Mahavishnu Orchestra『Apocalypse = 黙示録』について

Mahavishnu Orchestraは、1971年にニューヨークで結成されたジャズ・フュージョン・バンドだ。John McLaughlinを中心に、ロックの強い推進力と、ジャズ由来の高度なインプロヴィゼーションを前面に出したグループとして知られている。『Apocalypse』はその1974年作で、McLaughlin率いる第2期の代表的な1枚にあたる。

日本盤は1978年リリースで、邦題は『黙示録』。ジャケットやタイトルの印象どおり、厳しさのある緊張感を持ったアルバムとして扱われることが多い。レコード情報にある通り、日本製プレスの盤で、当時の国内盤として流通したものだ。

作品の位置づけ

Mahavishnu Orchestraといえば、まず1971年から1973年にかけての初期編成がよく語られるが、『Apocalypse』はメンバーを一新した第2期の流れにある。John McLaughlinに加え、Jean-Luc Ponty、Gayle Moran、Ralphe Armstrong、Narada Michael Waldenといった面々が参加し、初期の爆発力とは少し違う、より組曲的で構成のはっきりした演奏が目立つ時期だ。

この時代のMahavishnu Orchestraは、同時代のフュージョンの中でも、Weather ReportやReturn to Foreverのような流麗さより、演奏の密度と切迫感が前面に出るタイプとして語られやすい。ロック寄りの入口から入っても、展開の多さやアンサンブルの複雑さでジャズ側に引き寄せられる感じがある。

内容と聴きどころ

『Apocalypse』は、演奏の瞬発力だけで押し切るというより、テーマの提示と展開をじっくり組み立てる作りだ。特にJohn McLaughlinのギターは、速弾きの印象だけでなく、音の切り方やフレーズの配置にまで神経が通っている。Jean-Luc Pontyのヴァイオリンも、単なるソロ楽器ではなく、曲の輪郭を決める役割を担っている。

また、ジャズ・ロック／フュージョンの作品としては珍しく、ヴォーカルやコーラスの要素が入ることで、器楽中心のMahavishnu Orchestraの中では少し異なる表情を持つ。硬質なバンド・サウンドの中に、人声が差し込まれる構成が印象に残る。

実際に聴くと、音数の多さ以上に、各パートがぶつかりながらも整理されている印象が強い。ドラムとベースの推進、ギターとヴァイオリンの応酬、鍵盤の厚みが同時に進むので、緊張が途切れにくい作りだ。ライブ感よりも、スタジオでの設計が見えやすい盤という受け取り方もできる。

代表曲として触れられる曲

『Apocalypse』では、組曲的な長尺曲がアルバムの核になっている。特定のシングルヒットで知られる作品ではないが、アルバム全体の流れの中で印象を残すタイプだ。Mahavishnu Orchestraらしく、1曲単位のキャッチーさよりも、アルバムを通した構成で聴かれることが多い。

当時の文脈

1974年は、ジャズ・ロックやフュージョンが広がっていた時期で、Miles Davis以降の電化ジャズの影響もまだ強く残っていた。Mahavishnu Orchestraはその中でも、演奏技術の高さとロックの圧を同時に持ち込んだ存在として特異だ。John McLaughlinがMiles DavisやTony Williams’ Lifetimeで経験した流れが、そのまま別の形で結実したグループでもある。

『Apocalypse』は、そうした流れの中で、Mahavishnu Orchestraの第2期がどんな音を出していたかを示す作品だ。初期の過激さとは別方向の、緻密さと構成感が前に出る1枚として位置づけられる。

まとめ

『Apocalypse = 黙示録』は、1974年のMahavishnu Orchestraを記録したアルバムで、1978年に日本盤としてリリースされた。ロックの強い推進力、ジャズの即興性、プログレッシヴな構成感が同居する内容で、バンドの第2期を知るうえで重要な作品のひとつだ。John McLaughlinを中心にした緊張感のあるアンサンブル、その時代のフュージョンの輪郭をはっきり示す盤として見てよさそうだ。

トラックリスト

• A1 – Power Of Love (4:15)
• A2 – Vision Is A Naked Sword (14:22)
• A3 – Smile Of The Beyond (8:00)
• B1 – Wings Of Karma (6:05)
• B2 – Hymn To Him (19:22)

関連動画

• Power of Love
• Vision Is a Naked Sword
• Smile of the Beyond
• Wings of Karma
• Hymn to Him

Bauhaus「Ziggy Stardust / Third Uncle」について

Bauhausの「Ziggy Stardust / Third Uncle」は、1982年にUKでリリースされたシングル盤。英国のポストパンク・バンドとして知られるBauhausが、当時の自分たちの感覚で既存曲を取り込みながら提示した作品で、バンドの初期像をつかみやすい1枚になっている。

メンバーはPeter Murphy、Daniel Ash、Kevin Haskins、David Haskins。のちにゴシック・ロックの代表格として語られることが多いが、この時点では、まだパンク以後の鋭さと、演劇的な表現を行き来している時期の作品という印象が強い。

収録曲と内容

タイトル曲の「Ziggy Stardust」は、David Bowieの曲として広く知られる楽曲のカバー。一方の「Third Uncle」は、Brian Enoの楽曲のカバーで、Bauhausの側から見ると異なる質感の2曲を並べたシングルになっている。

この組み合わせは、Bauhausが単に自作曲で押し切るのではなく、同時代の英国ロックやアート寄りの文脈を自分たちの音に引き寄せていたことを示すもの。BowieとEnoという名前が並ぶだけでも、当時のBauhausがどこを見ていたかはかなりはっきりしている。

作品の位置づけ

Bauhausは1982年時点で、すでに後のゴシック・ロックの基盤を形にしつつあったバンド。とはいえ、このシングルは「Bauhausらしさ」を固定化するというより、影響源の再解釈を前に出した作品として見るほうが自然だ。

バンドは1983年にいったん解散するため、1982年のこの時期は短い活動の中でも重要な局面に当たる。のちに再結成やツアーを行うが、当時の勢いをそのまま切り取った盤としての意味合いが強い。

同時代とのつながり

このシングルに出てくるBowieとEnoの名前からもわかる通り、Bauhausは英国ロックの中でも、パンク以後の実験性や都市的な冷たさを共有する流れにいる。同時代のポストパンク勢の中でも、より暗い演出や音像を前に押し出していたバンドとして語られることが多い。

比較対象として名前が挙がりやすいのは、Joy DivisionやSiouxsie and the Bansheesあたり。Bauhausはそこに、より強い視覚的イメージと舞台性を持ち込んでいた印象がある。

盤の仕様

UK盤で、スリーブは薄手のカードを使ったグロス仕様。上部開口のスリーブになっている。ジャケット面の構成としては、Ziggy側にカタログ番号が入っており、Third Uncle側がフロント扱いになっている点が特徴的。

こうした細部は、シングル盤らしい作り方を感じさせる部分。コレクション面でも目に留まりやすい仕様だろう。

まとめ

「Ziggy Stardust / Third Uncle」は、Bauhausが1982年の時点でどんな音楽的背景を持っていたかを、カバー曲を通して示すシングル。BowieとEnoという英国ロックの重要人物を、自分たちの緊張感ある演奏と歌でどう再構成するか、その姿勢が見える1枚。

バンドの代表的なイメージであるゴシック・ロックに近い空気はありつつ、まだその輪郭が固まりきる前の、ポストパンクの延長線上にある作品として捉えやすい。

トラックリスト

• A1 – Ziggy Stardust (3:08)
• A2 – Party Of The First Part (5:22)
• B1 – Third Uncle (5:11)
• B2 – Waiting For The Man (5:31)

関連動画

• Bauhaus – Ziggy Stardust HD
• Bauhaus – Third Uncle (1982)
• Party of the First Part
• Bauhaus – Waiting For The Man (1982) (Maxi 45T)

Agusa『Högtid』について

Agusaの『Högtid』は、2014年にスウェーデンでリリースされた1作目のアルバム。バンドは2013年にマルメで結成されたスウェーデンのヘヴィ・プログレッシブ／サイケデリック・ロック・バンドで、そこにフォークや異文化音楽の要素も持ち込む編成として知られている。タイトルの『Högtid』は「祝祭」「休日」といった意味合いの言葉で、作品全体の性格を端的に示すような題名になっている。

バンドの出発点と本作の位置づけ

Agusaは、2013年初頭にギタリストのMikael Ödesjö、ベーシストのTobias Pettersson、キーボードのJonas Bergeが、ドラマーDag Strömqvistの自宅でのジャム・セッションをきっかけに始動した。小さな村Agusaでの集まりからバンド名が取られている。結成から間もない2014年に本作『Högtid』を発表し、その後Dag Strömqvistはバンドを離れてTim Wallanderが加入した。つまり本作は、Agusaの初期形を記録したアルバムという位置づけになる。

音の印象

この作品は、プログレッシブ・ロックの組曲的な展開と、サイケデリック・ロックの反復感を軸にした内容として知られる。ギター、オルガン、ベース、ドラムの基本編成を中心に、70年代の北欧プログレを思わせる流れが前に出る。演奏は細かく畳みかけるというより、フレーズを少しずつ重ねて場面を切り替えていく作りで、曲ごとの起伏がはっきりしている印象がある。

Agusaのプロフィールからもわかる通り、彼らは単なる復古主義ではなく、スウェーデンの70年代「proggen」系バンド群や民俗音楽の感覚を意識した文脈に置かれることが多い。Mikael Ödesjöが南米音楽を含む幅広い音楽を聴き、作曲にラテンの感触を少し加えようとしていた、という話もこのバンドの背景として興味深いところだ。

同時代・関連文脈

Agusaは、スウェーデンの70年代プログレ／フォーク・ロックの流れを参照するバンドとして語られることが多い。プロフィール中でも、Dungen、Samla Mammas Manna、Hedningarna、Kaipa、Träd, Gräs och Stenar など、同時代や近い系譜の名前が挙がっている。政治性の強い「proggen」から、フォーク、トラヴァドゥール、RIO寄りの動きまで含む広い背景の中で、Agusaはその後続世代として位置づけられる。

また、Mikael ÖdesjöとTobias Petterssonは、2013年にデンマークのサイケ／ロック系ミュージシャンたちと一回限りのプロジェクト作品も残しており、北欧圏のサイケデリック／プログレッシブな音楽交流の延長線上にこのバンドがあることも見えてくる。

作品の後の流れ

『Högtid』の後、Agusaはメンバー交代を重ねながら活動を続けていく。2014年時点ではまだ始動直後の編成であり、のちのフルート加入や編成拡張の前段階にあたる。そうした意味では、本作は後年のAgusaよりも、よりストレートに初期のバンド・サウンドを刻んだ一枚として見ておける。

リリース情報

• アーティスト: Agusa
• タイトル: Högtid
• リリース年: 2014年
• リリース国: Sweden
• ジャンル: Rock
• スタイル: Prog Rock, Psychedelic Rock
• 盤の仕様: Limited edition of 100 copies on black splatter wax

限定100枚の黒スプラッター盤という仕様もあり、初期作品らしい入手性の低さも特徴のひとつ。Agusaの出発点を押さえるには、まずこの『Högtid』が重要な一枚になる。

トラックリスト

• A1 – Uti Vår Hage (11:05)
• A2 – Melodi Från St Knut (7:54)
• B1 – Östan Om Sol, Västan Om Måne (14:03)
• B3 – Stigen Genom Skogen (7:55)

