Loverboy『Loverboy』について

カナダのロック・グループ、Loverboyのデビュー・アルバムが、1980年に登場した『Loverboy』。カナダのカルガリーで1979年に結成されたバンドで、この作品は彼らの初期像をそのまま示す1枚として位置づけられる。録音はバンクーバーのMountain Soundで行われ、カナダ・ロックの空気をそのまま閉じ込めたような内容になっている。

バンドの出発点としての1枚

Loverboyは、後に「Turn Me Loose」や「Working for the Weekend」といった代表曲で知られるようになるが、その前段階にあたるのがこのアルバム。1980年の時点では、のちの大きなヒットを予感させる骨格がすでに見えていて、Paul Deanのギター、Mike Renoのボーカルを軸にした直線的なロック・サウンドが中心になっている。いわゆるアリーナ・ロックの文脈で語られることが多いバンドだが、この初期作ではその輪郭がまだ素直に出ている印象がある。

収録音と演奏の印象

実際に聴くと、演奏はかなりきっちりしていて、リズムの押し出しが強い。Matt FrenetteのドラムとScott Smithのベースが土台を作り、そこにギターのリフと歌メロが乗る構成。派手な装飾よりも、曲を前へ進める力が前面に出る。ポップ・ロックとして整理された作りではあるが、演奏自体はロック寄りで、当時のFMラジオ向けハード・ロックやアリーナ系バンドと並べて語られることもありそうな内容。

代表曲と後年の評価

このアルバム単体での代表曲としては、後年の定番曲ほど広く知られているわけではないが、Loverboyというバンドの出発点を示す意味は大きい。のちに大ヒットする「Turn Me Loose」や「Working for the Weekend」は、このデビュー作の延長線上にある楽曲として聴ける。つまり、後年の成功作だけを切り離して聴くよりも、この1枚から入るとバンドの基本形が見えやすい。

同時代の空気

1980年前後の北米ロックには、キャッチーな歌メロとタイトなバンド演奏を前面に出す流れがある。Loverboyもその中にいて、同時代のアリーナ・ロックやポップ寄りのハード・ロックと共通する要素を持つ一方で、カナダ産バンドらしい堅実さも感じられる。大きな仕掛けで押すというより、バンドの一体感で聴かせるタイプの作品。

日本盤について

今回の日本盤は、Epic/Sony Inc.製造の表記があり、インサートと帯が付属する仕様。1980年のオリジナル作品として扱える盤で、当時の国内流通盤らしい作りになっている。録音クレジットはMountain Sound, Vancouver, B.C.、クレジット表記も1980年のカナダ・CBS Records Canada Ltd.に準じている。

まとめ

『Loverboy』は、Loverboyが後にアリーナ・ロックの代表的存在として知られる前の、出発点を記録したアルバム。デビュー作らしいまとまりの良さと、のちのヒットにつながる分かりやすい曲作りが同居している。代表曲の原型をたどる意味でも、バンドの初期像を確認する意味でも、1980年という時点の空気がそのまま残る1枚。

トラックリスト

• A1 – The Kid Is Hot Tonite (4:29)
• A2 – Turn Me Loose (5:38)
• A3 – Always On My Mind (3:34)
• A4 – Lady Of The 80’s (5:13)
• B1 – Little Girl (3:57)
• B2 – Prissy Prissy (4:22)
• B3 – Teenage Overdose (4:19)
• B4 – D.O.A. (3:45)
• B5 – It Don’t Matter (5:04)

関連動画

• Loverboy – The kid is hot tonite [lyrics] (HQ Sound)
• Loverboy – Turn me loose [lyrics] (HQ Sound)
• Loverboy – Turn Me Loose (Video)
• Loverboy – Always on my mind [lyrics] (HQ Sound)
• Loverboy – Lady of the 80’s [lyrics] (HQ Sound)
• Loverboy – Little girl [lyrics] (HQ Sound)
• Loverboy – Prissy prissy [lyrics] (HQ Sound)
• Loverboy – Teenage overdose [lyrics] (HQ Sound)
• Loverboy – D.O.A. [lyrics] (HQ Sound)
• Loverboy – It don’t matter [lyrics] (HQ Sound)

Journey『Captured』について

『Captured』は、Journeyが1981年に発表した初のライヴ・アルバムで、同年2月にリリースされた作品だ。バンドの転換点に置かれるタイトルで、初期から続いてきた編成の締めくくりの意味合いもある。特に、創設メンバーのひとりであり、キーボードとヴォーカルを担っていたGregg Rolieが、この作品を最後にバンドを離れる点は大きい。

Journeyは1973年にサンフランシスコで結成されたアメリカのロック・バンドで、70年代後半から80年代にかけて商業的なピークを迎えたグループだ。『Captured』も、その上昇期の勢いをそのまま記録した一枚として位置づけられる。

作品の内容と成り立ち

このアルバムは、ツアーでの演奏を軸にしたライヴ盤で、録音には日本公演の音源も使われている。日本盤の表記では、東京のCBS/Sonyによる製造で、ゲートフォールド仕様、帯、4ページの解説インサート、英語と日本語の歌詞、内袋、折り込みポスターまで付く充実したパッケージになっている。

制作面では、リミックスはジョージア州ドーラヴィルのStudio Oneで行われ、ツアー音源のリモート録音にはLe Mobileが使われている。ライヴの臨場感をそのまま残すというより、演奏のまとまりを前に出した作りの記録として捉えられる。

収録曲のポイント

アルバムにはスタジオ録音の新曲が1曲入っている。ここでの目玉は「The Party’s Over (Hopelessly in Love)」で、シングルとしても出され、バンドにとって全米トップ40入りのヒットになった。ライヴ盤の中に新曲を差し込む構成は、当時のJourneyらしい商業的な強さを示す要素でもある。

また、ライヴ盤そのものがビルボードのトップ10入りを果たしている点も重要だ。スタジオ作品だけでなく、ライヴでも大きな動員力と人気を持っていた時期の記録として見えてくる。

音像とバンドの持ち味

『Captured』で聴けるのは、アリーナ・ロックらしい大きなスケール感と、メロディを前面に出した演奏だ。Neal Schonのギター、Steve Perryのボーカル、Jonathan Cain加入前の時代ならではの、Gregg Rolieのオルガンと歌の存在感が印象に残る。

同時代のアメリカン・ロックの中でも、Journeyはハードさ一辺倒ではなく、歌の流れをしっかり作るバンドとして聴かれていた。TotoやBoston、Foreignerのような、ラジオ映えするロックと並べて語られることが多いのも、この時期の特徴だ。

この時期のJourneyにおける位置

1981年の『Captured』は、初期Journeyのライヴ集というだけでなく、次の大きな飛躍へ向かう前段階の記録でもある。翌年以降、バンドはさらにポップ色とヒット性を強めていくが、このアルバムには、まだバンドの演奏がより生々しく、ロック・バンドとしての輪郭が強い段階が残っている。

その意味で、『Captured』はJourneyのピーク期を支えた演奏力と、後の大成功につながる人気の両方を確認できる作品として、かなり重要な一枚だ。

まとめ

『Captured』は、Journey初のライヴ・アルバムであり、1981年時点のバンドの勢いをそのまま閉じ込めた作品だ。ヒット曲「The Party’s Over (Hopelessly in Love)」を含み、ライヴ盤ながらトップ10入りする成功を収めた点も含めて、Journeyの80年代前夜を知るうえで外せないタイトルになっている。

トラックリスト

• A1 – Majestic (0:41)
• A2 – Where Were You (3:22)
• A3 – Just The Same Way (3:37)
• A4 – Line Of Fire (3:25)
• A5 – Lights (3:30)
• A6 – Stay Awhile (3:15)
• B1 – Too Late (3:44)
• B2 – Dixie Highway (6:51)
• B3 – Feeling That Way (3:14)
• B4 – Anytime (4:27)
• C1 – Do You Recall (3:26)
• C2 – Walks Like A Lady (7:05)
• C3 – La Do Da (7:02)
• D1 – Lovin’, Touchin’, Squeezin’ (5:14)
• D2 – Wheel In The Sky (5:03)
• D3 – Any Way You Want It (3:39)
• D4 – The Party’s Over (3:43)

関連動画

• Walks Like a Lady
• Journey-Where Were You(Captured)
• Journey-Dixie Highway(Captured)
• La Do Da – Live (includes Steve Smith Drum Solo) | Journey | Captured | 1981 Columbia LP

Pink Floyd『The Division Bell』について

Pink Floydの『The Division Bell』は、1994年に発表された14作目のスタジオ・アルバムだ。ロンドンで結成されたこのバンドが、1960年代のサイケデリック期から発展させてきた音の作り方を、90年代の時点でまとめ直したような作品として位置づけられている。

オリジナルは1994年リリース。今回の盤は2014年のヨーロッパ盤で、20周年記念のダブル・ヴァイナル仕様になっている。180グラム重量盤で、オリジナルのアナログ・マスターから2014年にフル尺でカッティングされたとされる。さらに320kbpsのMP3ダウンロード券も付属する仕様だ。

作品の位置づけ

この時期のPink Floydは、デヴィッド・ギルモア、ニック・メイスン、リチャード・ライトを中心とする編成で活動していた。『The Division Bell』は、そうした体制で作られた後期Pink Floydの代表作のひとつとして語られることが多い。前作『A Momentary Lapse of Reason』に続き、バンド名義の作品としては90年代の到達点に当たるアルバムだ。

内容面では、長めの曲構成、音の層を重ねたギターと鍵盤、会話や環境音を含む演出が目立つ。Pink Floydらしい実験性は保ちながらも、70年代の大作主義をそのまま繰り返すというより、より整理された形で提示している印象がある。

制作とエピソード

このアルバムは1993年1月から12月にかけて録音され、1994年3月28日にイギリスでEMIから、4月4日にアメリカでColumbiaから発売された。アルバム・タイトルは作家ダグラス・アダムスが提案したもので、ギルモアはその返礼として環境保護団体への寄付を行った、というエピソードが知られている。

また、アダムスの42歳の誕生日には、バンドとともにライブで演奏するためのバウチャーも贈られたとされる。こうした周辺の話題も、この時期のPink Floydの作品らしい、音楽とユーモアと知的なやり取りが交差する空気を感じさせる。

収録曲と聴きどころ

代表曲としてまず挙がるのは「Take It Back」だ。シングルとしても知られ、アルバムの中で比較的わかりやすい輪郭を持つ楽曲になっている。ほかにも「High Hopes」はこの作品を代表する1曲として扱われることが多く、アルバムの締めくくりとして印象に残る。

曲ごとの構成は、ギルモアのギター、ライトの鍵盤、メイスンのドラムが、それぞれ前に出たり引いたりしながら進む形だ。歌ものとしてのまとまりと、組曲的な展開が同居しているのがこのアルバムの特徴と言える。

2014年ヨーロッパ盤について

今回の2014年盤は、初のこのフォーマットでの再発とされる20周年ダブル・ヴァイナル版だ。オリジナルの1994年盤と比べると、180グラム重量盤、アナログ・マスターからの再カッティング、ダブルLP化という点が大きな違いになる。音源の内容自体はオリジナル・アルバムを軸にしつつ、アナログ盤としての出し方が見直された再発盤という位置づけだ。

Pink Floydというバンドは、同時代のプログレッシブ・ロックの中でも、GenesisやYesのような技巧性の強いグループとは別の、音響設計やコンセプト重視の方向で語られることが多い。この『The Division Bell』でも、その系譜ははっきりしている。派手な演奏で押し切るというより、曲間のつながりや音の配置でアルバム全体を組み立てるタイプの作品だ。

まとめ

『The Division Bell』は、Pink Floydの後期を代表する1994年作であり、2014年のヨーロッパ盤は20周年記念のダブル・ヴァイナルとして出た再発盤だ。後期Pink Floydの音作り、代表曲「High Hopes」、そしてダグラス・アダムスとのエピソードなど、作品の周辺も含めて語りやすい1枚になっている。

トラックリスト

• A1 – Cluster One (5:58)
• A2 – What Do You Want From Me (4:21)
• A3 – Poles Apart (7:04)
• B1 – Marooned (5:29)
• B2 – A Great Day For Freedom (4:17)
• B3 – Wearing The Inside Out (6:49)
• C1 – Take It Back (6:12)
• C2 – Coming Back To Life (6:19)
• C3 – Keep Talking (6:11)
• D1 – Lost For Words (5:14)
• D2 – High Hopes (8:31)

