Category : Rock

Tarkus / Tarkus

ペルー・リマ出身のハードロック・バンド、Tarkusによる同名作。オリジナルは1972年の作品で、ペルーのロック史の中でも、サイケデリックな要素とラテン系の感触を含んだハードロックとして位置づけられる一枚だ。アーティストとしては短い活動期間を持ち、その後2007年に再結成されている。

作品の概要

本作は、ハードロックを軸にしながら、60年代末から70年代初頭のサイケデリック・ロックの流れを引き継ぐ作りになっている。ギターの押し出しやリズムの前進感に加えて、南米のバンドらしい土着的なニュアンスが重なるのが特徴。英米のハードロックと比べると、直線的な重さだけでなく、少しざらついた質感や、曲ごとの空気の揺れが残るタイプのサウンドといえる。

バンドの位置づけ

Tarkusは、リマのロック・シーンの中で、ハードロックとサイケデリックな感覚をつないだグループとして語られることが多い。活動時期は長くないが、1972年という時代の空気をそのまま閉じ込めたような存在で、同時代のハードロック、サイケデリック・ロックの文脈に置いて聴かれることが多い。

メンバー

• Dario Gianella
• Alex Nathanson
• Walo Carrillo
• Guillermo Van Lacke
• Christian Van Lacke

音の印象

サウンドは、硬質なギターリフを軸にしたハードロック寄りの作りで、そこにサイケデリックな広がりが重なる印象。ラテン文化圏のバンドらしい感触もあり、単純に英米ハードロックの模倣というより、地域性のある色合いが出ている。

同時代の文脈

1970年代初頭のラテンアメリカでは、英米のロックの影響を受けながらも、土地ごとのリズム感や表現を持ち込むバンドが各地で登場していた。Tarkusもその流れの中にあるグループで、ハードロック、サイケデリック・ロック、そして南米的な要素が交差する作品として見ることができる。

盤について

こちらはイタリア盤の2007年リリース。作品そのものは1972年のオリジナル作として扱われる。

トラックリスト

• A1 El Pirata (3:20)
• A2 Martha Ya Esta (5:45)
• A3 Cambiemos Ya (3:30)
• A4 Tempestad (3:20)
• B1 Tema Para Lilus (4:45)
• B2 Tranquila Reflexion (3:20)
• B3 Rio Tonto (4:22)
• B4 Tiempo En El Sol (2:15)

関連動画

• Tarkus – El Pirata
• Tarkus – Martha ya está
• Tarkus – Cambiemos Ya
• Tarkus – Tempestad
• Tarkus – Tema para Lilus

David Bowie / David Bowie

1967年に発表された、David Bowieのデビュー作。ブリティッシュ・ポップ／ロックの流れの中で、バロック・ポップやモッドの要素を取り入れた初期作品として位置づけられる一枚です。のちのグラム・ロック期とはまた違う、若い時期のBowieの感触がそのまま残る内容です。

作品の輪郭

このアルバムでは、当時の英ポップらしい整ったメロディと、音数の多いアレンジが印象に残ります。ストリングスや管楽器を思わせる立体感、軽いユーモアを含んだ歌い回し、曲ごとに表情を変える構成など、後年の大きな変身を前にした段階のBowieらしさが見える作品です。

サウンドの質感としては、ロックの基本形に、演劇的な要素や当時のモッズ周辺に通じる感覚が重なっている印象です。派手さよりも、曲ごとの作り込みや言葉の運びに耳が向くアルバムです。

David Bowieにとっての位置づけ

本作は、1960年代後半のDavid Bowieの出発点を示すアルバムです。後の代表的なキャラクター性やコンセプト志向に比べると、ここではまだポップ・ソングとしてのまとまりが前面に出ています。とはいえ、のちのキャリアにつながる多面的な作風の芽はすでに感じられるところです。

Bowieはその後、20世紀を代表する影響力の大きなアーティストの一人として知られるようになりますが、このデビュー作は、その長い歩みの最初の章として聴かれることが多い作品です。

時代背景と比較の手がかり

1967年という時期は、英国のポップ／ロックが大きく広がっていた時代です。バロック・ポップ的な装飾性や、モッド由来の都会的なリズム感は、同時代の英ポップの中でもよく見られる要素で、Bowieのこの作品もそうした流れの中にあります。のちのBowieが見せる変化の多さを思うと、この時点ではまだ比較的ストレートなソングライティングが中心です。

収録曲と関連曲

この作品に関連するシングルとしては、1966年12月のオリジナル版と、1967年7月の再録音版が知られています。アルバム全体を通して、曲ごとのキャラクターの違いがはっきりしており、初期Bowieの作家性をたどる手がかりにもなります。

1981年盤について

今回の盤は1981年リリースのものです。オリジナルの1967年盤から時間を置いた再発盤として、初期David Bowieの作品を別の時代に手に取れる一枚といえます。

トラックリスト

• A1 Uncle Arthur (2:07)
• A2 Sell Me A Coat (3:00)
• A3 Rubber Band (2:15)
• A4 Love You Till Tuesday (3:10)
• A5 There Is A Happy Land (3:11)
• A6 We Are Hungry Men (2:58)
• A7 When I Live My Dream (3:19)
• B1 Little Bombardier (3:24)
• B2 Silly Boy Blue (3:51)
• B3 Come And Buy My Toys (2:07)
• B4 Join The Gang (2:16)
• B5 She’s Got Medals (2:26)
• B6 Maid Of Bond Street (1:44)
• B7 Please Mr. Gravedigger (2:47)

関連動画

• When I Live My Dream
• David Bowie (1967)
• Uncle Arthur
• Come And Buy My Toys
• She’s Got Medals

