DISQ - Vinyl records review

Don Henley – Building The Perfect Beast (1984)

Don Henley『Building The Perfect Beast』について

Don Henleyの『Building The Perfect Beast』は、1984年に発表されたソロ2作目のアルバムだ。Eaglesのドラマー兼シンガーとして知られるHenleyが、バンドの枠を離れて自分の名前で作った作品のひとつであり、80年代のポップ・ロックらしい輪郭のはっきりしたサウンドを持つ一枚になっている。

この日本盤は1984年リリースで、帯付き、4ページの日本語解説と英語・日本語歌詞対訳を収めたインサート、さらにポリ製インナー・スリーブ付きの仕様。国内盤らしく、作品を日本語で追いやすい作りになっている。

作品の位置づけ

HenleyはEaglesでの活動を通じて、歌うドラマーという立場だけでなく、作曲家としての存在感も強く示してきた人物だ。本作ではその延長線上で、より個人的な視点の歌と、緻密なスタジオ・ワークが前面に出ている。ソロ作としては、バンドでの役割分担から少し離れ、曲そのものの輪郭がより明確に感じられる内容だ。

録音はRecord One、Bill Schnee Studio、The Villaなどで行われ、ホーンはOcean Way Recording Studiosで録音されている。クレジットを見るだけでも、当時のロサンゼルス録音作らしい手堅い制作体制がうかがえる。

収録曲とヒット曲

このアルバムからは複数のシングルが切られている。中でもよく知られているのが「The Boys of Summer」だ。ギターのリフが印象的で、80年代のロック・ラジオを代表する1曲として語られることが多い。ほかにも「All She Wants to Do Is Dance」や「Sunset Grill」など、アルバム全体の印象を支える曲が並ぶ。

シングル群だけを見ると派手さが先に立つが、アルバムとしてはその周辺の曲も含めて、都市の夜景や人間関係の距離感を描くような流れがある。タイトルのつけ方も含めて、曲単位とアルバム単位の両方で耳に残る構成だ。

音の特徴

演奏はタイトで、各パートの配置がかなり明瞭だ。ドラム、ベース、シンセ、ギターの役割が分かれていて、音数は多くても混ざり合いすぎない。80年代のポップ・ロックにある、整った質感が前に出ている。

実際に聴くと、Henleyの声は力で押すというより、語りかけるように曲を進める場面が目立つ。サビで一気に広がる曲もあるが、全体としては抑えたテンションの中で言葉を置いていくタイプの歌い方だ。Eagles時代のハーモニー感覚を引き継ぎつつ、ソロならではの一人称の視点が出やすい作品といえる。

同時代との関係

1984年のアメリカン・ロックは、シンセやクリアなミックスを取り入れた作品が増えていた時期だ。本作もその流れの中にあり、同時代のLA周辺の作品群と並べて語られることが多い。Eagles由来のウエストコースト感を保ちながら、80年代的な録音の輪郭を持つ点が、このアルバムの特徴になっている。

同じ時代のソロ男性シンガー／ソングライター作品と比べても、Henleyは歌詞の視点に具体性があり、バラードだけでなく、リズムの立った曲でも語り口が崩れない。そこがアルバム全体の芯になっている。

日本盤の仕様

帯付き
4ページのインサート付き
日本語ライナー・ノーツ収録
英語・日本語歌詞掲載
ポリ製インナー・スリーブ付き
レーベル表記は28AP 2976、ラベル面は28AP 2976 (GF)

盤面のランアウトはスタンプ刻印。こうした国内盤の作り込みは、当時の洋楽LPらしい要素のひとつだ。

まとめ

『Building The Perfect Beast』は、Don HenleyがEaglesの外で自分の作家性を明確に示した1984年の重要作だ。代表曲「The Boys of Summer」を含みつつ、アルバム全体でも80年代ポップ・ロックの整理された音像と、Henleyの歌詞の視点がしっかり結びついている。派手な演出よりも、曲の構造と語り口で聴かせる一枚として印象に残る作品だ。

トラックリスト

A1 – The Boys Of Summer (4:45)
A2 – You Can’t Make Love (3:34)
A3 – Man With A Mission (2:43)
A4 – You’re Not Drinking Enough (4:40)
A5 – Not Enough Love In The World (3:54)
B1 – Building The Perfect Beast (4:59)
B2 – All She Wants To Do Is Dance (4:28)
B3 – Sunset Grill (6:23)
B4 – Drivin’ With Your Eyes Closed (3:41)
B5 – Land Of The Living (3:24)

Arthur Brown – Faster Than The Speed Of Light (1979)

Arthur Brown『Faster Than The Speed Of Light』について

Arthur Brownは、イギリス・ウィットビー出身のシンガーで、“The God Of Hellfire”の異名でも知られる人物です。1960年代末のサイケデリック・ロック文脈で強い印象を残し、その後も演劇性のある歌唱と過激なイメージを軸に活動を続けてきました。『Faster Than The Speed Of Light』は1979年にドイツで登場した作品で、電子的な質感とロックの骨格を併せ持つ一枚です。

作品の位置づけ

Arthur Brownの代表作としてまず挙がるのは、やはり1968年の「Fire」でしょう。いわゆるヒット曲として広く知られ、彼の名を決定づけた曲です。その後のキャリアでは、単発の大ヒットというより、時代ごとの音響や編成を取り込みながら、独自の表現を続けていく流れが見えてきます。『Faster Than The Speed Of Light』も、その延長線上にある作品として捉えやすい一枚です。

1979年という時期を考えると、ロックの側ではプログレッシブ・ロックの余韻がまだ残り、電子音や実験的なアプローチもさまざまな形で取り込まれていた頃です。このアルバムも、そうした同時代の空気の中で制作された作品と見てよさそうです。録音とミックスはフランクフルトのPanne & Paulsen Studioで行われています。

サウンドと内容

この作品は、ElectronicとRockを軸にしながら、Psychedelic Rock、Prog Rock、Experimentalの要素を含む内容です。Arthur Brownの作品らしく、歌そのものの存在感が前に出るタイプで、曲の構成や音の置き方にも意識が向いている印象があります。派手なロック・アルバムというより、音の動きや展開を追って聴くタイプの作品です。

ブロガー視点で実際に聴くと、ロックのバンド・サウンドに電子的な処理が入り、70年代後半らしい質感がはっきり出ているのが分かります。Arthur Brownの声は相変わらず個性が強く、曲ごとの表情を決める中心になっています。サイケデリックな色合いと、構成を練った進行の両方が見えるところに、この時期の彼らしさがあるように感じます。

ジャケット外の仕様と盤情報

聴きどころ

Arthur Brownの強い声のキャラクター
ロックの骨格に電子音が重なる構成
サイケデリックな感触と実験性の同居
1979年という時代の空気を反映した音作り
歌詞を見ながら追えるインナー・スリーブ付きの仕様

まとめ

『Faster Than The Speed Of Light』は、Arthur Brownの長いキャリアの中でも、70年代末の音像へ接近した作品として見ることができるアルバムです。代表曲「Fire」で知られる強烈なイメージだけでなく、電子的な質感や実験性を含めて、彼の表現の幅を示す内容になっています。サイケデリック・ロック、プログレッシブ・ロック、実験音楽の交差点にある一枚として、時代の手触りを持った作品です。

トラックリスト

A1 – Storm Clouds (1:04)
A2 – Nothing We Can Do (5:16)
A3 – No (2:32)
A4 – Bright Getaway (1:24)
A5 – Timeship (6:15)
A6 – Come And Join The Fun (5:43)
B1 – Stormwind (0:32)
B2 – Storm (5:39)
B3 – This Is It (3:19)
B4 – Tightrope (3:54)
B5 – Balance (1:31)
B6 – Faster Than The Speed Of Light (8:01)

Cosmic Ray – Living Today Phase One (1980)

Cosmic Ray『Living Today Phase One』について

Cosmic Rayはカナダ出身のRay Scottによるプロジェクトで、1980年に『Living Today Phase One』を発表している。クレジット上はRay Scottが中心に立つ形で、作品全体もその個人性が前に出るタイプのレコードに見える。ジャンル表記はRock、スタイルはProg RockとSpace Rock。70年代末から80年代初頭にかけての、シンセや広がりのある音像を取り込んだロックの流れの中に置いて聴かれる作品だろう。

作品の輪郭

タイトルに「Phase One」とある通り、ひとつの区切りを意識した作りであることがうかがえる。1980年という年は、プログレッシブ・ロックが大きな商業的ピークを過ぎたあとでもあり、その一方でスペース・ロックや電子的な響きを含む作品が別の形で生き残っていた時期でもある。このレコードも、そうした時代の空気の中で鳴らされていると考えやすい。

Cosmic Rayという名義からもわかるように、宇宙的なイメージや拡張感を意識したプロジェクトとして受け取れる。派手なヒット曲で押すというより、曲の構成や音の流れを重視するタイプのアルバム像が浮かぶ。Ray Scottのソロ的な色合いが強いぶん、バンド作品というよりも、ひとりの作家が描く世界観の記録という印象に近い。

同時代の文脈

1970年代のプログレッシブ・ロックを土台にしつつ、80年代の入口でスペース・ロックの感触を残している点が興味深い。イギリスや北米のプログレ勢と比べると、よりローカルで私的な作り込みがありそうな立ち位置だ。カナダのロック史の中でも、メジャー級の大きな成功を狙うというより、独自の世界観を押し出した作品として受け止められるだろう。

この時期の近い文脈で言えば、長尺の展開や演奏の構築感を持つロック、あるいはコズミックな音像を志向した作品群と並べて語られやすい。とはいえ、本作はそうした大きな潮流の中でも、かなり個人名義に近い手触りを持つ一枚として見るのが自然だ。

聴きどころの見方

実際に聴くときは、曲そのもののメロディだけでなく、音の重ね方や展開の作りに注目したい作品だと思う。スペース・ロック寄りの作品では、リフの反復、シンセの持続、ギターの伸び方などが曲の印象を決めることが多い。本作もそのあたりの構成が、アルバムの空気を支えているはずだ。

代表曲や広く知られたヒット曲については、この作品に関して特に定番として語られる曲は見当たらない。なので、アルバム単位で流れを追う聴き方が似合うタイプと考えやすい。

まとめ

『Living Today Phase One』は、1980年のカナダから出たCosmic Ray名義のロック作品で、Ray Scottの個性が前面に出た一枚として整理できる。プログレッシブ・ロックとスペース・ロックの要素を持ちながら、時代の変わり目にあるロックの空気を映した記録でもある。大きな商業作というより、作り手の視点がそのまま残ったアルバムとして見ると、作品の輪郭がつかみやすい。

公式サイトは http://www.cosmicraymusic.com。

トラックリスト

A1 – In Harmony
A2 – We’re All The Same
A3 – Let’s Get It Right
A4 – Hungry People
B1 – Space In Time
B2 – Fire In The Sky
B3 – Living Today

2026.09.22

Kano – Kano (1980)

Kano『Kano』について

イタリアのディスコ／イタロ・ディスコ・プロジェクト、Kanoによるセルフタイトル作。オリジナルは1980年の作品で、イタリア産のダンス・ミュージックがディスコからイタロ・ディスコ、さらにエレクトロへつながっていく流れの中に置かれる一枚だ。Stefano Pulga、Luciano Ninzatti、Matteo Bonsanto、Glen Whiteらによる集団的な制作体制で、当時のクラブ向けサウンドを前面に出している。

