Spirogyra『St. Radigunds』について

Spirogyraは、1967年にイングランド・ボルトンで結成された英国のフォーク／プログレッシブ系バンドで、中心人物はMartin CockerhamとMark Francis。St. Radigundsは1971年に発表された作品で、初期Spirogyraの姿を知るうえで重要な1枚として扱われることが多いアルバムだ。

バンド名は、後にBarbara Gaskinの歌声で知られる時期も含め、英国フォークの流れとロックの要素が近い距離にあるグループとして語られやすい。アコースティックな響きと、曲によっては組曲的な構成や展開を持つ点が、同時代のフォークロック系作品と並べて見られる背景になっている。

作品の位置づけ

St. Radigundsは、Spirogyraの初期作品として位置づけられるアルバムで、バンドの核となるMartin Cockerham、Mark Francisに加えて、Barbara Gaskin、Julian Cusack、Steve Borrillが参加している。メンバー編成を見るだけでも、後の活動へつながる人選がそろっていることがわかる。

この時期のSpirogyraは、英国のフォーク・リヴァイヴァルの流れの中にありながら、単純な弾き語り型では終わらないところが特徴になっている。ロックの演奏感と、フォーク由来の語り口が同居するあたりが、この作品の聴きどころになっている。

音楽性と聴きどころ

収録曲は、曲ごとに表情を変えながら進むタイプの作品として受け取られやすい。アコースティックギターを軸にした組み立て、複数の声の絡み、楽器の切り替えによる展開など、70年代初頭の英国フォークロックらしい手触りがある。

Barbara Gaskinの歌声は、このバンドの印象を決める大きな要素だ。声の出し方が前面に出る場面もあれば、アンサンブルの中で自然に溶け込む場面もあり、曲の性格をはっきり分けている。いわゆる大きなヒット曲で知られる作品というより、アルバム全体の流れで聴かれるタイプの記録という印象が強い。

同時代の比較でいえば、英国フォークの文脈ではFairport ConventionやSteeleye Spanのようなバンドがまず思い浮かぶが、Spirogyraはその中でもより室内楽的な組み立てや、素朴さと構成美のバランスに目が向くグループとして見られやすい。プログレ寄りの耳で拾うと、フォークの曲調の中に細かな展開がある点も面白い。

再発盤について

2021年盤は、オリジナルの1971年作をもとにした再発盤として扱われる。リリース情報では、high gloss laminated gatefold仕様、4面構成の12インチ折り込みカラーレイリーフレット、歌詞とテキストの掲載、ブラックの帯電防止プレーン・インナースリーヴが付く。オリジナル盤の記録とは別に、現行盤としてのパッケージ性が強い仕様になっている。

こうした再発盤は、音源そのものに加えて、ジャケットや付属物を含めて作品を見直す機会にもなる。特に歌詞やテキストがまとまって確認できる構成は、もともとアルバム単位での鑑賞に向いたSpirogyraの作品と相性がよさそうだ。

まとめ

St. Radigundsは、Spirogyraの初期を示す1971年のアルバムで、英国フォークロックの流れの中にある作品だ。Barbara Gaskinの歌声、アコースティック主体の演奏、曲ごとの展開の作り方など、バンドの基本形が見えやすい。2021年再発盤では、見開きジャケットと付属ブックレットを含む形で、その時代の空気を手元で確かめやすい仕様になっている。

トラックリスト

• A1 – The Future Won´t Be Long (4:27)
• A2 – Island (3:39)
• A3 – Magical Mary (6:20)
• A4 – Captain’s Log (2:00)
• A5 – At Home In The World (2:40)
• A6 – Cogwheels Crutches And Cyanide (6:00)
• B1 – Time Will Tell (5:32)
• B2 – We Were A Happy Crew (5:29)
• B3 – Love Is A Funny Thing (2:00)
• B4 – The Duke Of Beaufoot (8:02)

関連動画

• The Future Won’t Be Long
• Island
• Magical Mary
• Captain’s Log
• At Home in the World
• Cogwheels Crutches and Cyanide
• Time Will Tell
• We Were a Happy Crew
• Love Is a Funny Thing
• The Duke of Beaufoot

Kate Bush『Never For Ever』――1980年のKate Bushを押し広げた3作目

Kate Bushの『Never For Ever』は、1980年9月にリリースされた3作目のスタジオ・アルバムだ。前作までで確立していた独自の歌世界を保ちながら、より曲ごとの表情がはっきりした作品として知られている。ロックとポップの枠に収まりきらない書き方、歌い方、音の置き方が、この時点ですでにかなり強い。

日本盤は帯付きの見開きジャケット仕様で、歌詞の日本語インサートやファンクラブ案内も封入された。盤面そのものより、当時の日本向けリリースらしい情報量のある作りになっている。

作品の位置づけ

Kate Bushは1978年のデビュー以来、作家性の強い作品を継続して発表してきたが、『Never For Ever』はその中でも重要な節目にあたる。デビュー作『The Kick Inside』、続く『Lionheart』に続いて出たこのアルバムでは、作曲家としての視野がさらに広がっている。のちの作品ほど大作志向ではないが、歌詞の題材やアレンジの振れ幅はかなり広い。

全体を通して、ピアノを核にしつつ、打楽器、シンセサイザー、ギター、コーラスが場面ごとに入れ替わる。ひとつの雰囲気を長く引っぱるというより、曲ごとに景色が切り替わる構成だ。

代表曲とアルバムの流れ

この時期のシングルとして知られるのが「Babooshka」「Breathing」「Army Dreamers」だ。いずれもアルバムの中で存在感が大きい。

「Babooshka」は、フックの強いリフと物語性のある歌詞が印象に残る曲で、Kate Bushの代表曲のひとつとして挙げられることが多い。曲としての分かりやすさがありつつ、声の使い分けや言葉の運びに彼女らしさが出ている。

「Breathing」は、原子力と生命の不安を題材にした曲として知られ、A面の最後に置かれている。静かな導入から緊張感を積み上げていく流れで、80年代初頭のポップ・アルバムの中でもかなり異色の存在感がある。

「Army Dreamers」は、戦争と若者の喪失を描いた曲で、メロディは穏やかでも内容は重い。単純に派手なヒット曲というより、アルバム全体の温度を決める1曲という印象だ。

なお、後年にクリスマス期の楽曲として知られる「December Will Be Magic Again」も、この時期のシングルとして並ぶ。アルバム本編とは別の流れで出た曲だが、同時代のKate Bushの制作活動の広がりを示している。

曲ごとの手触り

『Never For Ever』は、1曲ごとの輪郭がはっきりしている。奇妙な題材を扱っていても、音の組み立てが散らかりすぎない。むしろ、短い曲でも場面転換が明確で、歌詞の細部とアレンジの相互作用で聴かせるタイプだ。

たとえば「Delius (Song of Summer)」のような曲では、題材の取り方そのものがKate Bushらしい。クラシックや文学、演劇的な感覚を、ロック／ポップのフォーマットにそのまま押し込まず、別の形に変えている。

一方で「The Wedding List」や「The Infant Kiss」のような曲では、物語を追う感覚が強く出る。歌声の抑揚とアレンジの切り替えで、短編を読むような感触がある。

同時代の文脈

1980年という時期を考えると、ニュー・ウェイヴやシンセ・ポップが広がる中で、Kate Bushはそのどこにも完全には属していない。実験性はあるが、前衛音楽として閉じてもいない。ポップの形式を使いながら、演劇性や文学性を強く持ち込んでいる点で、同時代の一般的なロック／ポップ作品とはかなり距離がある。

比較対象としては、同じく作家性の強い英国のポップ作家たちが思い浮かぶが、Kate Bushの場合は歌唱のレンジと曲構成の独特さが際立つ。ソングライターであり、歌手であり、作品全体の演出家でもある、という印象だ。

日本盤の仕様

この日本盤には、見開きジャケット、帯、両面印刷のインサートが付く。インサートには日本語歌詞が載り、Kate Bush Fan Clubへの案内も入っている。さらに「Babooshka」のシングル紹介用の小さな案内もあり、当時の日本盤らしい資料性がある。

曲順や収録内容はオリジナルの流れを踏まえているが、インサートの表記による再生時間が他国盤と少し異なる点もある。こうした差も、日本盤を手に取る楽しみのひとつだ。

まとめ

『Never For Ever』は、Kate Bushが初期の段階ですでに独自の語り口を完成させつつあったことを示すアルバムだ。ヒット曲の「Babooshka」、緊張感のある「Breathing」、物語性の強い「Army Dreamers」と、印象の異なる曲が並びながら、全体としてはひとつのまとまりを保っている。

1980年の作品として見ると、当時のポップやロックの流れから少し外れた場所で鳴っている感じがある。その距離感こそが、このアルバムの大きな特徴だ。

トラックリスト

• A1 – Babooshka (バブーシュカ) (3:20)
• A2 – Delius (Song Of Summer) (ディーリアス(夏の歌)) (2:49)
• A3 – Blow Away (For Bill) (死者たち (ビルに捧く)) (3:32)
• A4 – All We Ever Look For (わずかな真実) (3:45)
• A5 – Egypt (エジプト) (4:10)
• B1 – The Wedding List (ウエディング・リスト) (4:15)
• B2 – Violin (バイオリン) (3:14)
• B3 – The Infant Kiss (少年の口づけ) (2:55)
• B4 – Night Scented Stock (木の精は夜の香り) (0:48)
• B5 – Army Dreamers (夢みる兵士) (2:55)
• B6 – Breathing (呼吸) (5:25)

関連動画

• Kate Bush – Babooshka – Official Music Video
• Kate Bush – Breathing – Official Music Video
• Kate Bush – Army Dreamers – Official Music Video

Jethro Tull『A』について

Jethro Tullの『A』は、1980年に発表された13作目のスタジオ・アルバム。ブリティッシュ・ロックの文脈の中で、フルートを前面に出したイアン・アンダーソンの歌と演奏で知られるこのバンドが、80年代の入口で出した作品だ。録音は1980年5月16日から6月6日まで行われ、同年8月29日にUK、9月1日にUSで発売された。

バンドのキャリアの中では、70年代後半までのフォーク色や組曲的な長尺曲とは少し違う、より引き締まったバンド・アンサンブルが目立つ時期の作品として位置づけられる。メンバーにはイアン・アンダーソンに加え、マーティン・バレ、デイヴ・ペッグ、ジョン・グラスコック、ドン・エイリー、エディ・ジョブソン、そしてギターにトニー・アイオミが参加しているのが大きな特徴だ。

作品の輪郭

『A』はロックを基調にしたアルバムで、プログレッシブ・ロックの要素を残しながらも、80年という時代に合わせて音の整理が進んだ印象を受ける。演奏は密度がありつつ、過度に長大化しない構成でまとまっている。Jethro Tullらしいフルートの存在感は保たれつつ、ギター、キーボード、リズム隊の役割分担がはっきりした作りになっている。

実際に聴くと、70年代中期の大作主義とは違う、バンドとしての機動力が前に出る。音数は多いが、各パートの動きが比較的追いやすく、アレンジの整理されたアルバムという印象が強い。

同時代の流れの中で

1980年のロック界では、70年代プログレの大作路線が少しずつ姿を変えていった時期でもある。Jethro Tullもその流れの中で、従来のスタイルをそのまま繰り返すのではなく、よりコンパクトな曲作りへ寄っている。プログレッシブ・ロックの文脈では、YesやGenesisなどと同じく、70年代的な語法を80年代に持ち込む動きの一つとして見られることが多い。