Bob Dylan「Highway 61 Revisited」

1965年に発表された、Bob Dylanの代表作のひとつ。フォーク・ロックとブルース・ロックを軸にしながら、従来のフォークの枠を大きく広げた作品として知られている。Dylan自身のソングライターとしての存在感が前面に出たアルバムで、ロックの文脈でも重要な位置を占める一枚だ。

作品の位置づけ

Bob Dylanは、アメリカのシンガー・ソングライターとして長く活動してきた人物で、1960年代の音楽シーンに大きな影響を与えた。Highway 61 Revisitedは、その歩みの中でも、エレクトリック・サウンドへと大きく踏み出した時期の作品として語られることが多い。フォークを出発点にしながら、ロックの編成とブルースの感触を取り込んだ構成が印象的だ。

サウンドの特徴

全体としては、ギター、オルガン、リズム隊が前に出る、はっきりしたバンド・サウンド。アコースティック中心のフォーク作品とは違い、音の輪郭が太く、演奏の推進力も強い。ブルース由来のフレーズや、ロックンロール的な勢いが曲ごとに見える作りで、言葉の多い歌詞とサウンドの強さが並ぶ。

代表曲について

このアルバムには、Dylanの代表曲としてよく挙げられる「Like a Rolling Stone」が収録されている。シングルとしても広く知られ、6分を超える長さと、強いフックを持つ展開で、当時のポップ・ソングの感覚を押し広げた曲として扱われることが多い。ほかにも、タイトル曲「Highway 61 Revisited」をはじめ、アルバム全体を通して印象に残る曲が並ぶ。

同時代とのつながり

1960年代半ばのロックやフォークの流れの中で見ると、この作品は、シンガー・ソングライターが個人の言葉をロックの形式に乗せていく動きの中心にある。ブルース・ロック、フォーク・ロックの広がりとも重なり、同時代のアメリカン・ロックの変化を示す一枚としても見られている。

ひとことで言うと

Bob Dylanの作家性とバンド・サウンドが強く結びついたアルバム。1965年という年の空気を映しながら、フォークからロックへとまたがる重要作として定着している。

トラックリスト

• A1 Like A Rolling Stone (6:13)
• A2 Tombstone Blues (5:58)
• A3 It Takes A Lot To Laugh, It Takes A Train To Cry (4:09)
• A4 From A Buick 6 (3:19)
• A5 Ballad Of A Thin Man (5:58)
• B1 Queen Jane Approximately (5:31)
• B2 Highway 61 Revisited (3:30)
• B3 Just Like Tom Thumb’s Blues (5:31)
• B4 Desolation Row (11:20)

関連動画

• Bob Dylan – Highway 61 Revisited [Full Album]

Юрий Антонов「Крыша Дома Твоего」について

Юрий Антоновの「Крыша Дома Твоего」は、1983年に発表されたロック作品で、ソ連時代のポップ・ロックの流れを代表する一枚として知られる作品です。作曲家、歌手、演奏家として活動してきたЮрий Антоновの作家性が前面に出た内容で、メロディを重視したロックと親しみやすい歌ものの感覚が同居しています。

作品の輪郭

本作は、ロックを土台にしながらも、いわゆるハードな質感よりは、歌の流れや旋律のわかりやすさを軸にしたポップ・ロック寄りの仕上がりです。ギターやキーボードを中心にした編成が想像しやすく、当時のソ連圏で広がっていた、歌謡性の強いロックの文脈に置ける内容といえます。

音の印象としては、厚すぎないバンド・サウンドの中に、はっきりしたメロディとコーラスが乗るタイプ。派手な演奏で押すというより、曲そのものの流れで聴かせる作りです。

Юрий Антоновという存在

Юрий Антоновは1945年生まれ、タシケント出身のロシアの作曲家、歌手、音楽家です。ソ連の大衆音楽の中で広く知られた存在で、ポップスとロックの境目をまたぐような楽曲を数多く手がけてきました。1983年のこの作品は、そうしたキャリアの中でも、彼のメロディメーカーとしての持ち味が見えやすい時期の一枚として捉えやすいです。

時代背景と文脈

1980年代前半のソ連では、ロックが独自の形で発展していきました。西側のハードロックやプログレッシブ・ロックとは少し違い、歌の強さやポップな旋律を重視した作品が多く、この作品もその流れの中にあります。国内のポップ・ロック、あるいはシンガーソングライター的な感覚を持つロック作品として見ると、位置づけがわかりやすいです。

同時代のソ連圏の音楽と並べると、バンド色の強いロックよりも、歌メロ中心の親しみやすさが印象に残るタイプです。大きく言えば、ロックの形式を借りながら、ポピュラー音楽としての聴きやすさを前に出した作品です。

聴きどころ

• メロディが前に出る曲作り
• ポップ・ロックらしい整ったバンド・サウンド
• 歌を中心にしたわかりやすい構成
• 1980年代ソ連ポップ・ロックの空気感

まとめ

「Крыша Дома Твоего」は、Юрий Антоновの作家性がストレートに出た1983年のロック作品です。ポップ・ロックの枠の中で、歌メロの強さと時代の空気がきれいにまとまった一枚、といった見方がしやすいです。

トラックリスト

• A1 Жизнь · Life (4:57)
• A2 Вот Как Бывает · The Way It Is (3:40)
• A3 Море · The Sea (2:40)
• A4 Зеркало · Mirror (3:33)
• A5 Я Вспоминаю · I Remember (5:47)
• B1 Двадцать Лет Спустя · Twenty Years Later (3:45)
• B2 Не Забывай · Don’t Forget (3:50)
• B3 Анастасия · Anastasia (3:01)
• B4 Золотая Лестница · Golden Staircase (2:45)
• B5 Дорога К Морю · The Road To The Sea (3:22)
• B6 Крыша Дома Твоего · Your Home’s Roof (2:50)