作品の位置づけ

Kanoは、初期イタロ・ディスコの代表的な名前として語られることが多いプロジェクトだ。1980年前後に「I’m Ready」や「It’s A War」などのダンスフロア向けの曲で知られ、のちの80年代前半に広がるイタロ・ディスコの輪郭を示した存在として扱われている。ディスコの流れを引き継ぎながら、打ち込みのリズムや機械的な質感を強めていく点が、後続のエレクトロやブレイクダンス向け音源にもつながっていく。

サウンドの特徴

この作品では、リズムの骨格がはっきりしていて、ベースラインとシンセ、ギターのカッティングが前に出る構成が目立つ。ディスコの4つ打ちを土台にしつつ、硬めのドラム、反復の強いフレーズ、英語ボーカルを組み合わせた作りで、クラブでの使用を意識した設計がうかがえる。耳に残るフックを持ちながら、歌ものとしての流れよりも、ビートと反復で引っぱる感触が強い。

Kanoの音は、同時代のイタリア産ディスコの中でも、後のイタロ・ディスコに直結する整理された響きがある。Santa EsmeraldaやLa Biondaのようなディスコ文脈、あるいは後年のMachineやAlbert Oneに通じる、クラブ仕様のイタリア産ダンス音楽の先行例としても見えやすい。

代表曲との関係

この時期のKanoを語るうえで外せないのが「I’m Ready」と「It’s A War」だ。どちらもクラブ向けの強い推進力を持ち、Kanoの名前を広めた楽曲として知られている。特に「I’m Ready」は、イタロ・ディスコの初期を象徴する曲として取り上げられることが多い。作品全体も、そうした代表曲の方向性をそのままパッケージしたような印象だ。

2021年盤について

2021年に出たこの盤は、オリジナルの1980年作をあらためて聴くための再発盤にあたる。オリジナル盤との細かな違いまでは、この情報だけでは断定しにくいが、再発盤として当時のイタリア産ダンス・ミュージックを現行の環境で手に取りやすくしたものといえる。ジャケットや収録内容の核は、1980年当時のKanoの姿を伝えるものだ。

まとめ

Kano『Kano』は、イタリアのディスコがイタロ・ディスコへ移っていく初期段階を示す作品だ。代表曲「I’m Ready」「It’s A War」とともに、クラブで機能する反復、シンセ主体のアレンジ、英語ボーカルの組み合わせがはっきりしている。80年代初頭のダンス・ミュージックの流れを追うとき、ひとつの起点として見えてくるアルバムだ。

トラックリスト

A1 – It’s A War (6:52)
A2 – Now Baby Now (5:52)
A3 – Cosmic Voyager (6:19)
B1 – Ahjia (6:10)
B2 – Super Extra Sexy Sign (6:28)
B3 – I’m Ready (6:30)

The Byrds – Mr. Tambourine Man (1965)

The Byrds『Mr. Tambourine Man』について

The Byrdsの『Mr. Tambourine Man』は、1965年にリリースされたデビュー作として知られる作品です。ロサンゼルスで結成されたこのバンドは、フォーク、サイケデリック、カントリー・ロックの流れに強く関わったグループで、ここではその出発点となるサウンドがはっきり聴けます。ロジャー・マッギンを中心に、ザ・ビートルズ以後のポップ感覚と、フォーク由来の素材を結びつけた内容です。

作品の位置づけ

このアルバムは、The Byrdsにとって最初期の重要作です。バンドの名を広く知らしめた一枚であり、後のフォーク・ロックの定着にもつながる内容です。オリジナル・メンバーの個性が強く出ていて、のちの編成変化が多いバンドの歴史を思うと、まずこの時点でのまとまりが印象に残ります。

同時代の文脈で見ると、Bob Dylanの楽曲を取り上げた表題曲を軸に、アコースティックなフォークをエレクトリックなバンド・サウンドへ移し替える姿勢が明確です。The Beatlesの影響を受けた短い曲構成やコーラスの作り方もあり、当時のアメリカン・ロックの変化を感じさせる内容です。

代表曲「Mr. Tambourine Man」

タイトル曲「Mr. Tambourine Man」は、この作品を語るうえで外せない曲です。Bob Dylanの楽曲をThe Byrdsが演奏したことで、フォーク・ロックの代表的な一曲として広く知られるようになりました。リズムの立ち方と、12弦ギターのきらびやかな響きが前に出ていて、原曲の持つ空気感を別の形で表しているところが特徴です。

この曲のヒットによって、The Byrdsは一気に注目を集めました。アルバム全体も、その成功を土台にした初期のバンド像を伝える内容になっています。

聴きどころ

この盤では、ロジャー・マッギンの12弦ギターがサウンドの核になっています。音の輪郭がはっきりしていて、コードの響きが細かく重なる感触があるため、フォーク由来の曲でもロックの推進力が出ています。コーラス・ワークも重要で、複数の声が重なることで、曲の進行が前へ押し出されるような作りです。

全体としては、派手な演奏で押すというより、楽曲の骨格と録音のまとまりで聴かせるタイプの一枚です。後年のサイケデリックな拡張や、カントリー寄りの展開に比べると、ここではまだ初期のフォーク・ロックらしい直線的な手触りが強いです。

このUS盤について

こちらはアメリカ盤で、ジャケットには半光沢のスリーブ、印刷はU.S.A.表記です。盤面やジャケットには複数のカタログ番号が見られ、スパインとラベルではPC 9172、フロントにはCL 2372、前後のスリーブには9172が確認できます。こうした表記の違いも、再発盤らしい特徴のひとつです。

オリジナルの1965年盤と比べると、こちらは後年のプレスとして扱われる盤です。音源そのものは同じ作品でも、ジャケットの仕様やレーベル表記、製造時期の違いによって、当時のオリジナル盤とは見た目の印象が少し異なります。

まとめ

『Mr. Tambourine Man』は、The Byrdsの出発点であり、フォーク・ロックの流れを決定づけた一枚です。Bob Dylanの曲を核にしながら、エレクトリックなバンド・サウンドへとつなげた点が大きく、1960年代半ばのアメリカン・ロックを知るうえで外せない作品です。

ロジャー・マッギンのギター、整ったコーラス、代表曲の存在感。その組み合わせが、このアルバムを今もよく語られる作品にしています。

トラックリスト

A1 – Mr. Tambourine Man (2:20)
A2 – I’ll Feel A Whole Lot Better (2:31)
A3 – Spanish Harlem Incident (1:58)
A4 – You Won’t Have To Cry (2:07)
A5 – Here Without You (2:36)
A6 – The Bells Of Rhymney (3:30)
B1 – All I Really Want To Do (2:02)
B2 – I Knew I’d Want You (2:14)
B3 – It’s No Use (2:23)
B4 – Don’t Doubt Yourself, Babe (2:46)
B5 – Chimes Of Freedom (3:50)
B6 – We’ll Meet Again (2:07)

Various – Reimagining The Court Of The Crimson King (2024)

Various『Reimagining The Court Of The Crimson King』について

『Reimagining The Court Of The Crimson King』は、2024年にUSのPurple Pyramid Recordsから出たコンピレーション作品。タイトルからも分かる通り、King Crimsonの名作『In the Court of the Crimson King』を別のかたちで捉え直した企画盤で、Various名義でまとめられている。収録内容は、オリジナルの楽曲を軸にした再解釈、あるいは関連曲の新しい読み替えとして受け取れる内容になっている。

作品の位置づけ

King Crimsonの『In the Court of the Crimson King』は、プログレッシブ・ロックの初期を語るうえで外せないアルバムとして知られている。1969年の発表以降、同作は長く参照され続け、さまざまなアーティストに影響を与えてきた。そうした文脈の中で出たのがこの『Reimagining The Court Of The Crimson King』で、単なるカバー集というより、元作品の存在感そのものを前提にした企画性の強い一枚といえる。

この種の作品は、原曲の構成やリフ、メロディの骨格をどこまで残し、どこを変えるかが見どころになる。プログレッシブ・ロックの文脈では、演奏の再現だけでなく、音色や間合い、アレンジの切り替えが重要になりやすい。そうした点で、元曲を知っているほど聴き方が変わるタイプの盤だろう。

ジャンルと時代背景

ジャンル表記はRock、スタイルはProg Rock。2024年のリリースとしては、70年代プログレの遺産を現代の制作環境や演奏感覚で読み替える流れの中に置ける。Purple Pyramid Recordsは、プログレやクラシック・ロックの再評価、再構成系の企画で知られるレーベルで、この作品もその延長線上にある。

King Crimsonの原曲群は、変拍子や緊張感のある構成、静と動の切り替えで知られるが、この手の再構成盤では、その素材がどう扱われるかが核になる。原曲の重さや密度を前面に出す場合もあれば、より現代的な音像に寄せる場合もある。いずれにしても、元ネタの強さが作品全体の土台になっている。

聴きどころとして見えてくる点

実際の聴取では、まず原曲の輪郭がどの程度残されているかが気になりやすい。特に『21st Century Schizoid Man』や『Epitaph』、『The Court of the Crimson King』のような代表曲は、メロディや展開が強く印象に残るため、再演でも比較が自然に起こる。こうした曲が入っていれば、元のフレーズをどこまで踏襲しているか、あるいは別の解釈を前に出しているかが聴きどころになる。

また、プログレ作品では、単に曲をなぞるよりも、演奏の間や音の抜き差し、シンセやギターの質感が印象を左右する。『Reimagining』という題名どおり、原作の名場面をそのまま再現するより、別角度から見せる作りであれば、その差異自体がこの盤の価値になる。

レーベル情報とリリース概要

アーティスト名義: Various
タイトル: Reimagining The Court Of The Crimson King
オリジナル年: 2024年
盤のリリース年: 2024年
リリース国: US
レーベル表記: Purple Pyramid Records
ジャンル: Rock
スタイル: Prog Rock

総じて、この作品はKing Crimsonの古典を起点にした2024年の再解釈盤として見るのが分かりやすい。70年代プログレの名盤を、現代のVarious企画としてどう並べ直しているか、その構成そのものが見どころの一つになっている。

トラックリスト

A1 – 21st Century Schizoid Man
A2 – I Talk To The Wind
A3 – Epitaph
B1 – Moonchild
B2 – The Court Of The Crimson King

Bakmak – Out Of The Blue (1976)

Bakmak『Out Of The Blue』について

Bakmakは、1973年に結成されたベルリン出身のドイツのジャズ・ロック・バンドだ。『Out Of The Blue』は1976年録音・ミックスの作品で、日本盤は1980年にリリースされている。ジャケットまわりには「European 4 Rock Collection 2000」や「European Rock Collection 2000 Part IV」の表記があり、シリーズ盤として出た1枚になっている。

このバンドは、Reinhold Heil、Frank Lüdeke、Christian Lüdeke、Peter Dörnenburg、Eckhard Lüdekeの編成。ベルリンという土地柄もあって、当時の西ドイツ・ロックの文脈で語られることが多いグループだ。フリージャズ寄りの即興性よりも、ロックの骨格を保ちながら展開を組み立てていくタイプの作品として見られることが多い。