その一方で、Jethro Tullは単なる“プログレ・バンド”というより、ブリティッシュ・ロックの中でフォーク、ブルース、室内楽的な感触を織り込んできたグループでもある。『A』では、その幅広さが比較的コンパクトな形で表れている。

注目曲とエピソード

このアルバムでは、タイトル曲の「A」が作品名と同じく中心的な存在として語られることが多い。アルバム全体の顔役として扱われやすい曲で、80年時点のバンドの方向性を示す一曲になっている。

また、トニー・アイオミの参加もこの作品の重要な話題だ。Black Sabbathのギタリストとして知られる彼が関わっていることで、Jethro Tullの中でも少し異なる硬質な感触が加わっている。メンバー表を見ても、当時のバンド編成が流動的だったことがわかる。

まとめ

『A』は、Jethro Tullが70年代の延長線上にいながら、1980年の空気に合わせて輪郭を整えたアルバム。フルート主体の個性はそのままに、バンド・サウンドを前に出した構成が印象に残る作品だ。プログレッシブ・ロックの流れを追う上でも、Jethro Tullのディスコグラフィーをたどる上でも、ひとつの節目として見えてくる。

トラックリスト

• A1 – Crossfire (3:51)
• A2 – Fylingdale Flyer (4:27)
• A3 – Working John, Working Joe (5:01)
• A4 – Black Sunday (6:33)
• B1 – Protect And Survive (3:22)
• B2 – Batteries Not Included (3:47)
• B3 – Uniform (3:30)
• B4 – 4.W.D. (Low Ratio) (3:37)
• B5 – The Pine Marten’s Jig (3:23)
• B6 – And Further On (4:19)

関連動画

• Jethro Tull – A [2021 Steven Wilson Remix] (Full Album) 2021

Tryad『… If Only You Believe In Lovin’』について

Tryadは、1970年代前半のニューヨークでJim Lasko、Jesse Lanzillotti、Norine Lyonsの3人によって結成されたグループだ。1972年にStorm King Recordsからアルバム『…If Only You Believe in Lovin’』を発表している。今回の盤は2017年リリースで、オリジナル作の再登場という位置づけになる。

作品の輪郭

このアルバムは、メロディを軸にしたフォークの感触に、ウェストコースト系のカントリー・ロック、さらにアシッド・フォーク寄りの要素が交わる作品として紹介されている。Rock、Folk、World, & Countryの枠に置かれながら、スタイル面ではFolk、Psychedelic Rockとしても整理されている。

クレジット上では、全曲がSun Sign Music（ASCAP）出版で、アレンジはJim YoungとTryad名義。インサートには歌詞が収録されている。盤としては、制作上の事情で実際のリリースが2017年まで遅れたという点も記録されている。

1972年作品としての位置づけ

Tryadの作品としては、1972年に出たこの1枚が中心になる。プロフィールからも、バンドの活動初期にまとまった形で残されたアルバムと見てよさそうだ。ニューヨーク発のグループながら、サウンドの方向性は当時のアメリカン・フォークロックやカントリー・ロックの流れと重なる部分がある。

同時代の耳で捉えるなら、こうした作風は西海岸のフォークロックや、より内省的なサイケデリック・フォークの流れと並べて語られることが多いタイプだろう。派手なロック色というより、曲の進行や歌の置き方で聴かせるアルバムという印象になりやすい。

リリース年について

オリジナルは1972年作だが、手元にある盤は2017年盤として扱うのが自然だ。つまり、作品そのものは1972年の記録で、現在流通している盤は後年に出た再発盤ということになる。再発盤では歌詞インサート付きで聴ける点が、当時盤との大きな違いとして残る。

まとめ

『…If Only You Believe In Lovin’』は、Tryadという三人組が残した1972年のアルバムで、フォークを基調にしたロック作品として整理できる一枚だ。ニューヨークのグループでありながら、内容は西海岸系のカントリー・ロックやアシッド・フォークの文脈にもつながる。2017年盤は、そのオリジナル作品をあらためて聴ける形にした再発盤として位置づけられる。

トラックリスト

• A1 – I’m Wonderin’ How I Ever Got That Way
• A2 – Columbia Tavern
• A3 – Uptown Suburb Alley
• A4 – The Coming Time Of Gone
• A5 – Something Sweet In Dying
• B1 – Country Way
• B2 – Spider Song
• B3 – Don’t Talk To Strangers
• B4 – Northern Journey
• B5 – Eulogy/Raga

関連動画

• Tryad — If Only You Believe In Lovin’ 1972 USA, Psychedelic, Folk Rock

Fireballet『Night On Bald Mountain』について

Fireballetは、1970年代半ばに北ニュージャージーで活動したシンフォニック・プログレッシブ・ロック・バンドである。『Night On Bald Mountain』は1975年に発表された作品で、ハードロック寄りの推進力と、当時のプログレッシブ・ロックらしい鍵盤中心の構成が並ぶ一枚として位置づけられる。

メンバーはJim Cuomo（リード・ボーカル、ドラム）、Brian Hough（キーボード、オルガン、ボーカル）、Ryche Chlanda（ギター、ボーカル）、Frank Petto（キーボード、シーケンサー、ボーカル）、Martyn Biling／Biglin（ベース、12弦ギター）に加え、Ian McDonaldがフルートとサックスで参加している。編成を見るだけでも、ギター主体のバンドというより、鍵盤と管楽器を含む多層的なアンサンブルを志向していたことがわかる。

作品の輪郭

本作は、硬質なロックのリフと、オルガンやシンセサイザーを軸にした展開が同居する内容である。プログレッシブ・ロックの文脈では、同時代のカンサス、スタイクス、ジェネシス周辺の流れを連想させる面がある一方、よりアメリカ的な直線性も感じられる構成である。

タイトル曲「Night On Bald Mountain」は、作品名をそのまま掲げた代表的な曲として扱われることが多い。クラシック由来の題名を持つ点も含め、70年代プログレッシブ・ロックらしい大仰さと物語性が前に出た印象である。

サウンド面の特徴

この盤はSansui QS Stereo-Quad compatible formatでミックスされており、通常のステレオ再生でも良好な結果を想定したうえで、QSデコーダー使用時には4チャンネル再生を狙った設計になっている。70年代中盤らしい、録音フォーマットへの意識が見える点である。

実際の聴感としては、低音とオルガンの厚み、ギターの前進感、そこにフルートやサックスが差し込まれることで、音数の多い編成が整理されて聴こえるタイプの作りに寄るはずである。とくにプログレッシブ・ロックの作品では、こうした分離の良さが楽曲の展開を追いやすくする要素になる。

1975年という位置づけ

1975年の時点で、プログレッシブ・ロックは既に大規模な組曲や演奏技術の競争が進んでいた時期である。その中でFireballetは、北米のバンドらしい骨太さを保ちながら、シンフォニックな構成を前面に出していた。派手さだけで押すのではなく、鍵盤とギターの役割分担で楽曲を組み立てる姿勢がこの作品の軸になっている。

Ian McDonaldの参加も注目点である。King CrimsonやForeignerで知られる人物で、フルートやサックスを加えることで、Fireballetの音像により鮮明な色合いを与えている。バンドの編成に外部の管楽器が入ることで、単なるハードロック盤とは違う輪郭が出ている。

レコードの仕様について

• オリジナル発表年: 1975年
• リリース国: US
• ジャンル: Rock
• スタイル: Hard Rock, Prog Rock
• 付属インサートはカバー内に収まらない大きさで、折りたたんで封入されていた
• Sansui QS Stereo-Quad compatible formatによるミックス

まとめ

『Night On Bald Mountain』は、70年代中盤のアメリカ産プログレッシブ・ロックの中でも、鍵盤、ギター、管楽器を組み合わせた編成がはっきり見える作品である。ハードロックの推進力とシンフォニックな展開が並び、当時の北米プログレの一断面を示す一枚として捉えやすい内容である。

トラックリスト

• A1 – Les Cathèdrales (10:16)
• A2 – Centurion (Tales Of Fireball Kids) (4:46)
• A3 – The Fireballet (5:15)
• B1 – Atmospheres (3:40)
• Night On Bald Mountain (Suite)
• B2a – Night On Bald Mountain (2:20)
• B2b – Night-Tale (6:28)
• B2c – The Engulfed Cathedral (4:38)
• B2d – Night-Tale (Reprise) (2:34)
• B2e – Night On Bald Mountain (Finale) (2:50)

関連動画

• Night-Tale
• Night-Tale (Reprise)
• Fireballet – Night On Bald Mountain(1975 USA Prog Rock )Full Album
• Fireballet 1975 Night On Bald Mountain
• Les Cathedrales
• Centurion
• The Fireballet
• Atmospheres
• Night On Bald Mountain
• Robot Salesman (Bonus Track)

Of Montreal『Jon Brion Remix EP』について

『Jon Brion Remix EP』は、Athens, Georgia出身のOf Montrealによる2009年の作品。バンドの中心人物であるKevin Barnesを軸に、初期は60年代ポップやサイケデリックの感触を通し、後年はエレクトロニカ、ファンク、グラム、アフロビートまで取り込んでいく、このバンドの変化がよく知られている。その流れの中にある1枚がこのEPだ。

ジャンル表記はElectronic、Rock、Pop。スタイルとしてはArt Rock、Pop Rock、Experimentalに置かれている。タイトルからもわかる通り、Jon Brionによるリミックスを中心にした内容で、Of Montrealの楽曲を別の切り口から聴かせる作品として位置づけられる。

作品の位置づけ

2009年のOf Montrealは、もともとのインディー・ポップ／サイケ寄りの感覚に加えて、より広い編成感や加工の強いサウンドへと進んでいた時期。そうした時代の流れの中で出たこのEPは、バンドの原曲をそのまま並べるのではなく、Jon Brionの手つきで再構成された音像を味わうタイプのリリースになっている。

Polyvinyl Record Companyのカタログでは、この作品は「An Eluardian Instance EP」としても参照されている。作品名の扱いに揺れがある点は、レーベル資料を追ううえで目に入る情報だ。

Of Montrealというバンドの文脈

Of MontrealはKevin Barnesのプロジェクトとして語られることが多いバンドで、メンバーの入れ替わりが多いことでも知られる。提示されているメンバー一覧からも、その流動性が見えてくる。Derek Almstead、Julian Koster、Dottie Alexander、K Ishibashi、Jojo Glidewellら、多彩な演奏家が関わってきた。

音楽的には、初期のポップ・サイケ路線から、PrinceやDavid Bowieを思わせる要素を取り込んだ時期まで幅がある。2000年代後半のインディー・ロック界では、同じくアート性の高いポップを扱うアーティストとして、Animal CollectiveやThe Fiery Furnacesのような名前と並べて語られることもあった流れ。

聴きどころ

リミックスEPという形式上、ここでの聴きどころは楽曲そのものの展開よりも、元の曲がどのように切り分けられ、別の質感に置き換えられているかという点にある。Jon Brionは、映画音楽やプロデュースでも知られる人物で、細かな音の配置や和声の扱いに特徴がある。その手癖がOf Montrealの楽曲に入ることで、原曲の輪郭が少しずつずらされるタイプの作品になっている。

Of Montrealの代表曲という文脈でいえば、この時期は『Hissing Fauna, Are You the Destroyer?』の流れが大きく、そこから派生する作品群のひとつとして見ると整理しやすい。バンドのコアなファンにとっては、アルバム本編とは違う角度で曲を確認できる資料的な意味合いもあるだろう。

