Rock - DISQ Vinyl records review

The Stars Of Heaven – Sacred Heart Hotel (1986)

The Stars Of Heaven『Sacred Heart Hotel』

『Sacred Heart Hotel』は、アイルランドのザ・スターズ・オブ・ヘヴンが1986年にリリースしたアルバム。翌年以降の動きではなく、この年の作品として位置づけられる1枚で、Rough Tradeからの発表作でもある。メンバーはStephen Ryan、Stan Erraught、Bernard Walsh、Peter O’Sullivanの4人編成。

バンドは1983年に結成され、The ByrdsやGram Parsonsの影響を強く受けたグループとして語られてきた。実際、「The Byrds、Gram Parsons、Velvet Undergroundを一つにまとめたような存在」と評されることもある。そうした背景を踏まえると、このアルバムもギターの鳴りと歌の運びを軸にした、ソフトロック寄りのインディー・ロック作品という印象がつかみやすい。

サウンドの輪郭

ジャンル表記はRock、スタイルはSoft Rock、Indie Rock。リズムは派手に前へ出るタイプではなく、曲の流れを支える役回り。音の質感も、過度に厚くせず、ギターとボーカルの距離感を保った作り。派手な展開よりも、曲の骨格をそのまま聴かせるタイプのアルバムといえる。

ルーツ志向のコード感と、80年代インディーらしい素朴な鳴りが同居している点もこの時代らしいところ。Rough Tradeから出ていることも含め、当時のUKインディーの文脈の中で聴かれる作品だろう。

作品の位置づけ

『Sacred Heart Hotel』は、彼らのRough Trade期を代表するアルバムのひとつ。UK Independent Chartでは11位まで上昇しており、バンドにとっても一定の存在感を示した作品になっている。John Peelの支持を受けていたことも知られていて、BBC Radio 1でのセッションのうち最初のものはこのアルバムにも収録されている。

その後も彼らはシングルやEPを発表し、1988年には2作目『Speak Slowly』をリリースしているので、『Sacred Heart Hotel』は初期の到達点として見やすい1枚。バンドの持っていたルーツ・ロック寄りの感触と、インディー・バンドとしての輪郭が、ここでまとまっている。

クレジット

アーティスト: The Stars Of Heaven
タイトル: Sacred Heart Hotel
リリース年: 1986年
リリース国: UK
ジャンル: Rock
スタイル: Soft Rock, Indie Rock

トラックリスト

A1 Sacred Heart Hotel (3:39)
A2 Talk About It Now (2:55)
A3 Moonstruck (2:46)
A4 So You Know (3:18)
B1 You Only Say What Anyone Would Say (3:40)
B2 Folksong (2:22)
B3 Man Without A Shadow (2:18)

Gruppo Sportivo – Mistakes (1979)

Gruppo Sportivo「Mistakes」について

「Mistakes」は、オランダ出身のコミカルなニューウェイヴ／ポップ・バンド、Gruppo Sportivoによる1979年の作品。ロックとポップを土台にしながら、ニューウェイヴらしい軽快さと、アートロック寄りのひねりをあわせ持つ1枚として受け取れる内容だ。

Gruppo Sportivoは1976年にハーグで結成されたグループで、Hans Vandenburgを中心に、複数のメンバーが参加している。ユーモアのある感覚と、ひねったポップセンスがバンドの持ち味として語られることが多く、この時期の作品にもその性格がそのまま表れている印象だ。

サウンドの印象

リズムはきっちりと前に進み、ギターや鍵盤のフレーズが細かく動くタイプのニューウェイヴ寄りの組み立て。音の質感は過度に厚くならず、軽やかさを保ちながらも、ところどころにアートロック的なズレや遊びが差し込まれる。

派手な装飾で押すというより、テンポ感とメロディ、そして少し崩した感覚のバランスで聴かせるタイプ。ロックの骨格にポップな分かりやすさを載せつつ、同時代のニューウェイヴ勢らしい乾いた手触りもある。

作品の位置づけ

1979年という時期は、ニューウェイヴやパワー・ポップが広がっていた時代。そうした文脈の中で、「Mistakes」はGruppo Sportivoの初期の輪郭を示す作品として見ることができる。バンドのユーモラスな視点と、整いすぎないポップ感覚が前面に出た時期の記録という印象だ。

同時代のバンドでいえば、単純な比較はできないものの、ひねりのあるポップ・ロックを鳴らす流れの中に位置づけやすい。ニューウェイヴの軽さと、アートロック的な構成感が同居するあたりに、この作品の特徴がある。

補足

アーティスト: Gruppo Sportivo
タイトル: Mistakes
リリース年: 1979年
ジャンル: Rock, Pop
スタイル: New Wave, Art Rock
アーティストの出身: オランダ、ハーグ

1979年のニューウェイヴ周辺の空気を、ポップな感触と少し変化球の効いたアレンジで切り取った作品。Gruppo Sportivoの初期性格が見えやすい1枚として、バンドの入口になるタイトルのひとつだ。

トラックリスト

A1 Mission A Paris (4:17)
A2 Dreamin’ (4:17)
A3 Henri (4:21)
A4 Hey Girl (2:25)
A5 I Said No (4:14)
A6 I Shot My Manager (2:50)
B1 Blah Blah Magazines (2:01)
B2 Beep Beep Love (2:54)
B3 P.S. 78 (3:00)
B4 Superman (6:22)
B5 One Way Love (From Me To You) (3:07)
B6 Bottom Of The Class (2:04)
B7 The Single (1:13)

Satin Whale – As A Keepsake (1977)

Satin Whale「As A Keepsake」について

「As A Keepsake」は、ドイツ・ケルン出身のプログレッシブ・ロック・バンド、Satin Whaleによる1977年の作品。バンドが1970年代に築いてきた、鍵盤とフルートを軸にした長尺志向の作風と、後年にかけて曲構成を少しずつコンパクトにしていく流れの中に置ける一枚だ。

アーティストとしてのSatin Whaleは、初期にはインストゥルメンタル色の強い演奏で知られ、長い曲の中でキーボードやフルート、厚みのあるアレンジを重ねていくタイプのバンド。そうした要素はこの作品にもつながっていて、ロックのリズムを土台にしながら、曲ごとの展開や楽器の重なりで聴かせるタイプの記録として見えてくる。

サウンドの特徴

ジャンルはロック、スタイルはプログレッシブ・ロックとクラウトロック。演奏の輪郭は、ビートを前に出しすぎず、キーボードのフレーズやフルートの音色が曲の流れを組み立てる印象がある。ドイツ産プログレらしい、構成の変化を軸にした作り方と、クラウトロック周辺に通じる硬質な質感が重なる位置づけ。

派手なヒット曲で押すというより、アルバム全体の流れの中で聴かせる作品として捉えやすい。Satin Whaleの作品群の中でも、バンドの個性がそのまま残りつつ、歌ものの比重が増していく時期の一作として見ておくと整理しやすい。

メンバー

Barry Palmer
Thomas Brück
Dieter Roesberg
Wolfgang Hieronymi
Gerald Dellmann
Eberhard Wagner
Pete Haaser
Horst Schättgen

同時代の文脈

1977年という時期のドイツ・プログレには、クラウトロックの流れを受けながらも、楽曲の整理や歌の導入を進めるバンドが多い。Satin Whaleもその中で、初期の長いインストゥルメンタル路線から、より曲単位の印象を持たせる方向へ進んでいたバンドとして位置づけられる。ケルン周辺のロック・シーンの一角として見ても、独自の輪郭を保った存在だ。