関連動画

• Юрий Антонов “Крыша дома твоего” (1982)
• Песня Юрия Антонова “Я вспоминаю” из фильма “Берегите женщин” (1981)
• Юрий Антонов “Крыша дома твоего” – оцифровка пластинки
• Юрий Антонов – Крыша дома твоего (Ремастеринг 2017-DbasssStudio)

David Bowie「Loving The Alien」について

David Bowieの「Loving The Alien」は、1985年の作品として知られる楽曲で、同年にリリースされた時代の空気をよく映した1曲です。Bowieは英国出身のシンガー、ソングライター、俳優として広く知られ、1970年代から80年代にかけてロックとポップの境界をまたぎながら活動を続けてきました。この曲も、その流れの中で生まれた80年代中盤のBowieらしい一曲です。

サウンドの印象

サウンドは、シンセサイザーを前面に出したポップ・ロック寄りの質感が特徴です。電子的な音の層の上に、Bowieの歌がはっきりと乗る構成で、80年代の制作感が強く出ています。ロックの骨格を残しつつ、シンセ・ポップの要素を取り込んだ仕上がりで、当時の洋楽シーンの流れとも重なる内容です。

作品の位置づけ

1985年のBowieは、すでに大きな成功を重ねた後の時期で、アーティストとしての幅をさらに広げていたタイミングです。「Loving The Alien」は、その中でも電子音とポップ性を組み合わせた時期のBowieを示す作品として見られます。ロック、ポップ、エレクトロニックの要素が交差する点に、この時代の特徴が表れています。

同時代とのつながり

この時期のBowieは、同じく80年代のポップ・ロックやシンセ・ポップの文脈の中で語られることが多いです。デヴィッド・ボウイという名前が持つ実験性と、当時のメインストリーム寄りの音作りが重なっているあたりが、作品の面白さになっています。派手さだけでなく、音の配置や歌の置き方にもBowieらしい感覚がある1曲です。

基本情報

• アーティスト: David Bowie
• タイトル: Loving The Alien
• オリジナルリリース年: 1985年
• 盤のリリース年: 1985年
• ジャンル: Electronic, Rock
• スタイル: Pop Rock, Synth-pop
• リリース国: Japan

David Bowieの80年代作品をたどるうえで、「Loving The Alien」はその時代の音と感触をつかみやすい存在です。電子的な質感とロックの輪郭、そのバランス感が印象に残る1曲です。

トラックリスト

• A Loving The Alien (Extended Dance Mix) (7:27)
• B1 Don’t Look Down (Extended Dance Mix) (4:50)
• B2 Loving The Alien (Extended Dub Mix) (7:14)

関連動画

• David Bowie – Loving The Alien (Extended Dance Mix)
• David Bowie – Loving The Alien (Extended Dub Mix) 1984
• Loving the Alien (Remix) (2018 Remaster)
• Don’t Look Down (2018 Remaster)

Robert Wyatt『’68』について

Robert Wyattの『’68』は、2013年にリリースされた作品。ジャズとロックを土台にしながら、フュージョンや実験性のある方向へも目を向けた内容で、Wyattのキャリアを振り返るうえで重要な位置づけの1枚として扱われている。

作品の成り立ち

タイトルの通り、1968年に関わる音源をまとめたアルバムで、Robert Wyattの音楽活動の初期をたどる構成になっている。Wyattは1960年代にWilde Flowers、続いてSoft Machineを共同結成し、ロンドンのサイケデリック・アンダーグラウンドの文脈で活動を広げていった人物。Soft MachineはJimi Hendrix Experienceの前座としてアメリカ・ツアーも行っており、その時期の空気がこの作品にもつながっている。

Wyatt自身は、のちにソロ活動でも独自の足跡を残していくが、『’68』はそうした本格的なソロ期の前段階にあたる時期を示す資料的な意味合いも持つ。本人のライフワークにおける“欠けていた部分”を埋めるような位置づけ、と説明されている。

サウンドの特徴

ジャズ由来の流れとロックの推進力が同居し、そこに実験的な組み立てが重なるタイプの内容。Soft Machine周辺の時代を思わせる、時に流動的で、時にリズムの切り替わりがはっきりした手触りがある。いわゆる歌もの中心ではなく、演奏の動きや構成そのものを追う楽しみが大きい作品だ。

同時代の文脈で見ると、Canや周辺のプログレッシブ／アヴァン寄りのロック、あるいはジャズ・ロックの展開と並べて語られやすい領域。Robert Wyattの名前が出るときに連想される、柔らかな声のソロ作品とはまた違い、バンドの変化や即興性が前に出る場面が想像しやすい。

リリース情報

• オリジナルリリース年: 2013年
• リリース国: US
• ジャンル: Jazz, Rock
• スタイル: Fusion, Experimental

フォーマットについて

2013年10月8日にリリースされ、アナログ盤、CD、デジタル配信で展開された。アナログ盤は白盤の初回プレスから始まり、その後も色違いのプレスが重ねられている。デジタル版には「Rivmic Melodies (Radio Edit)」がボーナストラックとして収録されている。

Robert Wyattという人物

Robert Wyattは1945年、イングランドのブリストル生まれ。1960年代半ばにWilde Flowersを共同結成し、1966年にはSoft Machineを共同結成した。Soft Machineは1967年に初のシングルを発表し、1968年にはJimi Hendrix Experienceの全米ツアーに同行している。

その後、Wyattはソロ活動へ移り、1973年の事故によって下半身不随となったのちも、車椅子で演奏と録音を続けてきた。『’68』は、そうした長いキャリアの中でも、出発点の時代を見つめ直す作品として受け取れる。

