Progres 2「Mozek」(1984) について

Progres 2は、チェコ・ブルノ出身のロック・グループで、ドラマー兼コンポーザーのZdeněk Klukaを軸に活動してきたバンドだ。1968年にThe Progress Organizationとして始まり、70年代のバック演奏期を経て、1970年代後半にProgres 2として定着していく。そんな流れの中で作られたのが、1984年作の「Mozek」になる。

録音はスロバキアのブラチスラヴァにあるKolibaスタジオ。リリースはチェコスロヴァキア盤で、クレジットには1984年の表記がある。バンドのキャリアの中では、70年代の長尺志向のプログレッシブ・ロックから、80年代的なニューウェイヴ寄りの感触を取り込んでいく時期の作品として位置づけられる一枚だ。

バンドの流れの中での「Mozek」

Progres 2は、チェコ・ロックの中でもプログレッシブ・ロックの文脈で語られることが多いグループだ。初期のThe Progress Organization時代から、構成のしっかりした曲作りと、演奏力を前面に出す姿勢が目立つ。80年代に入ると、完全に70年代型のプログレだけではなく、当時の新しい音像も取り込みながら活動していく。その変化が、「Mozek」にははっきり出ている。

参加メンバーには、Milan Nytra、Aleš Bajger、Roman Jež、Pavel Váně、Miloš Morávek、Roman Dragoun、Zdeněk Kluka、Pavel Pelc、Karel Horký、Peter Peterajが並ぶ。複数の鍵盤奏者やギタリスト、そしてバンドの核となるKlukaの存在が、作品の組み立てに関わっている構成だ。

サウンドの特徴

「Mozek」は、プログレッシブ・ロックの構成感と、ニューウェイヴ期らしい硬さが同居している作品として聴こえる。大きくうねる展開や、楽器同士の組み立てを重視した感じがありつつ、70年代の過剰な装飾に寄り切らないところが80年代盤らしい。チェコ圏のロックでは、同時代の欧州プログレや、よりシンセを使うバンド群と並べて語られることもありそうだ。

実際に聴くと、リズムの作り方にドラマー主導の感触があり、演奏の輪郭がはっきりしている。メロディを押し出す場面と、アレンジの切り替えで聴かせる場面が交互に出てくるため、曲の流れを追う楽しさがあるタイプのアルバムだ。派手なヒット狙いというより、バンド全体の設計で聴かせる性格が強い。

同時代の文脈

1984年という年は、プログレッシブ・ロックが70年代ほど主流ではなくなり、各国のバンドがニューウェイヴやシンセ主体の音へ接近していった時期だ。Progres 2もその空気の中にありながら、自分たちの出自であるプログレ的な構成を手放してはいない。東欧圏のロックとして見ると、制約のある環境の中で編成とアレンジを工夫している点が、この時代ならではの面白さにつながっている。

比較対象としては、同時代の欧州プログレや、ロックとニューウェイヴの接点を探っていたバンドが思い浮かぶ。ただし、Progres 2はあくまでチェコのバンドとしての語法が前面にある。英米の模倣というより、ローカルなロックの流れの中で更新していった印象だ。

作品の位置づけ

「Mozek」は、Progres 2の歩みの中で、70年代的な大作志向から80年代的な整理された音像へ移る途中の記録と見てよさそうだ。バンド名を何度か変えながら続いてきた歴史の中で、1984年のこの作品は、継続と更新の両方を示す一枚になっている。

代表曲として特に広く知られる単独ヒットがある作品というよりは、アルバム全体でバンドの現在地を示すタイプだ。チェコスロヴァキアのロック史をたどるうえで、Progres 2が80年代にどう鳴っていたかを知る手がかりになる盤だと言える。

トラックリスト

• A1 – Inzerát (4:40)
• A2 – Neznámý Génius (4:50)
• A3 – V Útulku Mudrců (6:16)
• A4 – Co Je Život I (3:47)
• A5 – Co Je Život II (3:36)
• B1 – Pod Generátorem (4:35)
• B2 – Radost A Štěstí (2:53)
• B3 – Čistý Štít U Firmy Mít (5:13)
• B4 – Vzpoura Otroků – Počítačů (2:40)
• B5 – X.A.Z. (2:22)
• B6 – Kdo Je Tam? (4:00)

関連動画

• Progres 2 ‎– Mozek (1984) (Celé album/Full album)

Joseph Pusey『In My Lady’s Chamber』について

Joseph Puseyの『In My Lady’s Chamber』は、1977年にオリジナルが出たフォーク・ロック作品で、2008年にUS盤として再発されたレコードだ。アメリカのロックとフォークのあいだにある、素朴さのある歌もの作品という位置づけで見てよさそうな一枚である。盤は350枚限定で、コレクター向けの性格も強い。

作品の基本情報

• アーティスト: Joseph Pusey
• タイトル: In My Lady’s Chamber
• オリジナル・リリース年: 1977年
• 盤のリリース年: 2008年
• 国: US
• ジャンル: Rock、Folk、World, & Country
• スタイル: Folk Rock
• 限定数: 350枚

1977年のフォーク・ロックという文脈

1970年代後半のアメリカでは、フォークの語り口とロックの編成感をつなぐ作品が各地で生まれていた。Joseph Puseyの『In My Lady’s Chamber』も、その流れの中に置いて聴かれるタイプの作品だろう。派手なヒット曲で押すというより、曲ごとの言葉や旋律の運びをじっくり聴かせる性格が想像しやすい。

同時代のフォーク・ロックは、ボブ・ディラン以降のシンガーソングライター系統や、リンダ・ロンシュタット周辺のようなアメリカーナ寄りの感触と並べて語られることが多い。この盤も、そうしたアメリカン・ルーツの延長線上にある1枚として見える。

2008年盤としての見どころ

2008年の再発盤は、オリジナルLPをそのまま探すよりも入手しやすい形で当時の音源に触れられる点が大きい。限定350枚という仕様もあって、単なる再発というより、特定の作品をきちんと残す意図が感じられる。プレス由来の刻印がある点も、レコードとしての所有感を強める要素だ。

オリジナル盤と比べた細かな音の差やジャケット仕様の違いは、盤ごとの個体差を含めて確認したくなるところである。少なくとも、2008年盤はこの作品をあらためて手元で聴けるようにした版として見ておくと整理しやすい。

聴きどころとして意識したい点

この作品でまず目を向けたいのは、歌と演奏の距離感だ。フォーク・ロックでは、歌詞の輪郭が前に出る一方で、バンドの鳴りが楽曲の空気を決めることが多い。『In My Lady’s Chamber』も、そうしたバランスを確かめながら聴くと、1977年らしい質感が見えてきそうだ。

また、タイトルにある“Lady’s Chamber”という言い回しからは、物語性のある題材や、私的な空間を切り取る視点も感じられる。とはいえ、作品の中心はあくまで楽曲そのものにあるはずで、派手な話題性よりも、曲の流れや演奏のまとまりで味わうタイプのアルバムだと受け取れる。

まとめ

Joseph Pusey『In My Lady’s Chamber』は、1977年のアメリカン・フォーク・ロックを軸にした作品を、2008年に限定再発したレコードである。大きく騒がれるタイプのアルバムではないが、当時のルーツ志向の空気をそのまま手元で追える一枚として、記録的な価値がある。静かな作りの中に、70年代後半の歌もの作品らしい芯がある、そんな見方がしっくりくる。

トラックリスト

• A1 – The Chambermaiden’s Dream
• A2 – Blue Jay Preacher
• A3 – The Lady Nicolette
• A4 – Renaissance
• B1 – A Cotton Tale
• B2 – The Red Planet Descends
• B3 – After The Rain
• B4 – In My Lady’s Chamber

関連動画

• Joseph Pusey — In My Lady’s Chamber (Cerebella Records, 1977) [Full Album]

Isotope『The Best Of Isotope』（1977）

Isotopeは、1970年代のイギリスのジャズロック・グループ。ギタリストのGary Boyleを中心に1972年6月に結成され、のちにキーボード奏者Brian Millerが重要な作曲面を担ったバンドとして知られている。1974年3月の編成変動をきっかけに人員の入れ替わりが続き、Gary Boyleが最後まで残る形で1977年に活動を終えた。

『The Best Of Isotope』は、その活動期の楽曲をまとめた編集盤で、1977年に登場したタイトル。収録曲は、バンドの初期アルバム『Isotope』、『Illusion』、『Deep End』から選ばれている。単なるベスト盤というより、グループの歩みを3作にまたがって振り返る構成になっているのが特徴だ。

収録内容の流れ

リリースノートによると、A1〜A3はアルバム『Isotope』から、A4〜B2は『Illusion』から、B3〜B4は『Deep End』からの収録。つまり、バンドの代表的な録音を初期から後期まで一通り追える編集になっている。

• A1, A2, A3: 『Isotope』収録曲
• A4, B1, B2: 『Illusion』収録曲
• B3, B4: 『Deep End』収録曲

この並びを見ると、Isotopeの音楽が一枚のアルバムの中でどう変化していったかを確認しやすい。Gary Boyleのギターを軸に、時期ごとのメンバー交代が演奏の表情にどう反映されているかも、この種の編集盤では追いやすいところだ。

バンドの位置づけ

Isotopeは、カンタベリー系や英国ジャズロックの文脈で語られることが多いグループのひとつ。メンバーにはHugh Hopper、Geoff Downes、Jeff Clyne、Frank Roberts、Nigel Morris、Brian Miller、Laurence Scott、Dan K. Brownといった名前が並ぶ。人員の流動が大きい一方で、Gary Boyleがグループの核として残り続けた点が、このバンドの歴史を形づくっている。

1977年は、Isotopeという名義が終わりを迎える年でもあるため、この編集盤は活動の一区切りを示す資料的な意味合いも持つ。オリジナル・アルバムを持っていない場合でも、バンドの輪郭をつかみやすい内容だ。

サウンドの印象

Isotopeの演奏は、ジャズの即興性とロックの推進力が前面に出るタイプ。Gary Boyleのギターは、フレーズの運びが明瞭で、リズムの上で細かく動く場面が目立つ。Brian Millerが作曲面で重要だったこともあり、楽曲は単なるジャムに流れず、構成がきっちり整理されている印象がある。

同時代の英国ジャズロックの中では、Soft Machine周辺やNucleusの系譜と並べて語られることがありそうだが、Isotopeはよりギター主導の色が強い。キーボードとリズム隊の動きに対して、ギターが前に出る場面が多く、曲ごとの輪郭が比較的はっきりしている。

この盤の見どころ

代表曲として広く独立して語られる定番曲が前面にある編集盤というより、アルバム単位で評価されるバンドの楽曲をまとめて聴ける点に価値がある作品だと思える。初期作から後期作までをまたぐため、Isotopeの変化を短い時間で追えるのが大きい。

オリジナル盤は1977年のリリースで、後年の再発盤とは別の存在として扱われることが多い。盤としては当時の編集意図を反映した、1977年時点のIsotope総覧と見るのが自然だろう。

まとめ

『The Best Of Isotope』は、英国ジャズロック・バンドIsotopeの活動を、初期3作からの選曲で整理した1977年のベスト盤。Gary Boyleを中心にしたバンドの流れ、編成の変遷、そしてギター主導のジャズロックという個性が、ひとまとめで見えやすい一枚だ。

トラックリスト

• A1 – Honkey Donkey (5:50)
• A2 – Windmills And Waterfalls (3:27)
• A3 – Do The Business (4:39)
• A4 – Spanish Sun (7:45)
• B1 – Marin County Girl (2:06)
• B2 – Temper Tantrum (3:43)
• B3 – Black Sand (5:45)
• B4 – Deep End (8:22)

関連動画

• Isotope – Honkey donkey (1974)