まとめ

『Jon Brion Remix EP』は、2009年のOf Montrealを、Jon Brionのリミックスという形で切り取った1枚。アート・ロック寄りの構成感と、ポップな手触りが同居するバンドの性格が、そのまま別の編集で見えてくる作品だ。作品名の扱いに別表記がある点も含めて、Of Montrealのカタログを追ううえで押さえておきたいEPといえる。

トラックリスト

• A1 – First Time High (Reconstructionist Remix Of “An Eluardian Instance”) (4:03)
• A2 – First Time High (Of Chicago Acoustic Version) (4:34)
• B1 – Gallery Piece (JB Remix) (3:54)
• B2 – Gallery Piece (Long Version) (8:16)
• B2 – Gallery Piece (Instrumental) (3:54)

Flower Travellin’ Band『Satori』について

Flower Travellin’ Bandの『Satori』は、1971年に発表された日本のロック作品だ。バンドは、元The Flowers周辺の流れから1970年に結成され、Joe Yamanaka、Hideki Ishima、Jun Kobayashi、Joji Wadaという編成で活動した。いわゆる日本のロックが海外のハードロックやサイケデリック・ロックと強く接続していった時期の作品として知られている。

このアルバムは、Flower Travellin’ Bandの代表作として語られることが多い。バンドの初期を示すだけでなく、後の日本のヘヴィロックやアンダーグラウンドなロック作品を振り返るときにも、しばしば参照されるタイトルだ。

作品の位置づけ

『Satori』は、Flower Travellin’ Bandが短い活動期間の中で残した主要作のひとつで、バンドの輪郭をはっきり示す内容になっている。日本のバンドでありながら、演奏の密度や曲の進め方には、同時代の英米ロックに通じる要素が見える一方、歌唱やフレーズの運びには独自の色もある。

当時のサイケデリック・ロックやハードロックの文脈で見ると、同時代の作品群と並べて語られることが多い。たとえば、欧米の重厚なロックや長尺志向の作品と比較されやすく、Flower Travellin’ Bandの中でも特に存在感のある一枚として扱われている。

収録内容と聴きどころ

この作品は、曲ごとの展開を追っていくタイプのアルバムとして知られる。リリース情報にある通り、2019年盤は2017年の96kHz/24bitリマスター音源をもとにしたアナログ再発で、ディスクはEU製だ。オリジナルの1971年盤を直接聴くのとは少し事情が異なるが、現在入手しやすい形のひとつとして位置づけられる。

実際に聴いたときの印象として語られやすいのは、Joe Yamanakaの歌声の強さ、Hideki Ishimaのギターの粘り、リズム隊の重さだ。とくに、曲が進むにつれて音数を増やしながらも、演奏が散らばりすぎないところにこのバンドのまとまりがある。サイケデリックな色合いがありつつ、単なる雰囲気重視ではなく、ロック・バンドとしての推進力が前に出る作品という見方ができる。

2019年盤について

2019年の盤は、1971年オリジナル作品の再発盤だ。2017年のデジタル・リマスターを使っているため、オリジナル盤とは音の見え方が変わっている可能性がある。再発盤としては比較的新しいマスターを採用している点が特徴で、古い録音の空気を残しながら、現行の流通に乗せた仕様といえる。

盤ごとの違いに注目するなら、オリジナルの時代感をそのまま持つ初出盤と、リマスター由来の2019年盤では、聴感上の整理のされ方に差が出ることがある。もっとも、作品そのものの骨格は1971年の『Satori』のままだ。

Flower Travellin’ Bandというバンド

Flower Travellin’ Bandは、日本のロック史の中でも特に国際的な視点で語られやすいバンドだ。1970年に結成され、のちにカナダのトロントへ拠点を移したという経歴も含め、当時の日本のバンドとしてはかなり特異な歩みをしている。1973年にいったん解散し、2008年にはオリジナル・メンバーを中心に再結成している。

『Satori』は、そのバンド像を端的に示す一枚として受け止められている。日本のロックがどこまで行けるか、という問いに対して、かなり早い段階でひとつの答えを出した作品、と見ることもできる。

まとめ

『Satori』は、Flower Travellin’ Bandの代表的な1971年作品であり、日本のサイケデリック・ロックを語るうえで外しにくいタイトルだ。2019年盤は2017年リマスターを使った再発で、オリジナルの内容を現在のフォーマットで聴ける仕様になっている。バンドの演奏力、Joe Yamanakaの歌、当時のロック文脈との接点がまとまった一枚として、今でもよく参照される作品だ。

トラックリスト

• A1 – Satori Part 1 (5:22)
• A2 – Satori Part 2 (6:56)
• A3 – Satori Part 3 (9:40)
• B1 – Satori Part 4 (10:53)
• B2 – Satori Part 5 (6:56)

関連動画

• Satori Part I
• Satori Part II
• Satori Part III
• Satori Part IV
• Satori Part V

Joe Yamanaka『The Times』について

『The Times』は、Joe Yamanakaが1975年に発表した作品です。日本のヴォーカリストとして知られるJoe Yamanakaは、横浜生まれ。ソロ作としてのこのアルバムは、ロックを軸にしながら、サイケデリック・ロックの要素も感じさせる内容として位置づけられます。

Joe Yamanakaは1946年9月2日生まれ、2011年8月7日に横須賀で亡くなっています。彼の活動をたどるうえで、『The Times』は1970年代半ばの時期を示す一枚として見ておきたい作品です。

作品の概要

本作は日本で制作・発売されたアルバムで、1975年のオリジナル・リリースです。収録内容の詳細は、英語と日本語の歌詞、バンド写真、そして日本語ライナーを含む4ページのインサート付き。作品全体を通して、当時の国内盤らしい丁寧なパッケージングがうかがえます。

リリースノートには「We would dedicate this album to those who payed the first and strongest attentions those days.」という献辞が記されています。アルバムの背景に、当時この音楽に強く反応した人たちへの意識があったことが読み取れます。

Joe Yamanakaという存在

Joe Yamanakaは、日本のロック史の中でも独特の存在感を持つヴォーカリストです。英語詞を含む表現や、力強い歌声で知られ、ソロでもグループ活動でも印象を残しています。『The Times』は、その声の個性を前面に出しやすい時期の作品として受け止められます。

1970年代の日本のロックは、国内独自の発展をしながら、海外のロックやサイケデリック・ロックの影響も強く受けていました。本作もそうした流れの中に置いて考えやすい一枚です。

サウンドの印象

このアルバムは、ロックの骨格を持ちながら、サイケデリック・ロックらしい感触が入る作品として整理できます。Joe Yamanakaのヴォーカルが中心にあることは想像しやすく、歌そのものの存在感が聴きどころになっているはずです。

実際に聴くと、英語と日本語の両方がクレジットされている点からも、言葉の扱いに意識が向いた作品として受け取れます。歌詞の内容を追いながら聴く楽しみもあるタイプのアルバムです。

同時代の文脈

1975年という時期は、日本のロックがアルバム単位で存在感を強めていた頃です。海外のサイケデリック・ロックやハードなロックの影響を受けつつ、日本語・英語の使い分けや歌い方で個性を出す流れがありました。Joe Yamanakaの作品も、その時代性の中で見ておくと輪郭がつかみやすいです。

特定のヒット曲や代表曲については、今回の情報だけでは確認できません。少なくともこの盤では、アルバム全体のまとまりとヴォーカリストとしての表現が中心にあるようです。

まとめ

『The Times』は、1975年の日本におけるJoe Yamanakaの表現を示す作品です。ロックを土台に、サイケデリック・ロックの気配も持つ内容で、英語と日本語の歌詞、そして日本語ライナーを含むインサートが当時の作品性を補っています。

1970年代半ばの日本のロックをたどるうえで、Joe Yamanakaというヴォーカリストの存在を確認できる一枚です。

トラックリスト

• A1 – Satori Pt. II (5:56)
• A2 – Satori Pt. I (5:22)
• A3 – Shadows Of Lost Days (4:45)
• A4 – Hiroshima (5:15)
• B1 – Make Up (3:02)
• B2 – Look At My Window (11:42)
• B3 – Spasms (5:20)
• B4 – I Wanna See You (4:55)

関連動画

• Look At My Window
• Hiroshima
• Shadows Of Lost Days
• Satori Pt. I
• Satori Pt. II
• Spasms
• I Wanna See You

Mankind『Pophits』について

『Pophits』は、スウェーデンのポップ・ロック・バンド、Mankindが2020年に発表した作品である。クレジット上のメンバーは Alex Ceci、Fredrik Diffner、Oliver Boson、Art Onion。ジャンル表記はRock、スタイルはAlternative RockとPsychedelic Rockとなっている。

作品の輪郭

Mankindはスウェーデン出身のポップ・ロック・バンドとして紹介されており、『Pophits』でもその基本線ははっきりしている。タイトルの通りポップ寄りの感触を持ちながら、ロックの骨格を保ち、さらにオルタナティヴ・ロックとサイケデリック・ロックの要素が重なる位置づけの作品と読める。派手な説明を足さなくても、バンドの音像を端的に示す題名と編成になっている。

2020年というリリース時期を踏まえると、同時代の北欧ロックやインディー寄りのサウンドの文脈に置いて見ることができる。整ったメロディ感と、少し視界をゆらすようなサイケデリックな処理を両立させるタイプの作品として整理しやすい。

メンバー構成

• Alex Ceci
• Fredrik Diffner
• Oliver Boson
• Art Onion

4人編成であることが確認できる。クレジット上では、個々の役割までは読み取れないが、バンドとしてのまとまりを前提にした作品であることは分かる。

位置づけ

『Pophits』は、Mankindの活動の中で2020年に記録されたアルバムとして捉えるのが自然である。作品名からも、バンドのポップな側面を前面に出した一枚であることがうかがえる。オルタナティヴ・ロックの直線的な推進力と、サイケデリック・ロックの音の揺らぎを同じ盤面に置く作りは、北欧のロック作品でしばしば見られる組み合わせでもある。

聴きどころとして見えやすい点

実際の曲名や代表曲の情報は確認できないが、ジャンル表記からは、メロディを前に出しつつ、音の層で変化をつける構成が想像しやすい。ロックの土台にポップなフックを載せる形、そこへサイケデリックな処理を重ねる形、そうした作法の延長線上にある作品として見ておくと分かりやすい。

まとめ

Mankind『Pophits』は、スウェーデンのポップ・ロック・バンドによる2020年作として、ロック、オルタナティヴ・ロック、サイケデリック・ロックの要素を持つ一枚である。4人編成のバンド作品として、シンプルなポップ性とロックの輪郭を同時に示すタイトルになっている。

トラックリスト

• A1 – Colours (4:08)
• A2 – Waltzing Charade (4:59)
• A3 – Pickled Love (4:46)
• A4 – Faceless Stranger (3:56)
• A5 – Silent Treament (3:27)
• A6 – Tired (4:27)
• B1 – Happy Child (3:03)
• B2 – Heart On Sleeve (2:08)
• B3 – Mother Said (4:14)
• B4 – No Doubt In My Mind (7:23)
• B5 – Simple Is Good (1:55)

関連動画

• Silent Treatment
• Waltzing Charade
• Tired
• Heart on Sleeve
• Faceless Stranger
• Simple Is Good
• Pickled Love
• Mother Said
• Colours

Alberto Fortis『Fragole Infinite』（1982）

Alberto Fortisは、イタリアのシンガー・ソングライター。1955年生まれで、70年代後半から80年代にかけてイタリアのポップ／ロック・シーンで活動してきた人物だ。『Fragole Infinite』は1982年に発表された作品で、ロックを基調にしたポップ・ロック寄りの一枚として位置づけられる。