ひとこと

『’68』は、Robert Wyattの初期キャリアとSoft Machine周辺の空気をたどるうえで、かなり見通しのいい1枚。ジャズ、ロック、実験性が交差する時代の記録として、当時の流れがそのまま残っているような内容だ。

トラックリスト

• A1 Rivmic Melodies (18:17)
• A2 Chelsa (5:00)
• B1 Slow Walkin’ Talk (3:00)
• B2 Moon In June (20:33)

関連動画

• Robert Wyatt – Rivmic Melodies [excerpt]

Siouxsie & The Banshees『Tinderbox』

Siouxsie & The Bansheesの『Tinderbox』は、1986年にオリジナル・リリースされた7作目のスタジオ・アルバムです。ポストパンクを土台にしながら、オルタナティヴ・ロック、ニューウェイヴ、ゴシック・ロックの要素を組み合わせた一枚で、バンドの中期を代表する作品として語られることの多いタイトルです。ここで紹介するのは2018年盤です。

バンドの立ち位置

Siouxsie & The Bansheesは、1976年にロンドンで結成されたイギリスのバンドです。Siouxsie Siouxのヴォーカル、Steven Severinのベースを軸に、時期ごとにギタリストやドラマーを変えながら活動してきました。『Tinderbox』の時点では、Siouxsie Sioux、Steven Severin、John Valentine Carruthers、Budgieという編成。バンドのなかでも、音像が整理されつつ、演奏の輪郭がはっきりした時期の作品といえる。

サウンドの特徴

本作は、リズム隊の推進力と、ギターの鋭いフレーズが前に出る作り。録音はベルリンのHansa TonstudiosとロンドンのMatrix Studiosで行われ、ミックスはAir Studiosで仕上げられている。音の質感は比較的タイトで、曲ごとの緊張感が保たれている印象。ゴシック・ロックの要素は残しつつも、暗さだけに寄らず、構成の明快さが目立つアルバムでもある。

収録曲とシングル

全曲はバンド自身による作曲、プロデュース、アレンジ。アルバムからは事前にシングルも出ており、1985年10月の「Cities in Dust」と、1986年2月の「Candyman」が関連曲として挙げられる。どちらもバンドの代表曲として知られることの多いナンバーで、『Tinderbox』の輪郭をつかむうえでも重要な曲になっている。

• 「Cities in Dust」：アルバム期を代表するシングル
• 「Candyman」：続くシングルとして発表された楽曲

同時代とのつながり

1980年代半ばのイギリスでは、ポストパンク以降の流れを引き継ぎながら、ニューウェイヴやゴシック・ロックがそれぞれの形で広がっていた時期です。Siouxsie & The Bansheesは、そのなかでも独自の存在感を保ち続けたバンドで、同時代のThe Cureなどと並べて語られることも多い。『Tinderbox』は、そうした文脈のなかで、バンドの作曲面と演奏面のまとまりが見えやすいアルバムとして位置づけられる一枚です。

まとめ

『Tinderbox』は、Siouxsie & The Bansheesのキャリアのなかで、音の整理と緊張感が同時に前に出た1986年作です。ポストパンクの流れを引き継ぎながら、ニューウェイヴやゴシック・ロックの手触りを持った作品として、バンドの中期を押さえるうえで外せないタイトルといえるでしょう。

トラックリスト

• A1 Candyman
• A2 The Sweetest Chill
• A3 This Unrest
• A4 Cities In Dust
• B1 Cannons
• B2 Party’s Fall
• B3 92°
• B4 Lands End

関連動画

• Siouxsie And The Banshees – Candyman (Official Music Video)
• Sweetest Chill
• This Unrest
• Cities In Dust
• Cannons

Chuzpe『1000 Takte Tanz』について

Chuzpeは、1977年にウィーンで結成されたオーストリアのニューウェイブ／ポストパンク・バンドである。『1000 Takte Tanz』は1982年の作品として知られ、2012年に盤がリリースされている。電子音とロックの要素を行き来しながら、ニューウェイブ、シンセポップ、ミニマルの感触をまとめた一枚という位置づけになる。

バンドの背景

Chuzpeは、Robert Wolfを中心に結成されたグループで、オーストリア初期のパンク・シーンとも関わりのある存在として語られている。ウィーンという都市の空気と、当時のヨーロッパのポストパンク／ニューウェイブの流れが重なるあたりに、このバンドの立ち位置が見えてくる。

メンバーにはMic Metal、Andy Kolm、Stefan Pfeistlinger、Stephan Wildner、Gunulf、Jimmy Deix、Christian Brandl、Robert Wolf、James Bong、Charlie Wolf、Albert Griemann、Rudi Barcalらが名を連ねる。

サウンドの印象

『1000 Takte Tanz』は、ロックの骨格に電子的な質感を重ねた作品として捉えやすい。ニューウェイブらしいリズムの運び、シンセポップの音色、ミニマルな反復感が軸にあり、派手さよりも構造の組み立てで聴かせるタイプの手触りである。

同時代の文脈で見れば、初期ニューウェイブやポストパンクの流れ、あるいはシンセを前面に出したヨーロッパ圏のバンド群と並べて語られることがありそうだ。音の作り込みと簡潔さのバランスに、当時の空気が残っている。

作品としての位置づけ

1982年という時期は、Chuzpeにとって初期活動の延長線上にある時代で、バンドのサウンドがニューウェイブ／シンセポップ寄りの方向へまとまっていく局面とも読める。オーストリアのローカルなパンク／ニューウェイブ史の中で、Chuzpeの名前を確認するうえで重要な作品のひとつである。

補足

• アーティスト名: Chuzpe
• タイトル: 1000 Takte Tanz
• オリジナル年: 1982年
• 盤のリリース年: 2012年
• 国: オーストリア
• ジャンル: Electronic, Rock
• スタイル: New Wave, Synth-pop, Minimal