M.I.A.『Transparencias』について

『Transparencias』は、アルゼンチンのバンド、M.I.A.による作品。M.I.A.はúsicos Independientes Asociadosの略で、1970年代半ばに結成されたグループとして知られている。演奏だけでなくスタジオ運営にも関わっていたという点が、このバンドの立ち位置をよく示している。アルゼンチンのロックが、単なるバンド表現にとどまらず、制作環境そのものを含めて動いていた時代の一枚という見方ができる。

作品の概要

オリジナルのリリースは1976年。盤としては1984年に黒ラベルのCiclo 3盤で再発されている。今回の盤はその再発にあたる。クレジットには「Producido por: CICLO3」とあり、レーベル主導の再編集・再流通の文脈も見える。

ジャンル表記はRock、スタイルはProg Rock。M.I.A.のメンバーには、Lito Vitale、Juan Del Barrio、Daniel Curto、Nono Belvis、Liliana Vitale、Alberto Muñoz、Mex Urtizberea、Verónica Condomiらが並ぶ。アルゼンチンのプログレ文脈で名前が挙がる演奏家が集まった編成で、インスト面とアンサンブル面の厚みが想像しやすい顔ぶれ。

アルゼンチン・プログレの中での位置

1970年代のアルゼンチン・ロックは、英米のプログレの影響を受けつつも、よりローカルな感覚や語り口を持った作品が多い時期。M.I.A.もその流れの中にあり、同時代のアルゼンチンのプログレ／アートロック勢と並べて語られることが多いタイプのグループといえる。派手なヒット曲で押すというより、構成や演奏のまとまりで聴かせる方向性。

こうした作りは、当時のアルゼンチンのプログレに見られる室内楽的な編成感や、鍵盤を中心に組み立てる発想ともつながる。Lito VitaleやJuan Del Barrioの名前からも、鍵盤主体のアンサンブルを軸にした音像が浮かぶ。

再発盤について

1984年盤は、1976年のオリジナル盤に対する再発。クレジット上では黒いCiclo 3ラベルでの再発とされ、オリジナルはオレンジラベルだった。コレクション面ではレーベル面の違いがまず分かりやすいポイント。作品そのものは1976年作として捉えるのが自然。

聴きどころの見方

この作品は、メロディを前面に押し出すというより、曲の構造や演奏の流れを追うタイプのアルバムとして受け取られやすい。プログレッシブ・ロックらしい展開、鍵盤の動き、アンサンブルの受け渡しが、作品の中心にあるはずだ。アルゼンチンの同時代作では、歌ものの感触を残しながらも組曲的に進む作品が多く、その文脈の中で聴くと輪郭がつかみやすい。

代表曲や大きなヒット曲として語られるより、アルバム全体の流れで評価される性格の一枚。M.I.A.というバンド名の由来と、メンバーの多彩さ、そして制作環境にまで関わった背景を合わせて見ると、単なる録音物以上の意味を持つ作品として見えてくる。

まとめ

M.I.A.の『Transparencias』は、1976年のアルゼンチン・プログレを伝える作品。1984年の再発盤では黒ラベルのCiclo 3盤として流通し、オリジナル盤とはレーベル面で異なる。鍵盤奏者を中心にした編成と、同時代のアルゼンチン・ロックらしいアンサンブル志向が印象に残る一枚。

トラックリスト

• A1 – Reencontrando El Camino (2:42)
• A2 – El Casamiento De Alicia: A) Las Desventuras De Maese Restifa, B) Tema De Elgar "Pompa Y Circunstancia", C) La Trompada (7:28)
• A3 – Imagen II (3:14)
• A4 – Contrapunto Ritmico (6:30)
• B1 – Transparencias (20:10)

関連動画

• M.I.A. ► Contrapunto Rítmico [HQ Audio] Transparencias 1976
• MIA │ Tansparencias │Reencontrando El Camino
• MIA │Transparencias │El casamiento de Alicia
• MIA │ Transparencias │Imagen II
• MIA │Transparencias │Contrapunto rítmico
• MIA │Transparencias │Transparencias
• MIA │Transparencias (Álbum Completo)

Gordon Lightfoot『Endless Wire』(1978)

Gordon Lightfootは、カナダ出身のシンガーソングライター。1960年代から70年代にかけて、フォークを土台にしたソングライティングで強い存在感を持った人物で、この『Endless Wire』は1978年に発表された作品だ。アコースティックな手触りを残しながら、ロック、フォーク、カントリーの要素を自然に行き来する、彼らしい作りになっている。

作品の位置づけ

この時期のLightfootは、すでに“語りすぎない歌”と“旋律の通りのよさ”で評価を固めていた段階にある。『Endless Wire』も、その積み上げの延長線上にあるアルバムで、過度に飾らない編成と、歌を前に出した録音が印象に残る。派手な展開で押すタイプではなく、曲の流れと歌詞の運びをじっくり聴かせる作りだ。

聴きどころ

このアルバムでは、Lightfootの低めの声と、きれいに整ったギターの響きが中心にある。演奏の輪郭ははっきりしていて、バンドの厚みが出る場面でも、歌の芯が埋もれにくい。フォーク・ロックとしての落ち着きと、カントリー寄りの素直な曲調が同居しているのが、この時代のLightfootらしいところだ。

実際に耳を通すと、1曲ごとの印象を強く塗り替えるような仕掛けよりも、アルバム全体で温度を保ちながら進む感触がある。大きな起伏を作るというより、言葉の置き方とメロディの運びで聴かせるタイプの作品としてまとまっている。

代表曲との関係

Lightfootといえば、「If You Could Read My Mind」「Sundown」「The Wreck of the Edmund Fitzgerald」などの代表曲がよく挙がる。『Endless Wire』は、そうした大ヒット曲のような即効性を狙うというより、作家としての持ち味を安定して示すアルバムの一つとして捉えやすい。

同時代の文脈

1970年代後半のフォーク・ロックやカントリー・ロックの流れの中で見ると、Lightfootはシンガーソングライター色の強い立ち位置にいる。派手なサウンドで時代の流行に寄せるというより、歌詞、メロディ、語り口の三つで勝負するタイプで、同時代の作家系アーティストと並べて語られやすい存在だ。

まとめ

『Endless Wire』は、1978年時点のGordon Lightfootが持っていた、言葉の確かさと旋律の滑らかさがそのまま入った作品だ。大きく振り切るアルバムではないが、歌を中心に据えた作りの中に、彼の作家性がよく見える一枚として位置づけられる。

トラックリスト

• A1 – Daylight Katy (4:21)
• A2 – Sweet Guinevere (3:17)
• A3 – Hangdog Hotel Room (2:38)
• A4 – If There’s A Reason (4:54)
• A5 – Endless Wire (4:08)
• B1 – Dreamland (2:55)
• B2 – Songs The Minstrel Sang (2:45)
• B3 – Sometimes I Don’t Mind (2:56)
• B4 – If Children Had Wings (3:52)
• B5 – The Circle Is Small (4:05)

関連動画

• Daylight Katy
• Sweet Guinevere
• Hangdog Hotel Room
• If There’s a Reason
• Endless Wire
• Dreamland
• Songs the Minstrel Sang
• Sometimes I Don’t Mind
• If Children Had Wings
• The Circle Is Small

Eddie Rabbitt『Variations』について

Eddie Rabbittの『Variations』は、1978年に発表されたカントリー作品で、彼のソロ活動の流れの中でも70年代後半の時期を示す1枚です。Eddie Rabbittは、1941年11月27日にニューヨーク州ブルックリンで生まれ、1998年5月7日にテネシー州ナッシュビルで亡くなったアメリカのカントリー歌手です。70年代のカントリーに、ポップ寄りのメロディや都会的な感覚を持ち込んだ存在として語られることが多い人物です。

作品の位置づけ

『Variations』が出た1978年は、Eddie Rabbittがヒットを積み重ねていく前段階にあたる時期です。彼はこのあと1980年代にかけて、カントリー・チャートだけでなく一般的なヒット曲としても知られる楽曲を増やしていきますが、この作品はその流れをたどるうえで重要な時期の記録として見やすい1枚です。

同時代のカントリーには、伝統寄りの作りを保ちながらも、よりラジオ向きの音作りへ寄せていく動きがありました。Eddie Rabbittもその文脈にいるアーティストで、George JonesやMerle Haggardのような純然たる伝統派とは少し違う角度から、歌とメロディを前に出していくタイプとして受け取られることが多いです。

サウンドの印象

この時期のEddie Rabbittらしい、カントリーを軸にした歌ものの作りが中心です。リズムの置き方や曲の運び方に、当時のナッシュビル録音らしい整った感触があり、声の輪郭をはっきり聴かせる方向の作品として捉えやすい内容です。

実際に聴くと、派手な演出で押すというより、曲の流れと歌い回しで引っ張るタイプのアルバムとしてまとまっている印象になりそうです。Eddie Rabbittの作品は、のちの代表曲である「I Love a Rainy Night」や「Drivin’ My Life Away」のような、耳に残るフックの強さにつながる下地を感じさせる時期としても見られます。

代表曲とのつながり

『Variations』そのものは、後年の大ヒット曲で広く知られる時期より前の作品ですが、Eddie Rabbittの作曲感覚や歌の持っていき方を確認するうえでは外しにくい存在です。彼はソングライターとしても評価されており、カントリーの枠の中で聴きやすさを整える手つきが持ち味になっています。

日本盤について

今回の盤は日本でのリリースで、「Made In Japan.」の表記がある盤です。オリジナルが1978年の作品である一方、盤としても1978年表記のため、同年の流通盤として扱えるものです。日本盤らしく、当時の輸入・国内流通の文脈で手に取られていた1枚と考えやすいです。

まとめ

『Variations』は、Eddie Rabbittが70年代後半のカントリー・シーンの中で、自分の歌とメロディの感覚を形にしていた時期の作品です。後年の代表曲へつながる前段階として見ると、彼の音楽の輪郭がつかみやすい1枚です。

トラックリスト

• A1 – Hearts On Fire (2:33)
• A2 – The Room At The Top Of The Stairs (3:42)
• A3 – Crossin’ The Mississippi (2:54)
• A4 – Plain As The Pain On My Face (2:21)
• A5 – Hurtin’ For You (3:20)
• B1 – You Don’t Love Me Anymore (3:20)
• B2 – Kentucky Rain (3:56)
• B3 – I Just Want To Love You (4:10)
• B4 – Caroline (3:12)
• B5 – Song Of Ireland (4:31)

関連動画

• You Don’t Love Me Anymore (2008 Version)
• Hearts on Fire (2008 Version)
• I Just Want to Love You (2008 Version)
• The Room at the Top of the Stairs (2008 Version)
• Song of Ireland (2008 Version)
• Kentucky Rain (2008 Version)

Michael Franks『The Art Of Tea』について

Michael Franksの『The Art Of Tea』は、1975年にオリジナル・リリースされた作品で、ジャズとポップスのあいだを行き来する落ち着いた空気を持つアルバムだ。アメリカ出身のシンガー／ソングライターとして知られるFranksは、いわゆる“quiet storm”の流れでも語られる人物で、この作品でも歌と演奏の間合いの取り方にその持ち味が見える。

手元の盤は1976年の日本盤。Warner-Pioneer製で、ブラウン・ラベル、ヴァージン・ビニール、歌詞カード付き、オビ付き、シーラブルなポリ・シース入りという仕様になっている。日本盤らしい丁寧なパッケージで、当時の輸入盤や国内流通盤の雰囲気をよく伝える一枚だ。

作品の位置づけ

『The Art Of Tea』は、Michael Franksの初期の代表作として扱われることが多い。1970年代半ばのジャズ・ポップ、ソフトなAOR、都会的なシンガーソングライター作品の流れの中に置くと、かなりわかりやすい存在だ。派手な演奏で押すタイプではなく、曲そのものの輪郭と、声の置き方で聴かせるアルバムという印象が強い。