関連動画

• Cluster One
• What Do You Want from Me
• Poles Apart
• A Great Day for Freedom
• Wearing the Inside Out
• Take It Back
• Keep Talking
• Lost for Words
• High Hopes

Jethro Tull『War Child』について

『War Child』は、Jethro Tullが1974年に発表した7作目のスタジオ・アルバムだ。英国のロック・バンドとして知られる彼らの中でも、フルートを前面に出した演奏と、イアン・アンダーソンの歌い回しがはっきり出ている時期の作品として位置づけられる。

この時期のJethro Tullは、ブルース・ロックを土台にしながら、フォーク、クラシック、ジャズ、アート・ロックの要素を取り込みつつ活動していた。『War Child』もその流れの中にあり、ロック・アルバムとしてまとまっていながら、曲ごとの色合いはかなり変化がある。

作品の背景

もともと『War Child』は映画のサウンドトラックとして構想されていたが、その企画は実現しなかった。その後、ダブル・アルバムとして想定されていた素材が、最終的に10曲入りの単体アルバムとして再構成された。のちのCD再発盤では、当初のセッションから追加曲が収録されている。

こうした経緯のためか、アルバム全体には曲のつながり方よりも、個々の楽曲の輪郭を立てた作りが目立つ。ストレートなロック曲もあれば、管弦楽的な響きを思わせるアレンジを持つ曲もある。Jethro Tullらしい構成力が出た一枚という印象だ。

聴きどころ

代表曲としてまず挙がるのは「Bungle in the Jungle」だろう。1974年当時のJethro Tullを広く知らしめた曲の一つで、後年までライヴで取り上げられることも多い。リフの分かりやすさと、アンダーソンの歌、バンドの推進力がまとまった曲だ。

そのほかにも、題名の表記ゆれがある「Warchild」「Queen and Country」「SeaLion」など、ジャケットやレーベルで表記が異なる曲名が見られるのも、この盤ならではの細かな特徴だ。

実際に聴くと、派手に押し切るタイプのアルバムではなく、曲ごとの切り替えがはっきりしている。フルートが前に出る場面と、ギター主体で進む場面の差が分かりやすく、70年代中期のJethro Tullの編成感をつかみやすい内容だ。

同時代の文脈

1974年のブリティッシュ・ロックは、プログレッシブ・ロックが成熟期に入っていた時期でもある。Jethro Tullは、YesやGenesisのようなシンフォニックな方向とも、ハード・ロック寄りのバンドとも距離を取りながら、独自の立ち位置を保っていた。

『War Child』は、その中で技巧の見せ場を前面に出しつつ、楽曲単位では比較的聴きやすい形に収めた作品として見られることが多い。プログレッシブ・ロックの枠にありながら、ロック・バンドとしてのまとまりも感じるアルバムだ。

この日本盤について

この日本盤は1974年リリースの初出盤で、マット仕上げのジャケットにオレンジ色の帯が付く仕様だ。英語歌詞入りの内袋に加えて、日本語と英語のトラック表記、曲間のタイム、和文ライナーノーツ、日本語歌詞を収めた2ページの別紙インサートが付属する。

表記面では、スパインが「WAR CHILD」、レーベルが「WarChild」となっており、曲名表記にも細かな違いがある。たとえばA1は背表紙で「WarChild」、内袋・インサート・レーベルでは「WARCHILD」となっている。A2は「Queen and Country」と「QUEEN & COUNTRY」が混在し、A5は「SeaLion」と「SEALION」が使い分けられている。

このあたりは、日本盤らしい細部の違いとして面白い部分だ。音そのものだけでなく、当時の国内盤の作りや表記も含めて眺めたくなる一枚である。

まとめ

『War Child』は、Jethro Tullの1974年作として、映画企画の流れを引きずりながらも、最終的にはロック・アルバムとしてまとめ上げられた作品だ。代表曲「Bungle in the Jungle」を含みつつ、曲ごとの表情の違いがはっきりした構成になっている。英国プログレの文脈の中で、Jethro Tullらしさを確認しやすいタイトルの一つといえる。

トラックリスト

• A1 – War Child (4:35)
• A2 – Queen And Country (3:02)
• A3 – Ladies (3:16)
• A4 – Back-Door Angels (5:33)
• A5 – Sea Lion (3:35)
• B1 – Skating Away On The Thin Ice Of The New Day (3:56)
• B2 – Bungle In The Jungle (3:37)
• B3 – Only Solitaire (1:28)
• B4 – The Third Hoorah (4:49)
• B5 – Two Fingers (5:09)

関連動画

• Jethro Tull – War Child (1972) [FULL ALBUM]
• War Child (2002 Remaster)
• Bungle in the Jungle (2002 Remaster)
• Skating Away On the Thin Ice Of The New Day | Jethro Tull | War Child | 1974 Chrysalis LP
• Bungle In The Jungle | Jethro Tull | War Child | 1974 Chrysalis LP

Todd Rundgren『Todd』について

Todd Rundgrenが1974年に発表した通算5作目のアルバムが『Todd』だ。前作『A Wizard, A True Star』で一気に実験性を押し広げたあと、その流れを受けて制作された2枚組作品で、70年代中期のRundgrenを語るうえで外せない1枚になっている。ポップ、ソウル、ハード寄りのロック、断片的な実験性まで、当時の彼の振れ幅がそのまま入った作品という印象が強い。

作品の位置づけ

Rundgrenはソロ初期から、シンガーソングライターとしての分かりやすさと、プロデューサー気質の細かい構成感を両立させてきたが、『Todd』ではその両面がかなりはっきり出ている。『Something/Anything?』の流れを引きつつ、前作で見せた大胆な構成の感覚をさらに広げた時期の作品で、のちのUtopia期へつながる実験性の入口としても見られる。

同時代の比較でいえば、単純なAORやシンガーソングライター路線だけでは収まらず、Brian Wilson的な緻密さや、英米のプログレ／アートロックの空気を思わせる場面もある。とはいえ、どの曲もRundgren自身の声と手触りが中心にある点が特徴的だ。

収録曲と知られた楽曲

このアルバムには、後に広く知られる楽曲として「A Dream Goes On Forever」「The Last Ride」「Someone’s Gotta Change」などがある。「A Dream Goes On Forever」は、メロディの運びがわかりやすく、Rundgrenのソングライターとしての強さが前面に出た曲としてよく触れられる。アルバム全体の中でも、比較的入り口の広い一曲だ。

一方で、アルバム後半には短い断片や展開の細かい曲もあり、通して聴くと曲ごとの性格差がかなり大きい。整ったポップソングだけで進む作品ではなく、曲順そのものがひとつの流れとして組まれている印象がある。

音の印象

実際に聴くと、輪郭のはっきりした歌ものと、急に空気が変わるようなパートが同居しているのがわかる。ギター、キーボード、コーラスの重ね方にRundgrenらしい細工があり、楽曲によっては柔らかい歌声が前に出る一方、別の曲ではリズムや音色の切り替えが主役になる。2枚組という長さもあって、1曲ごとの性格がかなり立っている。

1974年のUS盤としてのオリジナルは、その時代のRundgrenらしいアナログ感が前提にあるが、2022年盤ではその作品を現代のリイシューとして聴ける形になっている。オリジナルの制作年を軸に見ると、70年代中盤のRundgrenの到達点のひとつとして置かれる作品だ。

アーティストの流れの中で

Rundgrenはこの時期、ソロ活動だけでなくプロデューサーとしても存在感を強めていた。本人の作品ではポップから実験的な方向まで広く動きつつ、他アーティストの制作にも関わっていた時期で、『Todd』はその多面的な活動の中でも、ソングライターとしての力量とアレンジャーとしての構成感がまとまって見えるアルバムといえる。

その後の『Initiation』やUtopiaへ進む前段階としても重要で、Todd Rundgrenの70年代をつかむうえで、かなり中核にあるタイトルだ。

トラックリスト

• A1 – How About A Little Fanfare
• A2 – I Think You Know
• A3 – The Spark Of Life
• A4 – An Elpee’s Worth Of Toons
• A5 – A Dream Goes On Forever
• A6 – Lord Chancellor’s Nightmare Song
• B1 – Drunken Blue Rooster
• B2 – The Last Ride
• B3 – Everybody’s Going To Heaven / King Kong Reggae
• C1 – Number 1 Lowest Common Denominator
• C2 – Useless Begging
• C3 – Sidewalk Cafe
• C4 – Izzat Love?
• C5 – Heavy Metal Kids
• D1 – In And Out The Chakras We Go (Formerly: Shaft Goes To Outer Space)
• D2 – Don’t You Ever Learn
• D3 – Sons Of 1984

関連動画

• The Last Ride (2015 Remaster)
• A Dream Goes on Forever (2015 Remaster)

Tracie Young『Far From The Hurting Kind』について

Tracie Youngは、1965年生まれのイングランド出身のポップ・シンガー。『Far From The Hurting Kind』は1984年に登場した作品で、今回の日本盤も同じ1984年のリリースとして扱われる1枚だ。ジャンル表記はElectronic、スタイルはSynth-pop。80年代前半らしい、打ち込み主体のポップ・サウンドを軸にした時期の作品として見ておくと分かりやすい。

この作品は、Tracie Youngのキャリア初期を知るうえで重要な位置にある。彼女はのちに英国ポップ・シーンの文脈で語られることが多いが、ここではまず、10代後半の若い声が前面に出ることが大きな特徴になっている。曲調はシンセのリズムとメロディを中心に組み立てられ、当時の英ポップらしい軽快さと、少し直線的な推進力がある。

日本盤のタイトル表記

この日本盤の帯に出るタイトルは「恋のしぐさ」。英題の『Far From The Hurting Kind』とはかなり印象が違うが、日本語タイトルとしては内容の受け取りやすさを意識した表記になっている。副題のように見えるこの日本語名は、「Gestures of love」という意味合いで案内されている。

サウンドの印象

実際に耳にすると、80年代前半のシンセポップらしく、音の輪郭がはっきりした作りが目立つ。ドラムは乾いた鳴り方で、ベースラインは前に出すぎずに曲を支える役回り。Tracie Youngのボーカルは、音数の多い編曲の中でも埋もれにくいタイプで、曲のフレーズをそのまま素直に運ぶ場面が多い。

この時期の英シンセポップと比べると、極端に実験的な方向へ振るというより、歌ものとしての分かりやすさが優先されている印象だ。近い文脈としては、同時代の女性ボーカルを配したUKポップや、ラジオ向けのシンセポップ作品群を思わせる場面がある。音の作りは80年代前半の空気をよく映している。

作品の位置づけ

Tracie Youngにとっては、シンガーとしての輪郭を示す初期の一作として見られる作品だろう。1984年という時期は、シンセサイザーとリズムマシンを土台にしたポップが広く浸透していた頃で、この作品もその流れの中にある。若い声質と整ったアレンジの組み合わせが、この時代の英国ポップらしさをそのまま伝えている。

ヒット曲・代表曲について

この作品については、広く知られた代表曲を一曲だけ強く押し出すというより、アルバム全体の流れで聴かれるタイプの印象がある。曲ごとのキャラクターを、シンセ主体の編曲とボーカルの相性で追っていく楽しみ方が合っている。

まとめ

『Far From The Hurting Kind』は、1984年の英国シンセポップを背景にしたTracie Young初期の作品として整理できる。日本盤では「恋のしぐさ」というタイトルで紹介されており、当時のポップ作品らしい分かりやすい手触りと、若い女性ボーカルのまっすぐな表情がポイントになっている。80年代前半の電子音ポップをたどるうえで、Tracie Youngという名前を押さえる入口になる1枚だ。

トラックリスト

• A1 – (I Love You) When You Sleep
• A2 – Soul’s On Fire
• A3 – Nothing Happens Here But You
• A4 – I Can’t Hold On ‘Till Summer
• A5 – Dr. Love
• B1 – Thank You
• B2 – Moving Together
• B3 – Spring, Summer, Autumn
• B4 – What Did I Hear You Say
• B5 – Far From The Hurting Kind

関連動画

• tracie = soul’s on fire (12” version)
• Far From The Hurting Kind.wmv
• Tracie Young – Far From the Hurting Kind(early version)(audio)
• Tracie – (I Love You) When You Sleep
• Moving Together by: Tracie Young
• Tracie – The House That Jack Built. Top Of The Pops 1983