関連動画

• Uti Vår Hage
• Melodi Från St Knut
• Östan Om Sol, Västan Om Måne
• Stigen Genom Skogen
• Kärlek Från Agusa

Toe Fat『Toe Fat』（1970年）

Toe Fatは、1969年6月に結成され、1971年まで活動したイングランドのロック・バンドだ。
このデビュー作『Toe Fat』は1970年に発表された作品で、のちにUriah Heepへ加わるKen HensleyとLee Kerslakeを含む編成としても知られている。
Cliff Bennettを軸に、ハード寄りの演奏とサイケデリック・ロックの空気感をあわせ持つ、70年代初頭らしい一枚という位置づけだ。

バンドの背景

Toe Fatは、Cliff BennettとKen Hensleyを中心に始動したグループで、メンバーにはBrian Glascock、Alan Kendall、John Glascockらが名を連ねる。
特にHensleyとKerslakeは後年のUriah Heepで重要な役割を担うため、このアルバムはその前史としても見られることが多い。
英ロックの文脈では、ブルース・ロックやハード・ロックの要素を吸収しながら、60年代末のサイケデリックな感触を残す時期の作品として置ける内容だ。

作品の印象

アルバム全体は、リフを前に出した曲作りと、オルガンやギターを軸にした厚めのサウンドが印象に残る。
Cliff Bennettのヴォーカルは、派手に崩すよりも言葉を前に届けるタイプで、バンドの演奏とぶつからずにまとまっている。
聴き進めると、曲ごとの温度差はありつつも、当時の英国ロックらしい乾いた音像と、やや泥臭いグルーヴが通っている。

実際に耳を通すと、単なる“後の大物メンバー在籍盤”というより、バンドとしての輪郭が先に立つ作品だと感じやすい。
派手な装飾よりも、リズム隊の押し出しとギター、オルガンのせめぎ合いが中心で、70年という時代の空気がそのまま残る録音だ。

同時代とのつながり

Toe Fatは、同時代の英国ロックの中でも、Uriah Heepのようなキーボードを生かした重心の低いロックや、The Nice、Early Deep Purple周辺の感触と近い場所にある。
ただし、より“バンドの初期衝動”が前に出た内容で、完成された大作志向というより、荒さを含んだセッション感が残る。
サイケデリック・ロックの名残とクラシック・ロック的な骨組みが同居する、1970年らしい着地点だ。

収録曲について

代表曲としてまず挙がりやすいのは、アルバム冒頭の「Just Like Me」だ。
この曲はバンドの方向性をつかみやすく、推進力のある演奏とヴォーカルの組み合わせがはっきり出る。
ほかの曲も、当時の英国ロックにあるラフな硬さと、少し湿ったメロディの両方が見えやすい。

この盤について

今回のUS盤は、ジャケットやラベルの表記に関して「Printed in the U.S.A.」の記載がある。
同じ1970年のオリジナル作品として見たとき、内容面では初出時代のToe Fatをそのまま伝えるタイプのリリースだ。
レーベル表記にはカバーとラベルでカタログ番号が異なる形式が見られる。

まとめ

『Toe Fat』は、後の有名バンドにつながるメンバー構成だけで語るには惜しい、1970年初頭の英国ロック作品だ。
サイケデリック・ロックの残り香、クラシック・ロックの骨格、そしてバンドの生々しい演奏が、ひとまとまりで収められている。
Toe Fatという名前の印象よりも、まずは当時のロックの質感がそのまま出た一枚として見えてくるアルバムだ。

トラックリスト

• A1 – That’s My Love For You (4:01)
• A2 – Bad Side Of The Moon (3:24)
• A3 – Nobody (6:04)
• A4 – The Wherefors And The Whys (3:43)
• A5 – But I’m Wrong (4:01)
• B1 – Just Like Me (4:12)
• B2 – Just Like All The Rest (2:31)
• B3 – I Can’t Believe (3:59)
• B4 – Working Nights (2:31)
• B5 – You Tried To Take It All (4:26)

関連動画

• Toe Fat – Toe Fat [1970] (full album vinyl rip)

Gerry Rafferty『City To City』について

『City To City』は、スコットランド出身のシンガー・ソングライター、Gerry Raffertyが1978年に発表した2作目のソロ・アルバム。前作『Can I Have My Money Back』に続く作品で、彼の代表作として広く知られている。収録曲の中心にあるのは、やはり「Baker Street」。サックスのフレーズで強く印象を残す、彼の名を決定づけた一曲だ。

Raffertyは、Stealers Wheelで「Stuck in the Middle」をヒットさせたあと、ソロ活動へ進んだ人物。『City To City』は、その流れの中で生まれた作品で、ソロ・アーティストとしての立ち位置をはっきり示したアルバムでもある。ポップ・ロックを軸に、メロディの運びと歌の輪郭をきちんと前に出した作りになっている。

アルバムの位置づけ

このアルバムは、Gerry Raffertyのソロ作品の中でも特に重要な一枚として扱われることが多い。理由は明快で、「Baker Street」が入っているからだが、それだけではない。アルバム全体を通して、フォーク由来の書き方と、当時のラジオ向けロックの感触が同居している。

Rafferty自身は、スコットランドのパイズリーで労働者階級の家庭に生まれ、幼いころからアイルランドやスコットランドの民謡に親しんだという。その背景は、派手さよりも曲の流れや言葉の置き方に出ているように思える。ビートルズやボブ・ディランの影響も挙げられており、1970年代のシンガー・ソングライター文脈に自然に接続する存在でもある。

「Baker Street」を中心にした聴きどころ

『City To City』を語るうえで外せないのが「Baker Street」。この曲はRaffertyの最も有名なソロ曲であり、ラジオで長く親しまれてきた代表曲でもある。曲の導入から印象が強く、アルバムの顔として十分な存在感を持つ。

ただ、アルバムの魅力はその一曲だけに集約されるわけではない。全体としては、歌メロが前に出る曲が並び、派手な展開よりも、フレーズの積み重ねで聴かせるタイプの作品。ロックの骨格に、ポップ寄りの整理された構成が入っている、という受け取り方がしやすい。

同時代の文脈

1978年という時期は、ソングライター型のロックがFMラジオで強く機能していた時代でもある。Gerry Raffertyの作りは、その文脈の中で、同じくメロディを重視するアーティストたち、たとえばボズ・スキャッグスやロギンス＆メッシーナのような聴かれ方とも重なる部分がある。

一方で、Raffertyには英国圏の民謡感覚や、Stealers Wheel時代から続く素朴な歌の運びが残っている。そのため、アメリカ産のAORやソフト・ロックと完全には同じに収まらないところもある。そこがこのアルバムの輪郭になっている。

日本盤について

今回の盤は日本盤で、ブルーの帯とインサート付きの仕様。1978年のオリジナル・リリースに近い時期の盤として扱える。日本盤ならではのポイントとしては、帯や付属物の有無がコレクション上の特徴になりやすいところだが、音楽そのものはオリジナルの作品像をそのまま伝える内容と考えてよさそうだ。

まとめ

『City To City』は、Gerry Raffertyのソロ活動を代表するアルバムであり、「Baker Street」を軸にしながら、1970年代後半のポップ・ロックの空気をきっちり写した作品。派手な演出より、曲の作りと歌の置き方で聴かせるタイプの一枚で、Stealers Wheelから続く彼のキャリアの中でも重要な位置を占めている。

トラックリスト

• A1 – The Ark (5:40)
• A2 – Baker Street (6:11)
• A3 – Right Down The Line (4:32)
• A4 – City To City (5:06)
• A5 – Stealin’ Time (6:06)
• B1 – Mattie’s Rag (3:30)
• B2 – Whatever’s Written In Your Heart (6:40)
• B3 – Home And Dry (4:59)
• B4 – Island (5:22)
• B5 – Waiting For The Day (5:40)

関連動画

• Gerry Rafferty – City to City (1978) Part 1 (Full Album)
• Gerry Rafferty – City to City (1978) Part 2 (Full Album)
• Gerry Rafferty – Baker Street (Official Video)
• Gerry Rafferty Baker Street Long Version

Lost And Found『Forever Lasting Plastic Words』について

Lost And Foundは、1960年代半ばから後半にかけてテキサス州ヒューストンで活動したサイケデリック・ロック・バンドである。『Forever Lasting Plastic Words』は1968年に登場した作品で、同バンドの名前が知られる中核的な録音として扱われている。クレジット上では、表ジャケット右上の黒い円内に「Forever Lasting Plastic Words」とあり、裏ジャケットには「Everybody’s Here」と記されている。オリジナル盤のラベルにはアルバム・タイトル表記がない。

作品の輪郭

収録内容は、60年代後半のアメリカン・サイケデリックの流れの中にある。ヒューストンという地域性を背にしながら、当時のロックが持っていた歪み、浮遊感、曲展開のひねりを、比較的素朴なバンド編成の中で鳴らしているタイプの作品として見られる。派手な技巧で押すというより、当時のローカル・バンドらしい距離感と、サイケデリック期特有の音色変化が印象に残る一枚である。

Lost And Foundというバンドの位置づけ

Lost And Foundは、ヒューストン周辺のガレージ／サイケデリック・シーンを語る際に挙がるグループのひとつで、Pete Black、James Harrell、Steve Webb、Jimmy Frostの編成で知られている。大きな全国ヒットを持つタイプではないが、60年代後半のローカル・サイケデリック・バンドがどのようにアルバムを作っていたかを示す資料性の高い存在である。

同時代の文脈

1968年は、アメリカのロックがサイケデリックの要素を広く取り込んでいた時期で、テキサス勢でも独自の音作りを持つバンドが多く現れていた。Lost And Foundもその流れの中にあり、サンフランシスコ勢のような大規模な実験性とは少し異なる、地域バンドらしいまとまりの中でサイケデリックな響きを扱っている点が特徴といえる。ヒューストンのローカル・シーンをたどるうえでの一枚、という見方がしやすい。

曲やアルバムの印象

この作品は、タイトル表記の揺れも含めて、当時のローカル盤らしい仕様が目につく。音楽そのものは、60年代後半のロックが持つストレートなビート感と、サイケデリック期らしい音のゆらぎが同居する内容で、歌と演奏のバランスを追っていくタイプの記録である。ヒット曲として広く知られる単独曲が前面に出る作品というより、アルバム全体で当時の空気を伝える性格が強い。

まとめ

『Forever Lasting Plastic Words』は、Lost And Foundというヒューストン発のサイケデリック・ロック・バンドが1968年に残した作品で、アメリカ南部のローカル・サイケデリックの姿を今に伝える一枚である。タイトル表記の揺れや、オリジナル盤の仕様の素朴さも含めて、60年代後半の独立したバンド作品らしい佇まいがある。

トラックリスト

• A1 – Forever Lasting Plastic Words
• A2 – Everybody’s Here
• A3 – There Would Be No Doubt
• A4 – Don’t Fall Down
• A5 – Zig Zag Blues
• A6 – Let Me Be
• B1 – Realize
• B2 – Stroke Blues
• B3 – I’m So Hip To Pain
• B4 – Living Eye

関連動画

• Lost and Found, Forever Lasting Plastic Words 1968 (vinyl record)
• Lost and Found – Let Me Be
• Lost and Found – 2 Stroke Blues
• Lost and Found – I’m so Hip to Pain
• Living Eye
• Lost and Found – Forever Lasting Plastic Words
• Lost and Found – Everybody’s Here
• Lost and Found – 25 M.P.H
• Lost and Found – I Realize
• Lost & Found-Forever Lasting Plastic Words