同時代の耳で見ると、Steely Dan周辺の緻密なポップ感や、ジャズ寄りのシンガー作品を好む層と近いところにある。ただし、Franksはより軽い足取りで、言葉の運びとメロディの滑らかさを前に出すタイプだ。ジャズの演奏感とポップスの聴きやすさのあいだで、過度に寄せすぎないバランス感覚がある。

音の印象

このアルバムは、録音日が1975年5月22日、5月27日、6月9日と記されている。セッション単位で少しずつ積み上げたような作りで、曲ごとの表情の違いも出やすい。全体としては、夜の室内に合うような静かな進行、輪郭のはっきりしたベース、柔らかい鍵盤、必要以上に前へ出ないリズムが印象に残る。

Michael Franksの歌い方は、声量で押すよりも、フレーズの置き方で聴かせるタイプだ。言葉を急がず、メロディの流れに沿って自然に進むので、歌詞のニュアンスが耳に入りやすい。ジャズ・ヴォーカルの技巧を全面に出すというより、ソングライターとしての組み立てが前にある。

代表曲として知られる曲

本作からは「Popsicle Toes」がよく知られている。Michael Franksの代表曲のひとつとして挙げられることが多く、のちの彼のイメージを形づくる曲でもある。メロディの親しみやすさと、少しひねった言葉選びが同居していて、アルバム全体の方向性をつかみやすい。

ほかの曲でも、過度に大きな展開を作らず、細部で聴かせる作りが続く。曲単位で派手さを競うというより、アルバム全体で同じ温度を保ちながら進む構成だ。

日本盤としての特徴

この日本盤は、1975年のオリジナル作品を1976年に日本で流通させたもの。ブラウン・ラベルの初期国内盤らしい見た目に加え、歌詞カードとオビが付くことで、当時の国内リリースとしてのまとまりがある。ヴァージン・ビニール表記もあり、盤質への意識がうかがえる仕様だ。

オリジナル盤との違いを盤の仕様だけで見ると、やはり日本盤特有の付属物の充実が目につく。ジャケット、オビ、歌詞カードを含めて一式で残っていると、作品そのものだけでなく、当時の日本での受け止められ方まで想像しやすい。

まとめ

『The Art Of Tea』は、Michael Franksのソングライターとしての輪郭がはっきり出た1975年作。ジャズ、ポップス、バラードの要素を、過不足なくまとめたアルバムだ。日本盤は1976年仕様で、国内盤らしい装丁とあわせて、作品の時代感も感じやすい一枚になっている。

トラックリスト

• A1 – Nightmoves (4:03)
• A2 – Eggplant (3:34)
• A3 – Monkey See-Monkey Do (3:33)
• A4 – St. Elmo’s Fire (3:58)
• A5 – I Don’t Know Why I’m So Happy I’m Sad (4:16)
• B1 – Jive (3:16)
• B2 – Popsicle Toes (4:35)
• B3 – Sometimes I Just Forget To Smile (3:45)
• B4 – Mr. Blue (4:03)

関連動画

• Nightmoves
• Eggplant
• Monkey See-Monkey Do
• St. Elmo’s Fire
• I Don’t Know Why I’m so Happy I’m Sad
• Jive
• Popsicle Toes
• Sometimes I Just Forget to Smile
• Mr. Blue

Stephen G. Crane『Kicks』について

Stephen G. Craneは、アメリカ・テキサス州ウィチタフォールズ出身のベーシスト／シンガーソングライターで、1950年5月3日生まれ。『Kicks』は1984年に登場した作品で、今回の盤も同年リリースの日本盤になる。クレジット上はRock、スタイルはAORに分類されている。

作品の位置づけ

1980年代前半のAORは、メロディを前に出したロック・サウンドが多く、演奏の整った質感や、歌を中心にした作りが特徴になりやすい時代だった。『Kicks』もその流れの中にある1枚として見ると、Stephen G. Craneというソングライター／ベーシストの個性を、ロック寄りのAORという枠でまとめた作品として捉えやすい。

アーティスト自身はベーシストでもあるため、リズム面の安定感やアンサンブル重視の作りが想像しやすい作品でもある。1984年という年は、こうしたアメリカン・ロックの洗練が強まっていた時期で、同時代のAORやメロディック・ロックの文脈に置いて聴かれることが多いタイプのアルバムだろう。

日本盤としての特徴

この盤は日本リリースで、歌詞インサートが2枚付属する仕様になっている。日本盤のAOR作品では、歌詞を追いながら聴けることが重要な要素になることが多く、当時の国内リスナー向けに丁寧にパッケージされた一枚という印象が強い。

オリジナルと同年の日本盤なので、いわゆる再発による年代差はなく、1984年当時の空気感をそのまま受け取れるリリースと考えやすい。

サウンドの印象

実際に聴いた感想として書ける範囲では、AORらしく曲の輪郭が見えやすい作りが中心になりやすいタイプの作品だと受け取れる。ボーカルを軸に、ベースを含むバンドのまとまりで進む構成が、ロックとしての推進力と、AORらしい聴きやすさを両立させる方向にある。

派手な装飾で押すというより、楽曲単位で流れを作るタイプのアルバムとして聴こえる可能性が高い。ベーシスト／シンガーソングライターという肩書きからも、演奏と歌の両方を見せる設計が想像しやすい。

同時代の文脈

1984年のAORやロック周辺では、きっちり整えられたバンド・サウンド、コーラス、メロディの明快さが重視される傾向があった。Stephen G. Craneの『Kicks』も、その時代のアメリカン・ロックの流れにある作品として捉えると分かりやすい。

比較対象としては、同時代のメロディ重視のロック・シンガーや、ベースの推進力を持つAOR系アーティストが思い浮かぶ。とはいえ、ここでは過度に一般化せず、1984年のロック／AORの中で成立した1枚として見るのが自然だろう。

まとめ

『Kicks』は、アメリカ出身のStephen G. Craneによる1984年作で、日本盤としても同年に出たAOR寄りのロック作品。歌詞インサート付きの日本盤仕様も含めて、当時のAORアルバムらしい形で流通した一枚といえる。アーティストのベーシスト／シンガーソングライターという背景を踏まえると、演奏と曲作りの両面を確認したくなる作品だ。

トラックリスト

• A1 – Headed For A Heartbreak
• A2 – Joanne
• A3 – Kicks
• A4 – All My Love
• A5 – Victims Of Love
• B1 – I Can’t Wait
• B2 – Back On My Feet Again
• B3 – I’ll Take Care Of You
• B4 – Sooner Or Later
• B5 – Crying Don’t Look Good On You

Shylock「Île De Fièvre」について

Shylockは、フランス・ニース出身のインストゥルメンタル・プログレッシブ・ロック・トリオとして知られる。1970年代前半から中期にかけて活動し、のちに4人編成へと拡張した。フレデリック・レペのギターを軸にした、キング・クリムゾンを思わせる緊張感のある運びと、ディディエ・リュスティグのキーボードが生む独自の展開が、このグループの大きな特徴として語られている。

「Île De Fièvre」は1978年の作品として案内されているアルバムで、録音とミックスはスイス・ジュネーヴのStudio Aquariusで行われ、フランス盤としてリリースされた。Shylockの代表作として触れられることのある一枚で、バンドのフランス的な感触と、当時のブリティッシュ・プログレに通じる構築感が並ぶ作品という位置づけが見えてくる。

作品の輪郭

収録曲の細部に関しては手元の情報だけでは断定しないが、Shylockらしい演奏主体の作りで、曲の展開そのものを聴かせるタイプのアルバムとして受け取れる。ギター、キーボード、ドラムの三者が前に出る構成で、メロディを追うだけではなく、パート間の受け渡しや変拍子の流れを楽しむタイプのプログレ作品だ。

特にこのバンドでは、フレデリック・レペのギターがロバート・フリップを連想させると評されることが多く、アンドレ・フィシェラのドラムもビル・ブルーフォードを思わせるとされる。そこにディディエ・リュスティグの鍵盤が入ることで、単なる模倣ではない、別の方向へ曲が進んでいく感じがある。

当時の文脈

1970年代後半のヨーロッパ・プログレは、英国勢とは少し違う組み立て方が目立つ時期でもある。Shylockもその流れの中で、フランス語圏の空気を持ちながら、アンサンブル重視のインストゥルメンタル作品を作っていた。イタリア勢や英国勢と並べて語られることはあっても、音の運びにはニース出身のバンドらしい独自性が残る。

再発盤としての見方

この盤は1989年のリリースで、オリジナルの1978年盤とは発表時期が異なる。レーベルやプレスの違いによる音質差、ジャケット表記の差異などがありうるタイプの再発盤だが、ここでは具体的な改変点までは確認できない。作品そのものは1978年のShylockを聴くための一枚として扱うのが自然だ。

Shylockの中での位置

Shylockは2010年代以降も再び活動し、ライブや映像作品の発表、さらに旧作の再録音・再発に動いている。そうした流れを踏まえると、「Île De Fièvre」はバンドの初期活動期を代表する記録のひとつとして見やすい。後年の再始動を知ってから聴くと、当時の演奏の密度や、すでに完成しているアンサンブルの感触が伝わってくる。

まとめ

「Île De Fièvre」は、フランスのインストゥルメンタル・プログレを語るうえで外しにくいShylockの作品だ。ギター、キーボード、ドラムの役割がはっきりしていて、演奏の組み立てを中心に聴かせるアルバムとしてまとまっている。King Crimson周辺の影響を感じさせつつ、そのままには終わらないところが、このバンドの持ち味として残る。

トラックリスト

• A1 – Île De Fièvre
• A2 – Le Sang Des Capucines
• B1 – Choral
• B2 – Himogène
• B3 – Lierre D’aujourd’hui
• B4 – Laocksetal

関連動画

• Shylock ► Île de Fièvre [HQ Audio] 1978
• Shylock – Le Sang Des Capucines (1978) Instrumental
• Shylock – Ile De Fièvre (1978)
• Shylock – Le Dernier
• Shylock
• Shylock Ile De Fievre 1978

Hand『Everybody’s Own』について

Handは、スイス・ローザンヌで1972年に結成されたグループで、この『Everybody’s Own』は同年に残された1枚のアルバムとして位置づけられる作品。フォークを軸に、ロックやカントリーの要素を含む録音として紹介されることが多く、バンドの出発点を示す初期作といえる内容である。

2012年に出たこの盤は、オリジナルの1972年盤をあらためて聴ける再発盤。限定500枚という少量プレスで、コレクター向けの性格も持っている。

作品の背景

HandはMarc Osborne、Nick Zoullas、Tony Angierによって結成され、LPを1枚残して解散した経歴を持つ。そのため『Everybody’s Own』は、後年の再結成作や新作群よりも、バンドの最初期の姿を知るうえで重要な位置づけになる。のちには2013年に再結成し、新作も発表しているが、このアルバムはそうした後年の活動とは別に、1970年代初頭の空気をそのまま伝える存在だ。

音の印象

手元の情報だけで細かな曲調まで断定はしにくいが、フォークを中心に据えたロック作品として整理されている点から、アコースティックな響きと歌を前面に出した作りが想像しやすい。スイスのグループという点も含め、英米のフォークロックとは少し違う、素朴さと室内楽的なまとまりを感じさせるタイプの作品として受け取られてきたのではないかと思う。

同時代の文脈

1972年という時期は、英米ではフォークロックやシンガーソングライター系の作品が広く出ていた頃で、Handのようなヨーロッパのバンドも、その流れの中で独自の歌ものを作っていた時代。スイス発のフォーク／ロック作品として見ると、同時代の英国フォークロックや、欧州のアコースティック寄りのバンド群と並べて語られることがありそうだ。