Hazel O’Connor『Cover Plus』について

『Cover Plus』は、英国のシンガー／ソングライター、Hazel O’Connorが1981年に発表した作品だ。UK盤として同年にリリースされ、録音とミックスはロンドンのGood Earth Studiosで1981年5月から6月にかけて行われている。ジャンル表記はRock、Pop、スタイルはNew Wave、Pop Rock。時代感のある整理がしやすい一枚だ。

Hazel O’Connorは1955年5月16日生まれの英国人アーティストで、1970年代末から1980年代初頭のUKシーンで存在感を示した人物として知られる。歌手としてだけでなく、ソングライター、俳優としての活動でも知られている。『Cover Plus』は、その活動の流れの中で1981年時点の彼女の表現を示す作品として位置づけられる。

作品の内容とクレジット

このレコードは、盤面レーベル上の表記でALB 108、スパインではALB108と記されている。ジャケットにはピクチャー／歌詞インサートが付属し、初期プレスにはポスターと2枚のステッカーも含まれていたという。パッケージ面でも、当時のリリースらしい作りだ。

バックカバーには「Recorded and Mixed at Good Earth Studios, London May – June ’81」とあり、1981年春から初夏にかけて制作されたことがわかる。レーベル表記は℗ & © 1981 Albion Records Ltd.。インサートには各曲の出版情報も記載されており、A1、A3〜B3、B6はAlbion Music Ltd.、A2はApril Music Ltd / Albion Music Ltd.、B4はThe Emp. Co.関連、B5はDunbar Music Inc.関連のクレジットになっている。

1981年のUKニューウェイヴ周辺という文脈

1981年の英国では、ニューウェイヴ以後の流れの中で、ロックとポップをまたぐ作品が多く出ていた時期だ。Hazel O’Connorもその文脈に置きやすいアーティストで、鋭さのある歌い口と、曲の輪郭をはっきり見せるタイプの制作が印象に残る。『Cover Plus』も、その時代のUKポップ／ロックの空気を持つ一枚として捉えやすい。

同時代のアーティストでいえば、歌の芯を前に出す女性ヴォーカルの作品群や、パンク以後のざらついた質感を残したポップ・ロック作品と並べて語られることがありそうだ。とはいえ、この作品は単なる時代の記号だけで片づくものではなく、Hazel O’Connor自身の声と曲の運びが中心にある。

注目曲について

このアルバムには、A2に1977年クレジットの曲が含まれているなど、当時の新曲だけでなく、既存曲の流れも取り込まれている。B4やB5には、さらに古い楽曲の出版クレジットも見えるため、単純なオリジナル曲集というより、彼女の表現の幅を見せる構成になっていることがうかがえる。

Hazel O’Connorの代表曲としては、一般には映画『Breaking Glass』関連の楽曲がよく知られている。『Cover Plus』はその大きな代表作の延長線上で聴かれることも多い作品で、1981年時点の彼女の歌と制作の手触りを確認しやすいタイトルだ。

まとめ

『Cover Plus』は、1981年のUKで生まれたHazel O’Connorのアルバムで、Good Earth Studios録音、Albion Recordsからのリリース。ピクチャー／歌詞インサート付きで、初期仕様にはポスターとステッカーも含まれていた。ニューウェイヴ期の英国らしい空気の中で、彼女のボーカルと楽曲の輪郭が前に出る作品として整理できる。

トラックリスト

• A1 – (Cover Plus) We’re All Grown Up
• A2 – Hanging Around
• A3 – Ee-I-Addio
• A4 – Not For You
• A5 – Hold On
• A6 – So You’re Born
• B1 – Dawn Chorus
• B2 – Animal Farm (We Will Be Happy?)
• B3 – Runaway
• B4 – Do What You Gotta Do
• B5 – Men Of Good Fortune
• B6 – That’s Life

関連動画

• Hanging Around
• Dawn Chorus
• Do What You Gotta Do
• That’s Life
• Ee-I-Addio
• Runaway

The Neighborhoods『Reptile Men』(1987)

1980年代のボストン・パワーポップを語るうえで、The Neighborhoodsは外せない存在だ。1977年にボストンで結成されたこのバンドは、Dave Minehanを中心に、John Hartcorn、Michael Quagliaらの編成で活動していた。『Reptile Men』は1987年に登場した作品で、The Neighborhoodsの初期の持ち味がまとまった1枚として位置づけられる。

作品の輪郭

バンドの基本情報を見ると、The Neighborhoodsはボストン発のPowerPopバンドとして紹介されている。ギター主体の音作り、メロディを前に出したロック・バンドという輪郭がはっきりしていて、1980年代のアメリカ東海岸らしい、手触りのあるバンド感がある。『Reptile Men』もその流れの中にある作品として捉えやすい。

1987年という年は、パワーポップやギターロックが地下シーンからじわじわ支持を集めていた時期でもある。The Neighborhoodsは、同時代のバンドの中でも、派手な装飾よりも曲の骨格と演奏の推進力で聴かせるタイプとして見られることが多い。ボストン周辺のロック文脈に置くと、同じ地域のバンド群と並べて語られることもある。

バンドの中での位置づけ

『Reptile Men』は、The Neighborhoodsの活動初期から続くバンドの個性を確認できる作品といえる。Dave Minehanのリード・ボーカルとリード・ギターを軸に、John Hartcornのベース、Michael Quagliaのドラムが支える基本形。その編成からも、曲をしっかり前へ押し出すロック・バンドとしての性格が読み取れる。

メンバー表記にはDavid Minehan、Lee Harrington、John Hartcorn、Mike Quaglia、John Lynchが並ぶ。こうしたクレジットからも、The Neighborhoodsが単なるギター・バンドではなく、複数のメンバーの役割が絡み合う形で成り立っていたことがうかがえる。

同時代とのつながり

1980年代のパワーポップは、キャッチーなメロディとロックの勢いを両立させるバンドが各地にいた時代だった。The Neighborhoodsもその文脈の中で、ボストンのローカル・シーンから出てきたバンドとして存在感を持っていたはずだ。大きな商業ヒットを狙うというより、バンドの演奏と曲作りで勝負する姿勢が目に入る。

このあたりは、同時代のアメリカン・ギターロックやパワーポップの流れを好む人には、作品の立ち位置が見えやすい。過度に洗練されたサウンドではなく、バンドで鳴らすロックの感触が前に出るところが、この時代らしい。

聴きどころの見方

実際に聴いた感想として語るなら、こうした作品はまずギターの鳴りとリズム隊の噛み合い方に注目したくなる。Dave Minehanの歌とギターが曲の中心に置かれ、ベースとドラムがその輪郭を支える形は、パワーポップらしい推進力につながる。メロディの運び方とバンドの一体感が、作品の印象を決めるタイプだろう。

タイトル曲である『Reptile Men』は、この作品を象徴する名前としてまず目に入る。曲名から受けるイメージ以上に、実際の内容ではバンドの持つロック感とメロディ志向がどう出るかが見どころになりそうだ。

まとめ

The Neighborhoods『Reptile Men』は、1987年のボストン発パワーポップ・バンドの姿をそのまま切り取ったような作品として見られる。派手な説明よりも、バンド編成、地域性、時代性がそのまま音に出るタイプの1枚。The Neighborhoodsの初期の輪郭を知るうえで、外しにくいタイトルだ。

トラックリスト

• A1 – Pure And Easy (3:45)
• A2 – Modern Cowboy (4:13)
• A3 – Reptile Man (3:50)
• A4 – Tommy (4:04)
• A5 – Dangerous (3:35)
• B1 – The Man (2:30)
• B2 – Peeping Tom (1:49)
• B3 – Out Of Your Reach (3:34)
• B4 – Wailing Wall (2:53)
• B5 – Cliches (4:25)

関連動画

• The Nighborhood – Pure and Easy
• The Neighborhoods – Wailing Wall – Reptile Men – 1987

Almendra『Almendra』について

アルゼンチン・ブエノスアイレスのロック史を語るうえで、Almendraは外せない存在だ。この『Almendra』は、Luis Alberto Spinettaを中心にしたバンドの初期代表作で、オリジナルは1970年発表。後のアルゼンチン・ロックの流れを大きく形づくった作品として知られている。

2015年盤は再発LPで、180g重量盤。チェコ製ビニールでのプレスとなっている。オリジナル盤の時代感をそのまま伝えるというより、現在の流通向けにあらためて出された一枚という位置づけだ。

Almendraというバンドの背景

Almendraは1960年代後半のブエノスアイレスで生まれたグループで、もともとはThe Beatniksを名乗っていた。Los SbirrosとLos Larkinsという2つの高校バンドの合流から始まった経緯があり、Luis Alberto Spinettaの作曲と歌詞を軸に、Edelmiro Molinari、Emilio del Guercio、Rodolfo Garcíaらが集まった編成で活動した。

同時代のアルゼンチンでは、Los Gatosの「La Balsa」が大きなヒットとなり、スペイン語によるロックの土台ができつつあった。Almendraはその流れの中で、より作家性の強い方向へ進んだグループとして見られている。

このアルバムの位置づけ

『Almendra』は、バンドの代表作のひとつであり、アルゼンチン・ロックの初期を象徴するアルバムとして扱われることが多い。バンドはこの後、もう1枚の同名作『Almendra II』を残すが、こちらの1970年作は、特にグループの初期到達点として重要だ。

当時の作品は評価が割れたとも伝えられているが、その反応がSpinettaにメディア不信を抱かせた、というエピソードも残る。結果としてこのアルバムは、単なるデビュー期の記録ではなく、以後の彼の姿勢にもつながる一枚として見られる。

収録曲と知られる曲

Almendraの楽曲の中でも、初期からよく知られているのが「Tema de Pototo」だ。これは最初期のシングルにもつながる曲で、後にバンドの名を広める役割を果たした。エピソードとして、Spinettaが友人の死を聞いてこの曲を書いたが、のちにその友人は亡くなっていなかったことがわかった、という話が伝わっている。

同じく初期シングルの「El Mundo Entre las Manos」や、「Hoy Todo Hielo la Ciudad」「Campos Verdes」「Final」なども、この時代のAlmendraを知るうえで重要な曲群だ。とくに「Final」は、本来はバンドの終わりを示す曲として構想されていたが、LPの収録時間の都合でそのまま使われなかったという話がある。

サウンドの印象

このアルバムは、ロックを土台にしながら、フォーク寄りの要素や、当時のサイケデリックな感触、さらにバロック・ポップ的なアレンジの気配が混ざる内容として語られてきた。Spinettaの歌とメロディの組み立ては前面にあり、演奏は必要以上に荒くならず、曲ごとの輪郭をはっきりさせる方向に寄っている。

同時代の比較としては、英国ロックの影響を受けつつも、単純な模倣にはならない点が大きい。アルゼンチンのスペイン語ロックが自分たちの言葉と感覚を獲得していく、その途中経過がそのまま記録されている印象だ。

その後の流れ

Almendraはこの後も活動を続けるが、メンバー間で音楽的な方向性の違いが大きくなり、解散へ向かう。その後、SpinettaはPescado Rabiosoへ、Edelmiro MolinariはColor Humanoへ、Emilio del GuercioとRodolfo GarcíaはAquelarreへ進むなど、それぞれがアルゼンチン・ロックの別の枝を伸ばしていくことになる。

つまり『Almendra』は、ひとつの完成作であると同時に、その後の分岐点でもある。アルゼンチン・ロックの初期を追うなら、ここで何が起きていたのかを押さえておく意味は大きい。

2015年再発盤について

2015年盤は180g重量盤での再発。オリジナル1970年盤とは発売時期が大きく異なるため、当時の初回流通盤そのものというより、後年にあらためて整えられた再発仕様として見るのが自然だ。ビニールはチェコ製とされている。

オリジナル盤との細かな音質差やマスタリングの違いについては、この情報だけでは断定できないが、少なくとも現行流通で手に取りやすい形に整えられた版であることは確かだ。

まとめ

『Almendra』は、Luis Alberto Spinettaを中心とするAlmendraが残した初期の重要作で、アルゼンチン・ロックの基礎を形づくったアルバムのひとつだ。代表曲「Tema de Pototo」を含む初期の流れをまとめて聴ける作品として、バンドの出発点とその後の方向性の両方を見せてくれる内容になっている。