作品の位置づけ

Bakmakの音楽は、70年代半ばのドイツ・ロックの流れの中で捉えると分かりやすい。クラウトロックの実験性と、英米系プログレッシブ・ロックの構成感、そのあいだを行き来するような立ち位置だ。ジャズ・ロックという看板はあるものの、演奏の見せ場だけで押すのではなく、曲の流れそのものを追う作りになっている。

同時代のバンドでいえば、CanやAmon Düül IIのような西ドイツの実験色、あるいは英国のプログレ勢に通じる組み立て方を思わせる場面がある。とはいえ、ギターを前面に出したフォーク・ロック的な質感もあり、単純にどちらかへ寄る作品ではない。

日本盤について

この日本盤は、シングル・スリーブに帯、さらにインサート付きという仕様。帯とインサートにシリーズ名が入っているため、当時の日本盤としてはコレクション性の強い形で出されたことが分かる。レコードとしては1976年の録音内容を、1980年の日本盤として手にする形だ。

再発盤として見ると、オリジナルの録音時期よりも後年の日本流通盤という位置づけになる。音そのものは1976年のセッションを収めたものなので、作品の中身は70年代半ばの空気をそのまま持っている。

聴きどころ

この作品は、派手なヒット曲で押すタイプではなく、アルバム全体の流れで聴かせる性格が強い。曲ごとの切り替えや展開の作り方に耳が向く内容で、リフの反復、リズムの変化、鍵盤やギターの絡みが要所になる。ロックとしての推進力と、長めのフレーズをつないでいく構成感が両立している印象だ。

実際に聴くと、音の重心は低すぎず、アンサンブルの各パートが見えやすい。ベースとドラムが流れを支え、そこにギターとキーボードが少しずつ色を足していく場面が目立つ。フォーク・ロックの要素は、旋律の運びや曲の親しみやすさに出やすく、プログレ的な側面は展開の組み方に表れている。

まとめ

『Out Of The Blue』は、70年代ドイツのジャズ・ロック／プログレッシブ・ロック周辺を知るうえで、ベルリンのバンドBakmakを確認できる1枚だ。1976年の録音を収めた作品として、当時の西ドイツ・ロックの空気を持ちつつ、日本盤ではシリーズ仕様で再提示されたレコードでもある。アルバム単位で流れを追うタイプの作品として、バンドの輪郭が見えやすい内容だ。

トラックリスト

A1 – Wave (3:45)
A2 – Austral Sky (5:42)
A3 – Silver Circle (7:15)
A4 – Eternal Breath (4:51)
B1 – On The Rocks (7:25)
B2 – Criss-Cross (Part I & Part II) (8:12)
B3 – Out Of Range (2:45)

Little River Band – Time Exposure (1981)

Little River Band『Time Exposure』について

『Time Exposure』は、オーストラリア出身のロック・バンド、Little River Bandが1981年に発表したアルバム。アメリカ市場で継続的な成功を収めたオーストラリアン・ロック・グループとして知られる彼らにとって、80年代初頭の活動を代表する1枚のひとつにあたる作品だ。ジャンル表記ではロック、スタイルではポップ・ロックに置かれることが多い。

Little River Bandは1975年にメルボルンで結成され、グレン・シャーロック、グラハム・ゴーブル、ビーブ・バートルズ、デレク・ペリッチらを中心に始動した。バンド名は、ジーロングへ向かう途中にあるビクトリア州の地名表示から取られている。アメリカではトップ40ヒットを複数送り込み、世界的にも長く活動を続けたグループとして位置づけられる。

作品の位置づけ

この時期のLittle River Bandは、メンバー変動を重ねながらも、メロディを前面に出した演奏と、きっちり整ったコーラスワークを軸にしたサウンドを保っている。『Time Exposure』は、その流れの中で出た1981年作で、グレン・シャーロックが在籍末期に関わった時期のアルバムでもある。すでにバンドはアメリカでの認知を確立しており、アルバム単位でもラジオ向けの楽曲をきちんと並べるタイプの作品として受け取られている。

制作面ではジョージ・マーティンのクレジットが知られており、ただしこの盤ではバック・カバーにもレーベル面にも「Produced by George Martin of Air Studios」の表記が見当たらないヴァリアントがある。盤の情報としては、Capitol Records Pressing Plant, Winchesterプレスの個体で、ランアウトには「• ━◁」のエッチングが確認できる。

聴きどころ

アルバム全体は、派手に押し切るタイプではなく、テンポを整えた曲運びと、複数ボーカルの重なりで聴かせる作り。Little River Bandらしいのは、コード進行が素直に流れる中で、サビの輪郭をきっちり立てるところにある。アメリカのFMロックやAORの文脈で語られることが多いのも、その聴感に沿っている。

実際に聴くと、演奏の手触りは軽すぎず重すぎず、ギター、ベース、ドラム、コーラスがそれぞれきちんと分かれている印象が強い。ロック・バンドとしての推進力を保ちながら、メロディを前へ出すバランス感覚が、この時期のLittle River Bandの持ち味として表れている。

代表曲について

『Time Exposure』からは、ヒット曲として「The Night Owls」がよく知られている。アメリカのシングル・チャートでも存在感を示した曲で、バンドの80年代初頭の代表曲のひとつに数えられる。コーラスの厚みと、すぐに輪郭がつかめるメロディが前面に出た1曲で、このアルバムの性格をよく示している。

同時代の耳で聴くと、Little River BandはEaglesやDoobie Brothersのようなアメリカ西海岸系のバンドと並べて語られることがある。ただし、彼らはオーストラリア出身で、ハーモニーの組み方や曲の運びに少し違う硬さと整い方がある。その点が、このバンドならではの特徴になっている。

メンバー構成

この時期の主要メンバーには、グレン・シャーロック、グラハム・ゴーブル、ビーブ・バートルズ、デレク・ペリッチ、そしてベースのウェイン・ネルソン、リードギターのスティーヴン・ハウズデンらがいる。Little River Bandは長い活動の中で多くのメンバーが入れ替わっているが、『Time Exposure』はその変化の途中にある時期の記録としても見やすいアルバムだ。

まとめ

『Time Exposure』は、Little River Bandがアメリカでの成功を維持していた時期の1981年作で、メロディ重視のロックとコーラスワークがきれいにまとまった作品。代表曲「The Night Owls」を含み、バンドの80年代初頭を知るうえで外せない1枚として位置づけられる。

トラックリスト

A1 – The Night Owls (5:19)
A2 – Man On Your Mind (4:16)
A3 – Take It Easy On Me (3:45)
A4 – Ballerina (4:04)
A5 – Love Will Survive (4:38)
B1 – Full Circle (1:54)
B2 – Just Say That You Love Me (4:02)
B3 – Suicide Boulevard (3:23)
B4 – Orbit Zero (4:28)
B5 – Don’t Let The Needle Win (3:57)
B6 – Guiding Light (3:34)

The Mops – モップスと16人の仲間 (1972)

The Mops『モップスと16人の仲間』について

The Mops（ザ・モップス）の『モップスと16人の仲間』は、1972年に日本で出た作品で、バンドの活動後期にあたる1枚だ。1960年代後半のグループサウンズから出発し、サイケデリック・ロックで知られるこのバンドにとって、60年代のイメージだけで語れない時期の記録でもある。

モップスは、1966年に高校の友人同士で結成されたバンドで、初期はベンチャーズ系のインストゥルメンタル色が強かった。その後、時代の空気を取り込んでサイケデリック路線に踏み込み、日本のサイケ・グループの代表格として知られるようになる。『モップスと16人の仲間』は、そうした流れの先にある作品として位置づけられる。

作品の位置づけ

モップスは、1970年代に入るとToshiba/EMIへ移り、よりブルースロック寄りの方向へ進んでいった。この作品が出た1972年は、そうした移行期の中にある。グループサウンズの華やかさだけではなく、より演奏中心のロックバンドとしての側面が見えやすい時期だ。

バンドは1971年の「月光仮面」にあたる「Gekko Kamen (Moonlight Mask)」でヒットを記録しており、同じく1971年には「Goiken Muyo (No Excuse)」、翌1972年には吉田拓郎が提供した「Tadoritsuitara Itsumo Amefuri」でも動きがあった。そうした流れの中での1972年作という点は、この時期のモップスを追ううえで重要だ。

モップスの文脈と比較

モップスは、日本のグループサウンズの中でも、単なる歌謡寄りのバンドではなく、洋楽ロックの影響を前面に出した存在として語られることが多い。とくにサイケデリック期は、Jefferson AirplaneやThe Doors、The Animalsといった同時代の英米ロックの影響がはっきり見える。

ただし、モップスのオリジナル曲は、必ずしもサイケの作り込みだけでなく、ガレージ感のある演奏に寄ることが多い。そこが、同じGSでも他のバンドと少し違うところだ。日本のロック史の中では、早い段階でサイケやスタジオ的な工夫を持ち込んだバンドとして見られている。

作品にまつわるエピソード

モップスのサイケ時代は、かなり印象的な逸話が多い。1968年のアルバム『Psychedelic Sound in Japan』では、サイケデリックな装丁や衣装、ファズ・ギター、シタールなどを取り入れ、発売記念の場で記者にバナナの皮を配ったという話もある。そうした振る舞いからも、バンドが当時のヒッピー文化やサイケの空気を強く意識していたことがわかる。

また、「Blind Bird」のように、歌詞に“please kill me”が含まれる曲が一部の再発盤で外されたこともあった。モップスが、当時の日本のロックの中でも少し踏み込んだ表現をしていたことを示す例だ。

聴きどころとして見えるポイント

実際にこの時期のモップスを聴くと、60年代末のサイケ色だけでなく、70年代らしいロックバンドの輪郭が前に出てくる。ファズやオルガンの厚みだけで押すのではなく、曲の作りや歌の運びに、より整理された印象がある。

『モップスと16人の仲間』というタイトルも、バンド名義のアルバムでありながら、周辺の仲間や時代の空気まで含めてまとめたような響きがある。モップスが長く活動を続けたバンドだったことを考えると、この時期の作品は、サイケの代表バンドという枠から少し広がった姿を示す1枚と言えそうだ。

基本情報

アーティスト: The Mops
タイトル: モップスと16人の仲間
オリジナルリリース年: 1972年
リリース国: 日本
ジャンル: Rock
スタイル: Folk Rock, Psychedelic Rock

トラックリスト

A1 – たどりついたらいつも雨ふり
A2 – 大江戸冒険譚
A3 – いつか
A4 – マイ・ホーム
A5 – 母さんまっ青
A6 – くるまとんぼ・アンドロメダ
B1 – あるがままに
B2 – ねえ、ちょいとそこゆくお嬢さん
B3 – 当世少女気質
B4 – 窓をあけろ
B5 – もう、いやだよ
B6 – 輪廻

The Isley Brothers – Shout! (1959)

The Isley Brothers「Shout!」について

The Isley Brothersの「Shout!」は、1959年に発表された初期の代表作として知られる1枚だ。アメリカ・オハイオ州シンシナティ出身のR&B／ソウル・グループである彼らが、ロックンロール期の勢いとゴスペル由来のコール&レスポンスを強く打ち出した作品でもある。