Jasun Martz『The Pillory』について

Jasun Martzは、US出身の画家・彫刻家・ミュージシャンとして知られる人物で、音楽ではオーケストラや合唱を用いた大編成の作品でも活動している。『The Pillory』は、1978年に制作された作品として位置づけられるアルバムで、電子音楽と現代音楽のあいだを行き来するような性格を持つ。盤としては1981年のリリース。録音、ミックス、マスタリングまでロサンゼルス周辺とロンドンで行われており、USの作家が国際的な制作環境を使って仕上げた作品という見え方になる。

制作クレジットと録音環境

レコーディングは California Recording Studios（Hollywood）、Riverside Recordings（London）、Neoteric Recording Studios（Los Angeles）で行われている。ミックスは California Recording Studios、マスタリングは Burbank の L.R.S.。さらに、作曲・スコア作成・リハーサルは、カリフォルニアの「The Village」やロサンゼルス、ニューヨーク、ロンドンの拠点で進められたと記されている。作品全体が、単独のスタジオ録音というより、複数都市をまたいだ制作体制の中で組み上げられたものだとわかる。

カバーには「The Pillory」のために特別に描かれたドローイングが使われている。視覚表現も含めて作家性を強く打ち出すタイプの作品と見てよさそうだ。

音楽性と聴きどころ

ジャンル表記は Electronic、Classical、スタイルは Modern Classical、Experimental。実際の内容も、ロック的な歌ものというより、構成と音色の変化を中心に聴かせるタイプの作品として捉えられる。Martz のほかの活動歴から見ても、合唱やオーケストラを扱う設計と親和性が高い。電子音の質感だけで押し切るのではなく、現代音楽寄りの書法やアンサンブルの重なりを含んだ作りが想像しやすい。

この時代のUSの実験音楽、現代音楽、電子音楽の周辺では、Morton Subotnick や Terry Riley、さらに欧州の電子音楽やコンテンポラリー・クラシカルの流れとも接点を持つ聴かれ方をしやすい。『The Pillory』も、そのあたりの文脈に置くと輪郭がつかみやすい作品だろう。とはいえ、単純なミニマル作品や純粋電子音楽に収まるわけではなく、編成の大きさや構成の意識が前面に出るあたりに特徴がある。

アーティストにとっての位置づけ

Jasun Martzは、視覚芸術と音楽の両方で活動してきたアーティストで、この作品もその多面的な作家性を示す一枚として見やすい。後年の合唱・オーケストラ系プロジェクトを含む活動を踏まえると、『The Pillory』は、電子音響とクラシカルな書法を結びつける方向性を早い段階で示した作品のひとつといえる。

まとめ

『The Pillory』は、1978年の制作を背景に持つ、Jasun Martz の初期代表作として押さえやすいアルバム。USのアーティストが、ロサンゼルスとロンドンを結ぶ制作環境の中で、電子音楽と現代音楽の接点を探った作品として整理できる。派手なヒット曲で知られるタイプではなく、作品全体の構成と音の配置で聴かせる一枚だ。

トラックリスト

• A – The Pillory (21:53)
• B – The Pillory (22:27)

関連動画

• Jasun Martz & The Neoteric Orchestra ‎– The Pillory Part I [HQ Audio] 1978
• Jasun Martz: The Pillory (1978) Full Album

IQ『Tales From The Lush Attic』について

IQは、1981年にイングランドのサウサンプトンで結成された英国のプログレッシブ・ロック・バンドである。
『Tales From The Lush Attic』は、そんなIQが初期に残した重要作のひとつで、オリジナルは1983年発表。ここで聴けるのは、いわゆる80年代初頭のネオ・プログレッシブ・ロックの流れをはっきり示すサウンドだ。

編成は、ピーター・ニコルスの歌、マイケル・ホームズのギター、マーティン・オーフォードのキーボード、ティム・エスーのベース、ポール・クックのドラムという布陣が軸になっていた時期の作品。英国の同時代バンドの中でも、メロディと長尺構成の両方を重視するタイプとして語られることが多い。

作品の位置づけ

このアルバムは、IQの初期像をつかむうえで外せないタイトルとして扱われることが多い。デビュー直後の勢いと、すでに組曲的な展開を組み込む作曲感覚が同居していて、バンドの後年につながる骨格が見えやすい一枚である。

80年代前半の英国プログレは、70年代の大作志向とは別の形で再編されていった時期だが、IQはその中で、ジェネシスやカンザス、フォーカスなどの要素を思わせるドラマ性と、よりコンパクトなロック感覚をつないでいったバンドとして知られる。『Tales From The Lush Attic』も、その文脈の中で聴かれることが多い作品である。

サウンドの印象

実際に聴くと、まずボーカルの存在感が前に出る。ピーター・ニコルスの歌は、語りかけるような場面と強く押し出す場面の切り替えがはっきりしていて、楽曲の緊張感を保つ役割が大きい。ギターはリフと旋律の両方を担い、キーボードは空間の広がりを作る。ベースとドラムは派手に前へ出るというより、長い曲の流れを支える動きが印象に残る。

音の作りは、極端に厚いというより、各パートが見えやすいバランスに感じられる。曲ごとの切り替えも多く、静かな導入から展開を重ねていく構成が目立つ。こうした作りは、同時代のネオ・プログレ勢の中でも、IQらしいと受け取られやすい部分だろう。

代表曲として触れられやすい曲

本作では、特に長尺曲として知られる「The Last Human Gateway」がよく言及される。アルバムを象徴するような、複数の展開を持つ大きな構成で、IQの初期作法がまとまっている曲だ。
また、アルバム全体の流れの中で、短めの曲と長い曲を交互に置くことで、ドラマ性を維持している点も特徴的である。

1984年盤について

今回の盤は1984年リリースのUK盤で、クラシック・ワン・シュー・レコード・レーベルの円形IQロゴ入りブラウン・スリーヴ再発盤として案内されている。歌詞インサート付きの仕様で、オリジナル盤とは装丁面が異なる。
音源そのものは『Tales From The Lush Attic』の内容を収めたものとして扱われるため、アルバムの中身を聴くうえでは、こうした再発盤でも作品の骨格は十分につかめる。

まとめ

『Tales From The Lush Attic』は、IQの初期の個性がそのまま形になったような作品である。英国産プログレの系譜を引きながら、80年代らしい輪郭のはっきりしたロックとしてまとまっている点が印象に残る。
バンドのその後を知る前に聴いても、後年のIQを知ってから聴いても、初期の核に触れやすいアルバムである。

トラックリスト

• A1 – The Last Human Gateway (19:57)
• A2 – Through The Corridors (2:35)
• B1 – Awake And Nervous (7:45)
• B2 – My Baby Treats Me Right ‘Cos I’m A Hard Lovin’ Man All Night Long (1:45)
• B3 – The Enemy Smacks (13:49)

関連動画

• The Last Human Gateway
• Through The Corridors
• Awake And Nervous
• My Baby Treats Me Right..
• The Enemy Smacks
• Just Changing Hands
• IQ__Tales From The Lush Attic 1983 [Full Album]

String Driven Thing『The Machine That Cried』(1973)

String Driven Thingは、1967年にグラスゴーで結成されたバンドで、フォーク色とプログレッシブ・ロックの要素を行き来しながら活動してきたグループだ。中心人物はChris Adamsで、編成を変えながらも彼を軸に続いていく。『The Machine That Cried』は1973年に登場した作品で、バンドの初期ディスコグラフィーの中でも、グループの色がはっきり出た時期のアルバムとして位置づけられる。

作品の位置づけ

1973年という時期は、英国のロックがフォーク、プログレ、ハードな演奏感をそれぞれ行き来していた頃だ。String Driven Thingもその流れの中にあり、このアルバムではロックの推進力と、曲ごとの展開を重視する作りが見えてくる。バンド名が示す通り、弦楽器のうねりや推進感が前に出るタイプの音像で、同時代の英国プログレ周辺の空気を感じさせる内容だ。

メンバーにはChris Adams、Kim Beacon、Graham Smith、Colin Wilson、Colin Fairley、Alun Roberts、James Exell、Bill Hatje、Pauline Adams、Billy Fairley、John F. Mannionらの名前が見える。編成の変動が多いバンドなので、作品ごとに演奏の輪郭が変わるのもこのグループの特徴といえそうだ。

録音と盤の情報

レコーディングは1973年夏、ロンドンのIBC StudiosとAdvision Studiosで行われている。どちらも英国ロック史ではおなじみのスタジオで、この時代らしい空気をまとった録音環境だ。日本盤はNippon Phonogram Co. Ltd. Tokyo製造で、当時の国内流通盤として出ている。

サウンドの印象

実際に聴くと、曲の進み方は比較的ストレートなロックの感触を持ちながら、随所で展開や緊張感の置き方にプログレ寄りの発想が見える。派手に技巧を誇るというより、曲の流れの中で音を積み上げていくタイプの印象だ。フォーク由来の響きと、70年代前半の英国ロックらしい厚みが同居している。

Kim Beaconのヴォーカルが入ることで、演奏の輪郭が少し柔らかくなる場面もあり、Chris Adamsを中心としたバンドの骨格に歌の表情が乗る構図。Graham Smithのヴァイオリンもこのバンドの個性としてよく知られ、ロック・バンドの中で弦の音が前に出る独特の手触りになっている。

同時代とのつながり

同時代の英国では、フォークの感触を持つプログレ勢や、ヴァイオリンを取り入れたロック・バンドがいくつか活動していた。String Driven Thingもその流れの中で語られることが多く、英国のアンダーグラウンドなロック文脈に置いて見るとわかりやすい。派手な商業性より、バンドの演奏感と曲作りで聴かせるタイプの作品だ。

関連するトピック

String Driven Thingはその後も形を変えながら活動を続け、1990年代後半から2000年代初頭にはString Driven名義で活動した時期もあった。現在は再びString Driven Thingの名義に戻っている。メンバーではベーシストのColin Wilsonが2013年に、創設者でリードシンガーのChris Adamsが2016年10月7日に亡くなっている。

まとめ

『The Machine That Cried』は、1973年の英国ロックの空気をそのまま閉じ込めたような一枚というより、String Driven Thingというバンドの編成感、弦の響き、曲の運び方がまとまった作品だ。プログレッシブ・ロックの枠組みに触れながらも、フォーク由来の質感を残したバンドの個性が読み取りやすいアルバムである。

トラックリスト

• A1 – Heartfeeder
• A2 – To See You
• A3 – Night Club
• A4 – Sold Down The River
• B1 – Two Timin’ Rama
• B2 – Travelling
• B3 – People On The Street
• B4 – The House
• B5 – The Machine That Cried
• B6 – Going Down

関連動画

• String Driven Thing – The Machine That Cried : 10 River Of Sleep
• STRING DRIVEN THING-Going Down
• String Driven Thing-People on the Street

Bruce Springsteen『Tunnel Of Love』（1987年）

Bruce Springsteenが1987年に発表した『Tunnel Of Love』は、E Street Bandの名前が広く知られている時期の中でも、作品の空気が少し変わった1枚として見られることが多いアルバムである。レコードとしても1987年のUS盤で、Columbia Recordsからリリースされた。

