅広く知られる存在になっていく。1973年の『Öga För Öga…』は、その初期キャリアを示す作品のひとつとして見てよさそうだ。

1973年のスウェーデン・ポップ／ロックの空気

この時期の北欧ロックは、英米のロックの影響を受けつつ、メロディ重視の曲作りや、スタジオでの丁寧な音像づくりが目立つ。『Öga För Öga…』も、そうした流れの中で作られた作品として捉えやすい。派手なロック・サウンド一辺倒というより、歌を中心に置いた構成のアルバムという印象が強い。

盤の仕様とオリジナル盤の特徴

この盤はスウェーデン盤で、インナースリーブに歌詞が印刷されている。ラベル表記は、EMIのボックスが入らず、「NCB」表記のオリジナル仕様になっている点が特徴である。クレジットには「Inspelad i december 1972, januari och februari 1973 i EMI Studio, Stockholm」とあり、制作時期がはっきりしている。

• 録音場所: EMI Studio, Stockholm
• 録音時期: 1972年12月、1973年1月、2月
• 著作権表記: © 1973 Electric & Musical Industries Ltd Svenska AB
• 原盤表記: ℗ 1973 Imudico AB

聴きどころとして見える点

実際の音像としては、歌を前に出したスウェーデン産のポップ／ロック作品らしい作りが想像しやすい。ソフト・ロック寄りの整理された曲調と、プログレッシブ・ロックの要素が同居しているので、曲ごとにアレンジの振れ幅があるタイプのアルバムと受け取りやすい。歌詞付きインナースリーブが付くことからも、楽曲の内容を追わせる意識が感じられる。

位置づけ

Peter Lundbladにとっては、ソロ・アーティストとしての初期を示す重要な一枚といえる。1973年という時代の北欧ロックの空気をまといながら、ポップな親しみやすさとアルバム作品としての構成感を両立させた作品として見ておくと整理しやすい。

まとめ

『Öga För Öga…』は、1973年のスウェーデンで制作されたPeter Lundbladの初期アルバムである。EMI Studioで録音され、歌詞入りインナースリーブを備えたオリジナル盤は、当時の制作環境や流通仕様も含めて時代性がはっきりしている。スウェーデンのポップ／ロックの文脈で、Peter Lundbladの出発点を示す作品として押さえておきたい1枚だ。

トラックリスト

• A1 – Lika Blå Som Dina Ögon (5:10)
• A2 – Du Ska Inte Tro (3:23)
• A3 – Vad Gör Det Om Hundra År? (3:13)
• A4 – Ingenting Kan Förmå Mej (4:36)
• A5 – Öga För Öga (3:09)
• B1 – Vårt Eget Sextiotal (4:18)
• B2 – Festen Är Slut (3:20)
• B3 – Om Natten (2:38)
• B4 – Silverspoons (4:30)
• B5 – Snö (5:00)
• B6 – Det Gick En Ängel Genom Rummet (2:54)

関連動画

• Öga för öga
• Snö
• Silverspoons
• Lika blå som dina ögon (Singel Version)
• Ingenting kan förmå mej
• Vårt eget sextiotal
• Om natten
• Festen är slut
• Vad gör det om hundra år
• Du ska inte tro

Player『Player』について

Playerの『Player』は、1977年に発表されたセルフタイトル作で、のちに日本盤として1978年に出た1枚です。ソフト・ロック寄りのAORを軸にしたバンドの初期像が、そのまままとまったアルバムとして位置づけられる作品です。バンド名と同じタイトルなので、グループの出発点を示す名刺代わりのような内容と言える。

Playerというバンドの成り立ち

Playerは、イギリス出身のピーター・ベケットとJ.C.クロウリーを中心に結成され、その後にロン・モス、ジョン・フリーゼンが加わって固まったバンドです。のちに世界的なヒット曲「Baby Come Back」を出すことで知られるようになるが、このアルバムはその直前の時期にあたる。アメリカ西海岸の空気を感じる作りで、ソフト・ロック、ポップ、ファンク寄りの要素が自然に混ざっている。

収録曲と代表曲

この作品を語るうえで外せないのは、やはり「Baby Come Back」。バンド初のシングルで、1978年1月に国際的なナンバーワン・ヒットになった曲だ。ピーター・ベケットが共作・歌唱を担っており、メロディの運びとコーラスのまとまりがはっきりした楽曲として知られている。アルバム全体も、この曲に通じる滑らかな歌もの中心の構成になっている。