まとめ

「As A Keepsake」は、Satin Whaleの1977年作として、バンドの進化の途中にある姿を映したアルバム。鍵盤、フルート、構成重視の展開、そしてドイツ産プログレらしい硬質な手触り。そのあたりが、この作品の基本線になっている。

トラックリスト

A1 Holidays (5:39)
A2 Reminiscent River (4:12)
A3 Devilish Roundabout (5:43)
A4 A Bit Foolish – A Bit Wise (5:58)
B1 Shady Way (4:14)
B2 Goin’ Back To Cologne (3:54)
B3 Kew Gardens (4:26)
B4 Marée (4:38)
B5 No Time To Lose (4:26)

Until December – Until December (1986)

Until December / Until December（1986）

カナダ名義で流通したUntil Decemberのセルフタイトル作。1986年の作品として、ElectronicとRockをまたぐ内容になっている。スタイル面ではPop RockやSynth-popの要素が見えやすく、1980年代半ばらしいシンセの質感とバンド演奏の組み合わせが印象に残る一枚。

作品の輪郭

Until Decemberは、1980年代前半から後半にかけて活動したサンフランシスコ拠点のロック・バンドとして知られている。メンバーはChuck Frazier、Tim Huthert、Adam Sherburne、Brian Weisberg、Greg Senzer。活動期のバンド編成を反映した作品として見ると、ロックの骨格に電子音のレイヤーを重ねた作りがこの時代らしい。

サウンドは、打ち込み的な整い方よりも、バンドの推進力を残したままシンセを差し込むタイプの印象。リズムは前に出て、音像には金属的な硬さと少し乾いた質感がある。ポップな旋律を軸にしながらも、ニューウェーブ以降の空気を引きずるような並びで聴こえる。

1980年代中盤の文脈

ElectronicとRockの接点にある作品として、同時代のシンセポップやポップ・ロックの流れの中で捉えやすい。ギター主体のロックと電子楽器のバランスを取る作りは、この時期の多くのバンドに共通する方向性でもある。Until Decemberも、その潮流の中で独自の立ち位置を持っていたように見える。

なお、バンドはレザー・サブカルチャーの中で特に人気があったとされている。そうした背景を踏まえると、音の輪郭や見せ方にも、当時のクラブ・カルチャーやアンダーグラウンドなロック・シーンとの接点が感じられる。

まとめ

Until Decemberのセルフタイトル作は、1986年の空気をそのまま閉じ込めたような、ロックとシンセを行き来するアルバム。派手な装飾よりも、リズムの押し出しと電子音の配置で聴かせるタイプの作品として位置づけやすい。バンドの活動期を知るうえでも、当時のジャンル感をつかむうえでも見どころのある一枚。

トラックリスト

A1 No Gift Refused (4:21)
A2 Heaven (4:21)
A3 Sequence Line (3:48)
A4 Mirrors (3:49)
A5 Call Me (3:34)
B1 Forgive And Still Forget (4:25)
B2 Free Again (4:48)
B3 Zodiac Drum Solo (1:15)
B4 Slave (4:54)
B5 Geisha (6:21)

Black Widow – Black Widow (1970)

Black Widow / Black Widow

Black Widowの1970年作『Black Widow』は、イギリスのロック・バンドによる2作目のアルバム。プロッグ・ロックの文脈に置かれる作品で、バンドの初期像をつかむうえでも重要な1枚として見ていける内容だ。

作品の位置づけ

Black Widowは、もともとPesky Gee!の流れから1969年に結成されたバンドで、初期からオカルトやサタニックなイメージを打ち出していたグループとして知られる。そうした外側のイメージだけでなく、音の面でも同時代のハード・ロックやプログレッシブ・ロックの流れとつながる要素がある。

この『Black Widow』は、そのバンドにとって2作目のアルバム。デビュー作で示した方向を受けて、よりバンドの輪郭を追いやすい時期の記録といえる。

サウンドの印象

ジャンル表記はロック、スタイルはプログ・ロック。リズムは直線的に押す場面と、展開を追う場面があり、演奏の組み立てで曲を進めていくタイプの作品として受け取れる。音の質感は、派手に硬質というより、当時の英国ロックらしい演奏感を前に出したもの。雰囲気としては、重さのあるロック・バンドの感触と、構成を練るプログレ寄りの要素が同居している。

同時代のバンドでいえば、Black Sabbathのようなサタニックなイメージと比較されることが多かったグループでもある。ただし、Black Widowはイメージ先行というだけではなく、演奏面でも時代の英国ロックらしい流れの中に位置している。

メンバーと編成

クレジットには Geoff Griffith、Clive Box、Clive Jones、Bob Bond、Jim Gannon、Kip Trevor、Romeo Challenger、John Culley、Kay Garret、Jess Taylor らの名前が並ぶ。複数のメンバーが関わることで、曲ごとの表情に幅が出るタイプのバンド像が見えてくる。

当時の文脈

1970年は、英国ロックがハードな方向へ寄っていく一方で、プログレッシブ・ロックも拡張を続けていた時期。Black Widowはその両方の要素をまたぐ存在として捉えやすい。オカルト的な演出で注目を集めつつ、演奏は当時のロックの文法に沿って組み立てられている、という印象だ。

まとめ

『Black Widow』は、Black Widowの2作目として、バンドの初期像と当時の英国ロックの空気をまとめて感じやすいアルバム。サタニックなイメージで語られることの多いグループだが、作品そのものは1970年のプロッグ・ロックの流れの中で聴ける内容になっている。

トラックリスト

A1 Tears And Wine
A2 The Gypsy
A3 Bridge Passage
A4 When My Mind Was Young
A5 The Journey
B1 Poser
B2 Mary Clark
B3 Wait Until Tomorrow
B4 An Afterthought
B5 Legend Of Creation

Strawberry Path – When The Raven Has Come To The Earth (1971)

Strawberry Path / When The Raven Has Come To The Earth

Strawberry Pathは、1971年に結成された日本のサイケデリック／プログレッシブ・ロック・デュオ。のちに日本のプログレッシブ・ロックを語るうえで重要な存在となるバンドへとつながっていく、初期の一枚として位置づけられる作品だ。

作品の概要

『When The Raven Has Come To The Earth』は1971年のオリジナル作品で、2022年に日本盤としてリリースされている。クレジットにはHiro Tsunoda、Isao Eto、Shigeru Narumoの名が並び、ブルース・ロック、ハード・ロック、サイケデリック・ロック、プログ・ロックの要素が重なる内容になっている。

サウンドの印象

中心にあるのは、硬めのギターリフとブルース寄りの展開、そこにサイケデリックな質感が重なる流れ。リズムは直線的に押し切る場面がありつつ、曲によっては間の取り方や展開の変化が目立つ。音の輪郭は太めで、ラフな熱量と構成の切り替えが同居するあたりが耳に残る。

当時の文脈

1970年代初頭の日本では、海外のハード・ロックやプログレッシブ・ロックの影響を受けたバンドが次々に登場していた時期で、Strawberry Pathもその流れの中にある。ブルースを土台にしながら、サイケデリックな感触とプログレッシブな組み立てをつなげていく点に、この時代らしさが見える。

位置づけ

Strawberry Pathは、1970年代の日本のプログレ・シーンへつながる前段階として語られることが多い存在。その意味でこの作品は、単独のアルバムというだけでなく、後続の展開を考えるうえでの起点のひとつとしても見えてくる。

メモ

アーティスト: Strawberry Path
タイトル: When The Raven Has Come To The Earth
オリジナルリリース年: 1971年
盤のリリース年: 2022年
国: 日本
ジャンル: Rock, Blues
スタイル: Blues Rock, Hard Rock, Psychedelic Rock, Prog Rock