Springsteenは1949年、ニュージャージー州ロングブランチ生まれ。詩的な歌詞、Jersey Shoreに根ざした感覚、強い声、長尺で熱量の高いライヴで知られるシンガーソングライターだ。本作は、そうした“ザ・ボス”のイメージを保ちながらも、バンド全体で押し切るロックというより、私的な視線が前に出た作品として聴こえる。

作品の位置づけ

『Tunnel Of Love』は、Springsteenのディスコグラフィーの中でも、80年代後半の節目に置かれるアルバムである。前作『Born in the U.S.A.』の大きな成功のあとに出た作品で、ヒットのスケール感よりも、関係性や内面の揺れを追う作りが目立つ。E Street Bandの作品でありながら、曲ごとの手触りはかなり個人的だ。

録音はニュージャージー州Rumsonの“Carousel House”にあるSpringsteenのリビングルーム・スタジオで進められ、1987年1月から4月にかけて行われた。さらに「One Step Up」はロサンゼルスのA&M Studiosで録音されている。録音とミックスはSony Digitalで行われ、当時のデジタル録音の手法が使われている点も、この時代らしい要素だ。

サウンドと聴きどころ

このアルバムは、ロックの勢いだけで押すタイプではない。歌詞の内容に合わせて、演奏も整理されていて、曲の輪郭がはっきりしている。ギターや鍵盤、ドラムの配置が過密になりすぎず、言葉を聴かせる作りになっている印象がある。

タイトル曲「Tunnel of Love」は、この作品の中心にある曲だ。恋愛の高揚だけでなく、その中にある不安や距離感がにじむ。シングルとしても代表曲のひとつで、アルバムの方向性をそのまま示すような内容である。

「Brilliant Disguise」も重要な曲だ。相手を信じたい気持ちと、見えているものへの疑いが同居する構造で、Springsteenの歌詞の中でもかなり直線的に感情を扱っている。「Tougher Than the Rest」は、より落ち着いたテンポで関係の持続を描く曲で、後年までよく知られるレパートリーになった。

「One Step Up」は、家や暮らしの中で起きる行き違いを描く曲で、アルバム中でも現実感が強い。歌詞カード付きのインナー・スリーブで聴くと、言葉の流れが追いやすい構成になっている。

同時代の文脈

1987年のロック作品として見ると、派手なアリーナ・ロックやシンセを強く押し出す音作りが目立つ時期でもある。その中で『Tunnel Of Love』は、アメリカン・ロックの文脈にありながら、より内省的で、曲の中心に物語を置くタイプのアルバムとして聴こえる。Bob DylanやJohn Mellencampのように、歌詞を前面に出すアメリカのソングライター系ロックとも並べて語られやすい内容である。

このUS盤について

この盤はUSリリースで、Columbia Records Pressing Plant, Carrollton, GAでのプレスとされる。ランアウト部には「G」のエッチングがあり、DMM（Direct Metal Mastering）仕様である。スパイン表記はOC 40999、ラベル表記はC 40999。プリント入りインナー・スリーブには歌詞とクレジットが収められている。

ジャケット外装には、シュリンクラップ上のハイプ・ステッカーで「Brilliant Disguise」「One Step Up」「Two Faces」「Tunnel of Love」「Tougher Than The Rest」が案内されている。プロモーション用のゴールド・スタンプが入る個体もある。

まとめ

『Tunnel Of Love』は、Springsteenの大きな代表作群の中でも、私的な感情の動きが前に出たアルバムである。E Street Bandの厚みを持ちながら、録音やミックスの整理された手触りが、曲のテーマをそのまま支えている。1987年のUSオリジナル盤としても、当時のデジタル録音とDMMプレスの時代感がはっきり残る1枚だ。

トラックリスト

• A1 – Ain’t Got You (2:06)
• A2 – Tougher Than The Rest (4:35)
• A3 – All That Heaven Will Allow (2:38)
• A4 – Spare Parts (3:39)
• A5 – Cautious Man (3:56)
• A6 – Walk Like A Man (3:37)
• B1 – Tunnel Of Love (5:11)
• B2 – Two Faces (3:00)
• B3 – Brilliant Disguise (4:15)
• B4 – One Step Up (4:21)
• B5 – When You’re Alone (3:20)
• B6 – Valentine’s Day (5:10)

関連動画

• Bruce Springsteen – Tunnel of Love (Official Video)
• Tougher Than the Rest
• Brilliant Disguise
• Valentine’s Day
• All That Heaven Will Allow
• Walk Like a Man
• Bruce Springsteen – I’m On Fire (Official Video)
• Bruce Springsteen – One Step Up (Official Video)
• When You’re Alone

Kormorán『Folk & Roll』について

『Folk & Roll』は、ハンガリーのKormoránが1984年に発表した作品で、同年のリリースとして記録されている。ロックを土台にしながら、フォークや各地の民謡的な要素を取り込むKormoránらしさが前面に出る一枚で、ジャンル表記としてはRock、Folk、World, & Country、スタイルとしてはFolk Rock、Folk Prog Rockに置かれている。ハンガリー国内制作の盤で、クレジットには「Pepita-Főnix recording」、そして「Made in Hungary」の表記が見える。

Kormoránというバンドの輪郭

Kormoránはハンガリーのグループで、バンドの公式サイトや映像チャンネルも公開されていることから、長く活動を続けてきたことがうかがえる。メンバー表記には、Koltay Gergely、Keresztes Ildikó、Deák Bill Gyula、Vadkerti Imre、Fehér Nóra、Szabó Miklós、Mr. Basary など、複数世代にまたがる名前が並ぶ。こうした編成の厚みは、単独の固定メンバー作品というより、時期ごとに参加者を広げながら音楽性を積み重ねてきたグループの性格を示している。

本作『Folk & Roll』は、タイトルの通りフォークとロックの結びつきを前面に出した作品として見てよさそうだ。Kormoránの作品群の中でも、フォーク・ロックやプログレッシブ寄りの流れを押し出す位置づけとして語られることが多い。

1984年のハンガリー作品として

1984年という年を考えると、ハンガリーのロック／フォーク系シーンでは、英米のハードロックやニューウェイヴとは別の軸で、民俗音楽の素材をどうロックに落とし込むかが大きな関心事だった時代でもある。Kormoránもその文脈の中で、単なるロックバンドではなく、民族的な旋律感や合唱的な響き、楽器の重ね方を含めて独自の色を作っていったグループとして捉えやすい。

同時代の比較対象としては、東欧圏でフォーク要素をロックに組み込んだバンド群が思い浮かぶが、Kormoránはその中でも、民謡的なメロディと劇的な展開をしっかり結びつけるタイプのバンドとして見られることがある。プログレッシブ・ロックの構成感と、フォークの旋律の分かりやすさが同居するところが、この時期の作品の特徴になりやすい。

作品の手触り

実際に聴くと、ギターを軸にしたロックの推進力の上で、歌メロやコーラスが前に出る場面があり、曲ごとにフォーク色とロック色の比重が変わっていく印象を受ける。演奏面では、歌の輪郭を支えるアンサンブルの組み方がはっきりしていて、単純なバンドサウンドでは終わらない作り込みが感じられる。

また、複数のボーカリスト名がクレジットされている点からも、ひとりの歌唱だけで押し切るのではなく、曲に応じて声色や役割を変えていく構成が想像しやすい。民謡的な合唱感、ロックの前進感、そして舞台的な広がりが行き来するタイプの作品として受け取れそうだ。

代表曲やヒット曲について

今回の情報だけでは、収録曲の詳細やシングルのヒット曲までは確認できない。ただ、Kormoránはハンガリー国内で長く知られてきたグループで、作品単位よりもバンド全体の活動やライブ文脈で認知されてきた面が強い。『Folk & Roll』も、その流れの中でバンドのカラーを端的に示すアルバムとして見やすい。

まとめ

『Folk & Roll』は、1984年のハンガリーで生まれた、Kormoránのフォーク・ロック路線を示す作品だ。ロックの骨格にフォークの旋律感を重ねる作り、複数の歌声や合奏感を活かす編成、そして東欧らしい土着性を含んだサウンドの組み立てが、このレコードの見どころになっている。Kormoránというバンドの方向性を知るうえで、ひとつの基点として置きやすいタイトルだ。

トラックリスト

• A1 – Zöld Szemű Rózsa
• A2 – Védelmezz!
• A3 – Egy Ágyon Egy Kenyéren
• A4 – Trák Attak
• A5 – Alig Volt Zöld
• A6 – Ne Sírj
• B1 – Ilju Haramia
• B2 – Ha Meghalok
• B3 – Gyere Ki, Te Gyöngyvirág
• B4 – Adjon Az Isten
• B5 – Macedon Expressz
• B6 – Jöjj Be Szobámba

関連動画

• Zöld szemű rózsa
• Védelmezz
• Egy ágyon egy kenyéren
• Trák attak
• Alig volt zöld
• Ne sírj
• Ilju haramia
• Ha meghalok
• Gyere ki te gyöngyvirág
• Adjon az Isten

Tangerine Dream『Atem』（1973）レビュー

Tangerine Dreamの『Atem』は、1973年にUKで発表された4作目のアルバムである。のちに「ベルリン・スクール」と呼ばれる電子音楽の流れを強く印象づける前段階にあり、シンセサイザー主体へ移る直前の、より実験色の濃い時期を映した作品でもある。初期Tangerine Dreamの中では、ロックのバンド感よりも、音そのものの配置や持続、空間の扱いに意識が向いた一枚という位置づけが見えてくる。

作品の位置づけ

1973年のTangerine Dreamは、Edgar Froese、Christopher Franke、Peter Baumannを中心に、電子楽器を軸とした独自の方向へ進みつつあった時期である。前年までのより即興的で生々しいサウンドから、のちの『Phaedra』で決定的になるシーケンサー主体の形へ向かう途中にあり、『Atem』はその過程に置かれている。UK盤として出たことも含め、当時の英国プログレッシブ・ロック、あるいは実験音楽の文脈で受け止められた作品といえる。

レーベル面では「Cosmic Couriers」の作品として扱われている。Tangerine Dreamの初期作品群に通じる、ジャーマン・エクスペリメンタルの空気を持った一枚である。

音の特徴

『Atem』の中心にあるのは、曲の展開をはっきり示すというより、音の断片や持続音、打楽器的な要素を組み合わせていく構成である。電子音の冷たさだけで押し切るのではなく、フレーズの間に余白があり、音響の動きがゆっくりと変わっていく。

この時期のTangerine Dreamは、後年の「整った電子音楽」という印象とは少し異なり、もっと手触りのある演奏感を残している。キーボード、フルート、パーカッション、テープ操作のような要素が混ざることで、曲ごとに輪郭が変わるのが面白いところである。ロックバンドとしての推進力より、スタジオでの実験と即興の記録という性格が前に出る。

同時代との関係

同時代のドイツ音楽では、CanやAmon Düül II、Ash Ra Tempel、Faustなどがそれぞれ異なる方法でロックと実験を結びつけていた。Tangerine Dreamはその中でも、より電子音響の側へ寄っていく立場で、のちのクラウトロック／電子音楽のイメージ形成に大きく関わることになる。

『Atem』は、そうした潮流の中でも、まだ「曲」より「場」の感覚が強い。後年のテクノやアンビエントに接続されるような反復感は、ここではまだ輪郭段階にあり、むしろ音の発生そのものを追っている印象である。