このレコードは1988年リリースの再発盤で、オリジナルの1959年盤とは別の流通にあたる。ジャケットやレーベル表記にはRCA関連のクレジットがあり、RCA VictorのスタジオAで録音されたことが記されている。背面には1959年の著作権表記もあり、録音自体はオリジナル当時のままの内容として受け取れる。

作品の位置づけ

「Shout!」は、The Isley Brothersが広く知られるきっかけになった曲として扱われることが多い。グループ初期の代表曲であり、その後の長いキャリアの出発点に置かれるタイトルだ。Ronald Isleyを中心にした力強いヴォーカル、掛け声を交えた進行、反復の多い構成が印象に残る。

この曲は、後年のソウル・グループが得意とする熱量の高いアンサンブルとは少し違い、よりロックンロール寄りの勢いが前面に出ている。R&B、ロックンロール、ソウルの接点にある1曲として聴きやすい位置にある。

聴きどころ

実際に耳を傾けると、まずヴォーカルの掛け合いがはっきりしている。曲名どおり、叫ぶようなフレーズが核になっていて、細かな装飾よりも一体感を優先した作りだ。演奏も、歌を前へ押し出す役目が明確で、リズムのキープが曲全体を支えている。

「Shout!」は、のちのThe Isley Brothersに見られる洗練されたソウル・バラード群とは性格が異なる。ここでは、まだグループの原点に近い、ライブ感の強いサウンドが前に出る。こうした初期作を聴くと、後年のT-Neck期やファンク寄りの展開との違いもわかりやすい。

再発盤としての見方

1988年盤は、1959年のオリジナル作品を後年にあらためて手に取れる形にした再発盤だ。クレジットには「Manufactured by RCA Special Products」「℗ 1988 BMG Music」などの表記があり、当時の再発売ルートが見て取れる。Collectable Records Corp.の表記もあり、オリジナル初出時の盤とは流通形態が異なる。

なお、今回の盤はバックカバーにバーコードのない仕様として記録されている。同系統の別コピーではバーコード付きのものも存在するため、再発盤の中でも複数の仕様があるようだ。

同時代との関係

1950年代後半のR&B／ロックンロールの文脈では、コール&レスポンスを活かした大音量の合唱型ナンバーが注目された時期でもある。「Shout!」はその流れの中で、The Isley Brothersらしいヴォーカル・グループの強さを示す作品として置ける。後年のソウル・グループや、ロック側のバンドにも影響が及んだタイプの曲でもある。

The Isley Brothersはその後、Motown期の「This Old Heart Of Mine」、さらにT-Neck再始動後の「It’s Your Thing」、70年代以降の「Between the Sheets」などへと幅広く展開していくが、「Shout!」はその長い歴史の起点にある1曲だ。1970年代以降の洗練されたファンク／ソウルを知っていると、初期のこの勢いがかえって新鮮に響く。

まとめ

「Shout!」は、The Isley Brothersの初期の勢いをそのまま切り取ったような作品だ。1959年のオリジナル録音をもとにした1988年再発盤として、バンドの原点を確認できる内容になっている。代表曲としての存在感は強く、グループのキャリア全体をたどるうえでも外せない1枚といえる。

トラックリスト

A1 – When The Saints Go Marching In (2:29)
A2 – St. Louis Blues (2:55)
A3 – Yes Indeed (2:01)
A4 – How Deep Is The Ocean (1:50)
A5 – Ring-A-Ling-A-Ling (2:55)
A6 – Rock Around The Clock (2:10)
B1 – He’s Got The Whole World In His Hands (2:02)
B2 – That Lucky Old Sun (2:30)
B3 – Respectable (2:10)
B4 – Without A Song (2:00)
B5 – Shout Part 1 (2:15)
B6 – Shout Part 2 (2:10)

Japan – Obscure Alternatives = 苦悩の旋律 (1978)

Japan『Obscure Alternatives = 苦悩の旋律』（1978）について

Japanの2作目にあたるアルバムで、1978年にHansa Recordsから発表された作品だ。バンドはデヴィッド・シルヴィアン、スティーヴ・ジャンセン、リチャード・バルビエリ、ミック・カーン、ロブ・ディーンを中心とする編成で、のちのニュー・ロマンティック期に知られるJapanとは少し違う、より初期の段階の姿が刻まれている。

この時期のJapanは、まだ後年の洗練されたイメージが前面に出る前で、デヴィッド・シルヴィアンの歌、ミック・カーンのベース、リチャード・バルビエリのキーボード、スティーヴ・ジャンセンのドラムが、それぞれの音をぶつけ合うように進んでいく。アート・ロック寄りの構成感と、ニュー・ウェイヴ期らしい乾いた質感が同居している作品だ。

作品の位置づけ

Japanにとっては2枚目のアルバムで、バンド初期の輪郭をつかむうえで重要な位置にある。のちにVirgin移籍後の『Gentlemen Take Polaroids』『Tin Drum』で評価を高めていくが、その前段階として、このアルバムには実験性と若さが強く出ている。

当時の英国ではパンク以後の空気が強く、Japanはその文脈の中で活動していた一方、最初の成功は日本で得たとされる。バンド名の通り、海外より先に日本市場で受け入れられた経緯も、この作品を含む初期ディスコグラフィーの特徴だ。

音の印象

演奏面では、ベースが前に出る場面が多く、ミック・カーンのフレーズが曲の推進力になっている。ギターは派手に歌うというより、曲の輪郭を切り取るような役割が目立つ。キーボードは空間を埋めるだけでなく、楽曲の構造を支える配置だ。ボーカルは抑えた表情の中に緊張感を含み、初期Japanらしい距離感を保っている。

タイトル曲『Obscure Alternatives』や、収録曲『Communist China』『Nightporter』以前の時期を示す初期曲群には、後年のJapanで顕著になる都会的な整い方より、ややざらついた手触りが残る。とはいえ、単なる荒さではなく、曲ごとの配置や音数の整理にはすでに注意が向いている。

収録曲の話題

このアルバムには『Automatic Gun』が収録されており、クレジット上ではAnnaとClaudineのボーカルへの謝辞が記されている。また、A2曲目の英語タイトル表記には、ジャケット背面やインサートと、レーベル表記で綴りに差があることが知られている。

こうした細かな表記違いは、初期プレスや日本盤の資料を見ていくときの面白さのひとつだ。内容だけでなく、歌詞インサートやオビ付き仕様、レーベル表記まで含めて、当時の国内盤としての存在感がはっきりしている。

日本盤の仕様

この日本盤は、1978年のLPで、オビ付き、レインボー・ラベル仕様。英語と日本語の両方を載せたゲートフォールドの歌詞インサートが付属する。初回には、店頭で別タイトルの購入を申し込めるカードが封入されていたようだが、これはLPに最初から同梱される付属物ではない。

盤面やジャケットの表記には「VIP-6593」のカタログ番号が使われ、見本盤も同番号で存在する。国内リリースとしての整え方が丁寧な一枚だ。

同時代との関係

同時代の英国ニュー・ウェイヴやアート・ロックの流れに置くと、Japanは派手なロック性よりも、音の配置や質感の作り込みに特徴がある。のちのシンセ・ポップへ直結する部分もあるが、この時点ではまだバンド色が濃く、ギター・ロックと前衛的な響きの間を行き来している。

後年のJapanを知っていると、初期作の粗さや直線的な部分がむしろ印象に残る。そこがこの時期の記録としての面白さでもある。

まとめ

『Obscure Alternatives = 苦悩の旋律』は、Japanの2作目として、バンドが初期のニュー・ウェイヴ色から独自の洗練へ向かう途中を捉えたアルバムだ。ミック・カーンのベース、デヴィッド・シルヴィアンの歌、リチャード・バルビエリの鍵盤、スティーヴ・ジャンセンのリズムが、それぞれの役割を強く持ちながら組み合わさっている。

1978年のUKバンドとしての空気と、日本盤LPの丁寧な仕様、その両方が見えてくる作品だ。

トラックリスト

A1 – Automatic Gun = オートマティック・ガン (4:04)
A2 – . . . . Rhodesia = 熱きローデシア (6:49)
A3 – Love Is Infectious = 愛の伝染 (4:10)
A4 – Sometimes I Feel So Low = 孤独な安らぎ (3:44)
B1 – Obscure Alternatives = 苦悩の旋律 (6:49)
B2 – Deviation = 若き反抗 (3:23)
B3 – Suburban Berlin = 郊外ベルリン (4:59)
B4 – The Tenant = 愛の住人 (7:12)

Various – The Perfumed Garden II (1983)

The Perfumed Garden II / Various

「The Perfumed Garden II」は、1983年にUKのPsycho Recordsから出たコンピレーション盤です。アーティスト名はVarious表記で、単独のバンド作ではなく、複数のアーティストの音源をまとめた作品として位置づけられます。ジャンル表記はRock、スタイルはPsychedelic Rockで、いわゆる英国サイケ文脈を意識した編集盤と見てよさそうです。

作品の輪郭

タイトルからもわかる通り、本作は「The Perfumed Garden」シリーズの第2作にあたります。1983年という時点で、60年代サイケデリック・ロックの熱気を後追いで再整理する流れの中に置ける作品です。オリジナル録音の時代を集めた回顧的なコンピレーションとして聴くと、当時のUKサイケ周辺の空気がまとまって見えやすい盤です。

この種の編集盤は、単に有名曲を並べるだけでなく、シングル盤中心のレア音源や、アルバム未収録曲、地域限定リリースを拾い上げる役割を持つことが多いです。「The Perfumed Garden II」も、その系譜の中で語られるタイトルです。

収録内容と聴きどころ

具体的な収録曲の全貌はここでは触れませんが、こうしたコンピレーションでは、派手なヒット曲というより、サイケデリック・ロック特有の音像や曲作りの断片が連なっていく構成が中心になります。ギターの残響、オルガンのうねり、曲の展開の急な切り替わりなど、60年代後半のUKロックに見られる要素が軸になるタイプの編集盤です。

そのため、ひとつのバンドの完成された代表作を聴くというより、同時代の複数のグループを横断して、当時のシーンの輪郭をつかむための資料的な意味合いが強い作品です。

1983年盤としての特徴

オリジナル年と同じ1983年表記のため、少なくともこの情報上では1983年に作品として出たものを、UKでそのまま受け取る形です。再発盤というより、同時代のリリースとして扱うのが自然です。

同時代の文脈

1980年代初頭のUKでは、60年代のサイケデリック・ロックやアシッド・フォーク、モッズ、ガレージ系の音源を掘り直す動きが強まっていました。こうした編集盤は、その再評価の流れの中で重要な役割を持っていました。音楽雑誌やコレクター文化とも相性がよく、アルバム単位の名盤とは別の形でシーンを見せるタイプのリリースです。

「The Perfumed Garden II」も、そうしたコレクター向けの文脈で語られることが多いタイトルです。単独アーティストの作品ではないぶん、特定のスター性よりも、時代の断片を束ねた編集の妙が前面に出る盤です。

まとめ

「The Perfumed Garden II」は、1983年のUK産コンピレーションとして、60年代英国サイケデリック・ロック周辺の音源をまとめた作品です。レーベルはPsycho Records、プレスはLyntone。単独作品ではなくVarious名義のため、シーン全体を俯瞰する性格が強い1枚です。