トラックリスト

A1 I Gotta See My Gypsy Woman (5:20)
A2 Woman Called Yellow “Z” (5:52)
A3 The Second Fate (4:50)
A4 Five More Pennies (6:47)
B1 Maximum Speed Of Muji Bird (1:10)
B2 Leave Me Woman (4:42)
B3 Mary Jane On My Mind (5:10)
B4 Spherical Illusion (5:55)
B5 When The Raven Has Come To The Earth (6:40)

Eloiteron – Lost Paradise (1981)

Eloiteron「Lost Paradise」について

「Lost Paradise」は、スイスのロック・バンド、Eloiteronが1981年に発表した作品。キーボードを中心に据えた構成に、ブラスも加わるクラシカル・ロック寄りのサウンドで、プログレッシブ・ロックとシンフォニック・ロックの要素がはっきり出ている1枚です。

サウンドの印象

演奏の軸は、厚みのあるキーボードと管楽器の組み合わせ。リズム隊が前に出すぎず、曲ごとの展開を支える形で進んでいくタイプの作りに見えます。ロックのバンド・サウンドの中に、クラシック音楽を思わせる構成感が入り込むあたりが特徴で、ドイツ圏のロックにも通じる感触があるバンドだと言えそうです。

メンバーは Christian Frey、Michi Winkler、Dani Reimann、Stefan Frey、Harry Schärer、Martin Frey。複数の鍵盤パートやブラスの存在を活かした編成が、そのまま音の輪郭につながっている印象です。

作品の位置づけ

1981年のスイス産プログレ／シンフォニック・ロックとして見ると、時代の空気を受けながらも、装飾の多いアレンジを前面に押し出したタイプの作品。Eloiteronの名義で出た初期の記録として、バンドの方向性を示すものとして捉えやすい内容です。

同時代の文脈では、英国系プログレの流れだけでなく、ドイツ語圏のロックに見られる硬さや構築感と並べて語られることがありそうです。キーボード主体の展開やブラスの使い方には、そうした周辺のシーンとの近さも感じられます。

代表曲について

収録曲の中で特定のヒット曲や代表曲が広く知られている、という情報は見当たりません。アルバム全体の流れで聴かれるタイプの作品として受け取るのが自然です。

まとめ

「Lost Paradise」は、スイスのEloiteronが1981年に残した、キーボードとブラスを軸にしたクラシカルなロック作品。プログレッシブ・ロック、シンフォニック・ロックの枠の中で、構成重視の演奏とドイツ的なロック感覚が交差する一枚です。

トラックリスト

A1 Time Reflection (3:32)
A2 Once (4:54)
A3 Fantasia (5:01)
A4 Where (3:32)
A5 Yapituttiperslikkenberg (3:18)
B1 Hommage À M… (3:07)
B2 Octopus (3:58)
B3 Tree Of Conflicts (6:45)
B4 Old Man’s Voice (7:02)

Egdon Heath – In The City (1987)

Egdon Heath「In The City」について

「In The City」は、オランダのプログレッシブ・ロック・バンド、Egdon Heathによる1987年の作品。北オランダを拠点に1981年に結成されたバンドで、シンフォニック・ロックの流れに位置づけられる1枚です。アーティストの国、作品のリリース国ともにオランダ。

バンドの背景

Egdon Heathは、Jaap Mulder、Marcel Copini、Aldo Adema、Wolf Rappard、Maurits Kalsbeek、Valère Wittevrongel、Jens van der Stempelといったメンバーで活動していたバンド。80年代のヨーロッパ系プログレの文脈で捉えられる存在で、同時代のシンフォニック・ロックらしい構成感を持つグループとして知られている。

作品の輪郭

「In The City」は、タイトルどおり都市を思わせる題材を掲げた作品。ロックを基盤に、シンフォニック・ロックらしい厚みのあるアレンジや展開が想像しやすい内容で、リズムや質感も直線的なロックだけではなく、曲ごとの流れや組み立てを重視するタイプの作品として見てよさそうです。

1987年という時期を考えると、いわゆる70年代プログレの大作志向を引き継ぎつつ、80年代らしい整理された音像へ寄せていく流れの中にある1枚とも受け取れる。オランダ勢のシンフォニック・ロックは、英国の影響を受けながらも、やや端正で構成重視の印象を残すことが多く、Egdon Heathもその系譜にあるバンドとして語られることがある。

位置づけ

Egdon Heathにとって「In The City」は、バンドの活動期を代表する作品のひとつとして見られる盤。1981年結成のバンドが80年代半ばに到達した地点として、当時のスタイルや志向を確認するうえで重要なタイトルになっている。

トラックリスト

A1 Pyromania
A2 Echoes Of Celandine
A3 Secret Fence
A4 Coming Out Of The Mist
B1 When All Is Said
B2 Run For Life
B3 Losing A Friend
B4 In The City

Big Big Train – The Likes Of Us (2024)

Big Big Train『The Likes Of Us』

Big Big Trainの『The Likes Of Us』は、2024年に発表されたプログレッシブ・ロック作品。英国ボーンマスを拠点に活動してきたバンドで、作曲面では創設メンバーのGreg Spawtonが軸になっている。編成の変化を重ねながらも、長編志向の楽曲作りを続けてきたグループの現在地が見える一枚。

バンドの流れの中で

Big Big Trainは1990年結成。2010年代以降はDavid Longdonのボーカルを中心に存在感を強め、現在はAlberto Bravinがボーカルとキーボードを担う編成。Greg Spawton、Rikard Sjöblom、Nick D’Virgilioらの名前も並び、演奏面の厚みがそのまま作品の骨格になっている。

この作品も、そうしたバンドの積み重ねの延長線上にある内容。プログレッシブ・ロックらしい組曲的な展開や、楽器の重なりを生かした構成が想像しやすいタイトルで、Big Big Trainらしい作法が表れたアルバムとして受け取れそうだ。

サウンドの印象

ジャンル表記はRock、スタイルはProg Rock。リズムは細かく切り替わり、ギター、キーボード、ベース、ドラムが層を作るタイプの音作りが中心になりそうな作品。派手な即効性よりも、曲の流れやパートごとのつながりを追う楽しさがあるバンドで、このアルバムでもその方向性が続いているように見える。

アコーディオンやバイオリン系の要素を含む時期もあったバンドだけに、ロックの基本編成に加えて、色の違う音が重なる感触も特徴のひとつ。英国プログレの文脈では、GenesisやCamel、あるいは現代のシンフォニック寄りのプログレ・バンドと並べて語られることもある。

作品の位置づけ

2024年の時点でのBig Big Trainを示すアルバムで、長く続くバンドの現在形を確認できるタイトル。David Longdon期を経たあとも、楽曲の構成力やアンサンブル重視の姿勢はそのまま受け継がれている印象がある。バンドの歴史の中では、近年の体制で作られた新しい章という位置づけになりそうだ。

まとめ

『The Likes Of Us』は、Big Big Trainの積み上げてきたプログレッシブ・ロックの手法を、2024年の編成で鳴らした作品。演奏の密度、曲展開の多さ、バンド全体で組み上げる感じが、このグループらしさとしてまとまっている一枚。

トラックリスト

A1 Light Left In The Day (6:10)
A2 Oblivion (5:27)
B1 Beneath The Masts (17:26)
B2 Skates On (4:28)
C1 Miramare (10:17)
C2 Love Is The Light (6:11)
D1 Bookmarks (6:23)
D2 Last Eleven (7:55)

Airlord – Clockwork Revenge (1977)