アルバム内で注目される点

この作品では、タイトル曲「Atem」がアルバムの核として語られることが多い。静かな導入から徐々に音の層が重なっていく流れがあり、初期Tangerine Dreamの方法論を端的に示す楽曲である。派手なフックで押すタイプではないが、アルバム全体の方向をつかむ入口になっている。

また、ジャケットと音像の結びつきも強い作品で、当時のTangerine Dreamらしい内省的な空気がそのままパッケージされている。視覚と音の両方で、1973年のバンドの位置が見える構成である。

聴きどころの整理

• シンセサイザー主導へ移る直前の初期Tangerine Dreamの記録
• 即興性と音響実験の比重が大きい構成
• のちの『Phaedra』につながる前史としての面白さ
• クラウトロック、英国プログレ、実験音楽の交点にある作品

まとめ

『Atem』は、Tangerine Dreamが後年に確立するシーケンサー主体のスタイルに到達する前、電子音楽の可能性を手探りで広げていた時期を示すアルバムである。1973年という時点で、すでにこのバンドがロックの枠外へ踏み出していたことがよくわかる内容で、初期作品群の中でも過渡期の重要作として位置づけられる。

派手な代表曲で覚えるタイプのアルバムではないが、Tangerine Dreamの原点をたどるうえで外せない一枚である。

トラックリスト

• A – Atem (20:25)
• B1 – Fauni-Gena (10:43)
• B2 – Circulation Of Events (5:49)
• B3 – Wahn (4:31)

関連動画

• Tangerine Dream – Atem [Full Album]

Diana Ross『Ross』（1983）について

Diana Rossの『Ross』は、1983年にリリースされた14作目のソロ・スタジオ・アルバムである。録音は1982年から1983年にかけて行われ、USでは1983年6月9日にMotownから発売された。ソロ転向後のDiana Rossが、80年代前半のポップ/R&B路線をそのまま反映した一枚として位置づけられる作品だ。

作品の輪郭

この時期のDiana Rossは、60年代のThe Supremesでの成功を経て、ソロ・アーティストとして長く活動を続けていた。『Ross』は、そのソロ期の中でも1980年代のシンセサイザー主体のサウンドを前面に出したアルバムで、Electronic、Funk / Soul、Popの要素を持ち、スタイルとしてはSynth-pop、Soul、Discoにまたがる内容である。

タイトルがそのまま自身の名前である点も印象的で、アーティスト名を冠した作品らしく、当時のDiana Rossの現在形を示す役割を持つアルバムと見られる。Motown期のディスコ・イメージを引き継ぎつつ、80年代らしい打ち込みやシンセの質感が加わった時代性のある仕上がりである。

サウンドと聴きどころ

このアルバムでは、リズムの輪郭がはっきりしたトラックと、艶のある歌声の組み合わせが軸になる。Diana Rossのボーカルは、前に出すぎず、それでも曲の中心を外さないタイプで、ソウルやダンス寄りの曲でもポップ・シンガーとしての明瞭さが保たれている。

1983年という年を考えると、同時代にはMichael JacksonやWhitney Houstonの大ブレイク前夜の空気があり、R&Bとポップの境界がより近づいていた。『Ross』もその流れの中にある作品で、ディスコ以後のダンス・ミュージックとポップ・アルバムの接点に置かれる一枚といえる。

作品の位置づけ

Diana Rossのキャリアの中では、ソロ・アルバムを継続して重ねていた時期の作品であり、80年代の音像へ自然に移行していく過程を示すアルバムでもある。1970年代のディスコ時代に強い印象を残した彼女が、その後の時代にどう対応していたかを知るうえで、ひとつの手がかりになる。

なお、この盤はSterling SoundでTed Jensenによってマスタリングされている。フロント・カバーにはエンボス加工のタイトル表記がある点も、物理メディアとしての存在感を持たせる要素である。

ヒット曲・代表曲について

『Ross』については、アルバム全体の流れを追う聴き方がしやすい作品で、シングル単位の強い記憶だけで語るタイプというより、80年代初頭のDiana Ross像をまとめて示す内容として捉えやすい。ソロ・キャリアの中で、ダンス・ポップとソウルの接点を確認できるアルバムである。

まとめ

『Ross』は、Diana Rossのソロ・キャリアの中で1983年という時代の空気をはっきり映した作品である。Motownの伝統を背にしつつ、当時のポップ/R&Bの音作りへ寄せたアルバムとして、1980年代前半の彼女の立ち位置を知るには見やすい一枚だ。

トラックリスト

• A1 – That’s How You Start Over (4:09)
• A2 – Love Will Make It Right (4:44)
• A3 – You Do It (4:31)
• A4 – Pieces Of Ice (4:54)
• B1 – Let’s Go Up (4:01)
• B2 – Love Or Loneliness (4:17)
• B3 – Up Front (3:56)
• B4 – Girls (3:58)

関連動画

• That’s How You Start Over
• Love Will Make It Right
• You Do It
• Diana Ross – Pieces of Ice (Official Video)
• Pieces of Ice
• Let’s Go Up
• Love or Loneliness
• Up Front
• Girls

Latitude『40° North』について

Latitudeの『40° North』は、1987年に登場した作品。アーティストはUSAとカナダにまたがるクレジットで、メンバーはCraig PeytonとBen Verderyの2名。ジャンル表記はElectronic、Folk、World、& Country、スタイルはNew Ageとなっている。タイトルからも伝わる通り、地理や方角のイメージを持った作品名で、内容もそうした広がりを感じさせる流れになっている。

作品の位置づけ

1980年代後半のNew Age周辺の作品として見ると、シンセサイザーを中心にした音作りと、アコースティック楽器の質感を組み合わせた流れの中にある1枚。Craig PeytonとBen Verderyという2人の名前が前面に出ている点からも、演奏を軸にした作品として受け取れる。電子的なレイヤーとフォーク寄りの響きが並ぶ構成で、当時のNew Age作品に見られる整った音の配置が印象に残るタイプ。

聴きどころ

実際に耳を傾けると、音の立ち上がりが急ではなく、ひとつひとつの音が前に出すぎない作りが目につく。ギターの輪郭と電子音の背景が分かれすぎず、同じ空間に収まっている感じがある。派手な展開で押すより、音色の重なりと余白で進む作りで、長めに聴いても流れが崩れにくい印象。New Age作品にありがちな“雰囲気だけ”に寄りすぎず、演奏の手触りが残るところがこの盤の特徴といえそうだ。

1987年という時代感

1987年は、シンセサイザーやクリーンな録音が広く浸透していた時期でもあり、New Ageやインストゥルメンタル作品が一定の存在感を持っていた時代。『40° North』も、その流れの中で、電子音を使いながらもアコースティックな要素を残す作りになっている。周辺ジャンルの作品と比べると、同時代のスムーズなシンセ主体の作品よりも、楽器の音そのものを聴かせる側に寄っているように感じられる。

盤としての情報

この盤はUSAとカナダでリリースされた作品で、盤面の表記としては「Printed and manufactured in Canada」とある。1987年のオリジナル期のリリースとして扱える1枚。北米圏で流通したタイトルらしい仕様で、印刷・製造がカナダという点も当時のプレス事情を反映している。

総じて

『40° North』は、電子音とアコースティック楽器の接点に置かれた1987年のNew Age作品。Craig PeytonとBen Verderyの演奏を軸に、音の流れと質感を重視した作りが見える。大きなヒット曲を前面に出すタイプではなく、アルバム全体のまとまりで聴かせる内容。時代の空気と演奏中心の設計、その両方が見える一枚。

トラックリスト

• A1 – Trust (6:23)
• A2 – Al Campo De Paco (6:07)
• A3 – She Slowly (5:30)
• A4 – There’s A Hole In The Ozone (5:01)
• B1 – 40° North (3:59)
• B2 – The Champ (5:19)
• B3 – Pilot (5:42)
• B4 – Partial Recall (4:43)
• B5 – Mombasa (5:11)

関連動画

• Latitude: Pilot
• Latitude / 40° North (Full Disc)

山崎ハコ『ファーストライブ』について

山崎ハコの『ファーストライブ』は、1977年に日本でリリースされたライヴ・アルバムである。山崎ハコは1957年生まれ、大分県日田市出身のシンガーソングライターで、1970年代のフォーク・ブームの流れの中で注目を集めた人物だ。ギター弾き語りを軸に、私小説的な視点を感じさせる歌を積み重ねてきたアーティストでもある。

この作品は、山崎ハコにとって初のライヴ盤にあたる。スタジオ録音とは違って、当時の歌声や演奏の空気感をそのまま伝える位置づけの一枚として捉えやすい。1970年代後半の日本のフォーク・シーンを知るうえでも、彼女の活動の初期を確認する資料性の高い作品と言える。

作品の位置づけ

山崎ハコは1975年から長く作品を発表し続けたが、『ファーストライブ』はその初期の段階で出たライヴ記録である。デビュー後まもない時期の演奏を収めた作品として、当時の歌の輪郭やステージ上での表現をそのまま追えるのが特徴だ。後年の作品群と比べると、まずは歌とギターの関係を前面に出した内容として受け取られることが多い。

1970年代の日本のフォークでは、地声の強さや語りに近い歌唱、シンプルな伴奏で感情を運ぶスタイルが広く見られた。山崎ハコもその流れの中に位置しつつ、同時代の他の女性シンガーソングライターと比べても、歌詞の切実さや独特の間合いで印象を残している。

聴きどころ

ライヴ盤なので、まず耳に入るのは歌の生々しさである。スタジオ盤のように整え込まれた音像というより、会場の空気や歌い出しの緊張感がそのまま残るタイプの作品として想像しやすい。ギター弾き語りを中心に、声の揺れや言葉の置き方がその場で立ち上がる感触がある。

山崎ハコの代表曲として広く知られる「呪い」など、初期の作品群に通じる緊張感のある歌は、ライヴという形式で聴くとまた違った重みを持つ。楽曲そのものの輪郭に加えて、ステージ上での呼吸や間が見えやすいのが、この種のライヴ盤の面白さだろう。

同時代の文脈

1970年代後半の日本では、フォークからシンガーソングライターへと受け止められ方が広がっていった時期でもある。山崎ハコは、その中で女性の視点から内面を強く押し出す歌を続けた存在として語られることが多い。たとえば、同時代の荒井由実や中島みゆきと並べて語られることもあるが、山崎ハコはよりシンプルな編成の中で、言葉と声の密度を前に出すタイプとして捉えやすい。

『ファーストライブ』は、そうした1970年代日本フォークの空気を、ライヴという形でそのまま留めた一枚である。作品単体というより、山崎ハコの初期像を確認する入口として見られることが多いだろう。

まとめ

『ファーストライブ』は、山崎ハコの初期活動をライヴの形で記録した1977年作品である。派手な演出よりも、歌とギター、会場の空気感が前に出る内容として受け取れる。1970年代日本のフォークの文脈の中で、山崎ハコの声と歌の重さを確かめられる一枚だ。

トラックリスト

• A1 – ハーモニカ吹きの男 (5:21)
• A2 – ききょうの花 (4:45)
• A3 – クレイジーラブ (4:37)
• A4 – 水割り (4:46)
• A5 – 二日酔い (5:01)
• B1 – ひとり唄 (4:13)
• B2 – 気分を変えて (3:27)
• B3 – サヨナラの鏡 (5:21)
• B4 – 帰ってこい (5:13)
• B5 – 向かい風 (6:28)