この曲のヒットによって、アルバム自体もプラチナを記録し、バンドは大規模ツアーへ進んでいく。ボズ・スキャッグス、エリック・クラプトン、ハート、ケニー・ロギンスらのツアーで演奏したという経歴も、当時の立ち位置をよく示している。

サウンドの印象

録音はカリフォルニア州ロサンゼルスのWestern RecordersとSound Labsで行われている。演奏はリズムがきっちりしていて、ベースとギターが前に出すぎず、歌を中心に組み立てられている。AORらしい整った音像と、ソウル寄りのリズム感が同居しているところが特徴で、同時代のアメリカン・ポップロックの流れに置きやすい作品だ。

耳に残るのは、派手な音色よりも、コーラスの重なりやコードの進行、そして歌のフックの作り方。ロックの骨格を持ちながら、ファンクやソウルの質感を少し取り入れているので、単なるソフトロック一色には寄らない。

日本盤の特徴

この日本盤には、英語版と日本語版の両方の歌詞シートが付属している。輸入盤をそのまま並べるのではなく、日本で聴くための作り込みが行われている点が、当時の国内盤らしいところだ。歌詞を追いながら聴けるので、メロディ重視のこの作品とは相性がいい。

バンドのその後につながる位置づけ

『Player』は、のちの大ヒットを生む前段階のアルバムとして見るとわかりやすい。ここで示された、整ったハーモニー、聴きやすい曲の流れ、ラジオ向けの構成は、後の「Baby Come Back」以降のイメージにもつながっていく。ピーター・ベケットはその後も作曲家として多くのアーティストに曲を提供し、ロン・モスは俳優としても知られるようになるが、この時点ではまだバンドとしてのまとまりが前面に出ている。

同時代との関係

同じ時代のソフト・ロック、AOR、ウエストコースト系の作品と並べると、Playerはメロディのわかりやすさがはっきりしている。ボズ・スキャッグス、クリストファー・クロス、リトル・リバー・バンド周辺の流れを思わせる部分がありつつ、歌の明快さで押していくタイプのバンドだ。大人向けのロックやポップがラジオで広く流れていた時期の空気感が、そのまま残っている。

まとめ

『Player』は、Playerの出発点を示すセルフタイトル作であり、のちの代表曲「Baby Come Back」へつながる音楽性がすでに見えているアルバムだ。きっちりした演奏、歌を軸にした構成、ソウル寄りのリズム感がそろっていて、1970年代後半のAOR/ソフトロックの文脈に置きやすい一枚になっている。

トラックリスト

• A1 – Come On Out (3:43)
• A2 – Baby Come Back (4:10)
• A3 – Goodbye (That’s All I Ever Heard) (3:44)
• A4 – Melanie (3:39)
• A5 – Every Which Way (3:34)
• B1 – This Time I’m In It For Love (4:20)
• B2 – Love Is Where You Find It (4:00)
• B3 – Movin’ Up (2:50)
• B4 – Cancellation (4:07)
• B5 – Tryin’ To Write A Hit Song (4:36)

関連動画

• Baby Come Back
• This Time I’m In It For Love
• Love Is Where You Find It
• Player – Baby Come Back (Mind Bob’S Mix)
• Come On Out
• Goodbye (That’s All I Ever Heard)
• Melanie
• Every Which Way
• Movin’ Up
• Player – Cancellation

The Roosters「Insane」について

The Roostersの「Insane」は、1981年に日本でリリースされた作品。福岡出身のロックバンドとして知られる彼らが、結成初期の勢いをそのまま記録した時期の1枚である。バンドは1979年に結成され、80年代の日本のロック／ロックンロールの流れの中で存在感を強めていった。

この時期のThe Roostersは、後年の再結成や活動再開以前の、最初の活動期にあたる。バンドの核にあるのは、飾りを削ったロックンロールの直進感と、ライブ感の強い演奏のまとまり。派手な音作りよりも、バンドとしての推進力が前に出るタイプの作品として捉えやすい。

録音とパッケージ

録音は1981年8月から10月にかけて、Star ShipとAoi Studioで行われている。80年代初頭の日本のロック作品らしく、スタジオ録音でありながら、演奏の輪郭がはっきりした仕上がりが想像しやすい。収録時期がまとまっているので、当時のバンドのモードがそのまま反映された作品とも言える。

付属物としては、片面印刷の2つ折りインサートと帯が付く仕様。日本盤のオリジナルらしい作りで、当時のリリースとしての雰囲気も含めて楽しめる。

バンドの中での位置づけ

The Roostersにとっては、初期の代表的な時期を示す重要な1枚として見ることができる。1988年の解散、2004年のフジロック出演を経た再結成、2009年以降の断続的な活動まで含めて考えると、この時期の音源はバンドの原点に近い。後の時代に続く骨太な演奏の土台が、すでにここで形になっている印象がある。