トラックリスト

• A1 – Muchacha (Ojos De Papel)
• A2 – Color Humano
• A3 – Figuración
• A4 – Ana No Duerme
• B1 – Fermin
• B2 – Plegaria Para Un Niño Dormido
• B3 – A Estos Hombres Tristes
• B4 – Que El Viento Borro Tus Manos
• B5 – Laura Va

関連動画

• Almendra – Muchacha (Ojos de Papel) (Official Audio)
• Almendra – Color Humano (Official Audio)
• Almendra – Figuración (Official Audio)
• Almendra – Ana No Duerme (Official Audio)
• Almendra – Fermín (Official Audio)
• Almendra – Plegaria para un Niño Dormido (Official Audio)
• Almendra – A Estos Hombres Tristes (Official Audio)
• Almendra – Que el Viento Borró Tus Manos (Official Audio)
• Almendra – Laura Va (Official Audio)

The Moody Blues『On The Threshold Of A Dream』(1969)

The Moody Bluesは、1964年にイギリス・バーミンガムで結成されたロック・グループだ。1960年代後半から70年代にかけて、オーケストラ的な広がりを持つ編成と、内省的な詞世界を組み合わせた作品で知られる。この『On The Threshold Of A Dream』は、1969年に発表された4作目のスタジオ・アルバムで、バンドの代表的な時期をよく示す1枚として扱われている。

本作では、ジャスティン・ヘイワードのギターと歌、ジョン・ロッジのベースと歌、マイク・ピンダーのキーボード、レイ・トーマスのフルートやハーモニカ、グレアム・エッジのドラムスが中心になる。1960年代末の英国ロックらしいサイケデリックな気配を持ちながら、演奏はかなり整っていて、曲ごとのつながりも意識された作りだ。

作品の位置づけ

The Moody Bluesは、初期のR&B寄りの活動から、よりアルバム単位で聴かれるロックへと移っていったバンドだが、この時期にはその方向性がはっきりしてくる。本作も、1曲ごとのシングル性より、アルバム全体の流れを重視した構成に見える。のちのプログレッシブ・ロック文脈で語られることも多いが、ここではまだ楽曲の長さや構成の中に、1960年代ロックの感覚が強く残る。

同時代の英国ロックで言えば、Procol HarumやThe Zombies、Pink Floyd初期などと並べて語られることがあるタイプの作品だ。ただし、本作は実験一辺倒ではなく、メロディと歌をきちんと前に出している点が印象に残る。

盤の特徴

今回のUS盤は1969年リリースのオリジナル時代のもの。レーベル表記は、SIDE 1の下にDES 18025のカタログ表記があり、盤面下部にSTEREO表記が入るタイプだ。12ページの歌詞ブックレット付きで、当時のアルバム作品としては視覚的な情報量も多い。ランアウトにはBell Soundのスタンプがあり、”T”の刻印はColumbia Records Pressing Plant, Terre Hauteプレスを示す。

聴きどころ

この作品の中心にあるのは、派手な展開よりも、曲のつなぎ方と音の置き方だ。フルート、鍵盤、ギター、ハーモニーが重なり、各曲が短い断片のように見えても、アルバム全体ではひとつの流れとしてまとまる。

実際に聴くと、歌メロの輪郭がはっきりしていて、難解さだけが前に出るタイプではない。サイケデリック・ロックの枠に入れられつつも、音像は比較的整理されており、演奏の精度も高い。Tony Clarkeのプロデュースによる、音の層を丁寧に積む作りもこの時期のMoody Bluesらしさだ。

代表曲について

本作からは、“Never Comes the Day” や “Are You Sitting Comfortably?” などがよく知られている。特に“Never Comes the Day” は、歌とメロディの流れが前に出る曲で、バンドの持ち味がまとまっている。

また、アルバム後半の組曲的な流れも重要で、曲単位で聴くより、通して聴いたときに印象が残る構成になっている。こうしたアルバム志向は、当時の英国ロックの中でもThe Moody Bluesを特徴づける要素のひとつだ。

まとめ

『On The Threshold Of A Dream』は、The Moody Bluesが1969年時点で到達していた、メロディ重視のサイケデリック・ロックをよく示すアルバムだ。バンドの演奏、Tony Clarkeの制作、そして歌詞ブックレットを含めたパッケージまで含めて、同時代の作品らしいまとまりがある。

英国ロックのアルバム文化が強くなっていく時期の1枚としても、The Moody Bluesの代表的な時期を知る入口としても、位置づけやすい作品だ。

トラックリスト

• A1 – In The Beginning (2:08)
• A2 – Lovely To See You (2:35)
• A3 – Dear Diary (3:56)
• A4 – Send Me No Wine (2:20)
• A5 – To Share Our Love (2:54)
• A6 – So Deep Within You (3:07)
• B1 – Never Comes The Day (4:43)
• B2 – Lazy Day (2:43)
• B3 – Are You Sitting Comfortably (3:31)
• B4 – The Dream (0:55)
• B5 – Have You Heard – Part I (1:23)
• B6 – The Voyage (4:07)
• B7 – Have You Heard – Part II (2:38)

関連動画

• The Moody Blues – Lovely To See You….yerdenizplak.com İstanbul Kadıköy
• T̤h̤e̤ ̤M̤o̤o̤d̤y̤ ̤B̤l̤ṳe̤s̤ ̤-̤ ̤O̤n̤ ̤T̤h̤e̤ ̤T̤h̤r̤e̤s̤h̤o̤ld of a ̤D̤r̤e̤a̤m̤ ̤ Full Album
• On the threshold of a dream/Are you sitting comfortably ~ Moody Blues
• In The Beginning (Full Version)
• Moody Blues-Lovely To See You
• Dear Diary
• Send Me No Wine
• The Moody Blues – ‘Dear Diary’ (1969)

King Crimson『Larks’ Tongues In Aspic』（1973）

King Crimsonは、1960年代末から活動を始めた英国のプログレッシブ・ロック・バンドで、この『Larks’ Tongues In Aspic』は1973年に発表された作品である。Robert Frippを中心に、Bill Bruford、John Wetton、David Cross、Jamie Muirらが関わった時期のアルバムで、バンドの中でも編成と音の方向性が大きく切り替わった時期を示す1枚として知られている。

この時期のKing Crimsonは、初期の室内楽的な要素からさらに踏み込み、重さのあるリフ、間の使い方、即興的な展開を前面に出している。1970年代前半のプログレッシブ・ロックの中でも、YesやGenesis、Emerson, Lake & Palmerと並べて語られることが多いが、この作品はその中でもかなり硬質で、演奏の緊張感が強い部類に入る。

作品の位置づけ

King Crimsonにとっては、1972年に再編された新しい流れを明確に形にしたアルバムである。前作までとは違い、Frippのギターを軸にしながら、WettonのベースとBrufordのドラムが強い推進力を作る構成になっている。加えて、David CrossのヴァイオリンやJamie Muirの打楽器的な動きが、曲の輪郭を単純なロックに寄せない役割を担っている。

この時期のKing Crimsonは、完成度の高いスタジオ作品だけでなく、演奏の再現性よりも、その場での変化を含んだライブ感でも語られることが多い。『Larks’ Tongues In Aspic』は、その新しいバンド像を記録した中心作のひとつと見られている。

収録曲と聴きどころ

アルバムの核になるのは、表題曲の「Larks’ Tongues In Aspic, Part One」と、続編にあたる「Larks’ Tongues In Aspic, Part Two」である。特にPart Twoは、後年のKing Crimsonでも演奏される代表的な楽曲として知られている。リフの反復、拍のずれ、急な展開の切り替えがはっきりしていて、このバンドの持つ構築性がよく出ている。

曲ごとに見ると、静かなパートと強いアンサンブルが行き来する構成が目立つ。歌ものとしての分かりやすさよりも、演奏そのものの組み立てで引っ張るタイプのアルバムで、聴き進めるほどに細かな音の配置が見えてくる。実際に聴くと、音数が多いのに各パートの役割が比較的明確で、ベースとドラムの押し出しがかなり強いことがわかる。

また、Jimi Hendrixの曲を基にした「Easy Money」など、ライブでの存在感が大きくなった楽曲も含まれている。過度に派手なメロディで押すのではなく、緊張感のあるリズムとフレーズの反復で引きつける作りである。

制作と録音

録音はロンドンのCommand Studiosで、1973年1月から2月にかけて行われた。プロデュース面の情報としては、当時のKing Crimsonらしく、サウンドの細部まで作り込まれている印象が強い。ギター、ベース、ドラムの輪郭がはっきりしていて、そこにヴァイオリンや打楽器が入り込むことで、音の層が増している。

ジャケットのデザインはTantra Designによるもので、作品の内容同様、装飾よりも構造を見せるタイプのアートワークとして見られることが多い。70年代前半のプログレ作品に多い「幻想的な絵柄」とは少し違い、内容の緊張感に寄った見え方である。

US 1st pressについて

このUSオリジナル盤は、ラベル外周の表記に「1841 Broadway」アドレスが入る初期仕様で、シュリンクにはタイトルステッカーが貼られている。印刷された内袋が付属し、片面に歌詞、もう片面は無地である。

マトリクスの「PR」はPresswellのプレスを示し、「AT/GP」はGeorge Pirosによるマスタリングを示す。オリジナル盤らしい初期のUS仕様として、コレクション面でも特徴がはっきりしている。

同時代の文脈

1973年のプログレッシブ・ロックは、長尺曲、組曲形式、変拍子、鍵盤とギターの対話がひとつの共通言語になっていた時期である。その中でKing Crimsonは、流麗さよりも、切り替えの速さや演奏の緊張感を前に出している。YesやGenesisのような流れとは違う方向で、より鋭い手触りを持つバンドとして受け取られてきた。

このアルバムは、King Crimsonの中でも「重さ」と「即興性」のバランスがはっきりした時期の記録として、後の活動にもつながる要素を含んでいる。表題曲を中心に、70年代King Crimsonの輪郭をつかみやすい1枚である。

トラックリスト

• A1 – Larks’ Tongues In Aspic, Part One (13:36)
• A2 – Book Of Saturday (2:59)
• A3 – Exiles (7:37)
• B1 – Easy Money (7:51)
• B2 – The Talking Drum (7:28)
• B3 – Larks’ Tongues In Aspic, Part Two (7:10)

関連動画

• Larks’ Tongues In Aspic (Part I)
• Book Of Saturday
• Exiles
• Easy Money
• The Talking Drum
• Larks’ Tongues In Aspic Pt. II

The Jammers『The Jammers』(1982)

The Jammersは、Richie Weeksを中心に組まれた1枚きりのディスコ・ソウル・プロジェクトだ。1982年にSalsoul Recordsから登場したこのアルバムは、Instant FunkやWeeks & Co.周辺のメンバー、さらに当時のSalsoul系セッション・ミュージシャンが関わった作品として位置づけられる。タイトルとアーティスト名がそのまま一致する、いわば自己紹介のような内容の1作である。

作品の輪郭

クレジット上の中心人物はRichie Weeks。Salsoulというディスコ／ダンス・ミュージックの重要レーベルの流れの中で作られた作品で、1982年という時期らしく、70年代ディスコの延長だけでなく、より打ち込み感やブギー寄りの感触も見える時代の空気がある。ジャンル表記はElectronic、Funk / Soul、スタイルはDisco、Boogieとなっており、まさにその境目に置かれるアルバムといえる。

聴きどころ

この手のSalsoul作品に共通するのは、リズム隊の粘りと、ダンスフロアを意識した推進力だ。The Jammersもその系譜にあり、重心の低いベース、はっきりしたキック、コーラスの反復が前に出る作りが想像しやすい。ディスコの華やかさを残しつつ、80年代初頭らしい硬さが加わるタイプの音像で、同時代のブギーやニューヨーク周辺のダンス・ソウルと近い感触を持つ作品として整理できる。

アルバム全体は、単独名義の企画作というより、現場の演奏家とプロジェクト感が前面に出た一枚。Instant FunkやWeeks & Co.の文脈を知っていると、楽曲のノリやアレンジの方向性もつかみやすい。派手なコンセプトで押すより、演奏とグルーヴで聴かせるタイプのレコードである。

位置づけ

Richie Weeksにとっては、ソロや周辺プロジェクトを含む活動の中でも、Salsoulの現場力をまとった作品として見ておきたい一枚だ。The Jammersという名義はアルバム1枚のプロジェクトとして知られており、ディスコが終盤からブギーへ移っていく時期の記録にもなっている。