Airlord「Clockwork Revenge」について

「Clockwork Revenge」は、ニュージーランドのWellingtonで結成されたAirlordによるアルバム。オリジナルは1977年の作品で、演奏活動を経て発表されたグループの代表的な記録として位置づけられる一枚です。メンバーはRaymond Simenauer、Alan Blackburn、Rick Mercer、Brad Murray、Steve MacKenzieの5人編成。ジャンルはRock、スタイルはProg RockとSymphonic Rockに分類されます。

バンドは1976年に結成され、翌年にはオーストラリアへ渡って活動を続けたという経歴を持ちます。地元では主にオリジナル曲で演奏していたこともあり、広い支持を得るには至らなかったようです。その流れの中で残されたのが、この「Clockwork Revenge」というアルバムという見方ができそうです。

サウンドの印象

プログレッシブ・ロックらしい展開の多さと、シンフォニック・ロック寄りの構成感が軸になっている作品。リズムの切り替えや曲の流れに、ロックの骨格を保ちながら組曲的に進む感覚がありそうです。音の厚みやアレンジの積み重ねで聴かせるタイプのアルバムとして捉えられます。

同時代のプログレ文脈で見ると、派手な技巧だけを前面に出すというより、楽曲の流れや構成を重視するタイプの作品として並べやすい印象です。英国系プログレの影響を思わせる部分もありつつ、南半球のロックシーンで作られたアルバムらしい独自の立ち位置も感じられます。

作品の位置づけ

Airlordにとっては、短い活動期間の中で残された重要な録音。バンドの歩みをたどるうえで中心になる作品です。1978年に解散しているため、活動の時間は長くありませんが、そのぶん「Clockwork Revenge」はグループの輪郭を示す記録として見やすい一枚です。

盤について

ここでの盤は1983年リリース。オリジナルの1977年作品として知られる内容を、後年の盤で手に取る形になります。Airlordの音楽に触れる入口としても、活動期の空気を伝える記録としても扱えるタイトルです。

アーティスト: Airlord
タイトル: Clockwork Revenge
オリジナルリリース年: 1977年
盤のリリース年: 1983年
国: Japan
ジャンル: Rock
スタイル: Prog Rock, Symphonic Rock

トラックリスト

A1 Clockwork Revenge (6:36)
A2 Pictures In A Puddle (4:01)
A3 Ladies Of The Night (9:43)
B1 Earthborn Pilgrim (4:54)
B2 Out Of The Woods (6:58)
B3 Is It Such A Dream (5:08)
B4 You Might Even Be (4:23)

Krokofant – Q (2019)

Krokofant『Q』について

『Q』は、ノルウェー・Kongsberg出身のジャズ／プログレッシブ・トリオ、Krokofantによる2019年の作品。メンバーはAxel Skalstad、Jørgen Mathisen、Tom Hasslanの3人で、ジャズとロックの要素を軸にした編成になっている。

バンド紹介でも触れられている通り、Krokofantはプログレッシブ・ロックとジャズの両方のリスナーに向けた要素を持つグループで、推進力のあるリズム、メロディの厚み、演奏力の高さが特徴とされる。『Q』でも、その方向性がそのまま表れている印象だ。

サウンドの印象

ジャンル表記はJazz、Rock、スタイルはFusion、Prog Rock。音の作りとしては、ジャズ由来の即興性と、ロック寄りの直線的なドライブ感が並ぶ構成になりやすいタイプの作品といえる。リズムは前へ進む力があり、ギター、サックス、ドラムの絡みで密度を作る展開が中心になっている。

質感としては、演奏の輪郭がはっきりしたタイプ。複雑な拍子や細かな展開を使いながらも、フレーズの流れは比較的つかみやすい部類に入る。ジャズ・ロックの文脈でいえば、フュージョンの流れとプログレッシブ・ロックの構成感が重なる位置づけ。

作品の位置づけ

Krokofantは、ジャズとプログレッシブ・ロックの接点にあるバンドとして知られている。『Q』もその路線を示す2019年の1枚で、バンドの持ち味である演奏の精度と、バンド全体の一体感が前面に出る作品として見られる。

同時代のジャズ・ロックやプログレッシブ系の作品と比べても、派手な装飾より演奏の密度を軸にしている点が目につく。北欧のジャズ・ロックらしい整理された音像と、ロックバンドとしての押し出しが同居するところが、このグループの特徴になっている。

まとめ

『Q』は、Krokofantの持つジャズとロックの接点を、2019年時点の形で示した作品。メロディ、推進力、演奏の緊張感が並ぶ一枚として、バンドの輪郭をつかみやすい内容になっている。

トラックリスト

A1 Q – Part 1
A2 Q – Part 2
B1 Q – Part 3
B2 Q – Part 4
CD1 Q – Part 1
CD2 Q – Part 2
CD3 Q – Part 3
CD4 Q – Part 4

Decameron – Third Light (1975)

Decameron『Third Light』について

Decameronの『Third Light』は、1975年にUKでリリースされた作品。チェルトナムで結成されたこのバンドは、Johnny CoppinとDave Bellを中心に始まり、のちにAl Fenn、Geoff March、Dik Cadburyらが加わっていく流れ。フォーク・クラブを回る活動から、やがてUK各地やヨーロッパへと活動の場を広げた、そんな背景を持つグループの一枚である。

サウンドの印象

ジャンルはRock、スタイルはFolk Rock。ロックの骨格の上に、アコースティックな感触やフォーク由来の流れが重なるタイプの音作り。リズムは強く押し出すというより、曲の進行を支える形で組まれている印象があり、ギター、ヴォーカル、チェロやキーボードが前面と奥行きを分け合う構成が想像しやすい。派手さよりも、演奏の組み合わせで曲を組み立てていくタイプの作品として受け取れそうだ。

バンドの中での位置づけ

Decameronは、フォーク・クラブの現場からキャリアを広げていったUKのバンド。その流れの中で『Third Light』は、初期の活動を重ねた時期の作品として置ける。メンバーにはGeoff March、Johnny Coppin、Dik Cadbury、Dave Bell、Al Fennが並び、複数の楽器を持ち替える編成もこのバンドらしさにつながっている。

同時代の文脈

1970年代半ばのUKでは、フォークとロックを結びつけた作品が数多く生まれていた時期。Decameronもその流れの中にあり、同時代のフォーク・ロック・バンドと並べて語られることがある。アコースティックな要素を軸にしつつ、ロックとしてのまとまりを保つあたりが、この時期のUK作品らしい手触りにつながっている。

補足

アーティスト: Decameron
タイトル: Third Light
リリース年: 1975年
国: UK
ジャンル: Rock
スタイル: Folk Rock

作品全体としては、フォーク・ロックの流れの中で、バンドの編成感や演奏の積み重ねが見えやすい一枚、という印象である。

トラックリスト

A1 Rock And Roll Away (3:20)
A2 All The Best Wishes (5:16)
A3 The Strawman (4:33)
A4 Saturday (3:01)
A5 Wide As The Years (6:04)
B1 Journey’s End (4:41)
B2 Road To The Sea (3:08)
B3 Trapeze (4:52)
B4 The Ungodly (4:08)
B5 Morning Glory (5:32)

The Byrds – Preflyte (1969)

The Byrds『Preflyte』について

The Byrdsの『Preflyte』は、1969年にオリジナル・リリースされた作品で、バンドの初期録音をまとめた一枚として位置づけられるアルバムです。1960年代のアメリカン・ロック史を語るうえで欠かせないThe Byrdsの、結成前後の空気を感じさせる内容になっています。2001年にはUK盤も出ており、こちらはその再発盤として楽しめる形です。