この作品はロンドンのAbbey Road Studios、Studios 2 & 3で録音されている。イタリアのアーティストが英国の大きなレコーディング拠点で制作した点は、当時の作品として見ても印象に残る要素だ。クレジット上ではPolyGram Dischi S.p.a. – Milanoによる1982年のリリースで、イタリア盤として登場している。

作品の位置づけ

Alberto Fortisは、イタリアのシンガー・ソングライターとして知られており、この時期の作品群の中でも1982年作の『Fragole Infinite』は、80年代初頭の彼の音楽を確認できるタイトルのひとつだ。アーティスト名義での活動を追ううえで、初期80年代の到達点のように見ることができる。

サウンドの印象

ジャンル表記はRock、スタイルはPop Rock。作品全体は、ロックの枠組みの中でメロディを前に出すタイプの作りとして捉えられる。録音先がAbbey Roadということもあり、音像の見え方や演奏のまとまりに意識が向く作品として受け取られることが多いはずだ。

ただし、ここでは断定は避けたいが、80年代初頭のイタリアのポップ・ロック作品らしく、歌を中心に据えた構成で聴かれる一枚と言える。英米のロック文脈を参照しつつも、イタリア語の歌ものとしての性格が前に出るタイプのアルバムだろう。

制作面の情報

• 録音場所: Abbey Road Studios, London（Studios 2 & 3）
• リリース国: Italy
• リリース年: 1982年
• レーベル表記: PolyGram Dischi S.p.a. – Milano
• 付属物: Printed inner sleeve

代表曲について

このレコードについて、ここで代表曲やヒット曲として確実に挙げられる情報は確認できない。収録曲単位での知名度を追うなら、別途トラックリストや当時のシングル情報と合わせて見ると、作品の輪郭がさらに見えやすくなる。

まとめ

『Fragole Infinite』は、Alberto Fortisが1982年にイタリアで発表したポップ・ロック作品。Abbey Roadで録音された点も含めて、制作の背景がはっきりした一枚だ。80年代初頭のイタリアのシンガー・ソングライター作品として、彼の活動をたどるうえで重要な位置にあるアルバムと見てよさそうだ。

トラックリスト

• A1 – Fragole Infinite (3:14)
• A2 – Due File (3:40)
• A3 – Ti Diro’ (3:41)
• A4 – Non Piu’ Di Tanto (2:46)
• A5 – L’Uomo Grande (2:51)
• A6 – Galli (3:29)
• B1 – Angelo (3:02)
• B2 – Suzy Body (2:50)
• B3 – Dimmi Di No (3:21)
• B4 – Liquido Breve Per Bibo (4:17)
• B5 – Neve (3:42)

関連動画

• Fragole Infinite (Remastered)
• Alberto Fortis – Fragole infinite Tour 1983

Midnight Oil『10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1』について

Midnight Oilの『10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1』は、1982年に発表された4作目のスタジオ・アルバム。オーストラリア・シドニーで1972年に結成されたロック・バンドが、80年代前半の時点でどんな音を鳴らしていたかが見える作品である。Peter Garrettの強い歌声、Jim MoginieとMartin Rotseyのギター、Rob Hirstのドラムを軸にした編成が、この時期のMidnight Oilの核になっている。

作品の位置づけ

このアルバムは、バンドの初期から中期へ移る段階にある作品として捉えやすい。Midnight Oilは後年、社会性の強いメッセージ性でも知られるが、1982年の時点では、ロックの推進力を前面に出しつつ、ニュー・ウェイヴの要素も取り込んだ時期にあたる。バンドの輪郭を保ったまま、より広い1980年代的なサウンドに接近していく流れの中にある一枚である。

サウンドの印象

実際に聴くと、演奏の芯はかなりはっきりしている。ギターは音数を詰め込みすぎず、リズムの切れ味を優先する場面が多い。Peter Garrettのヴォーカルは、メロディをなぞるというより、言葉を押し出すような歌い方で、曲全体の緊張感を支える役割が大きい。ロックの骨格の上に、当時らしい乾いた質感のアレンジが乗る構図で、派手さよりも推進力が残るタイプの内容である。

ニュー・ウェイヴ色は、リズムや空気の作り方に出ている。とはいえ、シンセ主体の音作りに寄るわけではなく、あくまでバンド演奏中心。そのため、同時代のオーストラリア／UK圏のロックと並べたときにも、演奏の前に出る力が目立つ。

同時代の文脈

1982年のロック周辺では、ポスト・パンク以後の流れを受けたニュー・ウェイヴ、タイトなギター・ロック、ラジオ向けのフォーマットが同時に並走していた。Midnight Oilはその中で、単なるポップ寄りでも、純粋なハード・ロック寄りでもない位置にいる。The PoliceやU2の初期作品に通じる、輪郭のはっきりしたリズムとギターの組み方を思わせる局面もあるが、Midnight Oilのほうがより直線的で、熱量を前に出す場面が多い印象である。

代表曲について

このアルバムからは「Power and the Passion」が知られている。バンドの代表曲のひとつとして触れられることが多く、攻めるリズムと覚えやすいフックが両立した楽曲である。Midnight Oilの初期の勢いをまとめて示す曲として、このアルバムを語るうえで外しにくい存在だろう。

初回盤の仕様

初回プレスには「Oil Rag」と呼ばれる紙が付属していたとされる。こうした付属物は、当時のアルバムを手に取った感覚を伝える要素でもあり、盤そのものの情報としては小さいが、初期流通盤らしさを示すポイントになっている。

バンドの流れの中で

Midnight Oilは、メンバー編成が比較的安定していたバンドとして知られる。Peter Garrett、Jim Moginie、Martin Rotsey、Rob Hirstを中心に、ベースにはAndrew James、のちにPeter Giffordが加わる。このアルバムの時点では、まだ初期の編成感が色濃い時期で、バンドの基礎体力がそのまま作品に出ている。

まとめ

『10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1』は、Midnight Oilが1980年代前半のロックの中で、自分たちの推進力を固めていた時期の記録として聴きやすい一枚である。ギター・バンドとしての骨組み、Peter Garrettの存在感、そして当時のニュー・ウェイヴ感覚が、過不足なくまとまっている作品だと思える。

トラックリスト

• A1 – Outside World (4:46)
• A2 – Only The Strong (4:36)
• A3 – Short Memory (4:54)
• A4 – Read About It (3:50)
• A5 – Scream In Blue (5:42)
• B1 – U.S. Forces (4:06)
• B2 – Power And The Passion (5:50)
• B3 – Marlinga (4:46)
• B4 – Tin Legs And Tin Mines (4:51)
• B5 – Somebody’s Trying To Tell Me Something (4:00)

関連動画

• Midnight Oil – Power and the Passion
• Midnight Oil – US Forces
• Midnight Oil – 10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1 (1982) [Album]
• Midnight Oil – 4 – Read About It – 10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1 (1982)
• Midnight Oil – 5 – Scream In Blue – 10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1 (1982)
• Midnight Oil – 7 – Power And The Passion – 10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1 (1982)
• Short Memory (Remastered Version)
• Only The Strong (Remastered Version)
• Scream In Blue (Remastered Version)
• Midnight Oil – 6 – U.S. Forces – 10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1 (1982)

Lift『Spiegelbild』(1981)

『Spiegelbild』は、東ドイツのロック・バンド、Liftが1981年に発表した作品。バンドはもともと1969年にとして始まり、1973年1月23日に現在のLiftへ改名している。つまり、グループとしては1960年代末から活動を続けてきた、かなり長い歴史を持つバンドの1981年盤という位置づけになる。

Liftというバンドの流れ

Liftは、東ドイツのロック史の中でもよく語られる存在。ロックを土台にしながら、シンフォニック・ロック、プログレッシブ・ロック、ポップ・ロックの要素を取り込み、長い活動の中で編成も変化してきた。提示されているメンバー名も多く、時期ごとに人員の入れ替わりがあったことがうかがえる。

この『Spiegelbild』も、そうしたLiftの歩みの中で出た1981年作品として見ると、バンドの成熟した時期の記録という印象が強い。東ドイツのロック・シーンでは、演奏力を前提にした組み立てのしっかりした作品が多く、Liftもその文脈の中で語られることが多いバンドだ。

音の特徴

この作品は、ジャンル表記としてRock、Pop、スタイルとしてSymphonic Rock、Pop Rock、Prog Rockが挙がっている。実際の聴感としても、ロックの骨格に、鍵盤やアレンジの厚みを持たせたタイプの作品として受け取られることが多いはずだ。リフやメロディを前面に出しつつ、曲の流れを大きく取る作りがLiftらしいところ。

歌を中心に据えながらも、単純なポップス寄りに寄り切らず、展開や間の取り方にプログレ的な感触が残る。とはいえ難解さを押し出す方向ではなく、曲としての輪郭を保ったまま進むあたりに、この時期のLiftの持ち味がある。

1981年という時期の位置づけ

1981年は、Liftにとって活動歴の中盤以降にあたる時期。デビュー直後の勢いをそのまま残すというより、バンドとしての作法が固まったあとに出る作品の雰囲気がある。東ドイツのロックという枠の中でも、派手な実験性より、演奏とアンサンブルの安定感が印象に残る年代だ。

同時代の文脈で見ると、英国のシンフォニック・ロックやプログレッシブ・ロックの影響を感じさせつつも、Liftの場合はより歌ものの感覚、つまりメロディの分かりやすさが前に出やすい。そういう意味では、欧州のロック・バンド群の中でも、組曲性一辺倒ではない立ち位置にある。

作品としての見どころ

『Spiegelbild』というタイトル自体は「鏡像」を意味するので、曲順やアルバム全体の構成を意識して聴くと、バンドの内側を映すような感覚がある。Liftの作品は、単曲の強さだけでなく、アルバム単位で流れを追うとまとまりが見えやすいタイプだ。

代表曲の明示的な情報はここでは挙げられていないが、Liftの作品群では、バンド名を広く知らしめた楽曲や歌詞で語られる曲がいくつかある。『Spiegelbild』も、その時期のLiftのサウンドを知るうえで外しにくい一枚として扱われることが多い。

まとめ

『Spiegelbild』は、東ドイツのLiftが1981年に残したロック作品。シンフォニック・ロック、ポップ・ロック、プログレッシブ・ロックの要素を持ちながら、演奏のまとまりと歌の流れを重視した作りが特徴の一枚だ。バンドの長い歴史の中で、成熟した時期のLiftを映す作品として見てよさそうだ。

トラックリスト

• A1 – Rückblick (0:45)
• A2 – Sindbad (3:29)
• A3 – Märchenland (3:58)
• A4 – Alptraum (3:01)
• A5 – Erinnerung (4:27)
• A6 – Am Abend Mancher Tage (3:45)
• B1 – Zwischenzeit (4:04)
• B2 – Liebeslied (2:40)
• B3 – Vincent Van Gogh (8:27)
• B4 – Einsamkeit (3:05)

関連動画

• Rückblick
• Sindbad
• Märchenland
• Alptraum
• Erinnerung
• Am Abend mancher Tage
• Zwischenzeit
• Liebeslied
• Vincent van Gogh
• Einsamkeit

Mahavishnu Orchestra『Apocalypse = 黙示録』について

Mahavishnu Orchestraは、1971年にニューヨークで結成されたジャズ・フュージョン・バンドだ。John McLaughlinを中心に、ロックの強い推進力と、ジャズ由来の高度なインプロヴィゼーションを前面に出したグループとして知られている。『Apocalypse』はその1974年作で、McLaughlin率いる第2期の代表的な1枚にあたる。