ヒット曲を聴かせる盤というより、当時のサイケデリック・ロックの音の手触りと編集文化を伝えるタイトルとして見るのが自然です。

トラックリスト

A1 – No Home Today (2:46)
A2 – When The Night Falls (2:34)
A3 – Baby Don’t You Do It (2:27)
A4 – For Your Love (5:42)
A5 – Reflections Of Charles Brown (4:15)
A6 – Security (2:42)
A7 – I’m Coming Home (5:57)
B1 – Liar (3:20)
B2 – Mister Number One (3:28)
B3 – You Better Run (2:37)
B4 – I See The Light (3:37)
B5 – Let Me Show You How (4:29)
B6 – Francis (3:01)
B7 – Turn Over (3:46)

Andy Summers – I Advance Masked (1982)

Andy Summers『I Advance Masked』について

『I Advance Masked』は、The Policeで知られる英国のギタリスト、Andy Summersが1982年にリリースした作品だ。タイトルはこの年に初めて世に出たもので、アルバムとしてはギターの表現を前面に出したインストゥルメンタル作品として位置づけられる。

Andy Summersは1942年、イングランド・ランカシャー生まれ。The Policeでの活動が最もよく知られているが、ソロ作品ではロックだけでなくジャズ寄りの感触やアンビエント、フュージョンの要素も扱ってきた人物で、このアルバムもその流れの中にある一枚だ。

作品の成り立ち

本作は、ギター中心のインスト作品としてまとめられている。録音は1981年9月にドーセット州パークストンのArny’s Shackで行われ、その後、1982年5月にロンドンのIsland Studiosでも作業が行われた。ミックスはIsland StudiosでTim Summerhayesとともに進められた。

クレジット上はシンプルだが、演奏の重心はかなり明確で、歌を置かずに音の動きだけで曲を組み立てるタイプの内容だ。The Policeのギター・ワークを知っていると、そこからさらに旋律や空間の作り方を広げた作品として受け取りやすい。

音の印象

実際に聴くと、派手に押し出すというより、フレーズの反復や音の余白で進む曲が多い。リズムの立て方も単純なバッキング中心ではなく、ギター同士の掛け合いやレイヤーの重なりで曲の輪郭を作っていく印象が強い。

インストゥルメンタル作品としては、メロディが前に出る場面と、音響的な広がりに寄る場面が共存している。耳当たりのよさだけでまとめるのではなく、フレーズの切れ方や音の置き方にかなり注意が向いている感じだ。

当時の文脈

1982年という年で見ると、ロックの中でもギタリスト主導のインスト作品や、アンビエント寄りの質感を持つ作品が少しずつ存在感を増していた時期だ。本作もその流れの中で、ロックの文法を土台にしながら、空間性のある音作りへ踏み込んだアルバムとして捉えやすい。

比較の軸としては、同時代のギター・インスト作品や、よりジャズ寄りのアプローチを取るギタリストたちが思い浮かぶが、Andy Summersの場合はテクニックを前面に出すというより、曲全体の流れの中でギターを機能させている点が特徴だ。

収録曲について

この作品はタイトル曲のようなわかりやすい代表曲で押すタイプではなく、アルバム全体のまとまりで聴く性格が強い。シングルヒットを軸にした作品というより、アルバム単位でギターの表情を追う内容だ。

日本盤について

この日本盤は、Victor Musical Industriesによる日本国内流通盤で、帯と印刷インサート付き。レーベル表記やインサートの収録時間表記も含め、当時の国内盤らしい作りになっている。

まとめ

『I Advance Masked』は、The Policeのギタリストという顔だけでは見えにくい、Andy Summersのインストゥルメンタル志向がよく出た1982年の作品だ。ロックの枠に置きながら、フレーズの反復、空間の使い方、音色の重なりで聴かせる内容で、彼のソロ作の出発点のひとつとして見てよさそうだ。

トラックリスト

A1 – I Advance Masked (5:10)
A2 – Under Bridges Of Silence (1:42)
A3 – China – Yellow Leader (7:08)
A4 – In The Cloud Forest (2:29)
A5 – New Marimba (3:37)
A6 – Girl On A Swing (2:01)
B1 – Hardy Country (3:00)
B2 – The Truth Of Skies (2:07)
B3 – Painting And Dance (3:24)
B4 – Still Point (3:03)
B5 – Lakeland / Aquarelle (1:42)
B6 – Seven On Seven (1:37)
B7 – Stultified (1:26)

Laser Pace – Granfalloon (1974)

Laser Pace『Granfalloon』

Laser Paceの『Granfalloon』は、1974年に発表されたUSロック作品で、プログレッシブ・ロックの流れの中に置けるアルバムだ。今回の盤は2018年のリリースで、オリジナル発表からかなり時間を置いて出ている。アーティスト名はLaser Pace、参加メンバーはLarry Wolff、George Belle、Weldon、John W. Christensen、Larry Parsons、Carl Van Young、D. Distorto、Jimbo Dee、Maureen O’Connorとされている。

作品の輪郭

1970年代前半のUSプログレは、イギリス勢の影響を受けつつも、よりラフで土臭い感触や、ロックバンドとしての推進力を前面に出す例が多い。Laser Paceの『Granfalloon』も、その時代の空気の中で鳴っている作品として捉えやすい。長尺の構成や曲展開、器楽的な要素を軸にした作りが想像しやすい一枚だ。

バンドの詳細なプロフィールは多く残っていないが、複数メンバーによる編成からも、当時のロックバンドらしいアンサンブル重視の制作姿勢がうかがえる。ひとりのソングライターだけで引っ張るというより、演奏の積み重ねで曲を組み立てていくタイプの作品と見てよさそうだ。

2018年盤について

2018年に出たこの盤は、1974年のオリジナル作品を現在の形で聴ける再登場盤として受け取れる。音源の扱いやパッケージ面で新しいリリース年が付いていても、作品そのものは1974年のものとして聴くのが自然だ。

再発盤では、オリジナル盤では入手しづらかったタイトルが手に取りやすくなることが大きい。こうした再発の意義は、当時あまり広く知られなかった作品を、現在のリスナーが改めて確認できる点にある。『Granfalloon』も、その文脈で見ておきたいアルバムだ。

同時代の文脈

1974年という時期は、プログレッシブ・ロックがすでに一定の成熟を見せていた頃で、アメリカではより硬質なロック感覚やハードロック寄りの感触を含む作品も少なくない。Laser PaceのようなUSバンドは、英国的な構築性を参照しながらも、演奏の手触りで独自性を出していたケースが多い。

そのため、『Granfalloon』も、同時代の英国プログレの大作主義と単純に同列に置くより、USロックの現場感の中で聴くと輪郭がつかみやすい。派手なヒット曲で押すタイプというより、アルバム全体で流れを作る作法に重きがある作品群の一つだ。

聴きどころとして意識したい点

バンド編成による厚みのある演奏
1970年代前半らしいロックの推進力
プログレッシブ・ロックの構成感
US作品らしい、過度に装飾的になりすぎない手触り

曲単位の代表曲や大きなヒットについては、この作品では広く知られた定番曲として語られるものは見当たらない。むしろ、アルバム全体を通して聴くことで、当時のバンドの姿勢や時代性が見えてくるタイプの一枚として扱うのがよさそうだ。

まとめ

Laser Pace『Granfalloon』は、1974年のUSプログレ／ロックの空気を今に伝えるアルバムだ。2018年盤で改めて手に取れることで、埋もれがちな70年代作品の輪郭を確認できる。派手な知名度よりも、時代の中での位置づけに面白さがあるタイトルとして見ておきたい。

トラックリスト

A1 – Closet Casualty
A2 – Avatar
A3 – (Whoever) You Are (You)
A4 – Sky Fell
B1 – Endless
B2 – Oh Yeah?
B3 – Redemption
B4 – Scatter

Roy C. Hammond – Sex And Soul (1973)

Roy C. Hammond『Sex And Soul』について

Roy C. Hammondは、アメリカのソウル歌手／ソングライターとして知られる人物で、1950年代後半から活動を始めたシンガーだ。ニューヨークへ移ってから音楽活動を広げ、グループ活動やソロ作を通して、70年代のソウル／ファンクの流れの中で存在感を示していく。1970年代にはThe Honey Drippersの発掘にも関わっていて、彼らの「Impeach The President」は後年のサンプリングでもよく知られる曲になった。

『Sex And Soul』は1973年にオリジナルが出た作品で、この日本盤は1975年のリリースになる。タイトルどおり、R&B寄りのソウルを軸にしたアルバムとして受け止めやすい一枚で、Roy C. Hammondの作家性と歌い回しを確認できる作品という位置づけになりそうだ。

作品の位置づけ

Roy C. Hammondは、後年の大きなヒットやサンプリングで名前が広く知られる一方で、70年代ソウルの現場でしっかり曲を作り、歌っていたタイプのアーティストだ。この『Sex And Soul』も、その時期の彼の活動をたどるうえで外せないアルバムのひとつとして見られる。

同時代のソウル作品と比べると、派手なポップ・ヒットに寄せるというより、歌と演奏の間合いを軸にした作りの中で聴かせる側面が強い。派手な看板曲で押すというより、アルバム全体で雰囲気を組み立てるソウル盤として捉えられる。

1975年の日本盤として

今回の盤は1975年の日本盤で、オリジナルの1973年盤から少し時間を置いての紹介になる。日本盤として流通したことで、当時の国内のソウル／ファンク好きの耳にも届いた可能性がある一枚だ。

なお、ここで扱う作品は1973年のオリジナル作として見るのが自然で、日本盤の年はあくまで盤のリリース年として押さえておくのがよさそうだ。

まとめ

『Sex And Soul』は、Roy C. Hammondの1970年代前半のソウル作品を知るうえで押さえておきたい一枚だ。1973年のオリジナル、1975年の日本盤という流れで、当時のソウルの空気を日本で受け止めた盤としても興味深い。派手さよりも、ソウル・シンガーとしての立ち位置や時代感を確認するアルバムとして見ておくと、Roy C. Hammondの全体像がつかみやすい。

トラックリスト

A1 – Don’t Blame The Man (3:15)
A2 – Got To Get Enough (Of Your Sweet Love Stuff) (2:46)
A3 – I’m Falling In Love Again (4:09)
A4 – I Found A Man In My Bed (2:38)
A5 – Those Days Are Gone (3:03)
A6 – She Kept On Walkin’ (3:29)
B1 – I Wasn’t There (But I Can Feel The Pain) (3:29)
B2 – I’m Gonna Love Somebody Else’s Woman (Somebody’s Lovin’ Mine) (3:10)
B3 – I’ll Never Leave You Lonely (3:33)
B4 – Open Letter To The President (3:09)
B5 – I’m Bustin’ My Rocks (Working On The Chain Gang) (2:32)
B6 – Back Into My Arms (3:03)

Stackridge – Pinafore Days (1974)

Stackridge『Pinafore Days』について

『Pinafore Days』は、イギリスのロック・グループ、Stackridgeの1974年作として知られるアルバムだ。プログレッシブ・ロック、アート・ロック、ポップ・ロックの要素を含みつつ、同時代の英国バンドの中でも、ひとひねりある曲作りと軽妙さを併せ持った作品群の一枚という位置づけになる。