サウンドの印象

中心にあるのは、フォーク・ロックを軸にしたシンプルなバンド・サウンドです。ギターのきらりとした鳴り方、リズムの軽い押し出し、コーラスのまとまりが前面にあり、のちのカントリー・ロックへつながる要素も見えます。The Byrdsらしい十二弦ギターの響きや、ボーカルの重なりが、初期段階の録音にもはっきり残っている印象です。

The Byrdsの中での位置づけ

The Byrdsは、1964年にロサンゼルスで結成されたアメリカの重要なフォーク／サイケデリック／カントリー・ロック・バンドです。『Preflyte』は、代表作へと進む前の段階を記録した作品で、後年の洗練されたアルバム群とは少し違う、出発点の輪郭を見せてくれます。Roger McGuinnを軸にしたバンドの初期像を追ううえで、意味のある一枚といえます。

同時代とのつながり

音の感触としては、同時代のフォーク・ロックやポップ・ロックの流れの中にあり、The BeatlesやBob Dylanの影響を受けたアメリカ西海岸の文脈とも重なります。そこにThe Byrdsならではの、ロック寄りのバンド感とカントリー・ロックへの入口が加わっている構成です。ジャンル表記としてはRock、Folk、World, & Countryにまたがり、スタイル面でもFolk Rock、Country Rock、Pop Rock、Classic Rockの要素が見て取れます。

参加メンバーについて

クレジットにはDavid Crosby、Gene Clark、Gram Parsons、Roger McGuinn、Chris Hillman、Gene Parsons、Michael Clarke、Clarence White、John York、Kevin Kelley、Clyde Battinといったメンバー名が並びます。The Byrdsの歴代メンバーの広がりを感じさせる一覧で、バンドの変遷を知る手がかりにもなります。

まとめ

『Preflyte』は、The Byrdsの初期録音を通して、フォーク・ロックからカントリー・ロックへ向かう流れの起点を確認できる作品です。派手さよりも、バンドの骨格や時代の手触りが残る内容として捉えられる一枚です。

トラックリスト

A1 You Showed Me
A2 Here Without You
A3 She Has A Way
A4 The Reason Why
A5 For Me Again
B1 Boston
B2 You Movin’
B3 The Airport Song
B4 You Won’t Have To Cry
B5 I Knew I’d Want You
B6 Mr. Tambourine Man

Nick Heyward – On A Sunday / When It Started To Begin (1983)

Nick Heyward / On A Sunday / When It Started To Begin

Nick Heywardは、Haircut One Hundredの中心人物として知られるポップ・シンガー／ソングライター／ギタリスト。こちらの「On A Sunday / When It Started To Begin」は、1983年に登場した作品で、彼のソロ活動初期を示す1枚として位置づけられる。

作品の印象

サウンドは、ロックを土台にしたポップ・ロック寄りの作り。軽快なリズムと、細かく動くギターのフレーズ、耳なじみのよいメロディが前に出るタイプで、80年代初頭らしい明快さがある。派手に押し切るというより、曲の輪郭をきっちり見せるつくり。

Nick Heywardらしい、メロディ重視の感覚がはっきり出ているのもこの時期の特徴。Haircut One Hundredでの成功を経たあとも、そのポップ・センスをソロでどう展開するかが見えやすい内容になっている。

時代背景と立ち位置

1983年という時期は、英国のポップ・ロックが洗練された形で広がっていた頃。ギター・バンドの勢いと、ラジオ向けの親しみやすいメロディが同居していた文脈の中で、この作品も自然に収まっている。Haircut One Hundred周辺の流れを思わせる点もありつつ、ソロならではの整理された印象もある。

代表曲としての見どころ

タイトル曲の「On A Sunday」と「When It Started To Begin」は、この作品を語るうえで外しにくい存在。特に「When It Started To Begin」は、Nick Heywardの初期ソロを代表する曲として触れられることが多く、軽やかなギターときれいに流れるボーカルが印象に残る。

まとめ

「On A Sunday / When It Started To Begin」は、Nick Heywardのポップ・センスがソロ名義で立ち上がっていく1983年の一枚。ロックの骨格の上に、軽快なリズムとメロディを置いた作品として、初期80年代の空気をよく映している。

トラックリスト

A1 On A Sunday (Full Length)
A2 Stolen Tears
B1 Blue Hat For A Blue Day
B2 When It Started To Begin (Re-Recorded)
B3 The Kick Of Love (Instrumental)

Máquina – Why? (1970)

Máquina「Why?」について

「Why?」は、スペイン・バルセロナのバンド、Máquina!のデビューLPとして知られる作品で、オリジナルは1970年のリリース。スペイン・ロック史の中でも早い時期に登場した、アンダーグラウンド色の強い一枚として位置づけられている。ジャンルはロック、スタイルとしてはサイケデリック・ロックとプログレッシブ・ロックの要素が見える内容。

バンドの背景

Máquina!は、Jordi Batiste、Enric Herrera、Lluís “Luigi” Cabanach、Santiago “Jackie” García Cortésらによって結成された。もともとはSisaのバック・バンドとして始まり、1969年初頭には最初のシングルも残している。フランコ政権下のスペインで、こうしたアンダーグラウンド・ロックを早い段階で録音していたグループとしても知られる。

作品の特徴

「Why?」は、ハモンド・オルガンを軸にした演奏が印象的な作品で、ギターが前に出る場面も多い。リズムは勢いがあり、音の質感はやや粗さを残しつつも、演奏の推進力がはっきりしている。サイケデリックな展開と、プログレ寄りの構成感が同居するあたりが、このバンドらしいところ。

同時代のスペインのロック・シーンでは、Máquina!はかなり先鋭的な存在だったようで、同じくバルセロナ圏のTapimanが「Don’t Ask Why」で応答したというエピソードも残っている。音楽的なやり取りまで含めて、当時の空気が伝わる話だ。

アルバムの位置づけ

この作品は、Máquina!の初期を代表する一枚であり、スペインのロック史の中でも重要なタイトルとして扱われている。「The Croissant album」という呼び名でも知られ、ジャケットの印象的なアートワークも含めて語られることが多い。サルバドール・ダリが評価した、というエピソードも付いている。

メンバーと編成

この時期のMáquina!は、複数の編成変化を経ているが、「Why?」の時代は、オルガン、ベース、ギター、ドラムを軸にした5人編成の時期として捉えられることが多い。演奏の中心にキーボードがある点も、サウンドの輪郭を決めている。

Jordi Batiste
Enric Herrera
Lluís Cabanach
Santiago García Cortés
J. M. Vilaseca
Salvador Font
Emili Baleriola
Josep Maria Paris
Peter Rohr
Hubert Grillberger
Carles Benavent
Ramon Mora
Teddy Raster

まとめ

「Why?」は、スペインのロックがまだ強い制約の中にあった時代に、ハモンド・オルガンとギターを前面に出して存在感を示したアルバム。サイケデリック・ロックの色合いと、プログレッシブ・ロック的な構成感、その両方が見える一枚として記憶されている。

トラックリスト

A1 I Believe (4:11)
A2 Why (1ª Parte) (11:52)
B1 Why (2ª Parte) (12:58)
B2 Let Me Be Born (3:03)

Fjodor – Saint Anthony’s Fire (2014)

Fjodor – Saint Anthony’s Fire

ギリシャのロック・アクト、Fjodorによる2014年作。Saint Anthony’s Fireは、スペース・ロック、プログレッシブ・ロック、サイケデリック・ロック、ハード・ロックの要素を重ねた作品として位置づけられる一枚だ。