同時代とのつながり

同じ時期のSalsoul系作品や、ニューヨークのダンス・ソウルを追う流れの中で並べて聴かれることが多そうな内容だ。音の作りは、純粋なディスコのきらびやかさだけでなく、よりタイトなリズム感を持つブギー寄りの作品群と地続きにある。70年代後半のディスコから80年代前半のダンス・ミュージックへ移る過程を知るうえでも、資料性のあるアルバムといえる。

リリース情報

• アーティスト: The Jammers
• タイトル: The Jammers
• オリジナルリリース年: 1982年
• リリース国: US
• レーベル表記: Salsoul Record Corporation
• 表記: ℗ © 1982 Salsoul Record Corporation / Printed in U.S.A.
• ジャンル: Electronic, Funk / Soul
• スタイル: Disco, Boogie

なお、この盤は1982年の作品として捉えるのが自然だ。Salsoulのカタログの中では、ディスコからブギーへと移る時期の空気をまとった一枚として位置づけられる。

トラックリスト

• A1 – What Have You Got To Lose (5:50)
• A2 – And You Know That (6:00)
• A3 – Funky You, Funky Me (4:48)
• A4 – Out To Get You (4:44)
• B1 – Straight Down To The Bone (6:30)
• B2 – I Didn't Mean To Fall In Love With You (6:12)
• B3 – Be Mine Tonight (6:05)

関連動画

• The Jammers – Out To Get You
• The Jammers – Funky You Funky Me
• The Jammers – I Didn't Mean To Fall In Love With You
• The Jammers – Straight Down To The Bone
• The Jammers – Be Mine Tonight
• The Jammers – And You Know That
• The Jammers – And You Know That
• The Jammers – And You Know That (Richie Weeks Mix)
• The Jammers – The Jammers – A1 – What Have You Got To Lose
• The Jammers – The Jammers – A3 – Funky You, Funky Me

Casey Rankin『Silver Moon』について

Casey Rankinは、アメリカ・カンザス州出身のシンガー／ソングライターで、1971年以降は日本を拠点に活動した人物だ。作曲、歌唱、ギター、ベース、ピアノ、キーボードまでこなすマルチプレイヤーで、1970年代から80年代にかけて日本のポップス、ロック、CM音楽、ドラマ音楽の現場で存在感を示してきた。『Silver Moon』は1981年に日本でリリースされた作品で、Casey Rankinのソロ活動を知るうえでひとつの節目になるタイトルだ。

この時期のCaseyは、Shogunでの活動や、日本の音楽シーンでの制作仕事を重ねたのち、よりソロ色の強い表現へ進んでいった流れにある。『Silver Moon』も、そうしたキャリアの延長線上に置かれるアルバムとして見ることができる。

作品の内容と聴きどころ

収録曲のクレジットからは、アコースティックな手触りと、当時の日本のAOR／ソフトロック文脈に接続する作りがうかがえる。曲名としては「Frustration」や「Genie」が確認できる。なお「Genie」にはPremadosa Hegodaのシタールとタブラのクレジットがあるが、実際には本作には収録されていない旨が記されている。

この作品は、派手なロックの押し出しよりも、メロディ、コード感、アンサンブルのまとまりを重視したタイプの一枚として捉えやすい。Casey Rankinはロック、ポップス、広告音楽、映像音楽まで幅広く手がけてきた人だけに、曲の運びや言葉の置き方に職人的な感覚が出ているように見える。

1981年という時代の中で

1981年の日本では、洋楽的な洗練を持つ国産AORやソフトロックが広がっていた時期でもある。『Silver Moon』も、その空気の中で自然に受け止められそうな作りだ。Casey Rankinはアメリカ出身ながら、日本語圏の音楽制作に深く関わってきたため、単なる輸入的なロックではなく、日本の歌ものの文脈に馴染む感覚がある。

同時代の作品と比べると、技巧を前面に出すというより、曲そのものの流れやメロディの運びを大事にしている印象になりそうだ。Shogunで知られる大きなヒット性とは別に、ソロではより内省的で、曲作りの輪郭が見えやすい位置づけのアルバムといえる。

レコードとしての仕様

• 1981年、日本盤
• ダークグレーの半透明ヴィニール盤
• ゲートフォールド仕様のインサート付き
• クレジットと歌詞を収録

また、ラベルやブックレットでは「Frustration」に引用符が付いている一方、裏ジャケットでは引用符なしで表記されている。細部の表記ゆれがある盤で、資料としても少し面白いポイントだ。

Casey Rankinのキャリアの中で

Casey Rankinは、Shogunの活動で広く知られる一方、ソングライター、プロデューサーとしても長く活動してきた。日本でのキャリアはかなり長く、テレビCMやドラマで耳にする楽曲も多い。そうした多面的な仕事の中で『Silver Moon』は、ソロ作家としての顔を見せる作品のひとつとして位置づけられる。

華やかなヒット曲を並べるタイプのアルバムというより、積み重ねてきた制作経験がそのまま出る一枚。Casey Rankinという人物の歩みを知ったうえで聴くと、曲の組み立てや言葉の置き方に、長い現場経験の痕跡が見えてくる。

トラックリスト

• A1 – Love Is Such A Beautiful Dream (4:53)
• A2 – Silver Moon (5:45)
• A3 – Love Me Tonight (4:07)
• A4 – I Believe In You (5:15)
• B1 – The Eye Of The Hurricane (5:24)
• B2 – Sole Survivor (6:06)
• B3 – Let Me Run My Fingers Through Your Hair (4:31)
• B4 – "Frustration" (Alfredo's Theme) (5:08)

関連動画

• I Believe In You by Casey Rankin (Silver Moon)
• Silver Moon
• Love Is Such a Beautiful Thing
• Love Me Tonight
• The Eye of the Hurricane

Sagittarius『Present Tense』について

Sagittariusは、1960年代後半のアメリカで、プロデューサー／ソングライターのGary Usherを軸に組まれたスタジオ・グループだ。中心人物としてCurt Boettcherも関わっていて、同時代のソフトなポップ感覚と、サイケデリックな音作りを結びつけた作品として知られている。『Present Tense』は、その代表作にあたるアルバムで、オリジナルは1968年のリリースだ。

作品の位置づけ

このアルバムは、Gary Usherの制作志向と、Curt Boettcherのアレンジ感覚が前面に出た作品として見られることが多い。Sagittariusが単独の固定バンドというより、スタジオ・プロジェクトとして機能していた点も、この作品の性格をよく表している。The Millenniumの『Begin』に関わったミュージシャンが参加している点も、この時期の西海岸ポップ／サイケデリアの文脈で重要だ。

1960年代後半のUSポップでは、ビーチ・ボーイズ以降の多重コーラス、室内楽的なアレンジ、サイケデリックな響きが交差していたが、『Present Tense』もその流れの中に置きやすい。The Beach Boys、The Association、The Millenniumあたりと並べて語られることがあるのも納得しやすい内容だ。

盤について

ここでの盤は1985年リリースのUS盤だが、作品そのもののオリジナルは1968年。したがって、聴こえてくる内容は1960年代後半の録音と制作感覚をそのまま伝えるものになる。1985年盤としては、当時の音源を改めて手にしやすくした再発盤という位置づけで見るのが自然だ。

サウンドの特徴

この作品の軸は、ソフトロック寄りの整ったハーモニーと、サイケデリック・ロックの色づけにある。演奏そのものは派手に前へ出るというより、音の重なりや編曲の細部で聴かせるタイプだ。歌、コーラス、ギター、鍵盤、ストリングス系の処理が、ひとつのまとまりとして組まれている印象が強い。

実際に聴くと、曲ごとの表情はあるが、アルバム全体としては統一感がある。1曲単位で押し切るというより、音の流れを追っていく楽しさがある作品だ。曲間のつながりや、コーラスの置き方、音の抜き差しにこの時代のスタジオ制作らしさが出ている。

代表曲として知られる曲

『Present Tense』では「My World Fell Down」がよく知られている。シングル曲としても扱われることが多く、このプロジェクトを代表する楽曲のひとつだ。曲の展開や構成にひねりがあり、単純なポップ・ソングの枠には収まりにくい。

この曲は、Sagittariusの特徴であるコーラスの使い方と、当時らしい制作の密度を端的に示している。アルバム全体を押さえるうえでも、まず触れられることの多い1曲だ。

同時代との関係

1968年という年は、ロックがアルバム単位の表現へ大きく動いていた時期だが、その一方で、洗練されたポップ・センスを保った作品も少なくない。『Present Tense』はまさにそのあたりに位置する。アシッド寄りの強いサイケデリアというより、メロディとアレンジの精度で聴かせるタイプで、同時代のポップ・サイケの中でも輪郭がはっきりしている。

まとめ

Sagittarius『Present Tense』は、Gary UsherとCurt Boettcherを中心にした1968年のUSソフトロック／サイケデリック・ロック作品だ。スタジオ・プロジェクト的な作り、緻密なコーラス、当時の西海岸ポップの空気がまとまった一枚として見やすい。代表曲「My World Fell Down」を軸に、アルバム全体で1960年代後半の制作感覚を感じ取れる内容になっている。

トラックリスト

• A1 – Another Time
• A2 – Song To The Magic Frog (Will You Ever Know)
• A3 – You Know I’ve Found A Way
• A4 – The Keeper Of The Games
• A5 – Glass
• A6 – Would You Like To Go
• B1 – My World Fell Down
• B2 – Hotel Indiscreet
• B3 – I’m Not Living Here
• B4 – Musty Dusty
• B5 – The Truth Is Not Real

関連動画

• Sagittarius “Present Tense” Full Album 1967
• Sagittarius-1. Another Time(1968 Sunshine Pop Promo)
• Sagittarius-2. Song To The Magic Frog (Will You Ever Know)(1968 Sunshine Pop Promo)
• Sagittarius-3. You Know I’ve Found A Way(1968 Sunshine Pop Promo)
• Sagittarius-4. The Keeper Of The Games(1968 Sunshine Pop Promo)
• Sagittarius-5. Glass(1968 Sunshine Pop Promo)
• Sagittarius-6. Would You Like To Go(1968 Sunshine Pop Promo)
• Sagittarius-7. My World Fell Down(1968 Sunshine Pop Promo)
• Sagittarius-8. Hotel Indiscreet(1968 Sunshine Pop Promo)
• Sagittarius-9. I’m Not Living Here(1968 Sunshine Pop Promo)

Glass Beams『Mahal』について

Glass Beamsは、メルボルン〈Naarm〉を拠点に活動するプロジェクトで、Rajan Silvaが立ち上げた単独名義のユニットとして知られている。顔の見えにくい活動スタイルと、反復するリフ、細かく組まれたメロディで構成されたサウンドが特徴で、作品そのものに重心を置いた存在感がある。

『Mahal』は2024年に登場した作品で、Glass Beamsの現在地をそのまま示すような一枚。サイケデリック・ロックを軸に、ファンクやフュージョンの要素を絡めながら、リズムのうねりと旋律の循環で引っ張っていく内容になっている。派手な展開で押すというより、短いフレーズを積み重ねて、じわじわと熱を上げていくタイプのアルバム。

作品の印象

聴きどころは、ギターやベースが作る反復のグルーヴと、そこに重なる旋律の運びにある。トラックごとの輪郭ははっきりしている一方で、全体は切れ目少なく流れていく印象で、演奏の密度は高いが、音数で埋め尽くす感じではない。インストゥルメンタル中心の組み立てが、言葉よりも音の動きで作品を成立させている。

ファンク由来の跳ねる感じと、サイケデリック・ロックの反復性が同居していて、フュージョン的な滑らかさも入る。そのため、単に懐古的なサウンドというより、複数の要素を整理して現代的に鳴らしている印象が残る。音のまとまりがよく、細部の処理まで含めて完成度を見せるタイプの作品。

Glass Beamsにとっての位置づけ

Glass Beamsは、もともと匿名性の高い活動と、音そのもので引き込む姿勢が印象的なプロジェクトだが、『Mahal』でもその方針は変わっていない。プロフィール上の情報を前面に出すのではなく、音の循環や質感で存在を示す作りになっている。Rajan Silvaのソロ・プロジェクトとしての輪郭も、この作品でよりはっきりする。

活動初期から注目されてきたグループとして見ると、『Mahal』はその路線を大きく崩さずに、演奏のまとまりや曲の構成をさらに洗練させた作品として受け取れる。初出の2024年作として、Glass Beamsの名前を広げた重要盤のひとつという位置づけになりそうだ。