Stackridgeは1970年代前半に一定の成功を収めたバンドで、メンバーの入れ替わりも多いグループとして知られる。James Warren、Mutter Slater、Keith Gemmell、Andrew Cresswell Davisらが名を連ねる編成で、この時期のStackridgeは、ポップなメロディと演劇的な展開、少し風変わりなユーモアが同居するサウンドを聴かせていた。

作品の位置づけ

この『Pinafore Days』は、もともと英国盤『Man in the Bowler Hat』として知られる作品の米国盤にあたる。US盤ではタイトルが変更され、収録曲の一部も差し替えられている。具体的には、「The Sun And Moon」と「The Indifferent Hedgehog」が外され、「One Rainy July Morning」（のちに「Highbury Incident」として知られる曲）と「Spin Round The Room」が追加されている。

つまり、同じアルバム名のまま流通した作品ではなく、米国市場向けに組み替えられた内容になっている。Stackridgeのカタログをたどるうえでは、英国オリジナル版と米国盤の違いを見比べる対象としても重要な一枚だ。

サウンドの印象

実際に聴くと、楽曲ごとの表情の切り替えがはっきりしている。メロディは親しみやすいが、曲の進み方は単純ではなく、フォーク寄りの手触り、室内楽的なアレンジ、ロックの推進力が場面ごとに入れ替わる。派手なギター・ロックというより、細部の動きで聴かせるタイプの作りだ。

James Warrenの曲は特に、歌の輪郭がつかみやすく、ポップ寄りの入口を作っている。一方で、Keith Gemmellらの参加によって、音の組み立てにはジャズや室内楽の気配も入り、単なる軽いポップ集には収まらない。英国のプログレ周辺のバンドに見られる、技巧と親しみやすさの両立という流れの中に置ける内容だ。

同時代との関係

1974年という時期は、英国ロックの中でプログレッシブ・ロックが広く浸透していた頃だ。Stackridgeは、YesやGenesisのような大作志向とは少し違い、よりコンパクトな楽曲の中で複雑さを出すタイプに近い。比較対象としては、10ccのようなポップな構築感や、Gryphonのような英国的な古風さを含むアレンジが思い浮かぶ場面もある。

ただし、この作品はそうしたバンドと同列に並べても、さらに独特だ。構成は緻密でも、全体の空気は肩ひじ張らない。その距離感がStackridgeらしさとして残っている。

収録曲の差し替えについて

米国盤『Pinafore Days』では、オリジナル版から2曲が外れ、未発表曲ではなく、後に出る予定だった別作品から2曲が加えられている。こうした編集は当時の輸出盤では珍しくなく、米国市場での売り方に合わせて内容を調整した例といえる。

そのため、この盤は「英国オリジナルをそのまま聴く版」ではない。曲順や曲目の流れに、米国盤ならではのまとまりがある。アルバム全体の印象も、収録曲の入れ替えによって少し変わる。

まとめ

『Pinafore Days』は、Stackridgeの持つメロディの良さ、少し風変わりな構成、英国的な遊び心がまとまった1974年の一枚だ。米国盤としての独自編集もあり、バンドのディスコグラフィーの中では、オリジナル版との違いを含めて語られることの多い作品になっている。

派手な代表曲で押すタイプではないが、曲ごとの細かな仕掛けと、ポップとプログレの間を行き来する感覚が印象に残る。Stackridgeというバンドの輪郭をつかむうえで、外せないタイトルのひとつだ。

トラックリスト

A1 – Fundamentally Yours (2:30)
A2 – Pinafore Days (2:35)
A3 – The Last Plimsoll (4:32)
A4 – Spin Round The Room (2:35)
A5 – The Road To Venezuela (4:54)
B1 – The Galloping Gaucho (2:48)
B2 – Humiliation (3:32)
B3 – Dangerous Bacon (2:41)
B4 – One Rainy July Morning (4:02)
B5 – God Speed The Plough (5:30)

The Flower Kings – Retropolis (1996)

The Flower Kings『Retropolis』について

The Flower Kingsは、スウェーデン出身のシンフォニック・プログレッシブ・ロック・バンド。中心人物はギタリスト／シンガーのRoine Stoltで、1993年にソロ作『The Flower King』のツアー・バンドとして始まったのが出発点になっている。『Retropolis』は、その流れの中で発表された2作目のアルバムで、1996年リリースの作品だ。

2022年盤は、180g重量盤の2LPとCDをセットにしたゲートフォールド仕様。500枚限定で、Roine Stoltによる2021年リマスター音源を採用し、さらに3曲目と11曲目は2021年に再ミックスされている。アナログ盤としては初登場という扱いで、オリジナル盤とはパッケージと音源面の両方で差がある再発盤になっている。

作品の位置づけ

『Retropolis』は、The Flower Kingsの初期ディスコグラフィの中で、バンドの方向性を明確にした時期のアルバムといえる。1990年代半ばのプログレ再評価の流れの中で、70年代的な長尺構成、キーボードとギターの掛け合い、組曲的な展開を前面に出した作風が確認できる一枚だ。

同時代のプログレ文脈では、YesやGenesis、King Crimsonの系譜を意識したバンドとして語られることが多く、北欧勢ではÄnglagårdやKaipaと並べて触れられることもある。The Flower Kingsはその中でも、よりメロディと多層的なアレンジを押し出す印象が強い。

音の特徴

この作品は、ギターのフレーズとキーボードのレイヤーが細かく重なる構成が特徴的。曲ごとに長い展開を持ち、パートの切り替わりも多い。サウンド面では、ロックのバンド編成を土台にしつつ、シンフォニックな広がりを前に出している。

2022年盤のリマスターでは、初期作品らしい密度を保ちながら、各パートの輪郭を整えた形になっている。3曲目と11曲目の再ミックスも含まれているため、オリジナル盤を知っている人なら、曲のバランスや聴こえ方の違いに気づきやすい内容だろう。

収録曲について

『Retropolis』は、単独のヒット曲で押すタイプのアルバムではなく、アルバム全体を通して聴かせる構成が中心。The Flower Kingsのアルバムは長尺曲の比重が高く、この作品もその流れの中にある。曲単位の強いシングル性より、アルバムとしての流れが印象に残る。

メンバーとクレジット

Roine Stolt – guitar, vocals
Tomas Bodin – keyboards
Hasse Fröberg – vocals, guitar
Michael Stolt – bass
Jaime Salazar – drums

The Flower Kingsの初期編成らしく、Roine Stoltを軸にギター、キーボード、リズム隊が緻密に組み合わさる形。のちのメンバー交代を踏まえると、この時期の編成はバンドの基礎を固めた段階として見ることができる。

まとめ

『Retropolis』は、The Flower Kingsの初期を代表する2作目として位置づけられるアルバム。1996年のオリジナル盤に対し、2022年盤は新たなリマスターと一部再ミックス、そして初のアナログ化という点が大きい。90年代プログレの文脈を追ううえでも、バンドの出発点を知るうえでも、重要な一枚として扱われている。

トラックリスト

A1 – Rhythm Of Life (0:32)
A2 – Retropolis (11:10)
A3 – Rhythm Of The Sea (6:12)
B1 – There Is More To This World (10:15)
B2 – Romancing The City (0:57)
B3 – The Melting Pot (5:45)
C1 – Silent Sorrow (7:42)
C2 – The Judas Kiss (7:43)
C3 – Retropolis By Night (3:18)
D1 – Flora Majora (6:50)
D2 – The Road Back Home (8:55)
CD-1 – Rhythm Of Life
CD-2 – Retropolis
CD-3 – Rhythm Of The Sea
CD-4 – There Is More To This World
CD-5 – Romancing The City
CD-6 – The Melting Pot
CD-7 – Silent Sorrow
CD-8 – The Judas Kiss
CD-9 – Retropolis By Night
CD-10 – Flora Majora
CD-11 – The Road Back Home

Keats – Keats (1984)

Keats『Keats』について

Keatsは、The Alan Parsons Projectの周辺から生まれた短命なプロジェクトとして知られるユニットで、1984年に同名アルバム『Keats』を残している。中心には、The Alan Parsons Projectでおなじみのイアン・ベアーソン（g）、デヴィッド・ペイトン（b）、スチュアート・エリオット（ds）に、The Zombiesのコリン・ブランストーン（vo）、さらにCamelのピーター・バーデンス（key）が加わる布陣。英国のスタジオ・ロックらしい作り手がそろった作品で、当時のUKロック／ポップ・ロックの流れの中に置きやすい1枚だ。

制作背景と位置づけ

このアルバムは1983年12月から1984年3月にかけてロンドンのAbbey Road Studiosで録音されている。参加メンバーを見ると、The Alan Parsons Projectの延長線上にある企画であることがはっきりしていて、実際に音の設計も、演奏をきっちり積み上げるタイプの作品としてまとまっている。コリン・ブランストーンの声が前に出ることで、プログレッシブ・ロックの要素がありながらも、歌ものとしての輪郭も持っているところがこの盤の特徴になっている。

アーティストとしては、The Alan Parsons Projectの「外側」にあるが、関係者の顔ぶれを見れば、あの周辺の音作りをそのまま別名義で切り出したような立ち位置に近い。ピーター・バーデンスの参加もあって、Camel方面のリスナーにも接点がある構成だ。

音の印象

実際に聴くと、演奏の密度は高いが、過度に複雑へ振り切る感じではない。ギター、キーボード、コーラス、リズムが整った配置で進み、コリン・ブランストーンの柔らかい歌声がその上に乗るため、ロックの力感とポップな聴きやすさが同居している。派手な音色で押すというより、各パートの役割がはっきりしているタイプの作りだ。

とくに1980年代前半のUKらしい、整ったプロダクションの感触が強い。生楽器中心でありながら、音像はすっきりしていて、プログレ由来の構成感とポップ・ロックの分かりやすさが両方見える。The Alan Parsons Projectの整然とした質感や、ブランストーンのヴォーカルが持つ叙情性を思わせる場面もある。

同時代の文脈

1984年という時期は、UKロックの中でも、プログレの名残を持ちながらポップな方向へ寄せた作品がまだ一定数あった頃だ。この『Keats』も、その流れの中で理解しやすい。CamelやThe Alan Parsons Projectの周辺を思わせる人選でありつつ、バンド名義のアルバムとしてひとつにまとめた点が面白い。

Colin Blunstoneの歌声はThe Zombies時代からの流れを知ると、より印象がつかみやすい。派手にしゃべるような歌い方ではなく、音の隙間を埋めるように入ってくるので、編成の密度が高い曲でも耳に残りやすい。

収録形態と盤の情報

このUK盤は、Abbey Road Studiosでの録音、EMIからのオリジナル・サウンド・レコーディングとしてクレジットされている。インナー・スリーヴには歌詞とクレジットが収められていて、当時の英国盤らしい作りになっている。

録音: 1983年12月〜1984年3月、Abbey Road Studios, London
発売国: UK
レーベル表記: EMI Records Limited
クレジット: 歌詞・クレジット付きインナー・スリーヴ

まとめ

『Keats』は、The Alan Parsons Project周辺の演奏陣と、Colin Blunstoneのヴォーカルを軸にした、1984年のUKロック作品。プログレッシブ・ロックの構成感とポップ・ロックの聴きやすさが同居する、整理された作りのアルバムだ。参加メンバーの顔ぶれを知ったうえで聴くと、その位置づけがつかみやすい1枚になっている。