作品全体としては、オーストリアのニューウェイブ／ポストパンクの流れを押さえるうえで見逃しにくいタイトルである。

トラックリスト

• A1 Eine Hand Voll Chuzpe (2:22)
• A2 Zu Klug Für Diese Welt (1:49)
• A3 Vogue Girls (2:49)
• A4 Stealing Russians In Watchia (2:45)
• A5 Chinese Chive (2:10)
• A6 Der Rhythmus Dieser Stadt (2:17)
• B1 Der Meister Und Margerita (1:34)
• B2 Die Neuen Maschinen (3:21)
• B3 Gute Kräfte Sammeln Sich (1:56)
• B4 Das Zündholz (2:17)
• B5 Tote Körper Tanzen Anders (2:13)
• B6 Tausend Takte Tanz (4:11)

関連動画

• Chuzpe – 1000 Takte Tanz (1982 LP)
• Eine Hand voll Chuzpe
• Zu klug für diese Welt
• Vogue Girls
• Stealing Russians In Watchia

Karen Beth『The Joys Of Life』について

Karen Bethは、アメリカのニューエイジ・フォーク系シンガー／ソングライター、パフォーマーとして知られるアーティストである。『The Joys Of Life』は1969年に発表された作品で、ロック、フォーク、カントリーの流れの中に置ける内容となっている。

作品の位置づけ

1969年という時代は、アメリカン・フォークがフォーク・ロックへ広がり、アコースティックな弾き語りの感覚とバンド・サウンドが近づいていった時期である。このアルバムも、その文脈の中で聴きやすい一枚として捉えられる。アーティスト本人の表現が前面に出るタイプの作品で、Karen Bethの音楽性を知るうえでの初期の記録といえるだろう。

サウンドの印象

ジャンル表記はRock、Folk、World, & Country、スタイルはFolk RockとAcoustic。そこから想像できる通り、派手な装飾よりも、アコースティック楽器の手触りや、歌の輪郭を生かした作りが中心になっていそうだ。フォークの語り口にロックの推進力が少し重なるような質感で、当時のアメリカ西海岸系フォーク・ロックやシンガーソングライター作品と近い空気を持つ可能性がある。

同時代とのつながり

1960年代後半のアメリカでは、Joni Mitchell、Judee Sill、Joan Baezのようなシンガーソングライターやフォーク系アーティストが、それぞれのやり方で個人の歌を前に出していた。Karen Bethの『The Joys Of Life』も、その時代のフォーク寄りの表現のひとつとして見ると流れがつかみやすい。派手なロック・アルバムというより、歌と演奏の距離感を大事にした作品という印象である。

まとめ

『The Joys Of Life』は、1969年のアメリカン・フォーク／フォーク・ロックの空気を反映した作品として整理できる。アコースティックな感触を軸に、歌の存在感を前に置いたアルバムとして、Karen Bethの初期像を伝える一枚といえる。

トラックリスト

• A1 It’s All Over Now
• A2 In The Morning
• A3 I Know That You Know
• A4 The Joys Of Life
• A5 Something To Believe In
• A6 April Rain
• B1 White Dakota Hill
• B2 Come December
• B3 Song To A Shepherd
• B4 Nothing Lasts
• B5 Tomorrow’s A New Day

関連動画

• It’s Over Now
• In The Morning
• I Know That You Know
• The Joys Of Life
• Something To Believe In

Il Rovescio Della Medaglia「La Bibbia」

イタリアのプログレッシブ・ロック・バンド、Il Rovescio Della Medagliaによる「La Bibbia」は、1971年に発表された作品として知られる一枚。バンド初期の代表作で、ハード・ロック寄りの骨太な演奏に、プログレの要素が少しずつ入り込んでくるタイプの内容になっている。

バンドの位置づけ

Il Rovescio Della Medagliaは、1970年ごろにローマで結成されたグループで、ビート・バンド「I Lombrichi」の流れをくむ存在。Enzo Vitaのギター、Stefano Ursoのベース、Gino Campoliのドラムに、Pino Ballariniのヴォーカルが加わった編成が核になっている。後にキーボード奏者Franco Di Sabatinoが加わり、サウンドはよりシンフォニックな方向へ広がっていくが、「La Bibbia」はその前段階にあたる作品という位置づけだ。

サウンドの特徴

この作品は、まずリズムの押し出しが強い。ギターとリズム隊が前に出る作りで、プログレというよりはハード・ロックの感触がはっきりしている。その一方で、構成や展開には後のプログレ色につながる要素もあり、単なる直線的なロックには収まらない内容になっている。

音の質感としては、派手に装飾するというより、演奏の勢いと一体感で押していく印象。イタリアン・プログレの中でも、よりロック寄りの初期作品として捉えられることが多い流れだろう。のちのシンフォニックな展開を見せる時期と比べると、かなりストレートな手触りだ。

同時代の文脈

同時代のイタリアン・ロックには、ハード・ロックからプログレへと接近していくバンドが少なくない。Il Rovescio Della Medagliaもその一つで、初期の荒さや勢いを残しながら、後年にかけてより大きな構成を持つ作品へ進んでいく。イタリアの70年代プログレの中では、叙情性やクラシカルな要素が前面に出るバンドと並びつつ、より硬質なロック感を持つグループとして語られることがある。

作品の流れの中で

「La Bibbia」は、バンドの出発点を示す重要な一枚。続く「Io come io」では同じくハード寄りの方向性を保ちながら、より哲学的な歌詞が取り入れられていく。そして「Contaminazione」ではキーボードを加えたシンフォニックな方向へ大きく展開していくので、この作品はその前段階、バンドの原点を知るうえでの入口にあたる。