関連動画

• Hako Yamasaki – First Live/「山崎ハコ　ファーストライブ」 (1977)

Jerry Goodman『On The Future Of Aviation』について

Jerry Goodmanは、アメリカ・シカゴ出身のヴァイオリニスト／ギタリスト。Mahavishnu Orchestraの初期メンバーとして知られ、フュージョン以降の文脈でもよく語られる人だ。そうした経歴を踏まえると、『On The Future Of Aviation』は、彼の演奏技術を前面に出しつつ、エレクトロニックな要素とロックの輪郭を組み合わせた1985年の作品として位置づけられる。

この作品は1985年に発表されたタイトルで、日本盤も同年リリース。帯と、日本語のトラックリストおよびライナーノーツを収めたインサートが付属する仕様になっている。日本で流通した盤として、当時の国内向けの体裁がきちんと整えられている点も特徴だ。

作品の印象

このアルバムは、ジャズ・ロック的な切れ味だけで押し切るタイプというより、音の空間や余韻を意識した作りが目につく。タイトルから受けるイメージどおり、直線的に進むというより、飛行する感覚、浮遊する感覚に寄った組み立て。Jerry Goodmanのヴァイオリンは、旋律をなぞるだけでなく、音色そのものを聴かせる役割も担っているように感じられる。

エレクトロニックとロック、そしてアンビエントの要素が重なることで、演奏の密度が高い場面でも、音がむやみに混み合わない。1980年代半ばという時期を考えると、フュージョンの語法を土台にしながら、よりシンセサイザー寄りの質感へ視線を向けた作品として見えてくる。

Jerry Goodmanという人物の流れの中で

Jerry Goodmanは、もともとアコースティックなヴァイオリン奏者として出発しながら、Mahavishnu Orchestraでエレクトリックなロックの現場に入っていった経歴を持つ。そこから考えると、『On The Future Of Aviation』は、技巧派ヴァイオリニストというだけでなく、ロックと電子音響のあいだを行き来する表現者としての側面が出やすい時期の作品と見ることができる。

同時代の文脈では、フュージョンやプログレッシブ・ロックの周辺で、シンセサイザーや空間処理を取り入れた作品が増えていた。そうした流れの中で、ヴァイオリンを主役に置いたインストゥルメンタル作品として耳に入るはずだ。

内容面での注目点

• 1985年作品としての発表
• Jerry Goodmanのヴァイオリンを軸にしたインストゥルメンタル性
• Electronic、Rock、Ambientの要素が並ぶ構成
• 日本盤は帯付き、和文ライナー付き

なお、ヒット曲や広く知られた代表曲として語られるタイプの作品というよりは、アルバム全体の流れで聴かれる性格が強い。曲単位での派手な知名度より、全体の音像や演奏の配置に目が向く一枚という印象だ。

まとめ

『On The Future Of Aviation』は、Jerry Goodmanの演奏家としてのキャリアを踏まえると、フュージョン以後の表現を電子的な質感とともに整理した作品として見やすい。1985年という時代の空気、そして日本盤に添えられた帯や日本語ライナーも含めて、当時のリリースとしてのまとまりがある一枚だ。

トラックリスト

• A1 – On The Future Of Aviation (6:36)
• A2 – Endless November (8:40)
• A3 – Outcast Islands (6:34)
• B1 – Orangutango (6:26)
• B2 – Waltz Of The Windmills (5:50)
• B3 – Sarah’s Lullaby (5:42)

関連動画

• Jerry Goodman – On The Future Of Aviation (1985) FULL ALBUM { Jazz Fusion, Jazz-Rock, Prog Rock }

Wapassou『Wapassou』について

Wapassouのデビュー作『Wapassou』は、1973年にフランスで登場した作品だ。ストラスブールを拠点にしたこのグループは、1970年代初頭に結成されたシンフォニック／プログレッシブ・ロック・バンドとして知られている。初期の作品はサイケデリック色が強く、その後はギター、ヴァイオリン、キーボード、女性ヴォーカルを軸にした長尺の組曲形式へと進んでいくが、このアルバムはその出発点にあたる一枚になる。

作品の位置づけ

このアルバムは、Wapassouの最初期の姿を示す作品として見ると分かりやすい。後年の作品で見られるような、クラシック由来の構成感や組曲的な展開に向かう前段階であり、より心理的な揺らぎや、当時の欧州サイケデリック・ロックに近い感触が前に出ている。バンドのプロフィールでも、このデビューLPは「よりサイケデリック寄り」とされており、のちの独自路線とは少し違う入口になっている。

同時代のフランス・ロックの文脈で見ると、後のWapassouは長い曲構成、室内楽的な楽器編成、女性ヴォーカルの存在などから、一般的なハードロック系とも、単純なプログレ・バンドとも少し異なる位置にあった。比較対象としては、同じフランスのアンダーグラウンド寄りのサイケ／プログレ勢や、叙情性と構成美を重視する欧州系の作品群が思い浮かぶ。

サウンドの特徴

このデビュー作の情報から読み取れる範囲では、後年の大作志向よりも、まずはバンドの輪郭を作る段階の演奏が中心と見られる。Wapassouはのちに、ギター、ヴァイオリン、キーボード、女性の声を組み合わせた独特の編成で知られるが、その基礎がすでにこの時点で形になっていたはずだ。特に、フランスのプログレでも珍しい「打楽器の少なさ」がバンドの個性として語られることが多く、その特徴が後の作品に通じている。

実際に聴いた印象として語られやすいのは、音の厚みよりも、旋律の流れと楽器同士の受け渡しが前面に出るタイプの進行だという点だ。ロックの推進力だけで押し切るのではなく、フレーズの反復や展開で曲を組み立てる感触がある。

1987年盤について

今回の盤は1987年のフランス盤で、Wotre Music向けのOméga Studio再発盤にあたる。スリーヴには「Made in France – Imp. S.N.A.」、レーベル面には「Made in France」と記されている。オリジナル1973年盤と比べると、作品そのものは同じデビュー作でも、流通経路や盤の製造時期が異なる再発盤という見方になる。

再発盤であるため、1973年当時の初出盤をそのまま追う資料というよりは、後年に改めて入手しやすくした版として扱うのが自然だ。Wapassouのようにオリジナル盤が流通しにくい作品では、この1987年盤が実際の聴取環境において重要な役割を持つこともある。

参加メンバー

クレジットには Freddy Brua、Jacques Lichti、Karin Nickerl、Jean-Pierre Schall、Jean-Michel Biger、Geneviève Moerlen、Jean-Jacques Bacquet、Monique Fizelson、Charly Kolb、Francis Gentel、Christine Maillard、Michel Lacour、Dominique Kihm、Dominique Metz の名前が並ぶ。Wapassouは固定のロック・バンドというより、編成の広がりを持ったアンサンブルとして捉えたほうが近い。

まとめ

『Wapassou』は、フランスのストラスブールから現れたWapassouの出発点を記録したアルバムだ。のちの組曲志向、室内楽的な響き、女性ヴォーカルを含む独自のプログレ表現へ向かう前の、サイケデリックな輪郭を持つ初期像がここにある。1973年のオリジナル盤と、1987年のWotre Music向け再発盤という時間差も、この作品の聴かれ方を考えるうえでひとつのポイントになる。

トラックリスト

• A1 – Mélopée (4:02)
• A2 – Rein (10:38)
• A3 – Musillusion (Wapassou) (4:00)
• B1 – Châtiment (6:54)
• B2 – Trip (13:41)

関連動画

• Mélopée
• Rien
• Musillusion
• Châtiment
• Trip

The Nice『Elegy』について

The Niceの『Elegy』は、1971年に発表された作品で、バンドの終盤を示す重要な1枚だ。Keith Emersonを中心に、ロックにクラシックやジャズの要素を取り込んでいったThe Niceの到達点のひとつとして位置づけられる。作品全体を通して、演奏の切れ味と組曲的な構成が前面に出ている。

この盤は1982年リリースのUK盤で、Blue Charismaレーベルに小さなHatterロゴが入った仕様になっている。録音はTrident Studiosで行われ、Dave HenshawとMalcolm Toftがエンジニアを担当している。

バンドの立ち位置

The Niceは、初期のアートロック／シンフォニック・ロックを語るうえで欠かせないバンドだ。Keith Emersonのキーボードを軸に、モーツァルト、バッハ、シベリウス、チャイコフスキーなどのクラシック作品をロックの形式に持ち込んだことで知られる。オルガン主体の演奏、長尺のインストゥルメンタル、ライブでの演出も含めて、同時代のProcol HarumやKing Crimsonと並べて語られることが多い。

『Elegy』は、そうしたThe Niceの特徴がまとまった後期作のひとつ。のちにEmerson, Lake & PalmerへつながるKeith Emersonの発想が、すでにかなりはっきり見える時期の記録でもある。

収録曲と内容

この作品には、The Niceらしいクラシック引用とライブ音源が含まれている。

• 「3rd Movement Pathetique」— The Niceによる編曲
• 「America 2nd Amendment」— Emerson / Jackson / Davisonによる編曲
• 「Hang On To A Dream」— フィルモア・イーストでのライヴ録音
• 「America 2nd Amendment」— フィルモア・イーストでのライヴ録音

「3rd Movement Pathetique」は、クラシック曲をロック・アンサンブルに移し替えるThe Niceの手法がよく出た曲だ。Keith Emersonの鍵盤が前に出て、バンド全体がそれを支える構図になっている。

「America 2nd Amendment」は、Leonard Bernsteinの「America」をめぐるThe Niceの有名な演奏史を踏まえた楽曲として知られる。The Niceはこの曲をロイヤル・アルバート・ホールで演奏した際、アメリカ国旗のレプリカを燃やそうとして物議を醸したという逸話が残っている。こうした背景を知ってから聴くと、単なるカバー以上の意味を持つ曲に感じられる。

「Hang On To A Dream」は、ライブ収録ならではの空気を持つ1曲。スタジオ録音とは違う、観客の前で音を積み上げていくThe Niceの性格が見えやすい。

演奏とサウンド

The Niceの演奏は、Keith Emersonのハモンド・オルガンを中心に組み立てられる。Brian Davisonのドラム、Lee Jacksonのベース／ヴォーカルが加わることで、単なる鍵盤主導の作品ではなく、リズム隊の推進力がある仕上がりになっている。David O’Listが参加していた時期のバンドの空気も、作品の背景として感じ取れる。

サウンド面では、ポップ・ロック的なわかりやすさよりも、組曲的な流れや展開の細かさが目立つ。とはいえ、演奏自体はかなり直接的で、難解さだけに寄らないのがThe Niceらしいところだ。ライブ録音が入ることで、スタジオ版とは違う粗さや緊張感も出ている。

作品としての位置づけ

『Elegy』は、The Niceの活動後期を示す作品として見るのが自然だ。バンドはこのあと解散し、Keith EmersonはGreg Lake、Carl PalmerとともにEmerson, Lake & Palmerを結成する。The Niceで試されていたクラシックとロックの接続、派手なキーボード・ワーク、長尺構成は、その後のELPでさらに大きく展開されることになる。

その意味で『Elegy』は、The Nice単体の集大成というだけでなく、1970年代前後のプログレッシブ・ロックの流れにつながる中間点としても見える。派手な技巧と編曲のアイデアが前に出た、時代の空気をよく伝える1枚だ。