トラックリスト

A1 – Heaven Knows (3:57)
A2 – Tragedy (4:58)
A3 – Fight To Win (4:09)
A4 – Walking On Ice (3:30)
A5 – How Can You Walk Away (3:40)
B1 – Avalanche (4:05)
B2 – Turn Your Heart Around (3:42)
B3 – Hollywood Heart (3:44)
B4 – Ask No Questions (3:22)
B5 – Night Full Of Voices (3:56)

Various – Elèctric Tòxic Sò Vol.2: Sevilla (2004)

Various『Elèctric Tòxic Sò Vol.2: Sevilla』について

『Elèctric Tòxic Sò Vol.2: Sevilla』は、2004年にスペインで出たコンピレーション盤だ。スペインのポップ／ロック史に残る仕事をたどるシリーズ「Elèctric Tòxic Sò」の第2弾で、タイトルどおりセビリアの音楽家たちが1960年代末から1970年代初頭にかけて残した45回転シングルの音源を集めている。

このシリーズは、Àngel Fàbregasの仕事へのオマージュとして企画されたものとされている。収録曲は当時の7インチ盤からの抜粋で、今では入手しづらい音源をまとめて聴ける資料的な性格が強い。単独のアーティスト作品というより、地域と時代を切り取った編集盤として見るのが自然な一枚だ。

内容と聴きどころ

ジャンル表記はRock、Blues、Folk、World & Countryで、スタイルとしてはPsychedelic Rock、Prog Rock、Blues Rock、Folkが挙がっている。実際にこの手の編集盤で注目されるのは、サイケデリックな響き、ブルース寄りの演奏、フォーク由来のメロディーが同じ盤の中で並ぶところだ。大都市マドリードやバルセロナだけでなく、セビリアのローカル・シーンに目を向けた内容になっている点も、この盤の性格をよく表している。

オリジナルの45回転盤からの収録なので、曲ごとのまとまりが強く、アルバムとしての統一感よりも、各シングルの個性が前に出やすい構成だ。60年代末から70年代初頭のスペイン音楽に見られる、英米ロックの影響と地元の感覚が交わるあたりを追ううえで、わかりやすい入口になっている。

パッケージと盤の仕様

2004年盤は、シングルサイズのカバーに箔スリーブを組み合わせた仕様で、さらに収録バンドのプロモ写真を使った折りたたみポスターが付属する。編集盤としては、音源だけでなく当時の空気感を視覚面でも伝える作りだ。

ランアウトには両面とも手彫りの刻印が入り、片面ずつに「-10182-」がスタンプされている。こうした物理的な情報も、インディペンデントな再編集盤らしい手触りを残している。

位置づけ

『Elèctric Tòxic Sò Vol.2: Sevilla』は、オリジナルのアーティスト作品というより、スペインの地方シーンを再発見するための編集盤として位置づけられる。特定の一組を追う盤ではないが、セビリア周辺の60年代末〜70年代初頭のシングル文化をまとめて確認できる点に価値がある。スペインのサイケデリック・ロックやブルース・ロック、フォーク・ロックの文脈を、地域単位でたどれる一枚だ。

トラックリスト

A1 – Ensayo Nº1 (3:20)
A2 – Sitting In My Old Way Of Home (2:15)
A3 – Blues Adventure (3:30)
A4 – Scouting (4:00)
A5 – When I Try To Find The Right Time (2:47)
Bonus Track
A6 – Pretendo (3:59)
–
B1 – Love Me Baby (4:10)
B2 – I Feel Tired (2:56)
B3 – Sonetto (3:48)
B4 – Cansado Me Encontré (2:45)
B5 – Strange Ways (3:56)
Bonus Track
B6 – Ven A Mi (2:20)

Arkus – 1914 (1981)

Arkus『1914』（1981）について

Arkusはオランダのプログレッシブ・ロック・バンドで、『1914』は1981年にオランダで出た作品だ。ジャンル表記はRock、スタイルはSymphonic Rock。バンド名から受ける印象どおり、曲の構成や展開を重視したタイプの作品として位置づけられる。

メンバーはRon Willems, Erik Van Duin, John Bouman, Frans Smits, Jan-Henk Wiggelinkhuizen。この編成で制作された『1914』は、Arkusにとってタイトル初出年のリリースとなる。

作品の輪郭

シンフォニック・ロックという枠の中で見ると、1970年代の英国プログレの流れを受けつつ、80年代初頭の時点でその語法を保っている作品という印象が強い。オランダの同時代プログレには、KayakやSupersisterのように、鍵盤を軸にした組み立てや組曲的な構成を持つバンドがいるが、Arkusもその文脈で語られることが多いタイプのバンドだ。

タイトルの『1914』は、20世紀初頭の年号をそのまま掲げた作品名で、アルバム全体に物語性やコンセプト性を感じさせる作りになっている。プログレッシブ・ロックでは、こうした歴史的な年号や具体的な主題をタイトルにする例は珍しくない。

盤の仕様について

1981年のオランダ盤には、黒地に白文字のラベルの版と、黒地にオレンジ文字のラベルの版がある。後者はジャケット裏面に「een produkt van Telstar – Postbus 70 – Weert」の表記が加わる仕様とされる。今回の盤は前者の黒ラベル・白文字の版にあたる。

聴きどころの見え方

この時代のシンフォニック・ロックは、長い展開、鍵盤の比重、パートごとの切り替えが聴きどころになりやすい。『1914』もそうした作りを持つ作品として捉えやすく、リズムの運びとメロディの積み重ねが中心にあるタイプだ。派手なロック・ヒットを前面に出す作品というより、アルバム単位で流れを追う性格が強い。

Arkusのディスコグラフィの中では、80年代初頭のオランダ産シンフォニック・ロックを示す一枚として見やすい。オランダのプログレ文脈に興味がある場合には、当時の国産バンドの作り方を知る手がかりになる作品だ。

まとめ

Arkus『1914』は、1981年のオランダ産シンフォニック・ロック作品。バンドの編成、タイトルの持つ歴史性、黒ラベル盤の存在など、80年代初頭のローカル・プログレらしい要素がまとまっている。大きなヒット曲を軸にした作品ではなく、アルバム全体の構成で聴かせるタイプの一枚として整理できる。

トラックリスト

A1 – Overture (4:09)
A2 – Life (7:34)
A3 – Scared (6:38)
B1 – No Chance (8:19)
B2 – Adorable Woman (6:06)
B3 – 1914 (5:40)

Adam And The Ants – Kings Of The Wild Frontier (1980)

Adam And The Ants『Kings Of The Wild Frontier』

Adam And The Antsの2作目のスタジオ・アルバム『Kings Of The Wild Frontier』は、1980年にリリースされた作品です。英語圏のニューウェーブ、ポップ・ロックの流れの中で、Adam AntことStuart Goddardを中心にしたこのバンドが、一気に広い層へ名前を広げていくきっかけになった1枚として知られています。

この時期のAdam And The Antsは、初期のパンク寄りの編成から一度大きく形を変えたあと、Marco Pirroniらを含む新しいラインナップで活動していた時期です。Burundi風のドラム・アプローチが特徴として語られることが多く、当時の英国ニューウェーブの中でも、リズムの立て方がかなり印象に残るバンドだった。

作品の位置づけ

本作は、バンドにとって商業的な飛躍につながったアルバムです。1981年にはイギリスで最も売れたアルバムになり、翌1982年のBrit AwardsではBest British Albumも獲得しています。Adam And The Antsの名を、カルト的な存在からメジャーな存在へ押し上げた作品、と見てよさそうです。

US盤では英国盤と収録曲順が異なり、“Making History”の代わりに、Adam AntがMarco Pirroniと組む前に書いた曲である“(You’re So) Physical”と“Press Darlings”が入っています。こうした差分は、同じアルバムでも地域ごとの聴かれ方が少し違っていたことを示している。

サウンドと聴きどころ

このアルバムでまず耳に残るのは、打楽器の強い押し出しと、曲の輪郭をはっきりさせるギター、そしてAdam Antの歌い回しです。ニューウェーブの軽さだけでなく、行進曲のような推進力や、やや演劇的な構えも前に出ている。

タイトル曲の“Kings Of The Wild Frontier”は、その後のバンドのイメージを決定づける代表曲のひとつ。さらに“Antmusic”も重要で、初期のUK盤ではフェードインで始まる別バージョンが入っていましたが、ヒット後の流通分では、よく知られたドラムスティックのイントロを持つ7インチ・シングル・ミックスに差し替えられています。シングルの成功がアルバムの印象にも影響した例と言えそうです。

同時代とのつながり

Adam And The Antsは、1970年代末から1980年代初頭のパンク後の動き、いわゆるポスト・パンクやニューウェーブの文脈で語られることが多いバンドです。ただ、このアルバムでは単なる当時の流行に収まらない、独自のリズム感と見せ方がはっきりしている。英国のニューウェーブ勢の中でも、同時代のバンドと比べて視覚面・パフォーマンス面の存在感が強いグループだった。

バンドの初期はパンク寄り、のちに新しい編成で大きく成功する、という流れも含めて、Adam And The Antsの転換点を示す作品として捉えやすい1枚です。

US盤について

今回のUS盤は1980年リリースで、Rockfield Studiosで1980年8月に録音された内容に基づくものです。ライナーやレーベル表記にも、他の版と細かな違いがある。内袋には歌詞とナンバー表記があり、写真や映像スチルは入っていません。

また、このUS盤ではレーベル面のクレジット表記に、他の版と異なる書式の違いが見られる。曲名と作曲クレジットの並びが一部で分かれている点など、盤ごとの仕様差が確認できる内容です。

まとめ

『Kings Of The Wild Frontier』は、Adam And The Antsが初期のカルト的な評価から広く知られる存在へ変わっていく過程を示すアルバムです。“Kings Of The Wild Frontier”や“Antmusic”のような代表曲を軸に、リズムの強さとポップな押し出しがはっきりした作品として残っている。

1980年という年のニューウェーブの空気の中で、特に輪郭のはっきりした1枚として位置づけられる作品です。

トラックリスト

A1 – Dog Eat Dog (3:07)
A2 – “Antmusic” (3:36)
A3 – Los Rancheros (3:28)
A4 – Feed Me To The Lions (2:59)
A5 – Press Darlings (4:12)
A6 – Ants Invasion (3:20)
A7 – Killer In The Home (4:19)
B1 – Kings Of The Wild Frontier (3:53)
B2 – The Magnificent Five (3:05)
B3 – Don’t Be Square (Be There) (3:29)
B4 – Jolly Roger (2:09)
B5 – Physical (You’re So) (4:26)
B6 – The Human Beings (4:24)

Traffic – John Barleycorn Must Die (1970)

Traffic『John Barleycorn Must Die』について

Trafficの『John Barleycorn Must Die』は、1970年に発表されたアルバムで、Steve Winwood、Jim Capaldi、Chris Woodを中心にした再結成期の作品だ。英ロック・バンドとしてのTrafficは、サイケデリック・ロックの出発点から、鍵盤、管楽器、即興性を取り入れた音作りへと進んでいったが、この作品ではその流れがかなりはっきり出ている。フォーク・ロック、ブルース・ロック、ジャズ・ロック、プログレッシブ・ロックが自然に混ざった内容で、バンドの転換点にあるアルバムとして見られることが多い。