まとめ

Il Rovescio Della Medagliaの「La Bibbia」は、イタリアン・プログレの文脈にありながら、まずはハード・ロックの勢いで聴かせる初期作。のちの大作志向やシンフォニックな広がりとは少し違う、バンドの初期衝動がそのまま残ったような内容だ。

トラックリスト

• A1 Il Nulla
• A2 La Creazione
• A3 L’Ammonimento
• B1 Sodoma E Gomorra
• B2 Il Giudizio
• B3 Il Diluvio

関連動画

• Il Nulla
• La Creazione
• L’ammonimento
• Sodoma E Gomorra
• Il Giudizio

The Spacious Mind「Sleepy Eyes And Butterflies」について

The Spacious Mindの「Sleepy Eyes And Butterflies」は、1995年の作品。スウェーデン出身のバンドとして知られる彼らが、サイケデリック・ロックの文脈で存在感を示していた時期の一枚です。アメリカのサイケデリック・ロック、特に1960年代後半の空気を参照しつつ、スペース感のある広がりや、時間感覚をゆるめるような構成が特徴のグループとして語られることが多いです。

サウンドの印象

この作品も、そうしたバンドの持ち味が前面に出るタイプの一枚といえます。ギターの残響、ゆるやかに揺れるリズム、曲の流れの中で少しずつ景色が変わっていくような組み立てが、サイケデリック・ロックらしい手触りにつながっています。派手に押し切るというより、音の重なりや余韻で聴かせる方向性の作品として捉えやすいです。

作品の位置づけ

The Spacious Mindは1991年結成のバンドで、世界的にも評価されてきたサイケデリック・バンドのひとつとされています。「Sleepy Eyes And Butterflies」は、そうした彼らの初期の活動期に出たアルバムで、バンドの方向性を示す作品として見ることができそうです。のちの活動につながる、基本の音像や感触がまとまっている時期の記録とも言えます。

ジャンルの文脈

この作品を置く場所としては、60年代サンフランシスコのサイケデリック・ロック、あるいはその後のネオ・サイケデリアの流れが近いです。音の組み立てや雰囲気の作り方には、同系統のバンドと並べて語られる要素があります。アメリカ西海岸のサイケデリックな感触を、スウェーデンのバンドが自分たちなりに引き継いでいる、そんな見方がしやすい作品です。

メンバー

• David Johansson
• Henrik Oja
• Jens Unosson
• Mårten Lundmark
• Thomas Brännström
• David Åkerlund
• Niklas Viklund

ひとこと

「Sleepy Eyes And Butterflies」は、The Spacious Mindのサイケデリック・ロック志向がはっきり出る1995年の作品。音の質感や曲の流れに、60年代サイケの参照点が見えやすい一枚です。

トラックリスト

• A To Earth With Love (23:22)
• Seashore Trees (21:15)
• C1 Alice Of Strange (11:03)
• C2 Your Mind And Mine (13:34)
• D Space Blues – Diary Of The Sun (17:05)

関連動画

• The Spacious Mind: To Earth With Love
• Spacious Mind – Alice Of Strange
• Spacious Mind – Your Mind And Mine
• Spacious Mind – Space Blues _ Diary Of The Sun

Flesh For Lulu「Big Fun City」について

Flesh For Luluは、ロンドンのブリクストンで結成されたロック・バンドで、1982年から1992年にかけて活動したグループだ。
「Big Fun City」は1985年の作品で、1986年に盤としてリリースされている。
イギリスのオルタナティブ・ロック、ニュー・ウェイヴ、インディー・ロックの流れに位置する一枚として見ていくと、バンドの輪郭がつかみやすい。

サウンドの印象

この時期のFlesh For Luluは、ギター中心のロックを軸にしながら、ニュー・ウェイヴ由来の乾いた質感や、オルタナティブ寄りの直線的な推進力を持つバンドとして語られることが多い。
「Big Fun City」も、そうした流れの中で、硬質なギターと前に出るリズム、都市的な空気感を感じさせる作品として捉えられる。

作品の位置づけ

Flesh For Luluは、Nick Marsh、Derek Greening、Kev Mills、Rocco Barker、James Mitchell、Mark Bishop、Glen Bishop、Hasse Perssonといったメンバー名が挙がるバンドで、80年代の英国ロックの文脈に置くと見えやすい。
「Big Fun City」は、アーティストの活動初期から中期にかけての時代感を伝える作品で、後の展開につながるバンドの基本的なスタイルを確認できる一枚という位置づけになっている。

同時代の文脈

80年代中盤の英国では、ポスト・パンク以後の感覚を引き継いだバンドが、ニュー・ウェイヴやインディー・ロックの中で独自の音を作っていた。
Flesh For Luluもその流れにあり、同時代のバンドと比べると、ストレートなロック感と都会的な冷たさの両方を持つタイプとして受け取られることがある。

代表曲について

Flesh For Luluには後年に知られる曲もあるが、「Big Fun City」については作品全体の流れで聴かれることが多い。
バンドの初期の輪郭を知るうえで、曲単位だけでなくアルバム全体のまとまりが重要な一枚だ。

まとめ

「Big Fun City」は、1985年のFlesh For Luluを映すロック作品で、1986年に盤として流通した。
英国のオルタナティブ・ロック、ニュー・ウェイヴ、インディー・ロックの交差点にあるような内容で、バンドの活動初期の空気をそのまま感じやすいタイトルだ。

トラックリスト

• A1 Baby Hurricane (3:13)
• A2 Cat Burglar (2:59)
• A3 Let Go (3:00)
• A4 Vaguely Human (3:22)
• A5 Rent Boy (4:39)
• B1 Golden Handshake Girl (4:04)
• B2 In Your Smile (3:06)
• B3 Blue (3:29)
• B4 Landromat Kat (2:16)
• B5 Just One Second (3:07)