日本盤は1978年リリースで、邦題は『黙示録』。ジャケットやタイトルの印象どおり、厳しさのある緊張感を持ったアルバムとして扱われることが多い。レコード情報にある通り、日本製プレスの盤で、当時の国内盤として流通したものだ。

作品の位置づけ

Mahavishnu Orchestraといえば、まず1971年から1973年にかけての初期編成がよく語られるが、『Apocalypse』はメンバーを一新した第2期の流れにある。John McLaughlinに加え、Jean-Luc Ponty、Gayle Moran、Ralphe Armstrong、Narada Michael Waldenといった面々が参加し、初期の爆発力とは少し違う、より組曲的で構成のはっきりした演奏が目立つ時期だ。

この時代のMahavishnu Orchestraは、同時代のフュージョンの中でも、Weather ReportやReturn to Foreverのような流麗さより、演奏の密度と切迫感が前面に出るタイプとして語られやすい。ロック寄りの入口から入っても、展開の多さやアンサンブルの複雑さでジャズ側に引き寄せられる感じがある。

内容と聴きどころ

『Apocalypse』は、演奏の瞬発力だけで押し切るというより、テーマの提示と展開をじっくり組み立てる作りだ。特にJohn McLaughlinのギターは、速弾きの印象だけでなく、音の切り方やフレーズの配置にまで神経が通っている。Jean-Luc Pontyのヴァイオリンも、単なるソロ楽器ではなく、曲の輪郭を決める役割を担っている。

また、ジャズ・ロック／フュージョンの作品としては珍しく、ヴォーカルやコーラスの要素が入ることで、器楽中心のMahavishnu Orchestraの中では少し異なる表情を持つ。硬質なバンド・サウンドの中に、人声が差し込まれる構成が印象に残る。

実際に聴くと、音数の多さ以上に、各パートがぶつかりながらも整理されている印象が強い。ドラムとベースの推進、ギターとヴァイオリンの応酬、鍵盤の厚みが同時に進むので、緊張が途切れにくい作りだ。ライブ感よりも、スタジオでの設計が見えやすい盤という受け取り方もできる。

代表曲として触れられる曲

『Apocalypse』では、組曲的な長尺曲がアルバムの核になっている。特定のシングルヒットで知られる作品ではないが、アルバム全体の流れの中で印象を残すタイプだ。Mahavishnu Orchestraらしく、1曲単位のキャッチーさよりも、アルバムを通した構成で聴かれることが多い。

当時の文脈

1974年は、ジャズ・ロックやフュージョンが広がっていた時期で、Miles Davis以降の電化ジャズの影響もまだ強く残っていた。Mahavishnu Orchestraはその中でも、演奏技術の高さとロックの圧を同時に持ち込んだ存在として特異だ。John McLaughlinがMiles DavisやTony Williams’ Lifetimeで経験した流れが、そのまま別の形で結実したグループでもある。

『Apocalypse』は、そうした流れの中で、Mahavishnu Orchestraの第2期がどんな音を出していたかを示す作品だ。初期の過激さとは別方向の、緻密さと構成感が前に出る1枚として位置づけられる。

まとめ

『Apocalypse = 黙示録』は、1974年のMahavishnu Orchestraを記録したアルバムで、1978年に日本盤としてリリースされた。ロックの強い推進力、ジャズの即興性、プログレッシヴな構成感が同居する内容で、バンドの第2期を知るうえで重要な作品のひとつだ。John McLaughlinを中心にした緊張感のあるアンサンブル、その時代のフュージョンの輪郭をはっきり示す盤として見てよさそうだ。

トラックリスト

• A1 – Power Of Love (4:15)
• A2 – Vision Is A Naked Sword (14:22)
• A3 – Smile Of The Beyond (8:00)
• B1 – Wings Of Karma (6:05)
• B2 – Hymn To Him (19:22)

関連動画

• Power of Love
• Vision Is a Naked Sword
• Smile of the Beyond
• Wings of Karma
• Hymn to Him

Bauhaus「Ziggy Stardust / Third Uncle」について

Bauhausの「Ziggy Stardust / Third Uncle」は、1982年にUKでリリースされたシングル盤。英国のポストパンク・バンドとして知られるBauhausが、当時の自分たちの感覚で既存曲を取り込みながら提示した作品で、バンドの初期像をつかみやすい1枚になっている。

メンバーはPeter Murphy、Daniel Ash、Kevin Haskins、David Haskins。のちにゴシック・ロックの代表格として語られることが多いが、この時点では、まだパンク以後の鋭さと、演劇的な表現を行き来している時期の作品という印象が強い。

収録曲と内容

タイトル曲の「Ziggy Stardust」は、David Bowieの曲として広く知られる楽曲のカバー。一方の「Third Uncle」は、Brian Enoの楽曲のカバーで、Bauhausの側から見ると異なる質感の2曲を並べたシングルになっている。

この組み合わせは、Bauhausが単に自作曲で押し切るのではなく、同時代の英国ロックやアート寄りの文脈を自分たちの音に引き寄せていたことを示すもの。BowieとEnoという名前が並ぶだけでも、当時のBauhausがどこを見ていたかはかなりはっきりしている。

作品の位置づけ

Bauhausは1982年時点で、すでに後のゴシック・ロックの基盤を形にしつつあったバンド。とはいえ、このシングルは「Bauhausらしさ」を固定化するというより、影響源の再解釈を前に出した作品として見るほうが自然だ。

バンドは1983年にいったん解散するため、1982年のこの時期は短い活動の中でも重要な局面に当たる。のちに再結成やツアーを行うが、当時の勢いをそのまま切り取った盤としての意味合いが強い。

同時代とのつながり

このシングルに出てくるBowieとEnoの名前からもわかる通り、Bauhausは英国ロックの中でも、パンク以後の実験性や都市的な冷たさを共有する流れにいる。同時代のポストパンク勢の中でも、より暗い演出や音像を前に押し出していたバンドとして語られることが多い。

比較対象として名前が挙がりやすいのは、Joy DivisionやSiouxsie and the Bansheesあたり。Bauhausはそこに、より強い視覚的イメージと舞台性を持ち込んでいた印象がある。

盤の仕様

UK盤で、スリーブは薄手のカードを使ったグロス仕様。上部開口のスリーブになっている。ジャケット面の構成としては、Ziggy側にカタログ番号が入っており、Third Uncle側がフロント扱いになっている点が特徴的。

こうした細部は、シングル盤らしい作り方を感じさせる部分。コレクション面でも目に留まりやすい仕様だろう。

まとめ

「Ziggy Stardust / Third Uncle」は、Bauhausが1982年の時点でどんな音楽的背景を持っていたかを、カバー曲を通して示すシングル。BowieとEnoという英国ロックの重要人物を、自分たちの緊張感ある演奏と歌でどう再構成するか、その姿勢が見える1枚。

バンドの代表的なイメージであるゴシック・ロックに近い空気はありつつ、まだその輪郭が固まりきる前の、ポストパンクの延長線上にある作品として捉えやすい。

トラックリスト

• A1 – Ziggy Stardust (3:08)
• A2 – Party Of The First Part (5:22)
• B1 – Third Uncle (5:11)
• B2 – Waiting For The Man (5:31)

関連動画

• Bauhaus – Ziggy Stardust HD
• Bauhaus – Third Uncle (1982)
• Party of the First Part
• Bauhaus – Waiting For The Man (1982) (Maxi 45T)

Agusa『Högtid』について

Agusaの『Högtid』は、2014年にスウェーデンでリリースされた1作目のアルバム。バンドは2013年にマルメで結成されたスウェーデンのヘヴィ・プログレッシブ／サイケデリック・ロック・バンドで、そこにフォークや異文化音楽の要素も持ち込む編成として知られている。タイトルの『Högtid』は「祝祭」「休日」といった意味合いの言葉で、作品全体の性格を端的に示すような題名になっている。

バンドの出発点と本作の位置づけ

Agusaは、2013年初頭にギタリストのMikael Ödesjö、ベーシストのTobias Pettersson、キーボードのJonas Bergeが、ドラマーDag Strömqvistの自宅でのジャム・セッションをきっかけに始動した。小さな村Agusaでの集まりからバンド名が取られている。結成から間もない2014年に本作『Högtid』を発表し、その後Dag Strömqvistはバンドを離れてTim Wallanderが加入した。つまり本作は、Agusaの初期形を記録したアルバムという位置づけになる。

音の印象

この作品は、プログレッシブ・ロックの組曲的な展開と、サイケデリック・ロックの反復感を軸にした内容として知られる。ギター、オルガン、ベース、ドラムの基本編成を中心に、70年代の北欧プログレを思わせる流れが前に出る。演奏は細かく畳みかけるというより、フレーズを少しずつ重ねて場面を切り替えていく作りで、曲ごとの起伏がはっきりしている印象がある。

Agusaのプロフィールからもわかる通り、彼らは単なる復古主義ではなく、スウェーデンの70年代「proggen」系バンド群や民俗音楽の感覚を意識した文脈に置かれることが多い。Mikael Ödesjöが南米音楽を含む幅広い音楽を聴き、作曲にラテンの感触を少し加えようとしていた、という話もこのバンドの背景として興味深いところだ。

同時代・関連文脈

Agusaは、スウェーデンの70年代プログレ／フォーク・ロックの流れを参照するバンドとして語られることが多い。プロフィール中でも、Dungen、Samla Mammas Manna、Hedningarna、Kaipa、Träd, Gräs och Stenar など、同時代や近い系譜の名前が挙がっている。政治性の強い「proggen」から、フォーク、トラヴァドゥール、RIO寄りの動きまで含む広い背景の中で、Agusaはその後続世代として位置づけられる。

また、Mikael ÖdesjöとTobias Petterssonは、2013年にデンマークのサイケ／ロック系ミュージシャンたちと一回限りのプロジェクト作品も残しており、北欧圏のサイケデリック／プログレッシブな音楽交流の延長線上にこのバンドがあることも見えてくる。

作品の後の流れ

『Högtid』の後、Agusaはメンバー交代を重ねながら活動を続けていく。2014年時点ではまだ始動直後の編成であり、のちのフルート加入や編成拡張の前段階にあたる。そうした意味では、本作は後年のAgusaよりも、よりストレートに初期のバンド・サウンドを刻んだ一枚として見ておける。

リリース情報

• アーティスト: Agusa
• タイトル: Högtid
• リリース年: 2014年
• リリース国: Sweden
• ジャンル: Rock
• スタイル: Prog Rock, Psychedelic Rock
• 盤の仕様: Limited edition of 100 copies on black splatter wax

限定100枚の黒スプラッター盤という仕様もあり、初期作品らしい入手性の低さも特徴のひとつ。Agusaの出発点を押さえるには、まずこの『Högtid』が重要な一枚になる。

トラックリスト

• A1 – Uti Vår Hage (11:05)
• A2 – Melodi Från St Knut (7:54)
• B1 – Östan Om Sol, Västan Om Måne (14:03)
• B3 – Stigen Genom Skogen (7:55)

関連動画

• Uti Vår Hage
• Melodi Från St Knut
• Östan Om Sol, Västan Om Måne
• Stigen Genom Skogen
• Kärlek Från Agusa

Toe Fat『Toe Fat』（1970年）

Toe Fatは、1969年6月に結成され、1971年まで活動したイングランドのロック・バンドだ。
このデビュー作『Toe Fat』は1970年に発表された作品で、のちにUriah Heepへ加わるKen HensleyとLee Kerslakeを含む編成としても知られている。
Cliff Bennettを軸に、ハード寄りの演奏とサイケデリック・ロックの空気感をあわせ持つ、70年代初頭らしい一枚という位置づけだ。