作品の位置づけ

Trafficはいったん1969年に解散し、その後1970年にこのアルバムで再始動した。つまり『John Barleycorn Must Die』は、バンドにとって再出発の1枚という性格が強い。前作までのポップ寄りの感触よりも、演奏の比重が上がり、曲ごとの展開も長めで、メンバーそれぞれのプレイを聴くアルバムになっている。

Steve Winwoodの歌と鍵盤、Chris Woodの管楽器、Jim Capaldiのドラミングが軸にあり、Trafficらしいアンサンブルの感触がよく出る。後のTrafficを考えるうえでも、このアルバムは重要な起点になっている。

タイトル曲とその背景

タイトル曲「John Barleycorn」は、イングランドの民謡として知られる古い題材をもとにしている。ノートにもある通り、Cecil Sharpeが20世紀初頭に収集した歌のひとつで、麦から作られる酒や収穫をめぐる寓意として語られることが多い。歌詞の解釈には幅があり、単純にひとつへ決めつけられるものではない。

Traffic版では、この伝承曲をロック・バンドの演奏に置き換えている。アコースティックな手触りと、バンドならではの間の取り方が合わさっていて、民謡由来の素材を70年代ロックの文脈に引き寄せた例としても興味深い。

サウンドの特徴

このアルバムでは、フォーク由来の曲調と、ブルース、ジャズ寄りの展開が同居している。派手なギミックで押すタイプではなく、楽器同士の受け渡しや、フレーズの間合いで聴かせる場面が多い。Steve Winwoodのボーカルは前に出すぎず、曲の流れの中で自然に収まっている。

Trafficは同時代のバンドの中でも、The Beatles由来のメロディ感を残しつつ、即興性や管楽器を取り入れた点で独自性がある。比較対象としては、より即興色の強いジャズ・ロック勢や、同時期に拡張したプログレッシブ・ロックの流れが思い浮かぶが、Trafficはそこにブルースの感触を残しているところが特徴だ。

代表曲について

この作品では、タイトル曲「John Barleycorn」が最も知られている。民謡を素材にした楽曲としての認知度が高く、Trafficの代表曲のひとつとして扱われることが多い。アルバム全体を見ても、この曲の存在感は大きく、作品の中心に置かれている。

また、アルバムは一曲だけが突出するというより、曲順全体で流れを作るタイプの作りだ。個々の楽曲よりも、アルバム単位で聴いたときに輪郭が見えやすい内容になっている。

1979年の日本盤について

今回の盤は1979年の日本盤で、Toshiba EMI製。青いIslandレーベルに「ROCK GREATEST 1500」の表記があり、帯には¥1500の価格表示がある仕様だ。オリジナルの1970年盤とは別に、日本で再発された盤としての位置づけになる。

日本盤ならではの要素としては、帯や価格表示、国内流通向けの体裁が挙げられる。内容面はもちろんアルバム本編が中心だが、当時の日本盤らしいパッケージの違いもコレクション上の見どころになる。

まとめ

『John Barleycorn Must Die』は、Trafficの再始動を告げるアルバムであり、民謡の再解釈、演奏重視の構成、ジャズやブルースを含む広いロック感覚がまとまった作品だ。1970年のオリジナル盤としても、1979年の日本盤としても、バンドの節目を示す1枚として位置づけられる。

Trafficの中でも、Steve Winwoodを中心にしたバンドの方向性がはっきり見える作品で、70年代初頭の英ロックの空気を知るうえでも押さえておきたいタイトルだ。

トラックリスト

A1 – Glad (6:58)
A2 – Freedom Rider (5:24)
A3 – Empty Pages (4:33)
B1 – Stranger To Himself (3:50)
B2 – John Barleycorn (6:20)
B3 – Every Mother’s Son (7:04)

Janko Nilovic – Chorus (1974)

Janko Nilovic『Chorus』について

Janko Nilovicは、ギリシャ系・モンテネグロ系の作曲家、編曲家、指揮者、キーボード奏者、パーカッショニスト、ヴォーカリスト、プロデューサー。1941年にイスタンブールで生まれ、1960年以降はフランスを拠点に活動してきた。クラシック、ジャズ、ファンク、ポップ、サイケデリック、イージーリスニングまで幅広く手がけてきた人物で、ライブラリー音源を中心に多くの作品を残している。

『Chorus』は1974年作として扱われるアルバムで、フランス盤は2001年にPulp Flavor Recordingsから再発された。レーベル表記では、MP.34の再発盤にあたる。

作品の輪郭

この盤は、ジャズ、ポップ、ステージ／スクリーン向けの要素を含みつつ、ソウル・ジャズ、ジャズ・ファンク、ヴォーカルの感触が前面に出る内容。Nilovicらしい、リズム隊の動きとアレンジの組み立てが軸になっている作品として聴こえる。

同時代のフランス産ライブラリーや、欧州のジャズ・ファンク周辺と並べて語られることの多いタイプの音で、演奏の切り替えや編曲の運びに重点が置かれている印象。Nilovicの作品全体に通じる、実用音楽と鑑賞用音源のあいだを行き来する作りが見える盤でもある。

アーティストにとっての位置づけ

Nilovicは一般流通のアルバムよりも、ライブラリー・レーベルに残した仕事で知られる。そうした文脈の中で『Chorus』は、彼の作編曲の手際や、ジャズ・ファンク寄りの語法を確認できる一枚として捉えやすい。のちにヒップホップでサンプリングされた楽曲群が注目されるが、その土台にあるのは、この時代の緻密なアレンジとグルーヴの作り込みだといえそうだ。

再発盤としてのポイント

本盤は2001年の再発盤。オリジナルの1974年盤と比べると、現行の流通で手に取りやすい形になっている点が大きい。クレジット上ではPulp Flavor Recordingsによる再発で、オリジナルの時代性を持つ内容を、後年の盤として聴ける仕様になっている。

まとめ

『Chorus』は、1974年のJanko Nilovicをフランスのジャズ・ファンク／ライブラリー音楽の文脈で捉えられる作品。ヴォーカルを含む構成と、ステージ／スクリーン向けの実用性を感じさせる作りが同居した一枚で、Nilovicの幅広い作家性を確認しやすい盤として位置づけられる。

トラックリスト

A1 – Mornings (2:22)
A2 – Chorus (2:16)
A3 – The Third Power (3:03)
A4 – One Together (2:37)
A5 – Ilion (3:00)
A6 – Boom Bang (1:52)
B1 – Christmas Roses (3:04)
B2 – Hommage A Pelé (3:07)
B3 – Vox Humana (3:07)
B4 – Mrs. Brown (2:26)
B5 – Magical World (2:26)
B6 – Down Down (2:20)

Jarka – Morgue O Berenice (1972)

Jarka「Morgue O Berenice」について

Jarkaは、スペインのカタルーニャ地方を背景にしたブルース／フォーク／サイケデリック系のグループで、メンバーには後にジャズ・ピアニストとして知られるJordi Sabatesが参加している。そうした出自をそのまま映すように、この「Morgue O Berenice」も、ジャズ、ロック、フォーク、ワールド・ミュージックの要素が交差する作品として扱われている。オリジナルのリリースは1972年、ここで取り上げる盤は2010年発行の再発盤になる。

作品の位置づけ

Jarkaは、単独の人気曲で広く知られるタイプというより、時代と土地の空気を反映したグループとして捉えられる存在だ。「Morgue O Berenice」は、その活動の中でも、当時のスペインで進んでいた実験性の強いロックや、ジャズ寄りの即興感、フォーク由来の素朴さが同居する一枚として位置づけられるだろう。メンバー構成にはJordi Sabates、Pedro Van Eeckout、Alfonso De Lucas、Danny Somoza、Tom Furgalの名前が並ぶ。

再発盤について

2010年盤は500枚限定のリリースで、Om & Jarkaという27ページのブックレットが付属する。本文はMarc Argenterによるものとされている。また、盤面にはwww.gzdm.czが製造・印刷元として示されている。オリジナル1972年盤と比べると、音源そのものに加えて資料性を補う構成になっている点が、この再発盤の特徴といえる。

音楽的な文脈

1970年代前半のスペインでは、ロック、フォーク、ジャズが近い距離で交わる作品が各地で生まれていた。「Morgue O Berenice」もその流れの中で聴かれる一枚で、自由度の高いジャズ的な展開と、フォーク由来の楽器感や構成意識が同居している。欧米の同時代作品と並べて語るなら、プログレッシブ・ロック周辺の実験性や、アシッド・フォーク、フリー・ジャズの感触が近い文脈として見えてくる。

まとめ

「Morgue O Berenice」は、Jarkaというグループの背景にあるカタルーニャの音楽文化と、1970年代初頭の実験的な空気を伝える作品だ。Jordi Sabatesの存在も含め、後年のジャズ文脈から振り返っても興味深い一枚で、2010年の限定再発盤ではブックレット付きという形でその周辺資料も補われている。

トラックリスト

A1 – Superman Fallido (5:48)
A2 – Moyenne Girl (4:16)
A3 – Occidente (5:45)
B1 – Morgue O Berenice (4:45)
B2 – Esquizofrenia (5:45)
B3 – Duet (3:50)
B4 – Woody’s Rag (2:04)

Don Henley『Building The Perfect Beast』について

作品の位置づけ

収録曲とヒット曲

音の特徴

同時代との関係

日本盤の仕様

まとめ

トラックリスト

関連動画

Arthur Brown『Faster Than The Speed Of Light』について

作品の位置づけ

サウンドと内容

ジャケット外の仕様と盤情報

聴きどころ

まとめ

トラックリスト

関連動画

Cosmic Ray『Living Today Phase One』について

作品の輪郭

同時代の文脈

聴きどころの見方

まとめ

トラックリスト

Kano『Kano』について

作品の位置づけ

サウンドの特徴

代表曲との関係

2021年盤について

まとめ

トラックリスト

関連動画

The Byrds『Mr. Tambourine Man』について

作品の位置づけ

代表曲「Mr. Tambourine Man」

聴きどころ

このUS盤について

まとめ

トラックリスト

関連動画

Various『Reimagining The Court Of The Crimson King』について

作品の位置づけ

ジャンルと時代背景

聴きどころとして見えてくる点

レーベル情報とリリース概要

トラックリスト

関連動画

Bakmak『Out Of The Blue』について

作品の位置づけ

日本盤について

聴きどころ

まとめ

トラックリスト

関連動画

Little River Band『Time Exposure』について

作品の位置づけ

聴きどころ

代表曲について

メンバー構成

まとめ

トラックリスト

関連動画

The Mops『モップスと16人の仲間』について

作品の位置づけ

モップスの文脈と比較

作品にまつわるエピソード

聴きどころとして見えるポイント

基本情報

トラックリスト

関連動画

The Isley Brothers「Shout!」について

作品の位置づけ

聴きどころ

再発盤としての見方

同時代との関係

まとめ

トラックリスト

関連動画

Japan『Obscure Alternatives = 苦悩の旋律』（1978）について

作品の位置づけ

音の印象