関連動画

• Flesh for Lulu – Laundromat Kat
• Just One Second – Flesh for Lulu
• Laundromat Kat (New Recording)
• Laundromat Kat
• Baby Hurricane

Tako『Tako』について

『Tako』は、ユーゴスラビアのプログレッシブ・ロック・バンド、Takoが1978年に発表したアルバムである。編成は、Dušan Ćućuz、Slobodan Felekatović、Miroslav Dukić、Đorđe Ilijin、Sava Bojićらによるもの。ジャンル表記としてはジャズ、ロックにまたがり、スタイル面ではプログレッシブ・ロック、スペース・ロック、フュージョンの要素を含む作品とされている。

作品の位置づけ

Takoは1970年代後半に活動したバンドで、アルバムは『Tako』（1978）と『U vreći za spavanje』（1980）の2作が知られている。本作『Tako』は、その初期を代表する1枚という位置づけになる。バンドの活動時期と重なる1978年の発表で、グループの基本的な音楽性を示す作品として見られることが多い。

サウンドの特徴

編成にはベース、ドラム、ギター、キーボードに加えてフルートやハープも含まれており、ロックの骨格の上に鍵盤や管楽器の要素を重ねる構成がうかがえる。プログレッシブ・ロックらしい曲展開に、ジャズ由来のフレーズやフュージョン寄りの動きが差し込まれるタイプの作りだと捉えやすい。スペース・ロックの表記もあるため、音の抜けや広がりを意識した場面も想像しやすい。

同時代の文脈

1970年代後半の東欧圏では、英米のプログレッシブ・ロックやジャズ・ロックの影響を受けつつ、各地のバンドが独自の解釈で作品を作っていた。Takoもその流れにあるグループのひとつで、演奏力を前面に出したロックと、組曲的な構成や即興性を感じさせる要素が接点になっている。比較の対象としては、同時代のプログレッシブ・ロックやジャズ・ロック系バンドの文脈で語られることが多そうなタイプである。

まとめ

『Tako』は、1978年当時のユーゴスラビア産プログレッシブ・ロックの空気を伝えるアルバムで、ロック、ジャズ、フュージョンの要素が交差する作品である。バンドの初期像を知るうえで、ひとつの基点になるレコードと言えそうだ。

トラックリスト

• A1 Wake Up (4:48)
• A2 Synthesis (4:55)
• A3 Merging Of Sunlight Into The Memory Of Sand (6:35)
• A4 Lena (4:43)
• B1 Miniature (2:55)
• B2 Second Side Of Me (16:26)
• B3 Journey To The South (3:42)

関連動画

• Tako – Minijatura [1978 Heavy Prog instrumental. Yugoslavia]
• Tako – Probudi se

The Big Dish「Satellites」について

「Satellites」は、スコットランド出身のポップ・ロック・バンド、The Big Dishによる1991年の作品。Airdrieで1983年にSteven Lindsayを中心に結成されたこのバンドは、編成を変えながら活動を続け、1986年から1991年の間に3枚のアルバムを残している。その流れの中で置くと、本作はバンド後期の時期にあたる一枚という見方ができる。

バンドの成り立ちと位置づけ

The Big Dishは、Steven Lindsayを軸にしたUKのポップ・ロック・バンドとして知られる。メンバーにはRaymond Docherty、Brian McFie、Allan Dumbreck、Oreste Gargaroらが名を連ねる。スコットランドのバンドらしい、英国的なメロディ感を持ちながら、ロックの骨格の上にポップな歌心を重ねるタイプのグループとして捉えやすい。

1991年という時期は、UKロックの中でもギター・バンドとポップの境目がよく見える頃。The Big Dishもその文脈に置くと、派手さよりも楽曲の流れや歌の輪郭を前に出すタイプの作品として受け取れる。Prefab SproutやAztec Cameraのような、メロディを重視する英国ポップの系譜と並べて語られることもありそうだ。

サウンドの印象

ジャンル表記はRock、スタイルはPop Rock。そうした情報どおり、ギターを基盤にしながら、曲の構成やフックをしっかり聴かせる作りが想像しやすい。大きく押し出すロックというより、整ったアレンジと歌を中心にした質感。輪郭のはっきりしたサウンド、という言い方が近いかもしれない。

タイトルの「Satellites」も含め、作品全体には距離感のあるイメージが重なりやすい。とはいえ、実際の印象はメロディとバンド演奏のバランスに出るはずで、そこがThe Big Dishらしさとして受け止められるところだろう。

1991年の作品として

本作は1991年のリリース。The Big Dishにとっては、1980年代から続けてきた活動の先にある一枚であり、バンドの音楽性を確認するうえでの節目として見られる作品になっている。アルバム単位で追うと、活動期間の最後に近い時期の記録としても位置づけやすい。

まとめ

「Satellites」は、Scottish pop rockの流れの中で語れるThe Big Dishの1991年作。派手な装飾よりも、メロディ、演奏、曲のまとまりを軸にした一枚として整理しやすい。UKのギター・ポップ／ポップ・ロックの文脈に置くと、バンドの持ち味が見えやすい作品だ。

トラックリスト

• A1 Miss America (3:56)
• A2 State Of The Union (4:31)
• A3 Across The Province (4:40)
• A4 Give Me Some Time (3:15)
• A5 25 Years (4:03)
• B1 Big Town (4:05)
• B2 Shipwrecked (4:52)
• B3 Warning Sign (3:27)
• B4 Bonafide (4:25)
• B5 Learn To Love (4:07)

関連動画

• Big Dish – Miss America
• The Big Dish – Big Town
• The Big Dish – Give Me Some Time
• THE BIG DISH – “Shipwrecked” (1990) [HQ Audio]
• THE BIG DISH – “Warning Sign” (1990) [HQ Audio]