同時代の文脈

1981年の日本ロックは、各地のバンドが独自の色を強めていった時期でもある。その中でThe Roostersは、福岡という土地から出てきたバンドとして、東京中心のシーンとは少し違う空気を持っていた。ロックンロールの基本形を軸にしながら、勢いと硬さを前に出すスタイルは、当時のロックバンドの中でもわかりやすい個性になっている。

同時代の日本のロックを語るとき、アンダーグラウンド寄りのバンドや、よりパンク／ニューウェーブに接近した流れと並べて見られることもあるが、The Roostersはその中でもロックンロールの芯を保っている印象。演奏の直球さが、作品の輪郭をはっきりさせている。

収録メンバー

• Tomio Inoue
• Junji Ikehata
• Hiroyuki Hanada
• Jun Shimoyama
• Shigeo Mihara
• Nikichi Anai
• Koichi Ando
• Shinya Ohe
• Kazuhiko Sakuyama
• Masayuki Nadatomo

まとめ

「Insane」は、The Roostersの初期をそのまま示す1981年の作品。福岡発のロックバンドが、ロックンロールを土台にどんな音を鳴らしていたかを知るうえで、基本になる記録と言える。後年の活動まで含めて見ても、この時期の作品はバンドの出発点として位置づけやすい。

トラックリスト

• A1 – Let’s Rock (Dan Dan) (4:10)
• A2 – We Wanna Get Everything (1:36)
• A3 – Baby Sitter (2:58)
• A4 – All Night Long (2:43)
• A5 – Flash Back (3:32)
• B1 – Case Of Insanity (4:55)
• B2 – In Deep Grief (9:14)

関連動画

• The Roosters – Insane (FULL ALBUM)

Starcastle『Fountains Of Light』（1977）

アメリカ・イリノイ州シャンペーン出身のプログレッシブ・ロック・バンド、Starcastleが1977年に発表した2作目のアルバム。バンドは1969年にPegasus名義で始まり、その後Mad John Feverを経てStarcastleへ改名した経緯を持つ。デビュー作『Starcastle』に続いて出された本作は、同年の『Citadel』と並び、バンドの初期活動を代表する時期の作品になっている。

作品の位置づけ

Starcastleは、活動初期からYesとの比較で語られることが多いバンドとして知られる。本作『Fountains Of Light』もその文脈に置かれやすい作品で、演奏の組み立てやコーラスの処理、キーボードの使い方に、当時の英プログレを意識した作りが見える。とはいえ、バンド自身はアメリカの地方都市から出てきたグループで、英国勢とは違う土台を持つところが興味深い。

1976年のデビュー盤で一定の評価を得たあとに出た本作は、Starcastleにとって初期の到達点のひとつとして扱われることが多い。後年の『Real to Reel』（1978）がよりメインストリーム寄りとされるのに対し、本作は比較的プログレッシブ・ロック色が前面に出た時期の記録と見られる。

収録曲と内容

レコードのラベルには各曲の再生時間が印字され、インナー・スリーブには歌詞が掲載されている。曲構成の面では、長めの展開や複数パートの組み替えが目立つタイプの作品で、当時のプログレッシブ・ロックらしい手触りがある。全体として、リフ、コーラス、キーボードの層を重ねながら進む作り。

代表曲としては、タイトル曲の「Fountains Of Light」がアルバムを象徴する存在として挙げられやすい。バンド名義の楽曲として記憶されることが多く、Starcastleの初期像をつかむ入口になっている。

演奏とメンバー

クレジットされているメンバーは、Matthew Stewart、Terry Luttrell、Gary Strater、Herb Schildt、Stephen Hagler、Stephen Tassler、Al Stewart。ギター、ベース、ドラム、キーボード、ボーカルがそれぞれ役割を分担し、アンサンブル重視の組み立てになっている。とくにキーボードの存在感とボーカルのハーモニーが、この時期のStarcastleを特徴づける要素になっている。

同時代の文脈

1977年は、英米のプログレッシブ・ロックがすでに拡張と変化の段階に入っていた時期。Starcastleのようなアメリカのバンドは、英国の有名グループと並べて語られることが多かったが、米国のロック市場の中で独自に活動していた。そうした中での『Fountains Of Light』は、アメリカ産プログレのひとつの具体例として見ておきたい作品。

盤について

この1977年のUS盤には、プロモーション用として金色のスタンプが入った個体もあるとされる。オリジナル盤としての初出年は1977年で、同年のリリースとして扱われる。歌詞付きインナー・スリーブの存在も含め、当時のLPとしての体裁が確認できる。