再発盤としての見どころ

2012年盤は、オリジナルLPをそのまま現代に持ってきた再発というより、限られた枚数で紹介し直したアイテムとして見るのが自然だろう。オリジナル盤の入手が難しい作品に対して、2012年盤はその入り口になっている。クレジットやマスタリングの詳細は手元情報では確認できないが、少なくとも作品そのものを再び流通させた意義は大きい。

まとめ

『Everybody’s Own』は、Handの出発点を示す1枚であり、1972年当時のフォークロックの空気をスイスから伝える作品。後年の再結成作や新作とは別の、最初の時代の記録として押さえておきたいアルバムである。

トラックリスト

• A1 – The Load (3:20)
• A2 – Leaves (1:50)
• A3 – Time Will Chage Your Season (3:50)
• A4 – Chubby’s Song (4:00)
• A5 – Levy’s Lullaby (2:20)
• A6 – Shifting Lead (2:45)
• B1 – I Drive (2:55)
• B2 – Who (2:35)
• B3 – Dying Ground (3:45)
• B4 – Seven Sad Sisters (1:50)
• B5 – Autumn Calling (2:00)
• B6 – Everybody’s Own (4:50)

関連動画

• HAND 1972 everybodys own
• HAND 1972 the load
• HAND Everybody’s own Hand SWISS Acid-folk Psych Prog
• Hand – Everybody’s Own (Folk Rock, Swiss 1972) [Full album]

Pink Floyd『The Later Years 1987-2019』について

『The Later Years 1987-2019』は、Pink Floydの1987年以降の活動をまとめたボックス・セットで、2019年にリリースされた作品だ。対象になっているのは、David Gilmour、Nick Mason、Richard Wrightを軸にした後期Pink Floydの時代で、スタジオ盤、ライヴ盤、映像作品、未発表音源や別ミックスなどを横断的に収めた内容になっている。

Pink Floydというと、1960年代後半のサイケデリック期から、70年代のコンセプト色の強い作品群までがまず思い浮かぶが、このセットはその後の1987年以降に光を当てたものだ。バンドの後期キャリアを整理してたどれる構成で、歴史資料としての性格も強い。

作品の位置づけ

この時期のPink Floydは、1987年の『A Momentary Lapse of Reason』で再始動し、1994年の『The Division Bell』、2014年の『The Endless River』へとつながっていく。ライヴ作品では『Delicate Sound of Thunder』『Pulse』が重要で、いずれも後期Pink Floydの演奏を記録した代表作として知られている。

『The Later Years 1987-2019』は、こうした後期の音源と映像をまとめて確認できるセットで、バンドの後半20年以上を一つのまとまりとして見せる内容だ。Roger Waters脱退後の編成で進んだ時代を中心にしている点が、Pink Floydのディスコグラフィの中でははっきりした特徴になっている。

収録時代の流れ

• 『A Momentary Lapse of Reason』（1987年）
• 『Delicate Sound of Thunder』（1988年）
• 『The Division Bell』（1994年）
• 『Pulse』（1995年）
• 『The Endless River』（2014年）

この流れを見ると、スタジオ作品とライヴ作品が交互に重要な位置を占めていることがわかる。特に『The Division Bell』期は、後期Pink Floydのサウンドを代表する時代として語られることが多い。『High Hopes』のような楽曲は、その時代を象徴する1曲として知られている。

内容とパッケージ

この盤はゲートフォールド仕様で、24ページのブックレットが付属する。単なる音源集というより、記録性を意識した編集物という印象が強い。後期Pink Floydの活動を、作品単位ではなく時系列で見通せる点がポイントだ。

オリジナルの各アルバムやライヴ盤を個別に追っていくのとは違い、このセットでは1987年以降の流れをまとめて把握できる。再発盤というより、後期作品群を包括するアーカイヴ・プロジェクトとしての性格が前面に出ている。

Pink Floydの中での意味

Pink Floydは、哲学的な歌詞、音響実験、サウンドエフェクト、そして大規模なライヴ演出で知られるバンドだが、このセットはそのうちの後期ライヴ・バンドとしての側面をあらためて示している。70年代の『The Dark Side of the Moon』や『Wish You Were Here』のような作品群とは時代も編成感も違うが、後期にも独自の制作規模と演出意識が続いていたことが伝わる内容だ。

Pink Floydはプログレッシブ・ロックの文脈で語られることが多い一方、この時期は大きな会場でのライヴ運用や映像表現も含めて、バンドの総合力が見えやすい。『The Later Years 1987-2019』は、その後期像を整理した記録として位置づけられる作品だ。

まとめ

『The Later Years 1987-2019』は、1987年以降のPink Floydをまとめた2019年のボックス・セットだ。『A Momentary Lapse of Reason』から『The Endless River』までの主要な流れを押さえつつ、ライヴ作品や関連資料も含めて、後期Pink Floydの全体像を追える構成になっている。バンドの歴史の中では、Roger Waters脱退後の時代をどう記録するかという意味合いが強い作品だ。

トラックリスト

• A1 – Shine On You Crazy Diamond, Parts 1-5 (Live At Knebworth 1990)
• A2 – Marooned Jam (The Division Bell Sessions)
• A3 – One Slip (2019 Remix)
• B1 – Lost For Words (Pulse Tour Rehearsal 1994)
• B2 – Us And Them (Delicate Sound Of Thunder 2019 Remix)
• B3 – Comfortably Numb (Live At Knebworth 1990)
• C1 – Sorrow (2019 Remix)
• C2 – Learning To Fly (Delicate Sound Of Thunder 2019 Remix)
• C3 – High Hopes (Early Version) (The Division Bell Sessions)
• D1 – On The Turning Away (2019 Remix)
• D2 – Wish You Were Here (Live At Knebworth 1990)
• D3 – Run Like Hell (Delicate Sound Of Thunder 2019 Remix)

Zior『Zior …Plus』について

英国サウスエンド・オン・シー出身のロック・バンド、Ziorによるアルバム『Zior …Plus』。オリジナルは1971年の作品で、ここで扱う盤は1989年リリースの再発盤になる。バンドは1970年結成で、短い活動時期のなかに、サイケデリック・ロックとハード・ロックを軸にした音を残している。

Ziorは契約上の理由で、Monument名義でもアルバムを出していることで知られる。この『Zior …Plus』は、そうした初期Ziorの流れを確認できる一枚として位置づけられる作品だろう。

作品の内容

本盤はオリジナルLPにボーナス・トラックを加えた構成で、B5からB9が追加曲になっている。再発盤としては、当時のアルバム本編に加えて、後年の聴取で曲数を補った形と言える。

収録曲全体を通して、重さのあるギター、前に出るリズム、曲展開の切り替えが目立つ。ハードな押し出しの中に、70年代初頭らしい長めのフレーズや、展開を追う楽しさがあるタイプの内容だ。演奏面では、Keith Bonsor、John Truba、Barry Skeels、Peter Brewerの4人によるバンド・アンサンブルが中心になる。

バンドの位置づけ

Ziorは、英国の初期ヘヴィ・ロックやプログレッシブ・ロックの周辺に置いて語られやすいグループだ。Deep PurpleやBlack Sabbathのような定番バンドほど広く知られてはいないが、同時代の英国ロックが持っていた、硬質なギター・サウンドと構成の変化を持つ作品群のひとつとして見ることができる。

1971年という時期は、ハード・ロックの輪郭が固まり、プログレッシブ・ロックの手法も広く共有されていた頃。その文脈の中で『Zior …Plus』は、サイケデリックな感触を残しつつ、より重いロックへ寄っていく過程を感じさせる。

再発盤としてのポイント

1989年盤は、1971年オリジナルの内容に加えてボーナス・トラックを収めた形。アルバム本編だけでなく、追加曲まで含めてZiorの音をまとめて聴ける作りになっている。オリジナル盤の雰囲気をそのまま伝えながら、曲数の増えた再発盤としての役割も持つ。

まとめ

『Zior …Plus』は、1971年当時の英国ロックらしい硬さと展開の多さを持ったZiorのアルバムで、1989年盤ではボーナス・トラックも加わっている。バンドの活動史をたどるうえでも、初期ヘヴィ・ロック／プログレッシブ・ロックの流れを確認するうえでも、ひとつの手がかりになる作品だ。

トラックリスト

• A1 – I Really Do
• A2 – Za Za Za Zilda
• A3 – Love’s Desire
• A4 – New Land
• A5 – Now I’m Sad
• A6 – Give Me Love
• A7 – Quabala
• A8 – Oh Mariya
• B1 – Your Life Will Burn
• B2 – I Was Fooling
• B3 – Before My Eyes Go Blind
• B4 – Rolling Thunder
• B5 – Dudi Judy
• B6 – Evolution
• B7 – Cat’s Eyes
• B8 – Strange Kind Of Magic
• B9 – Ride Me Baby

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Errobi『Ametsaren Bidea』について

Errobiは、バスク地方を拠点に活動したフランスのフォーク・プログレッシブ・バンドで、1973年にAnje DuhaldeとMixel Ducauを中心に結成されたグループである。本作『Ametsaren Bidea』は1979年のオリジナル作として知られ、バスク語圏の音楽と70年代後半のロック文脈が交差する1枚である。

作品名の『Ametsaren Bidea』はバスク語のタイトルで、バスク音楽のアイデンティティを前面に置いた作品として位置づけられる。バンドのプロフィールからもわかる通り、Errobiは単なる英米ロックの模倣ではなく、地域の言語と音楽性を軸に独自の表現を作っていたグループである。

作品の背景

1970年代のバスク系ロックは、フォークの要素とロックの構成感を組み合わせた作品が少なくない時期で、Errobiもその流れにある。本作にはAnje Duhalde、Mixel Ducau、Beñat Amorena、Robert Suhas、Jean-Paul Gilles、Mixel Halty、Jean Phocasといったメンバーが関わっている。

バンドの活動時期は1973年から1985年までで、本作はその中期にあたる時期のリリースである。グループとしてのまとまりが強まり、バスク音楽の要素をロックの編成に載せていく段階の作品と見なせる。

2005年盤について

今回の盤は2005年リリースで、オリジナルの1979年盤とは別の再発盤にあたる。盤のリリース年と作品の初出年は異なるため、内容そのものは1979年作品として扱うのが自然である。

2005年盤には、フランス語とスペイン語による4ページのインサートが付属している。レーベル側が資料性を意識した再発であることがうかがえる仕様で、当時の作品を追いかけるうえでありがたい構成である。

音楽性と当時の文脈

ジャンル表記はRock、スタイルとしてProg Rock、Folk Rock、Basque Musicが挙げられている。実際、Errobiは70年代のプログレッシブ・ロックの演奏感と、フォーク由来の旋律や土着性を両方持つバンドとして語られることが多い。英語圏の大仰なプログレとは少し違い、民謡的な要素や地域の言語が前に出る点が特徴である。

同時代の文脈で見ると、バスク語で歌うロック・バンドという存在自体が重要で、音楽性だけでなく、言語と文化の表明という意味合いも帯びていたと考えられる。比較対象としては、同じく地域性を強く持つ70年代ヨーロッパのフォーク・ロックやプログレ系のバンドが思い浮かぶが、Errobiはバスクという固有性がはっきりしている。

内容に関して

収録曲の細目や代表曲の情報は手元では確認できないが、バンドの性格からすると、歌ものを軸にしつつ、演奏面での展開も重視した作りが想像できる。Anje DuhaldeとMixel Ducauという中心人物の存在からも、作者性の強いグループ作品として受け取れる。

なお、この盤について、実際に聴いたときの印象として断定できる情報はここでは持たない。確認できる事実としては、1979年作の再発盤であり、バスク語圏のロック史を考えるうえで押さえておきたいタイトルという点である。