バンドの背景

Toe Fatは、Cliff BennettとKen Hensleyを中心に始動したグループで、メンバーにはBrian Glascock、Alan Kendall、John Glascockらが名を連ねる。
特にHensleyとKerslakeは後年のUriah Heepで重要な役割を担うため、このアルバムはその前史としても見られることが多い。
英ロックの文脈では、ブルース・ロックやハード・ロックの要素を吸収しながら、60年代末のサイケデリックな感触を残す時期の作品として置ける内容だ。

作品の印象

アルバム全体は、リフを前に出した曲作りと、オルガンやギターを軸にした厚めのサウンドが印象に残る。
Cliff Bennettのヴォーカルは、派手に崩すよりも言葉を前に届けるタイプで、バンドの演奏とぶつからずにまとまっている。
聴き進めると、曲ごとの温度差はありつつも、当時の英国ロックらしい乾いた音像と、やや泥臭いグルーヴが通っている。

実際に耳を通すと、単なる“後の大物メンバー在籍盤”というより、バンドとしての輪郭が先に立つ作品だと感じやすい。
派手な装飾よりも、リズム隊の押し出しとギター、オルガンのせめぎ合いが中心で、70年という時代の空気がそのまま残る録音だ。

同時代とのつながり

Toe Fatは、同時代の英国ロックの中でも、Uriah Heepのようなキーボードを生かした重心の低いロックや、The Nice、Early Deep Purple周辺の感触と近い場所にある。
ただし、より“バンドの初期衝動”が前に出た内容で、完成された大作志向というより、荒さを含んだセッション感が残る。
サイケデリック・ロックの名残とクラシック・ロック的な骨組みが同居する、1970年らしい着地点だ。

収録曲について

代表曲としてまず挙がりやすいのは、アルバム冒頭の「Just Like Me」だ。
この曲はバンドの方向性をつかみやすく、推進力のある演奏とヴォーカルの組み合わせがはっきり出る。
ほかの曲も、当時の英国ロックにあるラフな硬さと、少し湿ったメロディの両方が見えやすい。

この盤について

今回のUS盤は、ジャケットやラベルの表記に関して「Printed in the U.S.A.」の記載がある。
同じ1970年のオリジナル作品として見たとき、内容面では初出時代のToe Fatをそのまま伝えるタイプのリリースだ。
レーベル表記にはカバーとラベルでカタログ番号が異なる形式が見られる。

まとめ

『Toe Fat』は、後の有名バンドにつながるメンバー構成だけで語るには惜しい、1970年初頭の英国ロック作品だ。
サイケデリック・ロックの残り香、クラシック・ロックの骨格、そしてバンドの生々しい演奏が、ひとまとまりで収められている。
Toe Fatという名前の印象よりも、まずは当時のロックの質感がそのまま出た一枚として見えてくるアルバムだ。

トラックリスト

• A1 – That’s My Love For You (4:01)
• A2 – Bad Side Of The Moon (3:24)
• A3 – Nobody (6:04)
• A4 – The Wherefors And The Whys (3:43)
• A5 – But I’m Wrong (4:01)
• B1 – Just Like Me (4:12)
• B2 – Just Like All The Rest (2:31)
• B3 – I Can’t Believe (3:59)
• B4 – Working Nights (2:31)
• B5 – You Tried To Take It All (4:26)

関連動画

• Toe Fat – Toe Fat [1970] (full album vinyl rip)

Gerry Rafferty『City To City』について

『City To City』は、スコットランド出身のシンガー・ソングライター、Gerry Raffertyが1978年に発表した2作目のソロ・アルバム。前作『Can I Have My Money Back』に続く作品で、彼の代表作として広く知られている。収録曲の中心にあるのは、やはり「Baker Street」。サックスのフレーズで強く印象を残す、彼の名を決定づけた一曲だ。

Raffertyは、Stealers Wheelで「Stuck in the Middle」をヒットさせたあと、ソロ活動へ進んだ人物。『City To City』は、その流れの中で生まれた作品で、ソロ・アーティストとしての立ち位置をはっきり示したアルバムでもある。ポップ・ロックを軸に、メロディの運びと歌の輪郭をきちんと前に出した作りになっている。

アルバムの位置づけ

このアルバムは、Gerry Raffertyのソロ作品の中でも特に重要な一枚として扱われることが多い。理由は明快で、「Baker Street」が入っているからだが、それだけではない。アルバム全体を通して、フォーク由来の書き方と、当時のラジオ向けロックの感触が同居している。

Rafferty自身は、スコットランドのパイズリーで労働者階級の家庭に生まれ、幼いころからアイルランドやスコットランドの民謡に親しんだという。その背景は、派手さよりも曲の流れや言葉の置き方に出ているように思える。ビートルズやボブ・ディランの影響も挙げられており、1970年代のシンガー・ソングライター文脈に自然に接続する存在でもある。

「Baker Street」を中心にした聴きどころ

『City To City』を語るうえで外せないのが「Baker Street」。この曲はRaffertyの最も有名なソロ曲であり、ラジオで長く親しまれてきた代表曲でもある。曲の導入から印象が強く、アルバムの顔として十分な存在感を持つ。

ただ、アルバムの魅力はその一曲だけに集約されるわけではない。全体としては、歌メロが前に出る曲が並び、派手な展開よりも、フレーズの積み重ねで聴かせるタイプの作品。ロックの骨格に、ポップ寄りの整理された構成が入っている、という受け取り方がしやすい。

同時代の文脈

1978年という時期は、ソングライター型のロックがFMラジオで強く機能していた時代でもある。Gerry Raffertyの作りは、その文脈の中で、同じくメロディを重視するアーティストたち、たとえばボズ・スキャッグスやロギンス＆メッシーナのような聴かれ方とも重なる部分がある。

一方で、Raffertyには英国圏の民謡感覚や、Stealers Wheel時代から続く素朴な歌の運びが残っている。そのため、アメリカ産のAORやソフト・ロックと完全には同じに収まらないところもある。そこがこのアルバムの輪郭になっている。

日本盤について

今回の盤は日本盤で、ブルーの帯とインサート付きの仕様。1978年のオリジナル・リリースに近い時期の盤として扱える。日本盤ならではのポイントとしては、帯や付属物の有無がコレクション上の特徴になりやすいところだが、音楽そのものはオリジナルの作品像をそのまま伝える内容と考えてよさそうだ。

まとめ

『City To City』は、Gerry Raffertyのソロ活動を代表するアルバムであり、「Baker Street」を軸にしながら、1970年代後半のポップ・ロックの空気をきっちり写した作品。派手な演出より、曲の作りと歌の置き方で聴かせるタイプの一枚で、Stealers Wheelから続く彼のキャリアの中でも重要な位置を占めている。

トラックリスト

• A1 – The Ark (5:40)
• A2 – Baker Street (6:11)
• A3 – Right Down The Line (4:32)
• A4 – City To City (5:06)
• A5 – Stealin’ Time (6:06)
• B1 – Mattie’s Rag (3:30)
• B2 – Whatever’s Written In Your Heart (6:40)
• B3 – Home And Dry (4:59)
• B4 – Island (5:22)
• B5 – Waiting For The Day (5:40)

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Lost And Found『Forever Lasting Plastic Words』について

Lost And Foundは、1960年代半ばから後半にかけてテキサス州ヒューストンで活動したサイケデリック・ロック・バンドである。『Forever Lasting Plastic Words』は1968年に登場した作品で、同バンドの名前が知られる中核的な録音として扱われている。クレジット上では、表ジャケット右上の黒い円内に「Forever Lasting Plastic Words」とあり、裏ジャケットには「Everybody’s Here」と記されている。オリジナル盤のラベルにはアルバム・タイトル表記がない。

作品の輪郭

収録内容は、60年代後半のアメリカン・サイケデリックの流れの中にある。ヒューストンという地域性を背にしながら、当時のロックが持っていた歪み、浮遊感、曲展開のひねりを、比較的素朴なバンド編成の中で鳴らしているタイプの作品として見られる。派手な技巧で押すというより、当時のローカル・バンドらしい距離感と、サイケデリック期特有の音色変化が印象に残る一枚である。

Lost And Foundというバンドの位置づけ

Lost And Foundは、ヒューストン周辺のガレージ／サイケデリック・シーンを語る際に挙がるグループのひとつで、Pete Black、James Harrell、Steve Webb、Jimmy Frostの編成で知られている。大きな全国ヒットを持つタイプではないが、60年代後半のローカル・サイケデリック・バンドがどのようにアルバムを作っていたかを示す資料性の高い存在である。

同時代の文脈

1968年は、アメリカのロックがサイケデリックの要素を広く取り込んでいた時期で、テキサス勢でも独自の音作りを持つバンドが多く現れていた。Lost And Foundもその流れの中にあり、サンフランシスコ勢のような大規模な実験性とは少し異なる、地域バンドらしいまとまりの中でサイケデリックな響きを扱っている点が特徴といえる。ヒューストンのローカル・シーンをたどるうえでの一枚、という見方がしやすい。

曲やアルバムの印象

この作品は、タイトル表記の揺れも含めて、当時のローカル盤らしい仕様が目につく。音楽そのものは、60年代後半のロックが持つストレートなビート感と、サイケデリック期らしい音のゆらぎが同居する内容で、歌と演奏のバランスを追っていくタイプの記録である。ヒット曲として広く知られる単独曲が前面に出る作品というより、アルバム全体で当時の空気を伝える性格が強い。

まとめ

『Forever Lasting Plastic Words』は、Lost And Foundというヒューストン発のサイケデリック・ロック・バンドが1968年に残した作品で、アメリカ南部のローカル・サイケデリックの姿を今に伝える一枚である。タイトル表記の揺れや、オリジナル盤の仕様の素朴さも含めて、60年代後半の独立したバンド作品らしい佇まいがある。

トラックリスト

• A1 – Forever Lasting Plastic Words
• A2 – Everybody’s Here
• A3 – There Would Be No Doubt
• A4 – Don’t Fall Down
• A5 – Zig Zag Blues
• A6 – Let Me Be
• B1 – Realize
• B2 – Stroke Blues
• B3 – I’m So Hip To Pain
• B4 – Living Eye

関連動画

• Lost and Found, Forever Lasting Plastic Words 1968 (vinyl record)
• Lost and Found – Let Me Be
• Lost and Found – 2 Stroke Blues
• Lost and Found – I’m so Hip to Pain
• Living Eye
• Lost and Found – Forever Lasting Plastic Words
• Lost and Found – Everybody’s Here
• Lost and Found – 25 M.P.H
• Lost and Found – I Realize
• Lost & Found-Forever Lasting Plastic Words

Jasun Martz『The Pillory』について

Jasun Martzは、US出身の画家・彫刻家・ミュージシャンとして知られる人物で、音楽ではオーケストラや合唱を用いた大編成の作品でも活動している。『The Pillory』は、1978年に制作された作品として位置づけられるアルバムで、電子音楽と現代音楽のあいだを行き来するような性格を持つ。盤としては1981年のリリース。録音、ミックス、マスタリングまでロサンゼルス周辺とロンドンで行われており、USの作家が国際的な制作環境を使って仕上げた作品という見え方になる。

制作クレジットと録音環境

レコーディングは California Recording Studios（Hollywood）、Riverside Recordings（London）、Neoteric Recording Studios（Los Angeles）で行われている。ミックスは California Recording Studios、マスタリングは Burbank の L.R.S.。さらに、作曲・スコア作成・リハーサルは、カリフォルニアの「The Village」やロサンゼルス、ニューヨーク、ロンドンの拠点で進められたと記されている。作品全体が、単独のスタジオ録音というより、複数都市をまたいだ制作体制の中で組み上げられたものだとわかる。