まとめ

『Fountains Of Light』は、Starcastleの初期ディスコグラフィーの中でも、バンドがプログレッシブ・ロックの枠組みでどこまで整理されたサウンドを作っていたかが見える作品。Yesを連想させると言われがちな一方で、アメリカのバンドとしての出自と、70年代後半の空気の中で鳴っていることがわかるアルバムでもある。

トラックリスト

• A1 – Fountains (10:25)
• A2 – Dawning Of The Day (3:46)
• A3 – Silver Winds (4:57)
• B1 – True To The Light (6:27)
• B2 – Portraits (5:03)
• B3 – Diamond Song (Deep Is The Light) (5:36)

関連動画

• Silver Winds | Starcastle | Fountains Of Light | 1977 Epic LP
• Fountains
• Dawning Of The Day
• Silver Winds
• True To The Light
• Portraits
• Diamond Song (Deep Is The Light)

Various『Brazil Jazz Pulsation』について

『Brazil Jazz Pulsation』は、2001年にフランスでリリースされたVarious名義のコンピレーション盤。タイトルの通り、ブラジル音楽の要素を持つジャズを軸にした内容で、Bossa Nova、Latin Jazz、Samba、Easy Listeningのあいだをつなぐような構成になっている。

Various名義の作品なので、特定のアーティストの個人作ではなく、複数の演奏者や録音をまとめた編集盤として捉えるのが自然だろう。フランス盤として出ている点も含めて、ブラジル音楽をヨーロッパ側の視点で再編集したシリーズ物の一枚、という見方がしやすい。

作品の輪郭

この種の編集盤は、ボサノヴァの軽いビート、ラテン・ジャズの打楽器的な推進力、サンバのリズム感を、聴きやすい流れで並べることが多い。『Brazil Jazz Pulsation』も、そのタイトルどおり、ブラジル由来のリズムとジャズのコード感を前面に出した選曲が中心になっていると見てよさそうだ。

盤のレコード情報では、片面あたりの収録曲数に偏りがあり、手元のコピーではA面に8曲、B面に6曲入っているとのこと。コンピレーション盤では、曲の長さや収録順が片面の収まりを優先して組まれることがあり、この盤もそうした編集のされ方がうかがえる。

同時代・ジャンルの文脈

2001年という時期は、ボサノヴァやラテン・ジャズの再評価がすでに定着していた頃で、クラブ系の再編集やラウンジ寄りのコンピレーションも多い時代。ブラジル音楽の文脈では、ジョアン・ジルベルト、アントニオ・カルロス・ジョビン、セルジオ・メンデスあたりが基準線として参照されやすいが、この作品はそうした定番の周辺にある楽曲を、聴きやすさ重視で並べたタイプに近い印象を受ける。

ジャズの側から見ると、ハードな即興よりも、リズムの揺れや和声の滑らかさを味わう方向の内容が中心になりやすい。サンバやボサノヴァの曲では、ドラムよりもパーカッションやギター、ピアノのタッチが前に出る構成が多く、夜のリスニングやカフェ向きの空気感につながりやすい。

聴きどころの見方

実際にこうした盤を聴くと、1曲ごとの存在感よりも、曲順の流れが印象に残ることが多い。テンポの軽い曲から、少し腰のあるラテン・ジャズへ移る並び、あるいはボサノヴァの柔らかい拍からサンバの動きへ切り替わる部分など、選曲のつなぎ方が聴きどころになりやすい。

代表曲や大きなヒット曲が入っているかどうかは、収録曲情報がないためここでは断定しにくい。ただ、こうしたタイトルの編集盤では、耳なじみのあるブラジル・ジャズの定番曲が混ざることは珍しくない。

この盤の位置づけ

Various名義のため、特定のアーティストの代表作というよりは、2001年時点でのブラジル系ジャズの聴き方をまとめた一枚として見るのが合っていそうだ。オリジナル盤として出た2001年のフランス盤なので、後年の再発ではなく、その時点の編集意図がそのまま反映された盤として扱える。

ブラジル音楽とジャズの接点を、過度に難しくせず、リズムとメロディの相性でまとめた編集盤。そういう意味で、『Brazil Jazz Pulsation』はジャンルの入口と周縁を行き来する、2000年代初頭らしいコンピレーションの一枚と言える。