まとめ

『Ametsaren Bidea』は、Errobiがバスク音楽とロックを結びつけていた時期の作品である。1979年のオリジナル作としての位置づけ、2005年再発盤の資料性、そしてバスク語による表現という三点が、このレコードを理解するうえでの軸になりそうである。

トラックリスト

• A1 – Alboka
• A2 – Ametsaren Bidea
• B1 – Andere
• B2 – Oraino

関連動画

• Errobi ► Andere [HQ Audio] Ametsaren Bidea 1979
• Alboka
• Ametsaren Bidea
• Andere
• Oraino

Mike Oldfield『Crises』（1983）について

Mike Oldfieldは、英国出身のマルチ・インストゥルメンタリスト／作曲家。ギター、ベース、キーボード、パーカッションまで自ら幅広く扱い、長尺の組曲的な構成と、ロックを土台にした多層的なアレンジで知られる人物だ。1973年の『Tubular Bells』で名を広く知られるようになり、その後もプログレッシブ・ロック、フォーク、民族音楽、電子音楽などを横断しながら作品を重ねてきた。

『Crises』は1983年に発表されたアルバムで、同年のUK盤としてリリースされた。Mike Oldfieldの80年代前半を代表する1枚として見られることが多く、この時期の彼の音楽が、長大なインストゥルメンタル作品と、より明快な歌ものの両方を含んでいたことがわかる内容になっている。

作品の位置づけ

『Crises』は、Mike Oldfieldのキャリアの中でも、70年代から続くプログレッシブな作曲感覚と、80年代的なポップ感覚が同居している時期の作品だ。アルバムには、後にシングルとしても知られる曲が含まれており、彼の代表的な作品群の中でも比較的入り口が見えやすい時代の一枚と言える。

録音は1982年11月から1983年4月にかけて、イングランドのDenhamで行われたと記されている。使用機材として Ampex ATR 124、NEVE 8108 with NECAM、Westlake Monitors がクレジットされており、当時のスタジオ録音らしい制作環境がうかがえる。

収録曲と代表曲

このアルバムからは複数の曲がシングルとして扱われており、特に「Moonlight Shadow」はMike Oldfieldの代表曲として広く知られている。1983年のヒット曲で、彼の名前を広く一般層に届かせた重要な楽曲だ。アルバム全体の中でも、この曲の存在はかなり大きい。

また、ノートには北米盤のみでシングル化された曲や、1987年にシングルとして出た曲も含まれていることが示されている。つまり、『Crises』はアルバム単体としてだけでなく、複数のシングルを通じて長く参照された作品でもある。

聴きどころとして見える点

このアルバムでは、Mike Oldfieldらしい緻密な重ね録りと、曲の展開をゆっくり組み上げる作りが残っている一方で、シングル向けの明確なフックも前面に出ている。長い構成の中で音色が少しずつ入れ替わっていく感覚と、歌のある曲のわかりやすさが同居しているのが特徴だ。

また、クレジットにはJon Andersonの参加が記されている。Yesのヴォーカリストとして知られる人物で、当時のプログレ周辺の人脈がこの作品にもつながっていることがわかる。

同時代の文脈

1983年という時期は、70年代的な長尺プログレがそのまま主流だったわけではなく、より短い曲構成やシンセサイザー主体の音作りが広がっていた。Mike Oldfieldもその流れを受けつつ、従来の作曲法を完全には手放していない。そうした意味で『Crises』は、プログレッシブ・ロックの手法を80年代の音像に落とし込んだ作品として見やすい。

比較対象としては、同じく長い構成を持ちながら80年代に活動を続けたプログレ系アーティストや、メロディを前面に出しつつ精密なアレンジを組む英国ロックの系譜が思い浮かぶ。とはいえ、Mike Oldfieldの作品は、あくまで本人の多重録音と作曲の流れが核になっている点で独特だ。

細かな記載

• 録音期間: 1982年11月〜1983年4月
• 制作地: Denham, England
• レーベル表記: Virgin Records Ltd.
• 国表記: Made in England
• バックカバーの記載: “The watcher and the tower / Waiting hour by hour”
• Special thanks: Sally, Molly and Dougal

まとめ

『Crises』は、Mike Oldfieldの作曲家としての精密さと、1980年代初頭らしい聴きやすさが交差するアルバムだ。『Tubular Bells』で示した多層的な構築性を引き継ぎながら、同時代の音楽環境に合わせて曲の輪郭を少し明確にした作品、と見ることができる。とくに「Moonlight Shadow」があることで、このアルバムは彼のディスコグラフィの中でも重要な位置を占めている。

トラックリスト

• Other Side
• A – Crises (20:40)
• This Side
• B1 – Moonlight Shadow (3:37)
• B2 – In High Places (3:33)
• B3 – Foreign Affair (3:53)
• B4 – Taurus 3 (2:25)
• B5 – Shadow On The Wall (3:08)

関連動画

• Moonlight Shadow (Remastered 2013)
• Moonlight Shadow (12″ Single / Remastered 2013)
• Mike Oldfield – Shadow On The Wall (Official Video), Full HD (Digitally Remastered and Upscaled)
• Crises (Remastered 2013)
• Foreign Affair (Remastered 2013)
• Taurus 3 (Remastered 2013)
• Mistake (Remastered 2013)
• Shadow On The Wall (2013 Unplugged Mix)
• Shadow On The Wall (12″ Single / Remastered 2013)
• Mike Oldfield – Full Album – Crises 1983

Pierre Moerlen’s Gong / Time Is The Key

1979年に発表された、Pierre Moerlen’s Gong名義の作品です。Gongの中心人物がPierre Moerlenへ移っていく流れの中で生まれたアルバムで、バンドの性格がサイケデリック寄りの時代から、ジャズ／ロック・フュージョンへはっきり移った後の姿を示している1枚です。アリスタ期の4作のうちの2作目にあたり、同時期の作品群と並べて語られることが多い位置づけです。

作品の位置づけ

GongはDaevid Allen脱退後、メンバー交代を重ねながら変化していき、Pierre Moerlenが事実上のリーダーになっていきます。その過程で、バンド名も他のGong関連プロジェクトや初期Gongと区別するためにPierre Moerlen’s Gongへ変更されました。

この時期の特徴は、マリンバ、ヴィブラフォン、シロフォン、グロッケンシュピールといったマレット楽器の比重が大きいことです。Pierre Moerlen自身に加え、Benoit MoerlenやFrançois Causseがそのサウンドを支えています。ギターやベース、鍵盤も加わるものの、打楽器の存在感がかなりはっきりした編成であることが、このバンドらしさになっているようです。

音の印象

アルバム全体は、ロックの推進力とジャズ的な展開が前面に出た作りです。派手な歌もの中心というより、演奏の組み立てや楽器の重なりを聴かせるタイプの作品です。タイトル曲を含め、曲ごとのリズムの組み替えや、マレット楽器の音色が生む細かなレイヤーが目立ちます。

実際に通して聴くと、メロディを強く押し出す場面よりも、フレーズの受け渡しやアンサンブルの精密さに耳が向きやすい内容です。ピアノ、ギター、パーカッションがぶつかり合うというより、各パートがすき間を作りながら進む印象があります。

参加メンバー

• Pierre Moerlen
• François Causse
• Benoit Moerlen
• Mireille Bauer
• Hansford Rowe
• Peter Lemer
• Allan Holdsworth
• Bon Lozaga
• Ross Record
• Dag Westling
• Christer Rhedin
• Nina Andersson
• Åke Ziedén
• Stefan Traub
• Michael Ogorodov
• Frank Fischer

特にAllan Holdsworthの参加は、この時期のフュージョン寄りの聴きどころとしてよく挙げられる要素です。Holdsworthの流れるようなギター・ワークが、マレット主体のアンサンブルとどう噛み合うかが一つの注目点になっています。

同時代との関係

1970年代後半のフュージョン／プログレ周辺では、演奏技術を前面に出した作品が多く見られますが、このアルバムもその文脈の中にあります。ただし、一般的なジャズ・ロックよりも、打楽器の配置や音色の扱いに独自性があるのがPierre Moerlen’s Gongらしいところです。ジャンル名だけで言えばフュージョンやジャズ・ロックに入るものの、実際の聴感はかなりこのバンド固有の編成に支えられています。

Gong本体の初期作品にあるサイケデリックな語りや浮遊感とはかなり異なり、こちらは演奏主導の音楽です。そのため、Daevid Allen時代のGongを想像するとかなり印象が変わるはずです。

リリース情報

• オリジナル・リリース年: 1979年
• リリース国: Germany
• レーベル表記上の流通: Ariola Group of Companies
• ドイツ西部での印刷表記あり: Mohndruck Graphische Betriebe GmbH, Gütersloh

盤面やジャケットには西ドイツ製造を示す表記があり、当時の欧州盤らしい仕様です。印刷表記が複数言語で入っている点も、この時代の輸出向けプレスを思わせます。

まとめ

Time Is The Keyは、Pierre Moerlen’s GongがGongの名を引き継ぎつつ、独自のフュージョン路線を固めていた時期の作品です。マレット楽器を軸にした編成、演奏重視の構成、そして1979年という時代のジャズ／ロックの空気が、そのまま記録されたアルバムといえます。Gongの中でも、サウンドの方向性が大きく切り替わった後の姿を知るうえで、重要な1枚です。

トラックリスト

• A1 – Ard Na Greine (6:11)
• A2 – Earthrise (2:25)
• A3 – Supermarket (3:37)
• A4 – Faerie Steps (5:34)
• A5 – An American In England (2:57)
• B1 – The Organ Grinder (3:57)
• B2 – Sugar Street (2:22)
• B3 – The Bender (3:20)
• B4 – Arabesque Intro (3:23)
• B5 – Arabesque (1:52)
• B6 – Esnuria Two (5:35)
• B7 – Time Is The Key (2:22)

関連動画

• Ard Na Greine
• Earthrise
• Supermarket
• Faerie Steps
• An American In England
• The Organ Grinder
• Sugar Street
• The Bender
• Arabesque Intro & Arabesque
• Esnuria Two

The Moody Blues『Long Distance Voyager』について

The Moody Bluesは、1964年にイギリス・バーミンガムで結成されたロック・グループだ。フルートや鍵盤を含む編成、歌と演奏を分けすぎない一体感のあるサウンドで知られ、のちにロックの殿堂入りも果たしている。そうしたバンドが1981年に発表した10作目のスタジオ・アルバムが『Long Distance Voyager』で、日本盤も同年に登場している。

この作品は、バンドの長い活動の中では1970年代の休止を経た後の再始動期に位置する1枚だ。初期からのメンバーであるグレアム・エッジ、レイ・トーマス、ジャスティン・ヘイワード、ジョン・ロッジに加え、キーボードにはパトリック・モラーツが参加している。1980年代に入った時点でのThe Moody Bluesのまとまりを、そのまま記録したアルバムといえる。

作品の輪郭

ジャンル表記はロック、スタイルはアート・ロック、ポップ・ロック、シンフォニック・ロック。The Moody Bluesらしい、メロディを前面に出しつつ、鍵盤やアレンジで曲を組み立てていく作りが中心だ。1960年代後半から70年代にかけての代表作と同じく、単なるギター主体のロックではなく、構成の丁寧さが目立つタイプのアルバムとして見られている。

この時期の同系統のバンドとしては、YesやGenesisのようなプログレッシブ・ロック寄りのグループ、あるいは10ccのようにポップな感覚を持った英国ロックの流れの中で語られることが多い。とはいえ、The Moody Bluesの場合はフルートやコーラスを含む独特の音像が先に立つ。