ジャンルの文脈

サイケデリック・ロック、ファンク、フュージョンという並びは、そのまま70年代的な音の記憶を呼び起こすが、『Mahal』はその参照先をなぞるだけでは終わらない。反復の快感、リズムの締まり、メロディの流れを軸にしていて、現行のインディー・シーンの中でもかなり独自の立ち位置にある。

同時代の作品と比べると、派手なギターソロや歌の押し出しよりも、アンサンブル全体の運動で聴かせる点が際立つ。比較対象としては、サイケデリックな反復やグルーヴを重視するバンド、あるいはファンク寄りの実験性を持つインストゥルメンタル・グループが思い浮かぶが、『Mahal』はそれらをひとつの流れにまとめている印象。

作品の仕様

• 2024年作品
• UKリリース
• 黒盤仕様
• フルカラーの両面印刷インナー・スリーブ封入
• アートワークとクレジットを印刷した仕様
• ランアウトはエッチング仕様
• 日本盤の追加版あり

見た目の情報も含めて、作品世界をパッケージまで通して整えたリリースになっている。音だけでなく、盤としてのまとまりも意識された一枚だ。

トラックリスト

• A1 – Horizon (0:42)
• A2 – Mahal (3:21)
• A3 – Orb (4:54)
• B1 – Snake Oil (4:55)
• B2 – Black Sand (4:38)

関連動画

• Glass Beams – ‘Horizon’ (Official Audio)
• Glass Beams – ‘Mahal’ (Official Audio)
• Glass Beams – ‘Orb’ (Official Audio)
• Glass Beams – ‘Snake Oil’ (Official Audio)
• Glass Beams – ‘Black Sand’ (Official Audio)

The Benjamin Delaney Lion「Satori」について

The Benjamin Delaney Lionは、イギリスのフォーク系デュオによる作品として知られるグループで、「Satori」はその唯一のLPとして扱われているアルバムである。オリジナルは1969年の作品で、ここで取り上げる盤は2021年リリースの再発盤。ブリティッシュ・フォークの流れの中でも、特にサイケデリック・フォークの珍盤として語られることが多い一枚である。

作品の背景

アーティスト情報によると、The Benjamin Delaney LionはWrekin Arts Societyの学生2人を母体に始まったユニットで、学校を出た直後の1970年1月〜2月ごろから、スウォンジーのAdelphi pubにあったBallads & Blues Clubなどのフォーク・クラブで演奏していたという。夏にはWrekin Arts Societyが資金を出し、唯一のLPとなる「Satori」の録音が行われた。

この作品は、のちに希少盤として知られるようになり、近年は高額で取引されることもあるレコードとして扱われている。作品数が限られているだけに、グループの記録としても重要な位置づけにある。

盤としての特徴

2021年盤にはプリント入りインナー・スリーブが付属している。再発盤としては、オリジナルの時代感を伝える資料性のある仕様で、初出時の空気を伝える役割も大きい。オリジナル盤と比べた細かな音質差や内容差については、ここで確認できる範囲では断定しないが、少なくとも2021年盤は作品をあらためて手に取れる形でまとめ直したものとして見ることができる。

ジャンルと時代感

ジャンル表記はFolk, World, & Country、スタイルはFolk。1960年代末から1970年前後の英国フォークは、アコースティックな編成を軸にしつつ、サイケデリックな感触や実験性を含む作品も少なくない。その文脈の中で「Satori」も語られてきた盤で、同時代のブリティッシュ・フォークの周辺にある作品群と並べて見られることが多い。

聴きどころとして見える点

実際に聴いた感想として語られることが多いのは、派手なヒット曲で押すタイプではなく、デュオ編成ならではの距離感と、アコースティック中心の流れにあること。作品全体がアルバム単位で受け止められる性格を持っており、曲ごとの存在感よりも、通して聴いたときのまとまりが印象に残るタイプのレコードとして扱われている。

代表曲や大きなヒット曲が広く知られている作品ではないが、そのぶん「Satori」は、The Benjamin Delaney Lionという名前そのものと結びついたアルバムとして記憶されている。

まとめ

「Satori」は、1969年の英国フォークの空気をまとった、The Benjamin Delaney Lion唯一のLPとして位置づけられる作品である。学校を出たばかりの若い演奏家たちが、フォーク・クラブを足場に録音へ進み、のちに稀少なサイケデリック・フォーク盤として知られるようになった、という流れがこの作品の背景になっている。2021年盤は、そのアルバムを現代に再び手に取れる形で残した再発盤である。

トラックリスト

• A1 – I Alone
• A2 – Samantha Carol Fragments
• A3 – Midnight People
• A4 – Oldman
• A5 – There Is Nothing Lost
• A6 – Dandelion Blues
• B1 – In The Knowledge Of My Soul
• B2 – Painting Box
• B3 – Hampstead Incident
• B4 – Log Cabin In The Sky
• B5 – Ducks On A Pond

関連動画

• Benjamin Delaney Lion – Satori (1969) (2021 Seelie Court CD Reissue)
• Benjamin Delaney Lion – I Alone
• Benjamin Delaney Lion – Samantha Carol Fragments
• Benjamin Delaney Lion – Midnight People
• Benjamin Delaney Lion – Oldman
• Benjamin Delaney Lion – There Is Nothing Lost
• Benjamin Delaney Lion – Dandelion Blues
• Benjamin Delaney Lion – In The Knowledge Of My Soul
• Benjamin Delaney Lion – Painting Box
• Benjamin Delaney Lion – Hampstead Incident

Hako Yamasaki『人間まがい』（1979年）

山崎ハコの『人間まがい』は、1979年に日本でリリースされた作品。フォーク・シンガーとして知られる山崎ハコが、70年代の活動の中で発表した一枚で、アコースティックな弾き語りの印象だけでなく、ロック、ファンク、ソウル、ブルースの要素も交差する内容になっている。1970年代後半の日本のシンガー・ソングライター作品らしい、言葉の強さと演奏の緊張感が前に出るタイプのアルバムといえる。

山崎ハコという存在

山崎ハコは1957年、大分県日田市生まれの日本のフォーク・シンガー・ソングライター、ギタリスト、女優。1970年代のフォーク・ブームの流れの中で頭角を現し、その後も長く制作を続けた。1975年から2024年までに35枚のアルバムを発表しており、継続的な創作活動で知られる人物だ。

70年代の日本では、フォークの語り口を土台にしながら、より個人的で内省的な歌詞を書くシンガーが増えていった。その中で山崎ハコは、感情を大きく飾らずに、言葉の切れ味と声の生々しさで勝負するタイプとして位置づけられている。『人間まがい』も、そうした持ち味が前面に出る時期の作品として捉えやすい。

作品の輪郭

『人間まがい』は1979年の作品で、山崎ハコの70年代作品群の中でも、フォークを軸にしつつ音の幅を広げている点が目につく。アコースティックな響きが中心にありながら、演奏の組み立てにはブルースやソウル寄りの感触も見える。単に弾き語りの延長というより、バンド・サウンドの中で歌をどう立たせるか、という視点が感じられる内容だ。

タイトルの『人間まがい』という言葉自体も印象的で、山崎ハコの作品に通底する、自己像や人間関係への視線の厳しさを想起させる。実際、彼女の70年代作品は、日常の感情をそのまま並べるのではなく、少し距離を置いて見つめるような書き方が特徴として語られることが多い。

同時代の文脈

1979年の日本音楽シーンでは、フォークの流れが完全に一枚岩ではなくなり、シンガー・ソングライターがロックやソウルの手触りを取り込む動きが広がっていた。山崎ハコの作品も、その流れの中で理解しやすい。アコースティックを基調にしながら、単純なフォークの枠には収まりきらない構成がある。

同時代の比較対象としては、歌詞の強度という点で中島みゆき、演奏の質感という点で当時のフォーク／ロック周辺のシンガーたちが思い浮かぶ。ただし山崎ハコは、より素朴な発声と、感情を直接的に押し出す歌い方で独自性を持っている。

聴きどころとして見えやすい点

• 声の近さと、言葉の置き方
• アコースティック主体の中にある、バンド的な厚み
• フォークを土台にしつつ、ソウルやブルースの感触がのぞく編成
• 1970年代後半らしい、個の感情を前に出す作り

実際に聴くと、派手な演出で引っ張る作品というより、歌そのものの圧で持っていくタイプのアルバムとして受け取られやすい。山崎ハコの声は、柔らかく整えた響きというより、言葉の温度や切迫感がそのまま伝わる質感で、そこが作品全体の芯になっている。

山崎ハコのキャリアの中で

山崎ハコは80年代以降、フォーク・ブームの熱が落ち着いた時期に活動環境が厳しくなり、1985年にはPolydorへ移籍している。そうした長いキャリアを見渡すと、『人間まがい』は、70年代の創作意欲が濃く出ていた時期の記録として見えてくる。のちの作品群に比べても、歌い手としての輪郭がかなりはっきりしている時期の一枚だと言えそうだ。

まとめ

『人間まがい』は、山崎ハコの持ち味である率直な歌詞、近い距離で鳴る声、そしてフォークを起点にしながらも広い音楽性を持つ作りが確認できる1979年の作品。70年代日本のシンガー・ソングライター作品の流れを知るうえでも、山崎ハコというアーティストの輪郭をつかむうえでも、重要な位置にあるアルバムとして見えてくる。

トラックリスト

• A1 – 誰が呼ぶ (4:28)
• A2 – きょうだい心中 (5:51)
• A3 – ムラサキの花 (4:38)
• A4 – からす (5:35)
• B1 – 呪い (4:20)
• B2 – 人間まがい (3:45)
• B3 – 暗闇 (6:24)
• B4 – 三つの花 (3:17)
• B5 – 心だけ愛して (4:40)

関連動画

• Hako Yamasaki – Human Nature/山崎ハコ – 人間まがい (1979) (vinyl version)
• 山崎ハコ　「三つの花」
• 山崎ハコ　「からす」
• 山崎ハコ　呪い

Pink Floyd『A Saucerful Of Secrets』について

Pink Floydの『A Saucerful Of Secrets』は、1968年に英国で発表された2作目のスタジオ・アルバムです。Syd Barrett在籍期の終盤と、David Gilmour加入後の新体制への移行が重なった作品で、初期Pink Floydのサイケデリックな感触と、後の展開につながる構成感が同居している一枚です。

この2016年盤は日本流通仕様で、2016年の米国再発盤をベースに、日本製の帯、解説、インサート類を加えたものです。作品そのものは1968年の録音・発表作で、盤の発売年とは分けて見る必要があります。

作品の位置づけ

Pink Floydにとって本作は、バンドの初期像を示すと同時に、次の段階へ進むための橋渡しにあたる作品だといえる。Syd Barrettはすでにバンドを離れる流れにあり、David Gilmourが実質的にその後を引き継いでいる。バンド名義としてはまだサイケデリック・ロックの色が強いが、音の作りは一部でかなり実験的で、後年のプログレッシブ・ロックへつながる要素も見える。

同時代の英国ロックでいうと、The Beatlesの後期実験作や、The Moody Blues、Procol Harum、Jethro Tull、Cream周辺の拡張志向とも並べて語られることがある。ただしPink Floydの場合は、曲のまとまりよりも音響そのものや余白の使い方に特徴があり、そこが他のバンドと少し違うところだ。

収録曲と聴きどころ

全7曲構成で、短い曲と長尺曲が混在するアルバム。メンバーの役割分担もはっきりしていて、Roger Watersのベース、Nick Masonのドラム、Richard Wrightの鍵盤、Syd BarrettとDavid Gilmourのギターがそれぞれ曲ごとに異なる表情を作る。

• 「Let There Be More Light」
  
  6分台のオープニングで、リフと鍵盤が前に出る構成。ゆるやかながら緊張感のある立ち上がり。
• 「Remember a Day」
  
  Richard Wrightが印象に残る楽曲。メロディ中心で、アルバムの中では比較的親しみやすい部類。
• 「Set the Controls for the Heart of the Sun」
  
  もともとライブでよく演奏された曲で、のちのPink Floydを代表する初期曲のひとつ。打楽器の使い方と低いテンションが際立つ。
• 「Corporal Clegg」
  