トラックリスト

• A1 – A Bossa Do Zé Roberto
• A2 – Carminhando
• A3 – Nâo Me Diga Adeus
• A4 – Adriana
• A5 – Sambidu
• A6 – Se Voce Pensa
• A7 – Sonho De Carnaval
• B1 – Gente Que Diz
• B2 – Consolaçao
• B3 – Sambinha
• B4 – Baby
• B5 – Onde Anda O Mew Amor
• B6 – Voltei
• B7 – Primitivo

関連動画

• Som Tres – Se voce pensa
• SONHO DE CARNAVAL – QUARTETO LAMBARI
• Guio de Morais e Seu Conjunto – Gente que diz
• Sambalanço Trio – Sambinha (1964)
• Bossa Tres – Onde anda o meu amor (where is gone my love)
• Jorge Autuori Trio – Voltei – Vol. 2

The Colourfield / Deception

「Deception」は、UKのThe Colourfieldによる1987年の作品。Terry Hallを中心にしたこの時期のバンド名は、表記としてはThe Colourfieldでまとまり、前身のThe Colour Fieldから名前を変えた後期の作品にあたる。電子的な質感を持つシンセポップ寄りのサウンドで、1980年代後半のUKポップの空気をよく映した1枚だ。

作品の位置づけ

The Colourfieldは、The SpecialsやFun Boy Threeを経たTerry Hallの次の展開として知られる。パンクや2トーンの文脈から少し離れ、よりメロディとアレンジを前に出した形で活動していたバンドで、この「Deception」もその流れの中にある。The Colourfield名義の1987年リリースという点で、バンドの後期のまとまりを示す作品として見やすい。

録音と制作

録音とミックスはパリのDavout Studio’s、バースのWool Hall Studio、ニューヨークの39Th. St. Musicで行われ、マスタリングはSterling Sound, New York。制作の舞台が複数都市にまたがっている点からも、UKだけで完結しない広がりのある制作環境がうかがえる。レーベルはChrysalis Records Ltd.で、英国盤としてリリースされている。

クレジットにはTerry Hall、Gary Dwyer、Toby Lyons、Karl Shaleの名前が並ぶ。Roland Orzabalが参加していることも記されている。Tears for Fears周辺の名前が見えることで、同時代のUKポップ／シンセポップのつながりもはっきりする。

収録曲とクレジット

収録曲のうち、A1、A3〜A5、B2〜B5はPlangent Visions Music Ltd.出版、A2はWarner Bros. Music Ltd.出版、B1はScreen Gems/EMI Music Ltd.出版となっている。オリジナル・サウンド・レコーディングはChrysalis Records Ltd.。制作クレジットにはPete Hadfield、Jeanette Powell、Kevinへの謝辞も添えられている。

同時代の文脈

1987年のUKシーンでは、シンセサウンドを取り入れたポップがかなり広く浸透していた時期でもある。その中でThe Colourfieldは、きらびやかな電子音を前面に出すというより、曲の骨格を保ちながらシンセを使うタイプのバンドとして位置づけやすい。Terry Hallの声質と、抑えめの演奏、整えられたアレンジの組み合わせが、このグループの持ち味として見えてくる。

聴きどころとして見える点

この作品は、派手な技巧よりも、歌とアレンジのまとまりで聴かせるタイプの印象が強い。Terry Hallのボーカルは、感情を大きく振り回すより、距離を保ったまま言葉を置くような歌い方で、そのニュアンスが曲の輪郭をはっきりさせる。シンセポップの枠の中でも、軽いダンス感だけに寄らないところが特徴として見えやすい。

まとめ

「Deception」は、The Colourfieldが1987年に残したUK盤であり、Terry Hallのキャリアの流れの中でも、バンド形態でのポップ志向を確認しやすい作品。複数のスタジオで録音・ミックスされ、Sterling Soundで仕上げられたことも含め、80年代後半のUKポップの制作感をそのまま持った1枚といえる。

トラックリスト

• A1 – Badlands (4:36)
• A2 – Running Away (3:48)
• A3 – From Dawn To Distraction (3:34)
• A4 – Confession (4:27)
• A5 – Miss Texas 1967 (4:04)
• B1 – She (3:13)
• B2 – Heart Of America (4:51)
• B3 – Digging It Deep (3:44)
• B4 – Monkey In Winter (5:04)
• B5 – Goodbye Sun Valley (4:31)

関連動画

• The Colourfield “Goodbye Sun Valley”
• Running Away – The Colourfield
• “She” The Colourfield (1985, vinyl needle drop from “Deception” LP)
• The Colourfield badlands
• The Colourfield – Confession
• the colourfield-digging it deep
• The Colourfield Miss texas 1967
• The Colourfield she
• Confession by The Colourfield
• The Colourfield – She (Official Music Video)