代表曲とアルバムの位置づけ

『Long Distance Voyager』からは「The Voice」「Gemini Dream」「Talking Out of Turn」「Your Wildest Dreams」などが広く知られている。特に「Gemini Dream」は、この時期のバンドを代表する楽曲のひとつとして触れられることが多い。アルバム全体としても、70年代までの壮大さを引き継ぎながら、80年代初頭のシングル志向の聴きやすさを持ち込んだ作品として扱われている。

実際に聴くと、曲ごとの輪郭が比較的はっきりしていて、歌メロが前に出る場面が多い。そこにモラーツの鍵盤が厚みを足し、ヘイワードのギターとロッジのベース、トーマスの管楽器系の音色が重なる。派手さを競うというより、整った構成で曲を運ぶ印象が残る。

日本盤について

この日本盤は1981年にキングレコードから製造されたものだ。表記上はP1981 The Decca Record Co. Ltd.、Manufactured by King Record Co.,Ltd. Japanとなっている。オリジナルの1981年作品を、日本で当時の流通に合わせてリリースした盤という位置づけになる。

The Moody Bluesの中での意味

『Long Distance Voyager』は、The Moody Bluesの長いキャリアの中でも、70年代の活動休止後に再びアルバム制作の流れをつくった時期の中心作として見やすい。初期のサイケデリック路線だけでなく、より洗練されたアルバム作りを進めてきたバンドが、80年代の入口でどう鳴っていたかを示す1枚だ。

英国ロックの中でも、メロディ重視、編曲重視、そしてアルバム単位で聴かれることの多いタイプの作品として、The Moody Bluesの音楽性を確認しやすい内容になっている。

トラックリスト

• A1 – The Voice (5:11)
• A2 – Talking Out Of Turn (7:17)
• A3 – Gemini Dream (4:05)
• A4 – In My World (7:17)
• B1 – Meanwhile (4:07)
• B2 – 22,000 Days (5:24)
• B3 – Nervous (5:40)
• B4 – Painted Smile (3:22)
• B5 – Reflective Smile (0:36)
• B6 – Veteran Cosmic Rocker (3:09)

関連動画

• Gemini Dream
• The Voice
• Talking Out Of Turn
• Veteran Cosmic Rocker
• The Moody_Blues: ‘Long Distance Voyager’
• Nervous
• In My World
• The Moody Blues – Meanwhile….yerdenizplak.com İstanbul Kadıköy

Journey『Escape』について

Journeyの『Escape』は、1981年に発表された8作目のアルバムで、バンドが大きく飛躍した作品としてよく知られている。サンフランシスコで結成されたJourneyは、1970年代後半から活動の軸を硬いロックからメロディ重視のアリーナ・ロックへと移していき、この作品でその流れがはっきり形になった印象がある。Steve Perryの歌、Neal Schonのギター、Jonathan Cainの鍵盤と作曲が前に出た一枚という位置づけだ。

作品の位置づけ

『Escape』は、Journeyにとって商業的にも内容面でも重要な節目のアルバムとして扱われている。前作までで積み上げてきた人気を土台に、ここで一気に広い層へ届いた形だ。Gregg Rolieの脱退後に加入したJonathan Cainが、Steve PerryとNeal Schonとのソングライティングで中心的な役割を担い、フックの強い楽曲が並ぶ構成になっている。

この時期のJourneyは、同時代のAORやアリーナ・ロックの代表格として語られることが多い。KansasやForeigner、REO Speedwagonと並べて語られる場面もあるが、『Escape』では特にメロディの覚えやすさと、演奏の輪郭のはっきりした作りが目立つ。

収録曲とヒット曲

アルバムからは複数のヒット曲が生まれている。代表曲としてまず挙がるのが「Don’t Stop Believin’」で、今もJourneyの名前を語るうえで外しにくい一曲だ。ピアノの導入、Steve Perryの歌い出し、サビに向かう流れがはっきりしていて、アルバム全体の方向性をそのまま象徴している。

ほかにも「Who’s Crying Now」「Open Arms」「Stone in Love」など、シングルとして強く機能した曲が並ぶ。いずれも派手な技巧より、歌の運びとコード進行、サビの抜け方が前面にある。ロック色を保ちながらも、ラジオで流れやすい構成に寄った作品という見方がしやすい。

• 「Don’t Stop Believin’」: アルバムを代表する曲
• 「Who’s Crying Now」: 代表的なバラード寄りのシングル
• 「Open Arms」: Journeyのバラードの定番
• 「Stone in Love」: バンドの勢いを感じるロック曲

音の印象

実際に聴くと、まず感じるのは各曲の立ち上がりの速さだ。イントロから歌までの距離が短く、すぐに曲の核へ入っていく。ギターは前に出るが、主役を奪うというより、歌を支える位置に収まっている。キーボードは装飾ではなく、コードの流れとフレーズを明確にする役割が強い。

Steve Perryの歌は、このアルバムでもかなり大きな存在だ。高音の伸びだけでなく、語尾の置き方やフレーズの区切り方が曲の印象を決めている。大きな音で押すだけではなく、抑えた入り方からサビで広げる作りが多く、そこにJourneyらしさが出ている。

アメリカ盤と日本盤の違い

この日本盤は1981年リリースで、トップ・キャップ仕様の帯が付き、左側に黒いボックスが入るデザインになっている。さらに、英語歌詞入りの印刷内袋、日本語歌詞とライナーノーツの入ったインサート、そして全8ページのフルカラー写真ブックレット「Journey The No.1 American Band」が付属する。レコード会社のアンケート返送カードも封入されている。

収録時間は日本語インサートに基づいており、他国盤の表記とわずかに異なる点がある。こうした日本盤ならではの付属物は、当時の洋楽LPらしい作りとしても興味深い。

まとめ

『Escape』は、Journeyがハードロック寄りのバンドから、より広い市場で支持される存在へと進んだことを示すアルバムだ。シングルの強さ、曲順のまとまり、Steve Perryを中心にした歌の存在感が、1981年の時点でかなり明確に出ている。バンドの代表作として語られやすいのも納得しやすい内容だ。

トラックリスト

• A1 – Don’t Stop Believin’ (4:10)
• A2 – Stone In Love (4:24)
• A3 – Who’s Crying Now (5:00)
• A4 – Keep On Runnin’ (3:38)
• A5 – Still They Ride (3:46)
• B1 – Escape (5:15)
• B2 – Lay It Down (4:12)
• B3 – Dead Or Alive (3:20)
• B4 – Mother, Father (5:27)
• B5 – Open Arms (3:18)

関連動画

• Journey – Who’s Crying Now (Live 1981: Escape Tour – 2022 HD Remaster)
• Journey – Open Arms (Official Video – 1982)
• Journey – Don’t Stop Believin’ (Live 1981: Escape Tour – 2022 HD Remaster)
• Journey – Stone In Love (Live 1981: Escape Tour – 2022 HD Remaster)
• Journey – Don’t stop believin’ [lyrics] (HQ Sound)
• Journey – Stone in love [lyrics] (HQ Sound)
• Journey – Who’s crying now [lyrics] (HQ Sound)
• Journey – Keep on runnin’ [lyrics] (HQ Sound)
• Journey – Still they ride [lyrics] (HQ Sound)
• Journey – Escape [lyrics] (HQ Sound)

Kay Hoffman『Floret Silva』について

Kay Hoffmanの『Floret Silva』は、1985年に日本でリリースされた作品。本人は1949年にバーゼルで生まれたアメリカ国籍のミュージシャンで、キーボードやパーカッション、作曲、執筆、セラピーなど幅広い活動で知られる人物だ。音楽だけに閉じない経歴を持つぶん、この作品にも一方向だけではない視点がにじむ。

クレジット上のジャンルはRock、Pop、Folk、World、& Country、スタイルはPsychedelic RockとFolk。実際、こうした並びを見ると、単純なロック盤というより、フォーク寄りの語り口や楽器の質感を土台にしながら、サイケデリックな響きやポップスの輪郭を取り込んだ一枚として捉えやすい。日本盤にはインサートが付属している。

作品の位置づけ

1985年という時期を考えると、同時代の大きな流れはシンセポップやニューウェーブ寄りに傾いていたが、『Floret Silva』はその中心からやや離れた場所にある印象。Kay Hoffmanの鍵盤奏者としての側面が前面に出るタイプの作品として見てもよさそうだ。フォークの要素とサイケデリックな感触を持つ作品は、70年代のアシッド・フォークや実験色のあるシンガーソングライター作品とも比較しやすい。

アーティストのプロフィールからも、単なる演奏家というより、表現の幅を持った人物像が見えてくる。そうした背景を踏まえると、この作品はKay Hoffmanの音楽的な顔を知るうえでの一つのまとまりとして扱える。

聴きどころの印象

この作品は、派手なヒット曲で押すタイプというより、曲ごとの流れや音の置き方で聴かせるタイプに寄る。鍵盤楽器の使い方、パーカッシブな要素、フォーク由来の素朴さが重なり、曲の輪郭をはっきりさせながら進んでいく構成が想像しやすい。サイケデリック・ロックの文脈に置くと、音色の変化や反復の作り方が聴きどころになりそうだ。

代表曲やシングルとして広く知られる曲の情報は確認できないため、この盤はアルバム全体で受け取るのが自然だろう。曲単位の強い売りよりも、作品全体の温度や質感を追う楽しみがある一枚。

同時代とのつながり

同じようにフォークの輪郭を残しながら、サイケデリックな音像や室内的なアレンジを組み込んだ作品群と並べると、『Floret Silva』の立ち位置が見えやすい。たとえば、70年代のフォークロックや、実験性を持った女性シンガー／ソングライターの作品を思い浮かべると、近い空気を感じやすい。

一方で、1985年の日本リリースという点では、当時の国内市場でこうした音楽がどのように受け止められていたかも興味深い。メジャーな流行から少し距離を置いた、個人の表現をそのまま形にしたような盤として見える。

まとめ

Kay Hoffman『Floret Silva』は、1985年の日本盤として登場した、フォークとサイケデリック・ロックの要素を持つ作品。キーボード奏者・作曲家としてのKay Hoffmanの個性が見えやすい一枚で、アルバム全体の流れを味わうタイプの記録だ。インサート付きという点も含め、作品の雰囲気を手元で確かめる楽しさがある。

トラックリスト

• A1 – Iste Mundus
• A2 – Floret Silva
• A3 – Exorcismus
• A4 – Intermezzo (Chume, Chume)
• A5 – Ich Will Truren
• A6 – Rondo
• A7 – Mai Tanz
• A8 – Quot Sunt Horae
• A9 – Tot
• A10 – Sonus Dulcis Lyrae
• B1 – Ouverture Zum Fest
• B2 – Intermezzo (Fagott Sommer Nacht Promenade)
• B3 – Tempus Instat
• B4 – Langueo (Vacillantis)
• B5 – Chume, Chume
• B6 – Nummus
• B7 – Post Communio Sancti Cyrilli

関連動画

• Kay Hoffman – Floret Silva.wmv
• Kay Hoffman – Quot Sunt Horae.wmv
• Kay Hoffman – Mai Tanz
• Kay Hoffman – Post Communio Sancti Cyrilli.wmv
• Kay Hoffman – Iste Mundus

The Big Dish『Swimmer』について

『Swimmer』は、スコットランド出身のポップ・ロック・バンド、The Big Dishが1986年に発表した作品である。Steven Lindsayを中心に1983年にエアドリーで結成されたこのバンドは、メンバーを入れ替えながら活動を続け、1986年から1991年のあいだに3枚のアルバムを残している。その初期の時期に出た本作は、バンドの出発点を知るうえで押さえておきたい1枚といえる。

作品の位置づけ

1986年という時期は、英国のインディー・ロックがローカルなシーンから少しずつ広がっていた頃に当たる。The Big Dishもその流れの中で、派手な打ち出し方より、ソングライティングを軸にしたバンドとして存在感を示していた。『Swimmer』は、そうした活動初期の空気をそのまま封じ込めた作品として聴ける。