作品の輪郭

このレコードは、リズムを前に押し出しながら、ギターの厚みや反復を軸に進んでいくタイプのロック作品として捉えやすい。曲によっては推進力のあるハードな感触があり、別の場面では浮遊感のある展開や、長めの構成を思わせるプログレ寄りの流れも見えてくる。サイケデリックな質感とスペース・ロック的な広がりが、全体の印象をまとめている。

ジャンルの文脈

スタイルの並びを見ると、70年代ロックの系譜を踏まえた作りが想像しやすい。ハード・ロックの骨格に、プログレッシブ・ロックの展開性、サイケデリック・ロックの音色感、スペース・ロックの空間的な広がりが重なる構成。ギリシャ発のロック作品として、欧州圏のプログレ／サイケ系の流れとも接続しやすい内容に見える。

作品としての位置づけ

2014年のリリースで、Fjodorにとってのこの時点での代表的なタイトルのひとつとして扱われることになりそうな作品だ。初出年の作品として、バンドの方向性を示す役割を担っている印象がある。

まとめ

Saint Anthony’s Fireは、硬質なロックの手触りと、広がりのある音像を併せ持つ2014年のギリシャ産ロック作品。スペース・ロック、プログレ、サイケ、ハード・ロックの要素が交差する一枚として、ジャンルの輪郭が見えやすい内容だ。

トラックリスト

A Saint Anthony’s Fire (Part I) (24:27)
B Saint Anthony’s Fire (Part II) (21:28)

The Pineapple Thief – Variations On A Dream (2003)

The Pineapple Thief『Variations On A Dream』

イギリス出身のプログレッシブ・ロック・バンド、The Pineapple Thiefによる3作目のアルバムが『Variations On A Dream』。オリジナルは2003年の作品で、Bruce Soordを中心としたソングライティングの輪郭が、ここでさらに明確になっていく一枚だ。のちにバンド編成へと発展していく前段階の、プロジェクトとしての色合いも感じやすい時期の作品でもある。

作品の位置づけ

The Pineapple Thiefは1999年に始動し、初期からメロディと構成の作り込みに重心を置いてきた。『Variations On A Dream』は、その流れの中でバンドの方向性を見せる重要なタイトル。のちの編成拡大やライヴ・バンド化を考えると、Bruce Soordの個人的な視点と、アンサンブルとしての広がりの両方が見えてくる時期の記録とも言えそうだ。

サウンドの印象

ジャンルはロック、スタイルはプログレッシブ・ロック。楽曲は派手な技巧を前面に出すというより、緻密な展開とメロディの流れを重視したタイプに近い。リズムはきっちりと組み立てられ、ギター、キーボード、ベース、ドラムの配置で曲の温度を少しずつ上げていく作り。音の質感は比較的クリアで、静かな部分と厚みのある部分の切り替えも目立つ。感触としては、同時代のプログレ・ロック周辺で聴かれる、内省的な曲作りとバンド・サウンドの両立に通じるものがある。

背景とエピソード

この作品は、後年の再発盤で再構成やリマスターが施されたことでも知られている。2023年盤ではBruce Soordによる再ミックスと、Steve Kitchによるマスタリングがクレジットされている。オリジナルの2003年盤から時間を経て、作品の輪郭が改めて整えられた形だ。

曲ごとの注目点

アルバム全体で流れを作るタイプの作品だが、関連情報として「8 Days」の存在が挙げられる。2011年の再発では、この曲が収録されたことで、アルバムのまとまりを別の形で確認できる構成になっている。代表曲を単独で押し出すというより、アルバム単位で聴かれることで印象が積み上がるタイプの一枚。

同時代とのつながり

プログレッシブ・ロックの文脈では、複雑な構成を持ちながらも、現代的なロックの感触を失わないバンドとして語られることが多い。The Pineapple Thiefもその流れに位置しつつ、過度に大仰にならず、楽曲の表情と展開で聴かせるところに持ち味がある。『Variations On A Dream』は、その方向性がはっきり見え始める時期の作品として捉えやすい。

トラックリスト

A1 We Subside (4:43)
A2 This Will Remain Unspoken (3:25)
A3 Vapour Trails (7:17)
A4 Run Me Through (4:33)
A5 Part Zero (7:08)
B1 The Bitter Pill (4:21)
B2 Sooner Or Later (4:14)
B3 Keep Dreaming (4:19)
B4 Remember Us (14:18)

Bo Hansson – Lord Of The Rings (1970)

Bo Hansson『Lord Of The Rings』

スウェーデンのキーボード奏者、Bo Hanssonが1970年に発表したインストゥルメンタル作品。電子音楽とロックを土台にしたプログレッシブ・ロック、サイケデリック・ロック寄りの内容で、タイトルどおりトールキンの『指輪物語』を題材にしたアルバムとして知られている。

作品の輪郭

中心にあるのは、オルガンやシンセサイザーを軸にした鍵盤のフレーズ。バンド演奏の推進力よりも、旋律の運びや音の重なりで場面を描くタイプの作りで、曲ごとに情景が切り替わるような構成になっている。リズムは前に出すぎず、細かい打ち込みや持続音が流れを支える場面もある。

ロックの骨格を持ちながら、サイケデリック期らしい浮遊感と、物語性のある組曲的な展開が同居している印象。派手な技巧を見せるというより、鍵盤の音色変化で世界観を組み立てる方向性。

Bo Hanssonにとっての位置づけ

Bo Hanssonは、1960年代にHansson & Karlssonで注目を集めた人物で、その後も複数の作品でインストゥルメンタルの幻想的なロックを展開していく。この『Lord Of The Rings』は、そうした流れの中でも特に広く知られる代表作として扱われることが多い。彼の作品群の出発点として見られることもある一枚。

同時代とのつながり

1970年前後の英国プログレッシブ・ロックやサイケデリック・ロックの空気を共有しつつ、英国のバンド作品とは少し違う、北欧らしい乾いた質感も感じられる。Jethro TullやPink Floydのような同時代の大きな流れと並べて語られることもあるが、Bo Hanssonの場合はより鍵盤主体で、映画音楽のような場面転換が目立つ作り。

曲の印象

アルバム全体が組曲的な流れを持つため、単独のヒット曲で押すタイプではない。むしろ、作品全体で『指輪物語』のイメージを描く構成が特徴になっている。各曲は短いモチーフの反復や展開でつながり、物語を追うような聴き方がしやすい。

ひとこと

Bo Hanssonの鍵盤表現、プログレとサイケデリックの接点、そして文学作品を音でたどる構成。その3つがまとまった、1970年という時代性の見えるアルバム。

トラックリスト

A1 Leaving Shire
A2 The Old Forest; Tom Bombadil
A3 Fog On The Barrow Downs; The Black Riders
A4 Flight To The Ford; At The House Of Elrond
A5 The Ring Goes South
B1 A Journey In The Dark
B2 Lothlorien
B3 Shadowfax
B4 The Horns Of Rohan; The Battle Of The Pelennor Fields
B5 Dreams In The Houses Of Healing
B6 Homeward Bound
B7 The Scouring Of The Shire
B8 The Grey Havens

Cactus – One Way… Or Another (1971)

Cactus「One Way… Or Another」について

Cactusの「One Way… Or Another」は、1971年の作品として知られるアルバムで、USハードロック／ブルースロック・バンドの持つ骨太な感触がそのまま出た一枚です。アメリカ発のバンドですが、ここではEurope盤として流通しており、70年代初頭のハードロックとブルースの接点を押さえた内容になっています。