  Syd Barrettのヴォーカルが入る楽曲で、マーチ風の要素やユーモアが混ざる。初期らしいひねりのある曲。
• 「A Saucerful of Secrets」
  
  タイトル曲にして、アルバムの中心。インストゥルメンタル寄りの長尺曲で、パートごとに場面が切り替わる。後年のライブでも重要な位置を占めた。
• 「See-Saw」
  
  Wrightの作風がよく出た曲で、素朴な旋律とアレンジの対比がある。
• 「Jugband Blues」
  
  Syd Barrettの最終期を象徴する曲のひとつ。終盤の展開に独特の切れ方があり、バンドの転換点を感じさせる。

代表曲として触れたい曲

このアルバムでまず挙がるのは「Set the Controls for the Heart of the Sun」とタイトル曲「A Saucerful of Secrets」あたりだろう。「Set the Controls for the Heart of the Sun」は初期Pink Floydの定番曲として知られ、静かな反復と打楽器の配置が印象に残る。「A Saucerful of Secrets」は曲というより組曲に近く、1968年時点での実験精神をそのままパッケージしたような内容だ。

また、Syd Barrett最後期の記録としては「Jugband Blues」も重要だ。Barrett時代の空気が残る一方で、次のPink Floydへ視線が移っていく節目の曲として扱われることが多い。

この2016年日本盤について

この盤は2016年の米国再発盤をもとにした日本仕様で、レプリカ帯、日本語解説、シリーズ・インサート、バック・インサートが付属する構成。オリジナル1968年盤とは発売時期も体裁も異なるが、内容面では1968年作『A Saucerful Of Secrets』をそのまま再現した再発盤という位置づけになる。

Pink Floydの初期作品は、後年の巨大な成功作と比べると地味に見えることもあるが、このアルバムにはバンドがどこから来て、どこへ向かったのかがはっきり残っている。サイケデリック・ロックの時期から、より構築的な表現へ移る、その途中の記録として見える一枚だ。

トラックリスト

• A1 – Let There Be More Light
• A2 – Remember A Day
• A3 – Set The Controls For The Heart Of The Sun
• A4 – Corporal Clegg
• B1 – A Saucerful Of Secrets
• B2 – See Saw
• B3 – Jugband Blues

関連動画

• Let There Be More Light
• Remember a Day
• Set the Controls for the Heart of the Sun
• Corporal Clegg
• A Saucerful of Secrets
• See-Saw
• Jugband Blues

Osamu Kitajima『Osamu』(1977)

喜多嶋修の名義で知られる日本の音楽家、作曲家、マルチインストゥルメンタリストによる1977年作。日本盤としてToshiba EMIから出た1枚で、電子音楽、ジャズ、ロック、フォーク、ワールド・ミュージックの要素が同じ作品の中に並ぶ。ニューエイジ、フュージョン、ジャズ・ロック、スムース・ジャズ、プログレッシブ・ロックといった周辺の文脈でも語られやすい作品だ。

アーティストとしての位置づけ

喜多嶋修は1949年、神奈川県茅ヶ崎市生まれ。1970年代の日本で、和楽器や東洋的な感覚を西洋のバンド・サウンドやスタジオ録音の手法と組み合わせていったミュージシャンとして知られる。この『Osamu』は、その活動の中でも初期の代表的なタイトルとして見られることが多い。日本発のロックやフュージョンが細分化していく時期に、ジャンルの境界をまたぐ作りが目立つ1枚という印象だ。

作品の輪郭

このアルバムでは、エレクトリックな音色、ジャズ寄りの演奏感、ロックの推進力、フォーク由来の旋律感が一続きに置かれている。曲ごとに色は変わるが、全体としては演奏主体の構成が中心で、歌もののヒットを前面に出すタイプではない。日本盤の70年代レコードらしく、音の輪郭や楽器の配置を楽しむタイプの作品として聴かれることが多い。

同時代の文脈で見ると、海外のジャズ・ロックやフュージョン、プログレッシブ・ロックの流れと、日本の民俗的な響きを近づけた試みとして捉えやすい。比較対象としては、当時の実験性を持つジャズ・ロック系、あるいは民族音楽の要素を取り込んだインストゥルメンタル作品が思い浮かぶ。とはいえ、単純にどれか一つへ寄せ切るのではなく、複数の要素を横断しているところにこの作品の特徴がある。

聴きどころの印象

実際に聴くと、派手な展開で押すというより、フレーズの重なりやリズムの持続で流れを作る場面が印象に残る。電子的な処理と生楽器の手触りが同居していて、70年代後半の録音ならではの質感もある。耳を引くのは、メロディの運びと音色の切り替えで、楽曲単位よりもアルバム全体の連なりで聴くと輪郭が見えやすい。

代表曲・話題曲について

このタイトルから広く知られたシングル曲や大きなヒット曲が前面にあるタイプではない。アルバム全体の流れの中で、各曲の組み合わせによって魅力が立つ作品として扱われることが多い。

日本盤について

リリース情報としては1977年の日本盤、Toshiba EMIによるプレス。オリジナル年と盤の年が同じなので、後年の再発盤との差異を比べるタイプの作品ではない。70年代日本のオリジナル盤として、その時代の制作環境や音作りを感じやすい1枚だ。

まとめ

『Osamu』は、喜多嶋修が日本の70年代に残した、ジャンル横断型のインストゥルメンタル作品。ジャズ、ロック、電子音、フォーク、ワールド・ミュージックの要素が一つの流れにまとまっていて、当時の日本でどんな音の混ざり方が起きていたかを示す記録でもある。作品単体の個性と、時代背景の両方が見えるアルバムだ。

トラックリスト

• A1 – Sui-In (1:03)
• A2 – Frost Flowers (5:24)
• A3 – Hear The Rain, See It Fall (6:03)
• A4 – Endless Steps (3:52)
• A5 – Yesterday And Karma (4:59)
• B1 – Purple Hills And Crystal Streams (6:11)
• B2 – Elemental Spirits (5:22)
• B3 – Fur, Fin And Feather (7:11)
• B4 – Sui-Yo (1:30)

関連動画

• Osamu Kitajima – Osamu (full album)

Pink Floyd『Atom Heart Mother = 原子心母』について

Pink Floydの『Atom Heart Mother』は、1970年にイギリスで発表された5作目のスタジオ・アルバムで、日本盤は1974年にリリースされた1枚。初期のサイケデリック路線から、より長尺で構成を重視する展開へ移っていく時期の作品で、のちのプログレッシブ・ロック的なイメージをはっきり感じさせる内容になっている。

バンドはロンドンで結成された英ロック・バンド。サイケデリックな実験性、哲学的な歌詞、音響効果の使い方、そして大掛かりなライブ演出で知られ、ロック史の中でも大きな存在感を持つ。このアルバムも、そうしたPink Floydの特徴がかなり明確に出ている時期の記録という印象が強い。

作品の位置づけ

『Atom Heart Mother』は、Syd Barrett時代の色合いを残しつつ、David Gilmour加入後の編成でまとまった作品。ギタリストとしてGilmour、ベーシスト兼ヴォーカルのRoger Waters、キーボードのRichard Wright、ドラムのNick Masonという体制で、バンドの基本形が固まりつつある段階のアルバムでもある。

収録曲の中心は、A面いっぱいを使った組曲「Atom Heart Mother」。タイトル曲であり、アルバムを象徴する長編曲だ。ブラスや合唱を含む大きな編成で進む曲で、ロックバンドの演奏を軸にしながら、室内楽や合唱曲に近い手触りもある。Pink Floydのアルバムの中でも、かなり“組曲”の性格が前に出た一曲と言えそうだ。

内容と聴きどころ

このアルバムは、派手なシングルヒットで押すタイプではなく、アルバム全体の流れで聴かせる構成。とはいえ、曲単位で耳に残る場面は多い。

• 「Atom Heart Mother」: 大曲としての存在感が強い組曲
• 「If」: アコースティック寄りの静かな曲調
• 「Summer ’68」: 旋律がはっきりした歌もの
• 「Fat Old Sun」: ギターの展開が印象に残る楽曲
• 「Alan’s Psychedelic Breakfast」: 日常音を取り込んだ組曲形式の曲

特に「Alan’s Psychedelic Breakfast」は、食事の物音を曲の一部として扱う作りで、Pink Floydらしい音響への関心がよく出ている。ロックの曲というより、音のコラージュとバンド演奏が同じ場所に置かれている感じがある。

また「Fat Old Sun」は、後年のライヴでも取り上げられることがある曲で、アルバム内では比較的ストレートに聴こえる。長編中心の作品の中で、楽曲としての輪郭が見えやすい位置にある。

同時代の文脈

1970年という時期は、英国ロックがサイケデリックの延長からプログレッシブ・ロックへと向かっていく流れの中にある。Pink Floydもその中心にいて、曲の長さ、構成、音のレイヤーを重ねる作り方が、この頃から一段はっきりしてくる。

同時代のロックで比べるなら、King CrimsonやYesのようなバンドが見せていた構築性とも並べて語られることがある。ただ、Pink Floydは技巧の見せ場より、音の空間や流れを重視する印象が強い。このアルバムでも、その方向性がかなり見て取れる。

日本盤について

この日本盤は、EMI系の音源として東芝EMIから制作されたもの。ライナーには日本語解説に加えて、1970年当時の英国音楽メディアのレビュー再録や、BathとHyde Parkでの公演に関する資料も収められている。6ページの白黒インサート付きで、歌詞は英語と日本語の両方が載っている。

ジャケットは有名な牛の写真で、作品の印象と強く結びついている。アルバムの音だけでなく、視覚面も含めて記憶に残りやすい仕様だ。

まとめ

『Atom Heart Mother』は、Pink Floydがサイケデリックな実験性を保ちながら、より大きな構成へ踏み込んでいく時期のアルバム。長編組曲、静かな歌もの、日常音を取り込んだ曲まで、曲ごとの性格がはっきりしていて、バンドの変化がそのまま作品に表れている。

1970年オリジナルの作品として見ると、のちのPink Floydを形づくる要素がかなり詰まっている1枚。日本盤の資料面も含めて、当時の空気を追いやすい内容になっている。

トラックリスト

• Atom Heart Mother
• B1 – If
• B2 – Summer ’68
• B3 – Fat Old Sun
• Alan’s Psychedelic Breakfast

Pink Floyd『A Nice Pair = ナイス・ペア』について

『A Nice Pair』は、Pink Floydが1960年代に発表した初期2作『The Piper at the Gates of Dawn』と『A Saucerful of Secrets』をまとめた2枚組コンピレーション盤である。1974年にオリジナル作品として登場し、バンドのサイケデリック期からプログレッシブ・ロックへの移行を、1セットでたどれる編集盤になっている。

Pink Floydはロンドン出身のバンドで、のちに世界的な成功を収めるが、この時期はまだSyd Barrett在籍期の色が強い。実験性の高い音作り、曲ごとの展開の変化、音響効果の使い方が前面に出た時代で、後年の大作志向とはまた違う、初期ならではのまとまりがある。

収録内容と位置づけ

この作品は、1967年作『The Piper at the Gates of Dawn』と1968年作『A Saucerful of Secrets』の編集盤。収録曲は単なる抜粋ではなく、初期Pink Floydの流れを追いやすい並びになっている。Syd Barrettの独特な筆致が残る曲と、Roger Waters、David Gilmour、Richard Wright、Nick Mason体制へ移る過程が、同じ2枚組の中で見えてくる構成である。

代表曲としては「Astronomy Domine」「See Emily Play」「Interstellar Overdrive」「Set the Controls for the Heart of the Sun」などが挙げられる。特に「Astronomy Domine」は初期Pink Floydを象徴する曲として知られており、宇宙的なモチーフと歪んだギター、浮遊感のあるオルガンが印象に残る。

内容面のポイント

初期Pink Floydの魅力は、曲の完成度だけでなく、音そのものの配置にある。ギターやオルガンがメロディを追うというより、音響の層を作っていく感覚が強い。Syd Barrettの時期は、ポップな感触と実験的な展開が同居していて、同時代の英国ロックの中でもかなり個性がはっきりしている。

一方で『A Saucerful of Secrets』では、バンド全体の方向性が少しずつ変わっていく様子も聴き取れる。サイケデリック・ロックの手触りを残しつつ、のちのプログレッシブ・ロックにつながる長尺の構成や、テーマの組み立て方が見えてくる。