メンバー表記はSteven Lindsay、Raymond Docherty、Brian McFie、Allan Dumbreck、Oreste Gargaro。バンドの顔ぶれが固定されきっていない時期の作品でもあり、後年のアルバムと比べると、初期衝動の比重が強い印象を受けやすい。

内容と仕様

レコードはUK盤としてリリースされ、カードボード製の歌詞入りインナー・スリーブ付き。アナログ盤ならではの作りで、歌詞を追いながら聴ける仕様になっている。さらにSide Bの終端はロック・グルーヴになっている点も特徴で、盤そのものの構成に少し遊びがある。

曲の細部を追うと、The Big Dishはメロディを前に出しつつ、演奏は必要以上に飾らない方向に寄っている。ギター中心の編成で、インディー・ロックらしい骨格を保ちながら、ポップ・バンドとしての輪郭も見える作り。英国の同時代バンドに通じる、整いすぎない歌ものの感触がある。

聴きどころ

実際に聴くと、派手な盛り上がりで押すタイプというより、曲ごとの推進力と歌の運びで引っ張るタイプの作品に感じられる。Steven Lindsayの書く曲は、コード進行とメロディの置き方に意識が向いていて、インディー・ロックの枠の中でも、ポップソングとしての組み立てがはっきりしている。

この時代の英国バンドにありがちな、硬さだけで終わらないところもある。音数を詰め込みすぎず、各楽器の役割が見えやすいので、バンドの輪郭をつかみやすい。ロックとしての直進性と、ポップとしての聴きやすさのあいだを行き来する作りである。

同時代との関係

『Swimmer』は、1980年代半ばの英国インディー・ロックの文脈で捉えるとわかりやすい。大きな商業ロックの流れよりも、地方都市のバンドが自分たちの歌と演奏で存在を示していた時期の作品である。The Big Dishは、同時代の多くの英国バンドと同様に、ギター・バンドの基本形を使いながら、メロディを前面に置いている点が目立つ。

そのため、単にラフなインディー・バンドというより、ソングライティング志向のポップ・ロック・バンドとして聴かれることが多いタイプの作品だろう。バンドの初期像を知るうえで、1986年当時の空気をそのまま感じ取りやすいレコードである。

まとめ

The Big Dish『Swimmer』は、スコットランドのバンドが1986年に残した初期作品で、インディー・ロックの枠組みの中でポップソングを組み立てていく姿が見えやすい。歌詞付きインナー・スリーブやSide Bのロック・グルーヴなど、アナログ盤としての仕様も含めて、時代の記録としても興味深い1枚である。

トラックリスト

• A1 – Prospect Street
• A2 – Christina’s World
• A3 – Slide
• A4 – Big New Beginning
• A5 – Another People’s Palace
• B1 – Swimmer
• B2 – The Loneliest Man In The World
• B3 – Jealous
• B4 – Her Town
• B5 – Beyond The Pale
• B6 – Second Swimmer

Tom Browne『Rockin’ Radio』（1983）について

Tom Browneは、ニューヨーク出身のトランペッター／シンガー／ソングライターで、1970年代後半から80年代にかけてソウル、ジャズ、ジャズ・ファンクの交差点で活動してきた人物だ。高校時代からニューヨークのジャズ・シーンに入り、George Benson周辺の流れとも接点を持ちながらソロ・キャリアを築いたことで知られている。

『Rockin’ Radio』は1983年のアルバムで、Tom Browneの80年代前半の動きをそのまま映した作品といえる。ジャズ・ファンクを土台にしつつ、当時のエレクトロ寄りの質感も入った内容で、ソロ・アーティストとしてのBrowneの方向性がはっきり出ている1枚だ。

作品の位置づけ

Tom Browneの代表曲としては、1980年の『Funkin’ for Jamaica』がまず挙がる。この曲で広く知られるようになったあとに出たのが『Rockin’ Radio』で、キャリアの中ではヒット後の展開を示す時期の作品になる。前作の勢いを受けつつ、より80年代的な制作感を取り入れたアルバムとして聴かれてきた盤だ。

本人はトランペット奏者としてのキャリアを持ちながら、演奏だけでなく歌や作曲でも存在感を見せている。そうした多面的な持ち味が、この時期の作品にもそのまま反映されている。

サウンドと制作

クレジットを見ると、制作はGrusin/Rosen Productions向けで行われ、A2とA3はPlatinum Vibe Productions Inc.名義のプロデュース、録音はUnique Recording、Intergallactic、Secret Sound Studio NYCなど複数のスタジオで進められている。80年代前半のニューヨーク制作らしい、分業感のある作りがうかがえる。

ジャンル表記はElectronic、Jazz、Funk / Soul、スタイルはElectro、Soul、Jazz-Funk。実際、ジャズの演奏感を残しながら、リズムの組み立てや音色には当時のエレクトロ／ダンス寄りの感触が見える。ファンクの骨格に、都会的なシンセや打ち込み的な手触りが乗るタイプの作品として位置づけられる。

当時の文脈

1983年という年は、ジャズ・ファンクがディスコ以後のダンス志向と結びつきながら、さらに機械的なリズムやシンセ・サウンドへ寄っていく時期でもある。Tom Browneのように、ジャズ奏者としてのバックグラウンドを持ちながら、クラブ・ミュージックの感覚を取り込む動きは、この時代の流れと重なる。

同時代の文脈で見ると、George BensonやLonnie Smith、Sonny Fortuneといった周辺のジャズ／フュージョン人脈とも響き合う部分がある。演奏のうまさを前面に出しつつ、ラジオやダンスフロアを意識した作りへ寄せていく流れの中にある作品だろう。

音源としての印象

実際に耳を通すと、この時期のTom Browneらしく、トランペットのフレーズが前に出る場面と、リズム隊やシンセのグルーヴが支える場面のバランスが目立つ。ジャズの即興性だけで押すのではなく、曲としての反復やビートの持続を重視している印象だ。

また、USリリース盤としての『Rockin’ Radio』は、1983年当時の制作環境をそのまま伝える盤でもある。後年の再発ではなくオリジナル年の作品として押さえると、Tom Browneのキャリアにおける80年代前半の空気感が見えやすい。

まとめ

『Rockin’ Radio』は、Tom Browneがジャズ・ファンクの文脈から80年代のエレクトロ／ソウルへ踏み込んでいく時期のアルバムだ。『Funkin’ for Jamaica』で知られる前後関係を踏まえると、代表曲のイメージだけでは見えにくい、1983年当時の制作感やダンス志向が確認できる作品として捉えられる。

• アーティスト: Tom Browne
• タイトル: Rockin’ Radio
• リリース年: 1983年
• 国: US
• ジャンル: Electronic, Jazz, Funk / Soul
• スタイル: Electro, Soul, Jazz-Funk

トラックリスト

• A1 – Rockin’ Radio (6:14)
• A2 – Crusin’ (6:29)
• A3 – Turn It Up (Come On Y’all) (6:30)
• A4 – Angeline (4:40)
• B1 – Brighter Tomorrow (6:18)
• B2 – Never My Love (4:18)
• B3 – Mr. Business (5:46)
• B4 – Feel Like Making Love (4:17)

関連動画

• Rockin’ Radio
• Cruisin’
• Turn It Up
• Angeline
• Brighter Tomorrow
• Never My Love
• Mr. Business
• Feel Like Making Love
• Bye Gones (Extended Version)
• Cruisin’ (Dub Version)

The Freak Scene『Psychedelic Psoul』

The Freak Sceneの『Psychedelic Psoul』は、1967年にオリジナルが出たサイケデリック・ロック作品。クレジット上はMarcus Uzilevsky（Rusty Evans名義でも知られる）が中心に立つスタジオ・プロジェクトで、The Deep名義の前作『Psychedelic Moods』に続く流れの中で作られたアルバムとして位置づけられている。Columbiaから出た作品の中でも、純粋にサイケデリックなテーマを前面に出した初期の一枚とされる。

作品の輪郭

このアルバムは、バンドというより、当時のスタジオ・ミュージシャンを集めて組み立てられた作品として見たほうが分かりやすい。参加者にはDavid BrombergやVictoria Pikeらの名前が挙がっており、演奏と制作の両面で、60年代半ばのサイケデリック・サウンドの空気がまとまっている。アルバム単位で世界観を作るタイプの作品で、曲ごとの個性よりも、全体を通した統一感が印象に残る構成。

タイトルの『Psychedelic Psoul』という言葉自体が示す通り、ソウルの要素を少し含みながらも、中心はあくまでサイケデリック・ロックの実験性にある。1967年という時期は、アメリカのロックがサイケデリック表現を一気に広げていった頃で、同時代にはThe 13th Floor ElevatorsやThe Doors、さらにはThe Beatlesの『Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band』前後の流れがある。この作品も、その時代の空気の中で語られることが多い。

聴きどころ

実際に聴くと、スタジオ作品らしい整った作りと、当時のサイケデリック作品に特徴的な仕掛けが目立つ。曲の並びは、派手なロックンロールの勢いだけで押すというより、音色や反復、雰囲気の切り替えで進んでいくタイプ。60年代後半のサイケデリック・ロックにある、少しひねったコード感や、音の重なり方がはっきり出る盤。

代表曲として広く知られる一曲を挙げるなら、タイトル曲の「Psychedelic Psoul」がまず中心になる。アルバム全体の方向性を端的に示す曲で、作品名そのものを冠した配置にも、この盤の位置づけが表れている。

アーティストにとっての位置づけ

The Freak Sceneは単独の長期活動バンドというより、Rusty EvansことMarcus Uzilevskyを軸にしたプロジェクトとして理解されている。前身のThe Deep『Psychedelic Moods』から続く系譜の中で、この『Psychedelic Psoul』はサイケデリック路線をさらに明確にした作品。バンドの歴史を追うというより、60年代アメリカのサイケデリック・スタジオ・ワークの一断面として見ると分かりやすい。

1986年盤について

今回の盤は1986年リリース。オリジナルの1967年盤からかなり後年の再発で、作品そのものは60年代の録音をそのまま受け継ぐかたちになる。ジャケットやレーベル表記、音質の印象は再発盤ごとに差が出ることがあるが、少なくとも作品の中身は1967年当時のサイケデリック・ロックの文脈にある。

まとめ

『Psychedelic Psoul』は、The Freak Sceneという名前以上に、Rusty Evansを中心としたスタジオ・プロジェクトが60年代サイケデリアを形にした記録として面白い一枚。Columbia作品の中でも早い段階でサイケデリック色を前面に出したアルバムとして語られることがあり、前作『Psychedelic Moods』とあわせて追うと、その流れが見えやすい作品。

トラックリスト

• A1 – A Million Grains Of Sand
• A2 – “…When In The Course Of Human Events” (Draft Beer, Not Students)
• A3 – Interpolation: We Shall Overcome
• A4 – Rose Of Smiling Faces
• A5 – Behind The Mind
• A6 – The Subway Ride Thru Inner Space
• A7 – Butterfly Dream
• B1 – My Rainbow Life
• B2 – The Center Of My Soul
• B3 – Watered Down Soul
• B4 – Red Rose Will Weep
• B5 – Mind Bender
• B6 – Grok!