サウンドの印象

中心にあるのは、タイトなリズムと分厚いギター、そしてブルース由来のフレーズです。ロックンロールの勢いを保ちながら、演奏はかなり直線的で、リフの押し出しが強いタイプの音作り。派手な装飾よりも、バンド全体の推進力で聴かせる構成になっている印象です。

ドラムとベースが前に出る場面も多く、そこにギターが絡むことで、硬さのあるグルーヴが生まれているのがこの時代のCactusらしいところです。ブルースロックの流れの中では、Led ZeppelinやTaste、初期のJ. Geils Bandあたりと並べて語られることもありそうなタイプの音像です。

作品の位置づけ

Cactusは1970年代のUSハードロック／ブルースロックを代表するバンドのひとつで、この作品もその文脈の中に置ける内容です。派手なヒット狙いというより、バンド演奏の密度で押し切る作りが目立ち、当時のハードロックが持っていたライブ感の延長線上にあるアルバムといえます。

メンバーにはCarmine Appice、Tim Bogert、Rusty Day、Jim McCartyといった名前が並び、演奏面の存在感も強いです。Cactusの中でも、バンドの基本線であるハードなブルースロックを確認できるタイトルとして見られる一枚です。

トラックリスト

A1 Long Tall Sally (6:27)
A2 Rockout, Whatever You Feel Like (3:56)
A3 Rock N’ Roll Children (5:40)
A4 Big Mama Boogie – Parts 1 & 2 (4:59)
B1 Feel So Bad (5:30)
B2 Song For Aries (3:05)
B3 Hometown Bust (6:38)
B4 One Way… Or Another (5:05)

Rudolf Hecke – God Is Dog Spelled Backwards (1989)

Rock

Rudolf Hecke『God Is Dog Spelled Backwards』

ベルギーのポップ／ロック・アーティスト、Rudolf Heckeによる『God Is Dog Spelled Backwards』は、1989年にベルギーでリリースされた作品。1982年から音楽活動を続けてきた彼のキャリアの中でも、80年代後半の空気をそのまま切り取ったような一枚として位置づけられる。

作品の輪郭

ジャンルはロック。派手さを前面に出すというより、曲の骨格をきっちり組み立てて聴かせるタイプの流れが想像しやすい作品名でもある。タイトルの印象もあって、少しひねりのある視点を持ったロック作品という見方ができそうだ。

1989年という時代を踏まえると、シンセや打ち込みが全面に出る流れと、バンド感を残したロックの両方が並走していた時期でもある。この作品も、そうした80年代後半のロック文脈の中で捉えると輪郭が見えやすい。

サウンドの印象

リズムはきっちり前へ進むタイプ、質感は比較的すっきりした時代感のある仕上がりとして聴こえてきそうだ。ボーカルを中心に曲を押し出す構成や、ロックらしい直線的な展開がポイントになりやすい。

アーティストの位置づけ

Rudolf Heckeは1961年生まれのベルギーのポップ＆ロック・アーティストで、1982年に音楽業界へ入った人物。『God Is Dog Spelled Backwards』は、彼の活動の中でも80年代のベルギー・ロックの流れを感じさせる時期の作品として見られる。

同時代との関係

ベルギーのロック／ポップ・シーンは、英米の影響を受けながらも、ローカルな作家性を持つアーティストが点在していた時代。Rudolf Heckeの作品も、その中で個人の表現を前に出した一枚として捉えやすい。

まとめ

『God Is Dog Spelled Backwards』は、1989年のベルギー発ロック作品として、Rudolf Heckeの活動を知るうえで押さえておきたいタイトル。80年代後半らしい手触りの中に、アーティストの個性がどう出ているかを確かめたくなる作品である。

トラックリスト

A1 A Loss (5:49)
A2 Bring Him Down (3:07)
A3 The Children Of Elm Street (5:24)
A4 Guardian Angel (5:19)
A5 One Last Summer (2:45)
A6 God=Dog Spelled Backwards (0:04)
B1 Eyes Of Crows (4:27)
B2 Together (3:48)
B3 In Every Mind Some Rain Must Fall (3:47)
B4 It’s A Shame (2:55)
B5 An Awful Gift (4:07)
B6 Dream Of Nico (4:54)

Shawn Phillips – Second Contribution (1971)

Shawn Phillips『Second Contribution』について

Shawn Phillipsの『Second Contribution』は、1971年にUSでリリースされたロック作品。フォークロックを軸にした1枚で、アメリカのシンガー・ソングライターらしい語り口と、演奏中心の組み立てが印象に残るアルバムです。Shawn Phillipsはテキサス州フォートワース出身で、シンガーとしてだけでなく、ギターや12弦ギター、シタールも含めたセッションワークでも知られる人物。

サウンドの印象

この作品は、フォークの輪郭を残しながらも、ロックのバンド感をきちんと持った作り。アコースティックな響きとエレクトリックな質感が並び、曲によってはリズムの置き方がはっきりしている場面もある。派手に押し出すというより、楽曲の流れを追いながら、声と演奏のバランスで聴かせるタイプの1枚。

フォークロックという枠の中では、同時代のシンガー・ソングライター作品と近い空気を持ちながら、Shawn Phillipsらしい個性も見えるところ。ドノヴァンの録音に参加していた経歴もあるだけに、フォーク由来の繊細さと、スタジオ録音での音の組み立てが自然につながっている印象です。

作品の位置づけ

Shawn Phillipsはアルバムを多く残しているアーティストで、『Second Contribution』もその初期の重要な1枚として見られることが多い作品。1971年という時期は、フォークロックやシンガー・ソングライター系の表現が広く展開していた頃で、このアルバムもその流れの中に置いて聴ける内容です。

タイトル通り、ひとつの“次の一歩”を示すような位置づけの作品とも受け取れそうです。派手なヒット曲で押すアルバムというより、アルバム全体のまとまりで聴かせるタイプの内容。曲ごとの表情を追う楽しみがある1枚です。

同時代の文脈

1971年のUSフォークロック周辺には、シンガー・ソングライターが自作曲を中心に、アコースティックとバンドサウンドを行き来する作品が多く並んでいた時期。Shawn Phillipsの『Second Contribution』も、その流れの中で自然に位置づけられるアルバムです。歌を前に出しながらも、演奏の細部で聴かせる作りが、この時代らしい手触りにつながっています。

まとめ

『Second Contribution』は、1971年のUSリリースらしいフォークロックの感触を持ったShawn Phillipsの作品。アコースティックとバンド演奏のあいだを行き来するような構成で、派手さよりも曲と演奏の流れが印象に残るアルバムです。Shawn Phillipsというアーティストの輪郭をつかむうえでも、ひとつの手がかりになりそうな作品。

トラックリスト

A1 She Was Waitin’ For Her Mother At The Station In Torino And You Know I Love You Baby But It’s Getting Too Heavy To Laugh (SWWFHMATSITAYKILYBBIGTH) (4:54)
A2 Keep On (3:21)
A3 Sleepwalker (1:32)
A4 Song For Mr. C (3:49)
A5 The Ballad Of Casey Deiss (6:12)
B1 Song For Sagittarians (3:43)
B2 Lookin’ Up Lookin’ Down (3:55)
B3 Remedial Interruption (1:56)
B4 Whaz’ Zat (1:56)
B5 Schmaltz Waltz (1:44)
B6 F Sharp Splendor (0:36)
B7 Steel Eyes (4:18)

Ihlo – Union (2019)

Ihlo『Union』について

London, UK出身のIhloによる『Union』は、2019年にリリースされた作品。プログレッシブ・メタルを軸に、エレクトロニックやポップの要素を織り込んだバンドの音像が、ひとまとまりで感じられる一枚だ。演奏の密度とメロディの通りやすさが同居していて、重さだけに寄らない構成になっている。