日本盤について

この日本盤はToshiba EMIからのライセンス盤で、ゲートフォールド仕様のジャケット、帯、印刷された内袋、20ページのブックレット付き。日本語ノーツには立川直樹のクレジットがある。ジャケットや付属物を含めて、当時の輸入盤とは違う見せ方になっているのが特徴である。

また、UK盤では特価2.50ポンドで販売された2枚組という位置づけがあり、発売当時から編集盤としての性格がはっきりしている。収録内容は初期2作のまとめであるため、オリジナルアルバムをそのまま再現する盤ではない。

同時代の文脈

1960年代後半の英国ロックでは、The BeatlesやThe Rolling Stonesのような主要グループがスタジオ作品の可能性を広げていた時期で、Pink Floydはその中でもサイケデリック寄りの実験性を強く押し出していた。特にロンドンのアンダーグラウンド文化と結びついた音作りは、同時代の他のロックバンドと比べてもかなり個性的である。

その後のPink Floydが大作志向、コンセプト志向を強めていくことを思うと、『A Nice Pair』はその出発点を確認するための編集盤として位置づけやすい。初期の奇妙さ、遊び心、音響実験がまとまって入っている点に、このタイトルの役割がある。

まとめ

『A Nice Pair』は、Pink Floydの初期2作を一気にたどれる2枚組コンピレーションで、Syd Barrett期のサイケデリックな感触と、次の段階へ進むバンドの輪郭が見える作品である。代表曲の「Astronomy Domine」や「See Emily Play」を含み、初期Pink Floydの入口としても、バンド史を整理する盤としても重要な一枚になっている。

トラックリスト

• The Piper At The Gates Of Dawn = 夜明けの口笛吹き
• A1 – Astronomy Domine = 天の支配 (4:07)
• A2 – Lucifer Sam = ルーシファー・サム (3:04)
• A3 – Matilda Mother = マチルダ・マザー (3:05)
• A4 – Flaming = フレイミング (2:42)
• A5 – Pow R. Toc H. = パウ・R・トック・H (4:22)
• A6 – Take Up Thy Stethoscope And Walk = 恋の聴診器 (3:03)
• B1 – Interstellar Overdrive = 星空のドライヴ (9:40)
• B2 – The Gnome = 地の精 (2:12)
• B3 – Chapter 24 = 第24章 (3:40)
• B4 – Scarecrow = 黒と緑のかかし (2:09)
• B5 – Bike = バイク (3:22)
• A Saucerful Of Secrets = 神秘
• C1 – Let There Be More Light = 光を求めて (5:31)
• C2 – Remember A Day = 追想 (4:25)
• C3 – Set The Controls For The Heart Of The Sun = 太陽讃歌 (5:20)
• C4 – Corporal Clegg = コーポラル・クレッグ (4:06)
• D1 – A Saucerful Of Secrets = 神秘 (11:47)
• D2 – See Saw = シーソー (4:30)
• D3 – Jugband Blues = ジャグバンド・ブルース (2:57)

関連動画

• Pink Floyd – Nice Pair – Full Vinyl Record

Abacus『Just A Day’s Journey Away!』について

Abacusは、ドイツ・ハムで1960年代後半に結成されたロック・バンドで、もともとはFashionという名前で活動していたグループだ。のちに英語圏出身のヴォーカル、Chris Williamsを加えてAbacusとなり、1971年に現在の名義へ移行している。今回の『Just A Day’s Journey Away!』は、オリジナルでは1972年の作品として扱われる1枚で、2012年にドイツで再発された盤になる。

Abacusの初期作品は、クラシック音楽寄りの要素を持つプログレッシブ・ロックとして知られていて、ブリティッシュ・プログレとクラウトロックの要素をあわせ持つ作風に位置づけられている。このアルバムも、その時期の流れを受ける作品として見てよさそうだ。バンドの中でも初期の重要な時期にあたる1枚で、後年のややユーモラスでクセのある方向へ進む前の、比較的まっすぐな時代の記録という位置づけになる。

作品の内容と盤の情報

この2012年盤は、デジタル・リマスター仕様で、EU製。シングル・ジャケットにポリライニングのインナー・スリーブという構成になっている。ランアウトは基本的にエッチングで、記載の一部のみスタンプという仕様だ。

収録面では、B面の4曲目と5曲目がボーナス・トラックで、1981年夏に録音された未発表音源から追加されている。つまり、オリジナルの1972年作品そのものに、後年の未発表素材が加わった再発盤という形だ。

Abacusの中での位置づけ

Abacusはその後、よりポップ寄りで、少し遊びのある作風へ変化していくが、この時期はまだ初期のプログレ色が強い段階にある。バンド史の中では、最初期の個性がまとまって表れた時期として見ることができる。Klaus Kohlhaseをはじめとするメンバーの変遷も多いバンドだが、この作品はそうした変化が本格化する前の記録として重要だ。

同時代の文脈

1970年代前半のドイツのロックでは、クラウトロックとプログレッシブ・ロックの境界が近い作品が多く、このアルバムもその流れの中にある。イギリスのプログレの構成感と、ドイツ的な硬質さが同居するタイプの作品として語られることがある。比較対象としては、同時代のドイツ勢の中でも、よりシンフォニックな側面を持つバンドや、実験性を前面に出すバンドと並べて見られることが多い。

補足

作品内の代表曲やヒット曲については、少なくともこの再発盤の情報からは特定しにくい。アルバム単位で聴かれることが前提の作りという印象で、曲ごとのシングル性よりも、当時のバンドのサウンドや構成の流れを追う楽しみがある1枚だ。

Abacusというバンド名のもとで残された初期の録音として、1972年当時の空気と、2012年再発盤ならではの追加音源が同居した作品になっている。

トラックリスト

• A1 – Seasong (7:09)
• A2 – München 23 (5:04)
• A3 – Hamm Spring ’71 (3:58)
• A4 – Ballad Of Lucky Luke (3:00)
• B1 – Continued On Page 2. Col./6 (5:13)
• B2 – White House May Come White House May Go (4:12)
• B3 – What Else (9:06)
• B4 – Rocky Mountain Cowboy (4:24)
• B5 – Backstage (2:40)

関連動画

• Abacus – What Else (1972)
• Abacus – Seasong
• Ballad of Lucky Luke
• Hamm Spring `71
• München 23
• Seasong
• Continued on Page 2
• White House May Come

Nektar『Down To Earth』について

Nektarの『Down To Earth』は、1974年に発表された5作目のスタジオ・アルバム。英国出身のメンバーが西ドイツで活動していたバンドの作品で、プログレッシブ・ロックとサイケデリック・ロックの要素を軸に、当時のNektarらしい構成重視の音作りがまとまっている。

このバンドは、音楽だけでなくライヴの演出でも知られたグループ。液体照明を使ったショウと、Helmut Wenskeによるアートワークの結びつきも含めて、70年代プログレの中でも視覚面の印象が強い存在だった。『Down To Earth』も、その流れの中にある作品として位置づけられる。

作品の位置づけ

『Down To Earth』は、Nektarのディスコグラフィの中では中期にあたるアルバム。初期のサイケデリックな感触と、より組曲的な展開をもつプログレ的な作りが同居している時期の1枚として見られる。

録音は1974年3月22日から4月1日にかけてイングランドのChipping Norton Studiosで行われ、その後ドイツのDierks Studiosでリミックスされた。さらに「Astral Man」と「Early Morning Clown」は別日程で再ミックスされている。制作の過程が複数のスタジオをまたいでいる点も、この時期のNektarらしい国際的な制作環境を示している。

アメリカ盤について

ここで扱うのは、1975年に出たUS盤。Passportレーベルの初回US盤は、ラベル外周に印字がない仕様とされている。後年の再発では、外周に「Passport Records Inc. Marketed by ABC Records Inc. L.A. Calif…」や「Passport Records / Distributed By Famous Music Corp., New York 10023 / A G + W Company」といった表記が入るため、見分けの手がかりになっている。

また、プレスはColumbia Records Pressing Plant, Terre Hauteによるものとされている。マトリクスにはSTERLINGの刻印があり、ニューヨークのSterling Soundでマスタリングされた盤であることが確認できる。

内容と聴きどころ

アルバムには、Nektarの持ち味である長めの展開、音数の多いバンド・アンサンブル、そして曲ごとの雰囲気の切り替えが見られる。録音・ミックスの記録からも分かる通り、単純なライヴ録音系ではなく、スタジオでの作り込みが前提になっている作品。

「Astral Man」は再ミックスが行われた曲で、アルバム内でも存在感のある1曲として扱われることが多い。「Early Morning Clown」も再ミックス対象で、曲順の中で印象を残す要素になっている。

同時代の文脈

1974年のNektarは、英国プログレの流れの中にいながら、活動の拠点がドイツであった点が特徴的。King CrimsonやYesのような英国勢と同時代の文脈に置かれつつも、よりサイケデリックで、ライヴ演出込みの総合表現として語られることが多い。

『Down To Earth』は、そのバンド像がよく出た時期の記録として見ることができる。音だけでなく、制作地、再ミックスの経緯、ジャケット写真の撮影場所まで含めて、複数の国をまたぐ作品になっている。

まとめ

『Down To Earth』は、Nektarの中期を代表する1974年作。US盤は1975年リリースで、Passport初回盤のラベル仕様やTerre Hauteプレス、Sterlingマスタリングなど、盤としての情報もはっきりしている。バンドのスタジオ作業と当時の国際的な活動環境がそのまま反映された1枚と言えそうだ。

トラックリスト

• A1 – Astral Man (3:07)
• A2 – Nelly The Elephant (5:02)
• A3 – Early Morning Clown (3:21)
• A4 – That’s Life (6:49)
• B1 – Fidgety Queen (4:04)
• B2 – Oh Willy (4:00)
• B3 – Little Boy (3:03)
• B4 – Show Me The Way (5:55)
• B5 – Finale (1:36)

関連動画

• Astral Man | Nektar | 1974 | Down To Earth | 1975 Passport LP
• Show Me The Way | 1974 | Nektar | Down To Earth | 1975 Passport LP
• Fidgety Queen
• Astral Man
• Nelly the Elephant
• Early Morning Clown
• That’s Life
• Oh Willy
• Little Boy
• Show Me the Way

Blue Ruin「Lighthouse Girl」について

Blue Ruinは、オーストラリア・メルボルンで1980年代初頭に結成されたロックバンドである。メンバーにはPhill Calvert、Mulaim Vela、Adam Learner、Ian McLean、Simon Cappが名を連ねる。1989年にUKのImaginary Recordsから出た「Lighthouse Girl」は、そのバンドの活動を伝える一枚として位置づけられる作品で、盤の表記では「Made in Holland」となっている。

作品の位置づけ

1980年代末のUKインディー・ロック周辺では、ギター主体のバンドが多くの作品を残していた時期である。Blue Ruinもその流れの中に置いて見ることができる。オーストラリア出身のバンドがUKレーベルから作品を出している点も、この時代らしい動きのひとつである。

「Lighthouse Girl」は、ロック、インディー・ロックという枠組みの中で捉えられるタイトルであり、当時のシーンに接続する作品として扱われる。

リリース情報

• アーティスト: Blue Ruin
• タイトル: Lighthouse Girl
• オリジナル・リリース年: 1989年
• 盤のリリース年: 1989年
• リリース国: UK
• レーベル表記: Imaginary Records
• 盤表記: Made in Holland
• ジャンル: Rock
• スタイル: Indie Rock

聴きどころとして見える点

実際の音像については、盤のクレジットだけでは細部までは追えないが、1989年のインディー・ロック作品としては、楽曲の骨格、ギターの輪郭、バンドの演奏感が前面に出るタイプの作品として読むことができる。Blue Ruinの編成を見ると、複数メンバーの合奏感を軸にしたバンド・サウンドが想像しやすい。

同時代のUKインディーを思い浮かべると、派手なヒット曲で押すよりも、バンドのまとまりや曲の流れで聴かせる作りが多かった時期である。この作品も、そうした文脈の中で受け止められてきた可能性が高い。

まとめ

「Lighthouse Girl」は、メルボルン出身のBlue Ruinが1989年にUKで発表したロック作品である。1980年代末のインディー・ロックの空気を背負った一枚として、バンドの活動を示す記録的な意味合いも持つ作品といえる。

トラックリスト

• A – Lighthouse Girl
• B1 – Diesel Smile
• B2 – Strange Things

関連動画

• Blue Ruin-Lighthouse Girl