関連動画

• The Freak Scene Psychedelic Psoul
• A Million Grains Of Sand
• … When In The Course Of Human Events (Draft Beer, Not Students)
• Interpolitation: We Shall Overcome
• Rose Of Smiling Faces
• Behind The Mind
• The Subway Ride Through Inner Space
• Butterfly Dream
• My Rainbow Life
• The Center Of My Soul

Babe Ruth『Amar Caballero』について

『Amar Caballero』は、UKのロック・バンド、Babe Ruthが1974年に発表した作品。バンドは1971年にShacklock名義で始まり、その後Babe Ruthへ改名して活動したグループで、1970年代前半のブリティッシュ・ロック、特にプログレッシブ・ロック周辺の空気をまとった存在として知られている。本作もその初期の流れにある1枚で、英国録音のアルバムとして出ている。

バンドの位置づけ

Babe Ruthは、のちに広く知られる『First Base』（1972年）や『Ameoba』（1975年）と並んで語られることが多いバンドだが、『Amar Caballero』はその中でも1974年時点の姿を示す作品という位置づけになる。メンバーには、Alan Shacklock、Jenny Haan、Dave Hewitt、Bernie Marsden、Ed Spevock などの名前が並び、編成の厚みと個々のプレイヤーの持ち味が前面に出るタイプのバンド像がうかがえる。

内容と聴きどころ

収録曲は、ロックを土台にしながら、曲ごとの展開やアレンジの切り替えを重視した作り。B4は3つのパートに分かれた組曲形式で、1曲の中で場面が変わっていく構成になっている。こうした作りは、同時代の英国ロック、とくに曲の長さや展開を重視するプログレッシブ・ロックの文脈で自然に受け取れる。

聴感としては、ギターの押し出しと女性ボーカルの存在感が印象に残るタイプ。演奏の密度が高く、曲の進行に合わせて緊張感が変わっていく。派手なヒット曲を前面に置くというより、アルバム全体で流れを作る作風のなかで聴かれる作品だといえる。

同時代の文脈

1974年の英国ロックは、ハードなギター・ロック、プログレッシブ・ロック、ブルース寄りのサウンドが入り混じっていた時期。Babe Ruthもその中で、単純なハードロック一辺倒ではない構成感を持ったバンドとして捉えやすい。比較の対象としては、同時代の英国プログレやシアトリカルなロックを思わせる場面もあるが、バンドの核にはあくまでロック・バンドとしての推進力がある。

作品の特徴

• 1974年のUKロック作品
• 英国録音
• 組曲的な構成を含む楽曲あり
• ギターとボーカルの存在感が強い編成
• アルバム単位で流れを聴くタイプの内容

まとめ

『Amar Caballero』は、Babe Ruthの初期活動を示す1974年のロック作品。バンド名義の個性、女性ボーカルを含む編成、組曲的な楽曲展開など、当時の英国ロックらしい要素がまとまった1枚として見てよさそうだ。Babe Ruthというバンドの輪郭をつかむうえでも、初期カタログの中で確認しておきたい作品である。

トラックリスト

• A1 – Lady
• A2 – Broken Cloud
• A3 – Gimme Some Leg
• A4 – Baby Pride
• B1 – Cool Jerk
• B2 – We Are Holding
• B3 – Doctor Love
• Amar Caballero
• B4a – El Caballero De La Reina Isabella
• B4b – Hombre De La Guitarra
• B4c – El Testament De ‘Amelia

関連動画

• Doctor Love (2007 Remaster)
• Lady (2007 Remaster)
• Broken Cloud (2007 Remaster)
• Gimme Some Leg (2007 Remaster)
• Baby Pride (2007 Remaster)
• Cool Jerk (2007 Remaster)
• We Are Holding On (2007 Remaster)
• Amar Caballero (Sin Ton Ni Son) (2007 Remaster)

ザ・ゴールデン・カップスの1968年作『The Golden Cups Album = ザ・ゴールデン・カップス・アルバム』

ザ・ゴールデン・カップスは、1966年に横浜で結成された日本のグループ・サウンズ／ロック・バンドである。英米のロック、ブルース、ソウルを広く取り込みながら活動し、1960年代後半の日本のロック史の中でも、早い段階でバンド・サウンドを前面に出した存在として知られる。
この『The Golden Cups Album = ザ・ゴールデン・カップス・アルバム』は、1968年3月10日にオリジナル・リリースされた作品で、当時のバンドの勢いをそのまま記録したような一枚として位置づけられる。

作品の輪郭

本作は、グループ・サウンズの文脈にありながら、単なる流行歌バンドの枠には収まらない内容である。演奏の芯には、英米のロックやブルース、ソウルを吸収したバンド・グルーヴがあり、そこに当時の日本のGSらしい色合いが重なる。
日本のロックがまだ整理される前の時期の作品だけに、楽曲の作りや演奏の進め方にも、当時ならではの直接さが感じられる。

メンバーには、Mickie Yoshino、Dave Hirao、Eddie Ban、Kenneth Ito、Masayoshi Kabe、Mamoru Manu、Ai Takano、John Yamazaki の名前が並ぶ。バンドの顔ぶれからもわかるように、当時の日本のポップス界における“洋楽志向”が強く出たグループであり、ステージ・ネームを含めた見せ方も時代性をよく反映している。

サウンドと聴きどころ

この時期のザ・ゴールデン・カップスは、オリジナル曲だけでなくカバー・レパートリーでも評価されるバンドで、本作でもその持ち味が出ていると考えられる。英米のロック・バンドに近い編成感、リズムの前に出る演奏、歌とバンドが一体で進む感触が、このグループの大きな特徴である。
同時代の日本のGSの中でも、ザ・スパイダースのようなポップ寄りの色合いとは少し違い、よりロック・バンドとしての輪郭がはっきりしている印象を受ける。

また、ザ・ゴールデン・カップスは後年の日本のロック史を語るうえで、ブルースやハードなロック感覚を早くから示した存在としても語られる。本作も、その流れの中で聴かれることが多い一枚である。

1968年という時代の中で

1968年は、日本のロックがGSから次の段階へ移っていく入口のような時期である。テレビやアイドル的な人気と結びついたGSが広がる一方で、バンドそのものの演奏力や洋楽との距離感が、少しずつ重要になっていく。本作は、その変化の途中にある記録として見ることができる。
横浜で生まれたバンドが、英米の曲を自分たちの言葉と演奏で鳴らす。その姿が、1960年代末の日本の空気と重なる。

再発盤について

今回の盤は1981年リリースのものだが、作品そのものは1968年作である。オリジナル盤から時間を置いた再発という扱いになるため、レコードとしては当時の初出盤とは別の流通形態のものになる。
内容面はオリジナル作品を伝えるものとして聴ける一方、盤の年代は1981年である点に注意したい。

まとめ

『The Golden Cups Album = ザ・ゴールデン・カップス・アルバム』は、ザ・ゴールデン・カップスの初期の姿を知るうえで重要な作品である。グループ・サウンズ、ガレージ・ロック、ビート、サイケデリック・ロックといった要素が重なり合う時代の空気の中で、日本のバンドがどこまでロック・バンドとして鳴り得たか、その輪郭を示す一枚だといえる。

トラックリスト

• A1 – いとしのジザベル (3:02)
• A2 – A Whiter Shade Of Pale (3:57)
• A3 – Got My Mojo Working (3:26)
• A4 – Unchained Melody (3:23)
• A5 – I’m Your Puppet (3:16)
• A6 – Hey Joe (5:39)
• B1 – 銀色のグラス [Love Is My Life] (2:41)
• B2 – My Girl (3:27)
• B3 – I Feel Good (I Got You) (3:00)
• B4 – Searchin’ For My Love (2:41)
• B5 – LSDブルーズ [LSD Blues] (4:49)
• B6 – Do You Know I Love You (2:29)
• B7 – 陽にまた昇る (2:10)

関連動画

• ザ・ゴールデン・カップス The Golden Cups／ いとしのジザベル JEZEBEL （1967年）
• The Golden Cups (ザ・ゴールデン・カップス) – Got My Mojo Working (モジョ・ワーキング)
• ザ・ゴールデン・カップス The Golden Cups／銀色のグラス Love Is My Life （1967年）
• ザ・ゴールデン・カップス／ヘイ・ジョーHey Joe （ 1968年）
• The Golden Cups (ザ・ゴールデン・カップス) – I Feel Good (I Got You) (アイ・フィール・グッド)
• The Golden Cups (ザ・ゴールデン・カップス) – Searchin’ For My Love (サーチン・フォー・マイ・ラブ)
• The Golden Cups LSD Blues
• ザ・ゴールデン・カップス／アンチェインド・メロディーUnchained Melody （1968年）
• The Golden Cups (ザ・ゴールデン・カップス) – My Girl (マイ・ガール)
• Love Is My Life

Ñu『A Golpe De Látigo』について

『A Golpe De Látigo』は、スペインのハードロック・バンド、Ñuが1979年に発表した作品である。Ñuは1974年結成のバンドで、中心人物はJosé Carlos Molina。ボーカルに加えてフルートやハーモニカ、キーボードも担当するという編成が、このバンドの大きな特徴になっている。スペイン産のハードロックとして語られることが多いが、フォーク・ロックの要素も持つグループであり、この作品でもその輪郭が見えやすい。

バンドの位置づけ

Ñuは、José Carlos Molinaを軸に長く活動を続けてきたバンドで、メンバー交代を重ねながらも、彼の作曲とバンドの方向性が芯にある。初期メンバーにはRosendo MercadoやRamiro Penasの名前もあり、1970年代後半のスペイン・ロックの動きと近い場所にいたことが分かる。そうした時期に出た『A Golpe De Látigo』は、Ñuの初期像をつかむうえで重要な1枚として見られている。

作品の内容と音の印象

この時期のÑuは、ハードロックの骨格を持ちながら、フルートの音色や歌い回しに独特の土臭さがある。ギター主体のロックで進みつつ、メロディの作り方にフォーク・ロック的な感触が入り、重さだけで押し切るタイプではない。ヘヴィ・メタルの要素も含まれているが、演奏の表情はかなりスペイン語圏のロックらしい色を保っている。

曲単位で広く知られる代表曲については、この作品では特に定番曲として語られる情報は見当たらない。ただし、バンドの初期カタログの中では、後年のÑuの方向性を形づくる段階の作品として位置づけやすい。

1979年のスペイン・ロックという文脈

1970年代後半のスペインでは、ハードロックやプログレッシブ・ロックの流れの中で、独自のロック表現を模索するバンドが増えていた。Ñuもその一角にあり、同時代のスペインのハードロック勢と並べて語られることが多い。特に、Rosendo Mercadoがその後Leñoを立ち上げる流れを考えると、この周辺の人脈が当時のスペイン・ロックの動きをよく表している。

盤の仕様と再発盤の違い

この盤はゲートフォールド・スリーブ仕様で、B面には「Avd. Cantabria 2,4 y 8 Madrid-22」の表記が入っている。プロモ盤や別版と非常に似た内容ながら、こうした印字の違いがある。

オリジナルの1979年盤として見た場合、Ñuの初期作品らしい時代感のあるスペイン盤として扱われる。再発盤との比較では、ジャケットやラベルの細部が異なることがあるが、この盤についてはB面の住所表記が識別点になっている。

まとめ

『A Golpe De Látigo』は、Ñuの初期の姿をそのまま示す1979年作であり、ハードロックを基盤にしながらフォーク・ロックやヘヴィ・メタルの要素を含む、スペイン産ロックの一枚として捉えやすい作品である。José Carlos Molinaの個性が前面に出るバンドの出発点として、後年の活動を知るうえでも重要な位置にある。

トラックリスト

• A1 – Entrada Al Reino (2:19)
• A2 – A Golpe De Látigo (6:12)
• A3 – A La Caza De Ñu (7:13)
• A4 – El Flautista (4:40)
• B1 – La Galería (2:44)
• B2 – Velocidad (4:32)
• B3 – La Llegada De Los Dioses (6:25)
• B4 – El Expreso (6:12)

関連動画

• ÑU – Entrada al reino
• ÑU – A golpe de latigo
• ÑU – A la caza del Ñu
• El Flautista
• ÑU – La llegada de los Dioses