まとめ

The Nice『Elegy』は、Keith Emersonの存在感を軸に、クラシック曲の引用、ライブの緊張感、シンフォニック・ロック的な構成がまとまった作品だ。バンドの歩みを追ううえでも、70年代初頭の英国プログレを知るうえでも、重要な位置にあるレコードとして捉えられる。

派手な逸話の多いバンドだが、音そのものはかなり実直で、演奏の組み立てに耳が向く内容になっている。The Niceというバンドの輪郭をつかむには、わかりやすい入口のひとつだ。

トラックリスト

• A1 – Hang On To A Dream (12:43)
• A2 – My Back Pages (9:12)
• B1 – 3rd Movement Pathetique (7:05)
• B2 – America 2nd Amendment (10:27)

関連動画

• The Nice – Hang On to a Dream ( Elegy )
• My Back Pages (2009 Digital Remaster)
• Elegy – The Nice [1971] Full Album
• The Nice / America (live)
• Keith Emerson with The Nice – Hang On To A Dream (ELEGY Version) – Massimo Bucci

Jeff Tyzik『The Farthest Corner Of My Mind』について

『The Farthest Corner Of My Mind』は、トランペット奏者であり指揮者でもあるJeff Tyzikが1986年に発表したジャズ作品だ。リリース情報では、Jeff Tyzik名義でのアルバム『Prophecy』（1981年）と『Radiance』（1982年）からの楽曲をまとめたコンピレーションとして扱われている。Tyzikの初期活動を振り返るうえで、ひとつのまとまりとして聴けるタイトルになっている。

Jeff Tyzikという人物

Jeff Tyzikはニューヨーク州ハイドパーク生まれ。子どものころにドラム＆ビューグル・コーを見たことをきっかけに音楽へ強く惹かれ、コルネットを学び始めたという経歴を持つ。1979年に姓の綴りをTkazyikからTyzikへ変更している。

Eastman School of Musicで学び、そこでRay WrightやChuck Mangioneといった人物に出会ったことが、その後の活動の土台になったようだ。特にMangioneのもとでの経験は大きく、70年代には彼のジャズ・オーケストラで活動している。クラシックの訓練を受けた奏者が、ジャズやポップス、ロックの要素をオーケストラに持ち込む方向へ進んだ、という本人の流れが見える。

作品の位置づけ

このアルバムは、1981年作『Prophecy』と1982年作『Radiance』の楽曲を集めた内容だ。つまり、1986年時点での新録音というより、Tyzikの初期2作をまとめて聴ける編集盤としての性格が強い。アーティストの初期の音楽性を確認する資料として位置づけられる作品と言えそうだ。

Jeff Tyzikはその後、Doc Severinsenとの仕事でも知られるようになるが、本作はその少し前、彼がジャズ寄りの語法でオーケストラ的な発想を試みていた時期の記録として見ると分かりやすい。クラシックの訓練を背景にしながら、ジャズ・オーケストラの実地経験を吸収していった流れが、そのまま初期作品に反映されている印象だ。

同時代の文脈

1980年代前半のアメリカでは、ジャズとポップス、そしてオーケストラ編成を接続する動きがいくつも見られた。Jeff Tyzikもその文脈の中にいる人物で、Chuck MangioneやDoc Severinsenの周辺にある、聴きやすさと演奏技術の両方を重視する流れと近い。いわゆる純粋なコンテンポラリー・ジャズというより、ビッグバンド的な推進力やテレビ・ショー由来の華やかさを含んだ世界観が想像しやすい。

内容について

収録曲の個別情報はここでは多く示されていないが、リリースノート上は『Prophecy』『Radiance』からの編集盤であることが重要だ。アルバム単体の新規コンセプト作品というより、初期2作の流れを通してTyzikの作風を追うための1枚として理解しやすい。

彼の経歴をたどると、演奏者としてだけでなく、編曲や制作の現場でも活動していたことが分かる。そうした背景を踏まえると、この作品にも、単なるソロ・アルバム以上に、アンサンブル全体の設計を意識した視点がにじんでいる可能性は高い。

まとめ

『The Farthest Corner Of My Mind』は、Jeff Tyzikの1981年『Prophecy』、1982年『Radiance』をまとめた1986年の作品だ。トランペット奏者、指揮者、アレンジャーとしてのTyzikの初期像をたどるうえで、まず押さえておきたいタイトルのひとつ。ジャズを軸にしながら、オーケストラ的な発想へ広がっていく途中段階の記録として見ると、その意味がつかみやすい。

トラックリスト

• A1 – Prophecy (5:43)
• A2 – Florentine (4:44)
• A3 – Birth Day (5:11)
• A4 – Inner Space (4:58)
• A5 – Far Away (4:05)
• B1 – Notte Roma (Night In Rome) (3:59)
• B2 – The Farthest Corner Of My Mind (6:27)
• B3 – Sweet Nothings (5:08)
• B4 – Circe (The Enchantress) (7:14)

関連動画

• JEFF TYZIK – The Farthest Corner Of My Mind

Mike Oldfield『Étude (Theme From The Killing Fields) (Full Length Version)』について

Mike Oldfieldは、イギリスのマルチ・インストゥルメンタリストであり作曲家として知られるアーティストだ。1973年の『Tubular Bells』で広く注目を集め、1983年には「Moonlight Shadow」がヒットしている。その流れの中で、1984年に登場したのがこの「Étude (Theme From The Killing Fields) (Full Length Version)」である。

本作は、映画『The Killing Fields』のテーマとして書かれた楽曲のフル・レングス版にあたる。Mike Oldfieldらしい、旋律を軸にした構成の中に、エレクトロニックな質感とロックの要素が重なる一曲で、ジャンル表記はElectronic、Rock、スタイルはArt Rockとなっている。

作品の位置づけ

1980年代前半のMike Oldfieldは、長尺の組曲的作品だけでなく、比較的コンパクトな楽曲でも存在感を示していた時期だ。この「Étude」は、その中でも映像作品との結びつきがはっきりした曲として位置づけられる。映画音楽としての性格を持ちながら、単独のレコード作品としても成立している点が特徴だ。

「Moonlight Shadow」のようなヒット曲で広く知られる一方で、こうした作品では、メロディの運びや楽器の重ね方にMike Oldfieldの作曲家としての手つきがよく出ている。派手な展開よりも、テーマそのものをしっかり聴かせるタイプの曲だ。

音の印象

実際に耳にすると、メインの旋律が前面に出てきて、そこへ伴奏のレイヤーが少しずつ積み上がっていく作りが目立つ。ギター中心のロック的な感触と、シンセや鍵盤の冷たい響きが同居していて、1980年代前半らしい録音の輪郭も感じられる。

同じ時代のプログレッシブ・ロック周辺の作品と比べると、演奏の技巧を見せるよりも、曲のテーマ性を保ちながら進む印象が強い。Mike Oldfieldの作品の中では、壮大さよりも、静かな緊張感と旋律の明快さが前に出るタイプといえる。

タイトル表記について

この盤では、表記にいくつか揺れがある。A面ラベルでは「Étude (Theme From “The Killing Fields”) (Full-Length Version)」、ジャケット表面では「Étude (Theme From The Killing Fields) (Full Length Version)」、裏面では「Étude (Full Length Version)」と記されている。レコードを手にしたときに、表記の違いまで含めて見ていく楽しさがある一枚だ。

同時代とのつながり

1980年代の英国のアーティストの中でも、Mike Oldfieldはシンフォニックな構成感とポップな親しみやすさの両方を持つ存在として語られることが多い。映像作品向けのテーマ曲であっても、その作りは単なるBGMに寄らず、独立した楽曲としての輪郭を保っている。

『Tubular Bells』のような長大な作品とは方向性が違うが、作曲家としての個性がはっきり出る点は共通している。1984年のMike Oldfieldを知るうえで、このシングルは重要な一枚といえる。

まとめ

『Étude (Theme From The Killing Fields) (Full Length Version)』は、映画『The Killing Fields』のテーマをもとにした1984年のMike Oldfield作品だ。旋律の明快さ、電子的な質感、ロックの輪郭が同居する内容で、1980年代前半の彼の作風をつかむうえでも見ておきたいタイトルである。

トラックリスト

• A – Étude (Theme From “The Killing Fields”) (Full-Length Version) (4:38)
• B – Evacuation (Full Length Version) (5:10)

関連動画

• Mike Oldfield – Etude – From The Killing Fields – HQ
• Mike Oldfield – Étude (Theme From “The Killing Fields”)
• Evacuation (From “The Killing Fields” Soundtrack / Remastered 2015 / Sinlge Edit)

B.W.H.「Livin’ Up / Stop」について

B.W.H.は、イタリアのイタロ・ディスコ周辺で活動したデュオで、Stefano ZitoとHeleneによる名義。1970年代末から80年代前半にかけて広がったイタロ・ディスコの流れの中で、この名義は「Livin’ Up / Stop」で知られている。1983年にイタリアでリリースされたシングルで、B.W.H.名義としては3作目の制作にあたる。

作品の位置づけ

この曲は、B.W.H.という名前で発表された作品としては後期の位置にある。アーティスト情報では、同じくStefano ZitoとHeleneが関わった別名義の制作も確認できるが、「Livin’ Up / Stop」はその流れの中でB.W.H.名義を使ったものとして整理されている。イタロ・ディスコの定番的な制作体制、つまりプロデューサー主導で作られたシングル作品のひとつという見方がしやすい。

リリース情報

• アーティスト: B.W.H.
• タイトル: Livin’ Up / Stop
• オリジナルリリース年: 1983年
• 盤のリリース年: 2014年
• 国: イタリア
• ジャンル: Electronic
• スタイル: Italo-Disco

2014年盤については、ラベルに「33 Giri」とある一方で、実際には45 RPMで再生する仕様。オリジナルの1983年盤と比べると、少なくともリイシューとして流通した盤であることが分かる。レコードとして手元に置くと、当時のイタロ・ディスコらしいシングル作品を後年に再確認する形になる。

サウンドの印象

実際に聴くと、打ち込み主体のリズムと、シンセのフレーズを軸にした構成が中心になるタイプのイタロ・ディスコ作品として受け取れる。ボーカルやメロディの扱いも、楽曲を前に押し出すというより、リズムと反復の中で進行する作り。80年代前半のイタリア産ダンス・ミュージックに多い、シングル盤ならではの直線的な展開が印象に残る。

タイトル曲「Livin’ Up」と「Stop」の2曲構成で、どちらも同時代のクラブ・シーンやディスコ文脈に接続する内容。大きな編成で押すというより、限られた要素を積み重ねていく作りがこの時代らしい。

同時代の文脈

B.W.H.のような作品は、同時代のイタロ・ディスコを語るうえで、プロデュース・ユニット的な発想を示す例として見やすい。イタリアでは、後に広く知られるダンス・プロジェクトが次々と生まれていくが、その前段階にあるシングル作品群のひとつとして位置づけられる。

派手なヒット曲として広く定着したタイプというより、イタロ・ディスコの流れを支えたシングルの一枚として見るのが自然だろう。Stefano ZitoとHeleneの組み合わせ、そしてB.W.H.という名義の使い方も、この時代のイタリアのダンス・プロダクションらしい点になっている。