カバーには「The Pillory」のために特別に描かれたドローイングが使われている。視覚表現も含めて作家性を強く打ち出すタイプの作品と見てよさそうだ。

音楽性と聴きどころ

ジャンル表記は Electronic、Classical、スタイルは Modern Classical、Experimental。実際の内容も、ロック的な歌ものというより、構成と音色の変化を中心に聴かせるタイプの作品として捉えられる。Martz のほかの活動歴から見ても、合唱やオーケストラを扱う設計と親和性が高い。電子音の質感だけで押し切るのではなく、現代音楽寄りの書法やアンサンブルの重なりを含んだ作りが想像しやすい。

この時代のUSの実験音楽、現代音楽、電子音楽の周辺では、Morton Subotnick や Terry Riley、さらに欧州の電子音楽やコンテンポラリー・クラシカルの流れとも接点を持つ聴かれ方をしやすい。『The Pillory』も、そのあたりの文脈に置くと輪郭がつかみやすい作品だろう。とはいえ、単純なミニマル作品や純粋電子音楽に収まるわけではなく、編成の大きさや構成の意識が前面に出るあたりに特徴がある。

アーティストにとっての位置づけ

Jasun Martzは、視覚芸術と音楽の両方で活動してきたアーティストで、この作品もその多面的な作家性を示す一枚として見やすい。後年の合唱・オーケストラ系プロジェクトを含む活動を踏まえると、『The Pillory』は、電子音響とクラシカルな書法を結びつける方向性を早い段階で示した作品のひとつといえる。

まとめ

『The Pillory』は、1978年の制作を背景に持つ、Jasun Martz の初期代表作として押さえやすいアルバム。USのアーティストが、ロサンゼルスとロンドンを結ぶ制作環境の中で、電子音楽と現代音楽の接点を探った作品として整理できる。派手なヒット曲で知られるタイプではなく、作品全体の構成と音の配置で聴かせる一枚だ。

トラックリスト

• A – The Pillory (21:53)
• B – The Pillory (22:27)

関連動画

• Jasun Martz & The Neoteric Orchestra ‎– The Pillory Part I [HQ Audio] 1978
• Jasun Martz: The Pillory (1978) Full Album

IQ『Tales From The Lush Attic』について

IQは、1981年にイングランドのサウサンプトンで結成された英国のプログレッシブ・ロック・バンドである。
『Tales From The Lush Attic』は、そんなIQが初期に残した重要作のひとつで、オリジナルは1983年発表。ここで聴けるのは、いわゆる80年代初頭のネオ・プログレッシブ・ロックの流れをはっきり示すサウンドだ。

編成は、ピーター・ニコルスの歌、マイケル・ホームズのギター、マーティン・オーフォードのキーボード、ティム・エスーのベース、ポール・クックのドラムという布陣が軸になっていた時期の作品。英国の同時代バンドの中でも、メロディと長尺構成の両方を重視するタイプとして語られることが多い。

作品の位置づけ

このアルバムは、IQの初期像をつかむうえで外せないタイトルとして扱われることが多い。デビュー直後の勢いと、すでに組曲的な展開を組み込む作曲感覚が同居していて、バンドの後年につながる骨格が見えやすい一枚である。

80年代前半の英国プログレは、70年代の大作志向とは別の形で再編されていった時期だが、IQはその中で、ジェネシスやカンザス、フォーカスなどの要素を思わせるドラマ性と、よりコンパクトなロック感覚をつないでいったバンドとして知られる。『Tales From The Lush Attic』も、その文脈の中で聴かれることが多い作品である。

サウンドの印象

実際に聴くと、まずボーカルの存在感が前に出る。ピーター・ニコルスの歌は、語りかけるような場面と強く押し出す場面の切り替えがはっきりしていて、楽曲の緊張感を保つ役割が大きい。ギターはリフと旋律の両方を担い、キーボードは空間の広がりを作る。ベースとドラムは派手に前へ出るというより、長い曲の流れを支える動きが印象に残る。

音の作りは、極端に厚いというより、各パートが見えやすいバランスに感じられる。曲ごとの切り替えも多く、静かな導入から展開を重ねていく構成が目立つ。こうした作りは、同時代のネオ・プログレ勢の中でも、IQらしいと受け取られやすい部分だろう。

代表曲として触れられやすい曲

本作では、特に長尺曲として知られる「The Last Human Gateway」がよく言及される。アルバムを象徴するような、複数の展開を持つ大きな構成で、IQの初期作法がまとまっている曲だ。
また、アルバム全体の流れの中で、短めの曲と長い曲を交互に置くことで、ドラマ性を維持している点も特徴的である。

1984年盤について

今回の盤は1984年リリースのUK盤で、クラシック・ワン・シュー・レコード・レーベルの円形IQロゴ入りブラウン・スリーヴ再発盤として案内されている。歌詞インサート付きの仕様で、オリジナル盤とは装丁面が異なる。
音源そのものは『Tales From The Lush Attic』の内容を収めたものとして扱われるため、アルバムの中身を聴くうえでは、こうした再発盤でも作品の骨格は十分につかめる。

まとめ

『Tales From The Lush Attic』は、IQの初期の個性がそのまま形になったような作品である。英国産プログレの系譜を引きながら、80年代らしい輪郭のはっきりしたロックとしてまとまっている点が印象に残る。
バンドのその後を知る前に聴いても、後年のIQを知ってから聴いても、初期の核に触れやすいアルバムである。

トラックリスト

• A1 – The Last Human Gateway (19:57)
• A2 – Through The Corridors (2:35)
• B1 – Awake And Nervous (7:45)
• B2 – My Baby Treats Me Right ‘Cos I’m A Hard Lovin’ Man All Night Long (1:45)
• B3 – The Enemy Smacks (13:49)

関連動画

• The Last Human Gateway
• Through The Corridors
• Awake And Nervous
• My Baby Treats Me Right..
• The Enemy Smacks
• Just Changing Hands
• IQ__Tales From The Lush Attic 1983 [Full Album]

String Driven Thing『The Machine That Cried』(1973)

String Driven Thingは、1967年にグラスゴーで結成されたバンドで、フォーク色とプログレッシブ・ロックの要素を行き来しながら活動してきたグループだ。中心人物はChris Adamsで、編成を変えながらも彼を軸に続いていく。『The Machine That Cried』は1973年に登場した作品で、バンドの初期ディスコグラフィーの中でも、グループの色がはっきり出た時期のアルバムとして位置づけられる。

作品の位置づけ

1973年という時期は、英国のロックがフォーク、プログレ、ハードな演奏感をそれぞれ行き来していた頃だ。String Driven Thingもその流れの中にあり、このアルバムではロックの推進力と、曲ごとの展開を重視する作りが見えてくる。バンド名が示す通り、弦楽器のうねりや推進感が前に出るタイプの音像で、同時代の英国プログレ周辺の空気を感じさせる内容だ。

メンバーにはChris Adams、Kim Beacon、Graham Smith、Colin Wilson、Colin Fairley、Alun Roberts、James Exell、Bill Hatje、Pauline Adams、Billy Fairley、John F. Mannionらの名前が見える。編成の変動が多いバンドなので、作品ごとに演奏の輪郭が変わるのもこのグループの特徴といえそうだ。

録音と盤の情報

レコーディングは1973年夏、ロンドンのIBC StudiosとAdvision Studiosで行われている。どちらも英国ロック史ではおなじみのスタジオで、この時代らしい空気をまとった録音環境だ。日本盤はNippon Phonogram Co. Ltd. Tokyo製造で、当時の国内流通盤として出ている。

サウンドの印象

実際に聴くと、曲の進み方は比較的ストレートなロックの感触を持ちながら、随所で展開や緊張感の置き方にプログレ寄りの発想が見える。派手に技巧を誇るというより、曲の流れの中で音を積み上げていくタイプの印象だ。フォーク由来の響きと、70年代前半の英国ロックらしい厚みが同居している。

Kim Beaconのヴォーカルが入ることで、演奏の輪郭が少し柔らかくなる場面もあり、Chris Adamsを中心としたバンドの骨格に歌の表情が乗る構図。Graham Smithのヴァイオリンもこのバンドの個性としてよく知られ、ロック・バンドの中で弦の音が前に出る独特の手触りになっている。

同時代とのつながり

同時代の英国では、フォークの感触を持つプログレ勢や、ヴァイオリンを取り入れたロック・バンドがいくつか活動していた。String Driven Thingもその流れの中で語られることが多く、英国のアンダーグラウンドなロック文脈に置いて見るとわかりやすい。派手な商業性より、バンドの演奏感と曲作りで聴かせるタイプの作品だ。

関連するトピック

String Driven Thingはその後も形を変えながら活動を続け、1990年代後半から2000年代初頭にはString Driven名義で活動した時期もあった。現在は再びString Driven Thingの名義に戻っている。メンバーではベーシストのColin Wilsonが2013年に、創設者でリードシンガーのChris Adamsが2016年10月7日に亡くなっている。

まとめ

『The Machine That Cried』は、1973年の英国ロックの空気をそのまま閉じ込めたような一枚というより、String Driven Thingというバンドの編成感、弦の響き、曲の運び方がまとまった作品だ。プログレッシブ・ロックの枠組みに触れながらも、フォーク由来の質感を残したバンドの個性が読み取りやすいアルバムである。

トラックリスト

• A1 – Heartfeeder
• A2 – To See You
• A3 – Night Club
• A4 – Sold Down The River
• B1 – Two Timin’ Rama
• B2 – Travelling
• B3 – People On The Street
• B4 – The House
• B5 – The Machine That Cried
• B6 – Going Down

関連動画

• String Driven Thing – The Machine That Cried : 10 River Of Sleep
• STRING DRIVEN THING-Going Down
• String Driven Thing-People on the Street

Bruce Springsteen『Tunnel Of Love』（1987年）

Bruce Springsteenが1987年に発表した『Tunnel Of Love』は、E Street Bandの名前が広く知られている時期の中でも、作品の空気が少し変わった1枚として見られることが多いアルバムである。レコードとしても1987年のUS盤で、Columbia Recordsからリリースされた。

Springsteenは1949年、ニュージャージー州ロングブランチ生まれ。詩的な歌詞、Jersey Shoreに根ざした感覚、強い声、長尺で熱量の高いライヴで知られるシンガーソングライターだ。本作は、そうした“ザ・ボス”のイメージを保ちながらも、バンド全体で押し切るロックというより、私的な視線が前に出た作品として聴こえる。

作品の位置づけ

『Tunnel Of Love』は、Springsteenのディスコグラフィーの中でも、80年代後半の節目に置かれるアルバムである。前作『Born in the U.S.A.』の大きな成功のあとに出た作品で、ヒットのスケール感よりも、関係性や内面の揺れを追う作りが目立つ。E Street Bandの作品でありながら、曲ごとの手触りはかなり個人的だ。

録音はニュージャージー州Rumsonの“Carousel House”にあるSpringsteenのリビングルーム・スタジオで進められ、1987年1月から4月にかけて行われた。さらに「One Step Up」はロサンゼルスのA&M Studiosで録音されている。録音とミックスはSony Digitalで行われ、当時のデジタル録音の手法が使われている点も、この時代らしい要素だ。

サウンドと聴きどころ

このアルバムは、ロックの勢いだけで押すタイプではない。歌詞の内容に合わせて、演奏も整理されていて、曲の輪郭がはっきりしている。ギターや鍵盤、ドラムの配置が過密になりすぎず、言葉を聴かせる作りになっている印象がある。