サウンドの輪郭

曲は、タイトなリズムと細かく動くギター、輪郭のはっきりしたシンセが重なる場面が印象に残る。ビートは前に進む感覚をつくりつつ、音数を詰め込みすぎず、歌のフレーズが抜ける余地もある。メタルの押し出しと、電子音の質感、ポップ寄りの展開が並ぶあたりに、このバンドらしさがある。

アルバム全体としては、ヘヴィなパートとメロディ重視のパートが行き来する作り。激しさの中に感情の流れが置かれていて、曲ごとの温度差もはっきりしている。

作品の位置づけ

Ihloは、プログレッシブ・メタルを土台にしながら、現代的な電子音や歌ものの感覚を取り込むバンドとして知られている。この『Union』も、その方向性をまとまった形で示す作品として捉えやすい。2019年時点のバンドの輪郭をつかむうえで、中心的な一作という見方ができそうだ。

ジャンルの文脈

同時代のプログレッシブ・メタルの中でも、Ihloは複雑さだけで押し切るタイプというより、リズムの切り替えとメロディの明瞭さを両立させる方向に近い。重厚さ、整った構成、電子的な質感が並ぶところは、現代的なプログメタルの流れの中で聴きどころになっている。

メンバー

Phil Monro
Clark McMenemy
Andy Robison
Michael Roberts
Rob Mair

盤について

こちらは2024年リリースの盤で、作品そのものは2019年の『Union』。オリジナルのアルバムを、あらためて手に取れる形にしたリリースとして見てよさそうだ。

トラックリスト

A1 Union (6:07)
A2 Reanimate (5:31)
A3 Starseeker (7:33)
B1 Hollow (6:58)
B2 Triumph (4:54)
B3 Parhelion (7:26)
C1 Coalescence (15:14)
Live at ProgPower Europe 2023
D1 In Stasis / Starseeker (9:35)
D2 Hollow (6:57)

Blue Öyster Cult – On Your Feet Or On Your Knees (1975)

Blue Öyster Cult『On Your Feet Or On Your Knees』

Blue Öyster Cultの『On Your Feet Or On Your Knees』は、1975年に発表されたライヴ作品。Long Island, New York出身のハードロック・バンドが、当時の持ち味をそのまま切り取った内容で、スタジオ盤とはまた違う勢いが前に出る1枚になっている。

作品の位置づけ

バンドは1971年ごろからBlue Öyster Cultの名で活動を始め、1972年にデビュー作を出している。本作はその初期の流れをまとめた時期の記録で、まだ大きな商業的成功を得る前の段階にある作品。のちに『Agents Of Fortune』で代表曲「(Don’t Fear) The Reaper」を含む大きな成功につながるが、その前のバンドの輪郭を知るうえで重要なタイトルといえる。

サウンドの印象

音の中心にあるのは、硬質なギターリフと、直線的に押していくリズム。ハードロックらしい厚みがありつつ、演奏の間合いには少しひねりも感じられる。Eric BloomのヴォーカルとDonald “Buck Dharma” Roeserのギターが軸になり、ライブならではの推進力がそのまま出ている印象。スタジオ録音よりも、バンド全体の一体感が見えやすい内容。

同時代とのつながり

1970年代半ばのアメリカン・ハードロックの文脈に置くと、Blue Öyster Cultは単純なブギーやブルース寄りのロックとは少し距離がある存在。重さのある演奏に、知的な言葉遊びやSF的な感触が混ざるのが特徴で、同時代のハードロック・バンドの中でも独特の立ち位置を持っている。Sandy Pearlmanの関与も含め、単なるライヴ盤以上の個性が感じられる。

収録曲とシングル

この作品からはシングルも切られており、ライヴ盤としての注目度がうかがえる。収録内容の中には、日本盤でのみ扱われた楽曲も含まれている。バンドの初期レパートリーをまとめた構成で、のちの代表曲群へつながる前段階として聴ける内容。

Blue Öyster Cultの初期ライヴを記録した1975年作
ハードロックらしいリフと推進力が前面に出た演奏
『Agents Of Fortune』以前のバンド像が見えるタイトル
1970年代アメリカン・ハードロックの中で独自性のある一枚

Blue Öyster Cultの作品群の中では、後年の大きなヒット作とは少し違う場所にあるが、バンドの初期の空気をそのまま残した記録として位置づけられる1枚。

トラックリスト

A1 Subhuman (7:30)
A2 Harvester Of Eyes (4:55)
A3 Hot Rails To Hell (5:55)
B1 The Red & The Black (4:33)
B2 Seven Screaming Dizbusters (8:27)
B3 Buck’s Boogie (7:40)
C1 Then Came The Last Days Of May (4:35)
C2 Cities On Flame (4:08)
C3 ME 262 (8:47)
D1 Before The Kiss (A Redcap) (5:05)
D2 I Ain’t Got You (8:59)
D3 Born To Be Wild (6:36)

Mauro Pagani – Mauro Pagani (1978)

Mauro Pagani / Mauro Pagani

イタリアのコンポーザー、マルチ・インストゥルメンタリストであるMauro Paganiのセルフタイトル作。オリジナルは1978年、ここで扱う盤は1979年のリリースになる。ジャズ、ロック、フォーク、ワールド・ミュージックをまたぐ内容で、スタイル面ではフュージョンとアヴァンギャルドに位置づけられている。

作品の輪郭

Paganiは、Premiata Forneria Marconiでフルートとヴァイオリンを担当していた経歴でも知られる人物。このソロ作でも、そうした出自がそのまま反映されたような、楽器の動きが前面に出る構成が想像しやすい。ロックの推進力に、ジャズ寄りの即興性やフォーク由来の音色感が重なるタイプの作品として捉えられる。

リズムは直線的に押し切るというより、拍の置き方に揺れや間がありそうな作り。音の質感も、電気的なバンド・サウンドだけでなく、アコースティックな響きや管弦的なレイヤーが混ざる印象がある。ジャンル表記どおり、整理されたロック盤というより、複数の要素を行き来する構成のレコードといえる。

当時の文脈

1970年代後半のイタリア周辺では、プログレッシブ・ロックの流れを受けつつ、ジャズや民族音楽の要素を取り込んだ作品が少なくない。Mauro Paganiのこのアルバムも、その文脈の中で語られることが多そうな一枚。PFMでの活動を経たソロ作という点でも、バンドの枠を外れて個人の音楽性を示す位置づけが見えてくる。

サウンドの印象

派手な歌モノというより、演奏の組み立てや音色の切り替えに目が向くタイプ。フルート、ヴァイオリン、ギター、パーカッションなどの組み合わせから、旋律の連なりとリズムの重なりが少しずつ形を変えていくような手触りがありそうだ。ジャズ・ロックの緊張感と、フォーク的な土台が同居する感覚。

作品としての位置づけ

セルフタイトルということもあり、Mauro Pagani自身の音楽的な輪郭を示す意味合いが強い作品として見やすい。PFMのメンバーとして知られる前歴と、その後の作曲家・プロデューサーとしての活動をつなぐ、ひとつの節目のような存在。イタリアン・プログレやフュージョンの周辺に関心を向けると、自然に視界に入ってくるアルバムだろう。

トラックリスト

A1 Europa Minor (6:03)
A Argiento (4:41)
A3 Violer D’Amores (2:39)
A4 La Città Aromatica (3:32)
B1 L’Albero Di Canto (Part 1) (4:50)
B2 Choron (5:23)
B3 Il Blu Comincia Davvero (5:13)
B4 L’Albero Di Canto (Part 2) (3:51)

Category : Rock

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