ひとこと

「Livin’ Up / Stop」は、1983年のイタロ・ディスコの空気をそのまま切り取ったようなシングル。B.W.H.名義の中では重要な位置にある作品で、後年の再発盤でもその輪郭を確認しやすい1枚になっている。

トラックリスト

• A – Livin’ Up (4:43)
• B – Stop (6:40)

関連動画

• B.W.H – Stop (Longplay)(1983)
• B.W.H. – Livin’ Up (1983)

Anaconda『Sympathy For The Madman』について

『Sympathy For The Madman』は、UKのアシッド・フォーク・バンド、Anacondaが1969年に録音した作品で、2020年に再発された一枚だ。アーティスト表記はAnaconda、録音はイングランド。Miguel Sergidesが関わったセッションとしても知られている。

音楽性は、フォーク・ロックとサイケデリック・ロックのあいだを行き来する内容として整理されている。60年代末のUKらしい、アコースティックな手触りと、当時のサイケデリック文脈が重なるタイプの作品という位置づけになる。

作品の位置づけ

Anacondaは、1969年に10インチのアセテートを残したグループとして記録されている。この『Sympathy For The Madman』は、その時期のバンドの姿を伝える資料性の高い作品といえる。商業的に広く流通した時代のアルバムというより、当時のセッションや試作盤に近い成り立ちの一枚だ。

1969年という年は、英国のフォーク系ミュージシャンが、よりロック寄りのアレンジやサイケデリックな響きを取り込んでいった時期でもある。Anacondaもその文脈の中に置いて見ることができる。Arcadiumで知られるMiguel Sergidesが関わっている点も、同時代の英国ロック周辺のつながりを感じさせる要素だ。

2020年盤について

2020年盤は500枚限定の再発盤で、オリジナルのアセテート10インチをもとにした復刻的な扱いになっている。単体の外袋仕様で、未開封販売。内袋には、オリジナルのアセテートを写したスキャン再現のインナーが付属している。

オリジナル盤との違いとしては、まず年代の異なる再発であること、そして現物のアセテートをそのまま受け取るのではなく、資料性を重視した再現仕様であることが挙げられる。製造はdeepgroovesによるもので、バイオマス電力とエコ理念を掲げたプレスであることも記されている。

サウンドの印象

実際に聴くと、アコースティックな楽器の輪郭と、60年代末らしいざらついたロック感が前に出るタイプの録音として受け取れる。派手なヒット曲を中心にした作品ではなく、当時の空気をそのまま封じたような性格が強い。曲単位の代表性よりも、全体の流れや音の質感に意味がある一枚だ。

この作品については、シングルヒットや広く知られた代表曲が前面に出ているわけではない。むしろ、限定再発で掘り起こされた点に価値がある。60年代英国のフォーク・ロック、サイケデリック・ロックの周辺を追ううえで、記録として見ておきたいタイトルである。

補足

• アーティスト: Anaconda
• タイトル: Sympathy For The Madman
• オリジナル録音年: 1969年
• 再発盤: 2020年
• 録音地: イングランド
• 関連ミュージシャン: Miguel Sergides
• ジャンル表記: Rock, Folk, World, & Country
• スタイル表記: Folk Rock, Psychedelic Rock

トラックリスト

• A1 – It’s Not Me (3:42)
• A2 – Riding Alone (4:20)
• A3 – Who Are We? (5:36)
• B1 – Outrider (3:40)
• B2 – Sympathy For The Madman (4:20)

関連動画

• Anaconda – Outsider (1969)
• Anaconda – Who Are We?
• Anaconda – It’s Not Me
• Anaconda – Riding Alone
• Anaconda – Sympathy For the Madman 1969

Logic System『Logic』（1981）について

Logic Systemは、細野晴臣らとの仕事でも知られるシンセサイザー・プログラマー、松武秀樹のプロジェクトである。1981年に発表されたこの『Logic』は、その名義での初期作のひとつで、国産シンセ・ポップ／エレクトロの流れの中に置ける作品だ。

松武秀樹は、1970年代に富田勲のアシスタントとして活動を始め、その後はYMOのシーケンス・プログラミングやモジュラー・シンセのオペレーションで広く知られるようになった人物。YMOの正式メンバーではないが、周辺の制作現場では重要な役割を担ってきた。Logic Systemは、そうしたバックグラウンドがそのまま前面に出たプロジェクトとして捉えやすい。

作品の位置づけ

『Logic』は、松武秀樹が手がけたシーケンサー主導の音作りを、ソロ・プロジェクトの形でまとめた初期の一枚。1980年代前半の日本では、YMO以後のテクノポップ、シンセポップ、エレクトロが広がっていた時期で、その中でこの作品も同時代の空気を共有している。

同じ時代の国産エレクトロ作品と比べると、演奏の手触りよりも機械的な精度やプログラミングの組み立てに目が向くタイプの作品として語られることが多い。松武秀樹の経歴を踏まえると、単なる“YMO周辺”ではなく、シーケンスと音色設計そのものを主役に置いた記録として見えてくる。

音の印象

この作品は、シンセの音色と反復するリズムパターンが軸になっている。細かく刻まれるシーケンス、電子音のレイヤー、メロディの処理が前に出ていて、当時の日本の電子音楽らしい整理された構成が感じられる。派手に押し切るというより、パターンの積み重ねで進む作り。

実際に聴くと、音の配置がかなり明快で、各パートの役割が見えやすい。松武秀樹がプログラマーとして培った感覚が、そのまま作曲とアレンジに反映されている印象がある。

同時代の文脈

1981年という時期は、YMOの影響が国内外に広がり、電子音楽がポップスの現場にも深く入り込んだタイミングでもある。『Logic』は、その流れの中で、シンセサイザーの操作技術やシーケンス技法を前面に出した作品として受け取れる。

比較対象としては、YMO周辺の作品や、当時の日本のテクノポップ、さらに同時代のエレクトロ寄りの制作物が挙がることが多い。とはいえ、Logic Systemは“バンド”というより、松武秀樹の制作思想をそのまま提示するプロジェクトという性格が強い。

リリース情報と現物の特徴

日本盤として1981年に出たオリジナル作品で、帯とインサート付きでリリースされた記録がある。日本オリジナル盤らしい仕様で、当時の国内流通盤としての体裁が整っている。

まとめ

『Logic』は、松武秀樹がYMOの周辺で培ったシーケンサー／シンセの技術を、Logic System名義でまとめた初期の重要作のひとつ。1981年の日本の電子音楽がどこに向かっていたかを、制作の仕組みごと伝える一枚として見えてくる。

トラックリスト

• A1 – Intro (0:40)
• A2 – Unit (4:50)
• A3 – Domino Dance (4:15)
• A4 – (天変地異) Convulsion Of Nature (3:00)
• A5 – XY? (4:15)
• B1 – Talk Back (4:15)
• B2 – Clash (Chinjyu Of Sun) (4:15)
• B3 – Person To Person (4:15)
• B4 – Logic (4:15)

関連動画

• #91- Logic System – Logic (1981)
• Intro
• Unit
• Domino Dance
• Convulsion Of Nature
• XY?
• Talk Back
• Clash (Chinjyu Of Sun)
• Person To Person
• Logic

Booker T & The MG’s『Soul Dressing』について

Booker T & The MG’sは、1960年代のメンフィス・ソウルを語るうえで外せないインストゥルメンタル・コンボだ。オルガンのBooker T. Jones、ギターのSteve Cropper、ベースのDonald “Duck” Dunn、ドラムのAl Jackson Jr. を中心に、Staxレーベルの屋台骨として数多くの録音を支えたグループでもある。そんな彼らが1965年に発表したのが『Soul Dressing』。バンド単独作としての存在感がはっきり出た時期のアルバムで、同時代のR&Bやソウルの文脈の中でも重要な一枚に置ける作品だ。

作品の位置づけ

『Soul Dressing』は、Stax LP 705として1965年にオリジナル発売されたアルバムの再発盤にあたる。Booker T & The MG’sは、Otis Redding、Wilson Pickett、Sam & Daveといったヴォーカリストの伴奏や制作でも知られるが、自身の名義でもヒット曲を持つ。グループとしての代表曲には「Green Onions」や「Hip Hug-Her」があり、『Soul Dressing』もそうした流れの中にあるアルバムだ。

この時期の彼らは、単なるバックバンドではなく、演奏そのものを作品として成立させるグループとして評価を広げていた。Staxらしいリズムの切れ味、オルガンとギターの受け渡し、ベースとドラムのまとまりが、そのままバンドの個性になっている。

聴きどころ

このアルバムの魅力は、派手な展開よりも、短いフレーズを積み重ねて曲を運ぶところにある。Booker T. Jonesのオルガンは前に出すぎず、Steve Cropperのギターは必要な音だけを置き、リズム隊が全体を引っ張る。いかにもStaxらしい、演奏の呼吸が見えるタイプのインストゥルメンタル・ソウルだ。

実際に聴くと、音数の少なさよりも、各パートの間合いが印象に残る。メロディを大きく歌い上げるというより、リフとグルーヴで聴かせる作りで、当時のソウル・インストの標準形のひとつとして機能している感じがある。ファンク寄りの推進力と、R&Bの骨格が同居しているところも面白い。

同時代とのつながり

Booker T & The MG’sは、同じStax周辺のアーティストたちと密接につながっていた。彼らの演奏は、Otis Reddingのようなシンガーの熱量を支える土台でもあり、逆に自分たちの作品では、その土台だけで一枚のアルバムを成立させている。Instrumental R&Bやソウルの流れの中では、The Metersのような後続のバンドを思い起こさせる要素もあるが、より前の時代のメンフィス録音らしい乾いた鳴りが特徴的だ。

再発盤としてのポイント

この盤は2000年のSundazed Musicによる再発。オリジナルの1965年盤を踏まえつつ、180グラム盤として出された仕様だ。クレジット上でもオリジナルの作品年は1965年、こちらの盤は2000年リリースとして整理される。Sundazedの再発盤らしく、当時のソウル作品をアナログで手に取りやすくした一枚といえる。

また、同系統の再発盤の中でも、この盤はSide BのランアウトにⓊが入るプレスである点が記されている。ジャケットには「Renew your faith in music.」というステッカーが付く仕様もある。

まとめ

『Soul Dressing』は、Booker T & The MG’sが“伴奏の名手”にとどまらず、グループとしてソウルを組み立てる力を示した作品のひとつだ。Staxの空気、メンフィスのリズム、インストゥルメンタル・ソウルの手触りが、そのまま入っているアルバム。

ヒット曲を持つバンドの代表作という見方もできるし、60年代ソウルの演奏美学を知るための一枚としても位置づけられる作品だ。

トラックリスト

• A1 – Soul Dressing (2:24)
• A2 – Tic-Tac-Toe (2:30)
• A3 – Big Train (2:30)
• A4 – Jellybread (2:27)
• A5 – Aw’ Mercy (2:34)
• A6 – Outrage (2:31)
• B1 – Night Owl Walk (3:12)
• B2 – Chinese Checkers (2:25)
• B3 – Home Grown (2:39)
• B4 – Mercy Mercy (2:32)
• B5 – Plum Nellie (2:03)
• B6 – Can’t Be Still (1:57)

関連動画

• Booker T & The Mgs – Soul Dressing – Stax – 705 1965
• Tic Tac Toe
• Big Train
• Jellybread
• Aw’ Mercy
• Outrage
• Night Owl Walk
• Chinese Checkers
• Home Grown
• Mercy Mercy