タイトル曲「Tunnel of Love」は、この作品の中心にある曲だ。恋愛の高揚だけでなく、その中にある不安や距離感がにじむ。シングルとしても代表曲のひとつで、アルバムの方向性をそのまま示すような内容である。

「Brilliant Disguise」も重要な曲だ。相手を信じたい気持ちと、見えているものへの疑いが同居する構造で、Springsteenの歌詞の中でもかなり直線的に感情を扱っている。「Tougher Than the Rest」は、より落ち着いたテンポで関係の持続を描く曲で、後年までよく知られるレパートリーになった。

「One Step Up」は、家や暮らしの中で起きる行き違いを描く曲で、アルバム中でも現実感が強い。歌詞カード付きのインナー・スリーブで聴くと、言葉の流れが追いやすい構成になっている。

同時代の文脈

1987年のロック作品として見ると、派手なアリーナ・ロックやシンセを強く押し出す音作りが目立つ時期でもある。その中で『Tunnel Of Love』は、アメリカン・ロックの文脈にありながら、より内省的で、曲の中心に物語を置くタイプのアルバムとして聴こえる。Bob DylanやJohn Mellencampのように、歌詞を前面に出すアメリカのソングライター系ロックとも並べて語られやすい内容である。

このUS盤について

この盤はUSリリースで、Columbia Records Pressing Plant, Carrollton, GAでのプレスとされる。ランアウト部には「G」のエッチングがあり、DMM（Direct Metal Mastering）仕様である。スパイン表記はOC 40999、ラベル表記はC 40999。プリント入りインナー・スリーブには歌詞とクレジットが収められている。

ジャケット外装には、シュリンクラップ上のハイプ・ステッカーで「Brilliant Disguise」「One Step Up」「Two Faces」「Tunnel of Love」「Tougher Than The Rest」が案内されている。プロモーション用のゴールド・スタンプが入る個体もある。

まとめ

『Tunnel Of Love』は、Springsteenの大きな代表作群の中でも、私的な感情の動きが前に出たアルバムである。E Street Bandの厚みを持ちながら、録音やミックスの整理された手触りが、曲のテーマをそのまま支えている。1987年のUSオリジナル盤としても、当時のデジタル録音とDMMプレスの時代感がはっきり残る1枚だ。

トラックリスト

• A1 – Ain’t Got You (2:06)
• A2 – Tougher Than The Rest (4:35)
• A3 – All That Heaven Will Allow (2:38)
• A4 – Spare Parts (3:39)
• A5 – Cautious Man (3:56)
• A6 – Walk Like A Man (3:37)
• B1 – Tunnel Of Love (5:11)
• B2 – Two Faces (3:00)
• B3 – Brilliant Disguise (4:15)
• B4 – One Step Up (4:21)
• B5 – When You’re Alone (3:20)
• B6 – Valentine’s Day (5:10)

関連動画

• Bruce Springsteen – Tunnel of Love (Official Video)
• Tougher Than the Rest
• Brilliant Disguise
• Valentine’s Day
• All That Heaven Will Allow
• Walk Like a Man
• Bruce Springsteen – I’m On Fire (Official Video)
• Bruce Springsteen – One Step Up (Official Video)
• When You’re Alone

Kormorán『Folk & Roll』について

『Folk & Roll』は、ハンガリーのKormoránが1984年に発表した作品で、同年のリリースとして記録されている。ロックを土台にしながら、フォークや各地の民謡的な要素を取り込むKormoránらしさが前面に出る一枚で、ジャンル表記としてはRock、Folk、World, & Country、スタイルとしてはFolk Rock、Folk Prog Rockに置かれている。ハンガリー国内制作の盤で、クレジットには「Pepita-Főnix recording」、そして「Made in Hungary」の表記が見える。

Kormoránというバンドの輪郭

Kormoránはハンガリーのグループで、バンドの公式サイトや映像チャンネルも公開されていることから、長く活動を続けてきたことがうかがえる。メンバー表記には、Koltay Gergely、Keresztes Ildikó、Deák Bill Gyula、Vadkerti Imre、Fehér Nóra、Szabó Miklós、Mr. Basary など、複数世代にまたがる名前が並ぶ。こうした編成の厚みは、単独の固定メンバー作品というより、時期ごとに参加者を広げながら音楽性を積み重ねてきたグループの性格を示している。

本作『Folk & Roll』は、タイトルの通りフォークとロックの結びつきを前面に出した作品として見てよさそうだ。Kormoránの作品群の中でも、フォーク・ロックやプログレッシブ寄りの流れを押し出す位置づけとして語られることが多い。

1984年のハンガリー作品として

1984年という年を考えると、ハンガリーのロック／フォーク系シーンでは、英米のハードロックやニューウェイヴとは別の軸で、民俗音楽の素材をどうロックに落とし込むかが大きな関心事だった時代でもある。Kormoránもその文脈の中で、単なるロックバンドではなく、民族的な旋律感や合唱的な響き、楽器の重ね方を含めて独自の色を作っていったグループとして捉えやすい。

同時代の比較対象としては、東欧圏でフォーク要素をロックに組み込んだバンド群が思い浮かぶが、Kormoránはその中でも、民謡的なメロディと劇的な展開をしっかり結びつけるタイプのバンドとして見られることがある。プログレッシブ・ロックの構成感と、フォークの旋律の分かりやすさが同居するところが、この時期の作品の特徴になりやすい。

作品の手触り

実際に聴くと、ギターを軸にしたロックの推進力の上で、歌メロやコーラスが前に出る場面があり、曲ごとにフォーク色とロック色の比重が変わっていく印象を受ける。演奏面では、歌の輪郭を支えるアンサンブルの組み方がはっきりしていて、単純なバンドサウンドでは終わらない作り込みが感じられる。

また、複数のボーカリスト名がクレジットされている点からも、ひとりの歌唱だけで押し切るのではなく、曲に応じて声色や役割を変えていく構成が想像しやすい。民謡的な合唱感、ロックの前進感、そして舞台的な広がりが行き来するタイプの作品として受け取れそうだ。

代表曲やヒット曲について

今回の情報だけでは、収録曲の詳細やシングルのヒット曲までは確認できない。ただ、Kormoránはハンガリー国内で長く知られてきたグループで、作品単位よりもバンド全体の活動やライブ文脈で認知されてきた面が強い。『Folk & Roll』も、その流れの中でバンドのカラーを端的に示すアルバムとして見やすい。

まとめ

『Folk & Roll』は、1984年のハンガリーで生まれた、Kormoránのフォーク・ロック路線を示す作品だ。ロックの骨格にフォークの旋律感を重ねる作り、複数の歌声や合奏感を活かす編成、そして東欧らしい土着性を含んだサウンドの組み立てが、このレコードの見どころになっている。Kormoránというバンドの方向性を知るうえで、ひとつの基点として置きやすいタイトルだ。

トラックリスト

• A1 – Zöld Szemű Rózsa
• A2 – Védelmezz!
• A3 – Egy Ágyon Egy Kenyéren
• A4 – Trák Attak
• A5 – Alig Volt Zöld
• A6 – Ne Sírj
• B1 – Ilju Haramia
• B2 – Ha Meghalok
• B3 – Gyere Ki, Te Gyöngyvirág
• B4 – Adjon Az Isten
• B5 – Macedon Expressz
• B6 – Jöjj Be Szobámba

関連動画

• Zöld szemű rózsa
• Védelmezz
• Egy ágyon egy kenyéren
• Trák attak
• Alig volt zöld
• Ne sírj
• Ilju haramia
• Ha meghalok
• Gyere ki te gyöngyvirág
• Adjon az Isten

Tangerine Dream『Atem』（1973）レビュー

Tangerine Dreamの『Atem』は、1973年にUKで発表された4作目のアルバムである。のちに「ベルリン・スクール」と呼ばれる電子音楽の流れを強く印象づける前段階にあり、シンセサイザー主体へ移る直前の、より実験色の濃い時期を映した作品でもある。初期Tangerine Dreamの中では、ロックのバンド感よりも、音そのものの配置や持続、空間の扱いに意識が向いた一枚という位置づけが見えてくる。

作品の位置づけ

1973年のTangerine Dreamは、Edgar Froese、Christopher Franke、Peter Baumannを中心に、電子楽器を軸とした独自の方向へ進みつつあった時期である。前年までのより即興的で生々しいサウンドから、のちの『Phaedra』で決定的になるシーケンサー主体の形へ向かう途中にあり、『Atem』はその過程に置かれている。UK盤として出たことも含め、当時の英国プログレッシブ・ロック、あるいは実験音楽の文脈で受け止められた作品といえる。

レーベル面では「Cosmic Couriers」の作品として扱われている。Tangerine Dreamの初期作品群に通じる、ジャーマン・エクスペリメンタルの空気を持った一枚である。

音の特徴

『Atem』の中心にあるのは、曲の展開をはっきり示すというより、音の断片や持続音、打楽器的な要素を組み合わせていく構成である。電子音の冷たさだけで押し切るのではなく、フレーズの間に余白があり、音響の動きがゆっくりと変わっていく。

この時期のTangerine Dreamは、後年の「整った電子音楽」という印象とは少し異なり、もっと手触りのある演奏感を残している。キーボード、フルート、パーカッション、テープ操作のような要素が混ざることで、曲ごとに輪郭が変わるのが面白いところである。ロックバンドとしての推進力より、スタジオでの実験と即興の記録という性格が前に出る。

同時代との関係

同時代のドイツ音楽では、CanやAmon Düül II、Ash Ra Tempel、Faustなどがそれぞれ異なる方法でロックと実験を結びつけていた。Tangerine Dreamはその中でも、より電子音響の側へ寄っていく立場で、のちのクラウトロック／電子音楽のイメージ形成に大きく関わることになる。

『Atem』は、そうした潮流の中でも、まだ「曲」より「場」の感覚が強い。後年のテクノやアンビエントに接続されるような反復感は、ここではまだ輪郭段階にあり、むしろ音の発生そのものを追っている印象である。

アルバム内で注目される点

この作品では、タイトル曲「Atem」がアルバムの核として語られることが多い。静かな導入から徐々に音の層が重なっていく流れがあり、初期Tangerine Dreamの方法論を端的に示す楽曲である。派手なフックで押すタイプではないが、アルバム全体の方向をつかむ入口になっている。

また、ジャケットと音像の結びつきも強い作品で、当時のTangerine Dreamらしい内省的な空気がそのままパッケージされている。視覚と音の両方で、1973年のバンドの位置が見える構成である。

聴きどころの整理

• シンセサイザー主導へ移る直前の初期Tangerine Dreamの記録
• 即興性と音響実験の比重が大きい構成
• のちの『Phaedra』につながる前史としての面白さ
• クラウトロック、英国プログレ、実験音楽の交点にある作品

まとめ

『Atem』は、Tangerine Dreamが後年に確立するシーケンサー主体のスタイルに到達する前、電子音楽の可能性を手探りで広げていた時期を示すアルバムである。1973年という時点で、すでにこのバンドがロックの枠外へ踏み出していたことがよくわかる内容で、初期作品群の中でも過渡期の重要作として位置づけられる。

派手な代表曲で覚えるタイプのアルバムではないが、Tangerine Dreamの原点をたどるうえで外せない一枚である。

トラックリスト

• A – Atem (20:25)
• B1 – Fauni-Gena (10:43)
• B2 – Circulation Of Events (5:49)
• B3 – Wahn (4:31)

関連動画

• Tangerine Dream – Atem [Full Album]