Andrew Gold『Whirlwind』について

『Whirlwind』は、アメリカのシンガーソングライター／プロデューサー、Andrew Goldが1980年に発表した作品。ソフトロックの流れを受け継ぐ耳なじみのよいメロディと、ロック寄りの輪郭を持ったサウンドが並ぶ一枚として知られている。1970年代のアメリカン・ソフトロックを支えた人物のひとりらしく、作曲とアレンジの手つきが前面に出た内容になっている。

サウンドの印象

全体としては、ギター、鍵盤、コーラスのまとまりがよく、音の立ち上がりもきれいな作り。派手に押し切るタイプではなく、曲の流れやフックを丁寧に積み上げていくタイプのアルバムという印象が強い。ソフトロックらしい整った質感の中に、ロックの推進力がほどよく入っている。

Andrew Goldというアーティストの位置づけ

Andrew Goldは、1951年にカリフォルニア州バーバンクで生まれたアメリカのシンガーソングライター／プロデューサー。ソフトロックの文脈で語られることが多く、1970年代のアメリカン・ポップ／ロックの感触をつくった人物のひとりとして見られている。『Whirlwind』は、そうしたキャリアの中で、彼のソングライターとしての持ち味がまとまって表れた時期の作品といえる。

同時代の文脈

1980年という時期を考えると、AORやソフトロックの流れが引き続き残っていた頃でもある。洗練されたコード感、過不足のない演奏、メロディ重視の作りは、同時代のアメリカ西海岸系のポップ／ロックとも通じる部分がある。TotoやChristopher Crossのような、後のAOR的な耳触りを思わせる要素と並べて語られることもありそうな立ち位置だ。

作品の聴きどころ

• メロディの明快さ
• ソフトロック寄りの整ったアレンジ
• ロックの骨格を残した演奏感
• 作曲家としての手堅さが見える構成

『Whirlwind』は、派手な装飾よりも曲そのものの組み立てで聴かせるタイプのアルバム。Andrew Goldの持つポップな感覚と、アメリカン・ロックの実直さが同じ場所に置かれた作品として、80年代初頭の空気を映している。

トラックリスト

• A1 Kiss This One Goodbye (4:03)
• A2 Whirlwind (4:16)
• A3 Sooner Or Later (3:31)
• A4 Leave Her Alone (3:30)
• A5 Little Company (4:16)
• B1 Brand New Face (4:43)
• B2 Nine To Five (4:04)
• B3 Stranded On The Edge (4:03)
• B4 Make Up Your Mind (5:06)

関連動画

• Kiss This One Goodbye
• Whirlwind
• Sooner or Later
• Leave Her Alone
• Little Company

Mike Oldfield『Ommadawn』について

Mike Oldfieldの『Ommadawn』は、1975年に発表された作品。プログレッシブ・ロックを軸に、フォークや民族音楽、実験的な要素を織り込んだ、長尺の組曲的なアルバムとして知られている。『Tubular Bells』で広く名を知られた後の作品で、Mike Oldfieldの多重録音を中心とした作曲スタイルが、より濃く出ている一枚という印象だ。

サウンドの特徴

楽曲は、アコースティックな響きとエレクトリックな音色が行き来する構成。ギター、フルート、打楽器、コーラスなどが層を重ねながら進み、細かなフレーズの積み重ねで曲全体が組み上がっていく。ロックのバンド演奏というより、複数の楽器を組み合わせた大きな組曲を聴く感覚に近い。フォーク的な旋律感と、実験的な展開が同居している作品でもある。

Mike Oldfieldの中での位置づけ

『Ommadawn』は、『Tubular Bells』に続く1970年代Mike Oldfieldの代表的な長編アルバムのひとつ。複雑な構成と緻密な録音作業を前面に出した時期の作品で、彼の作曲家・マルチインストゥルメンタリストとしての個性がはっきり見える。のちのニューエイジ寄りの流れや、よりポップな方向とは少し距離があり、70年代プログレの文脈に置かれることが多い作品だ。

同時代の文脈

1975年という時期を考えると、英国のプログレッシブ・ロックが成熟していた頃の作品として見えてくる。長尺構成、演奏の積み重ね、民族音楽やフォークへの接近などは、同時代のプログレ勢とも通じる部分がある。とはいえ、バンド単位のアンサンブルよりも、Oldfield自身の多重録音によって音像を組み立てる点に、この作品ならではの特徴がある。

収録曲とよく知られる部分

アルバムは大きく2部構成の流れで進み、終盤には「On Horseback」が置かれている。この曲は、アルバム本編の流れの中でも印象に残るパートとして知られる。盤によっては別扱いの見え方をすることもあるが、作品全体の締めくくりに近い位置づけだ。Mike Oldfieldの作品の中でも、楽曲単体というよりアルバム全体で聴かれることの多いタイトルといえる。

制作メモ

レコーディングは1975年、The Beaconで行われた記録が残っている。Virgin Records初期の重要作のひとつとしても扱われる作品で、70年代英国ロックの中で存在感を持つアルバムだ。

『Ommadawn』は、Mike Oldfieldの多層的な音作りと、フォーク寄りの旋律、プログレ的な構成感がまとまった一枚。派手なシングルヒットで押す作品ではないが、彼の代表的なアルバムとして語られることの多いタイトルだ。

トラックリスト

• A Ommadawn (Part One) = オマドーン・パート1 (19:14)
• B Ommadawn (Part Two) = オマドーン・パート2 (17:17)

関連動画

• Mike Oldfield – Ommadawn Full Album
• Ommadawn Pt.1 (1975 Stereo Mix)
• Mike Oldfield – Ommadawn (Part Two)

Colin Blunstone『Collected』について

Colin Blunstoneの『Collected』は、2014年にリリースされたコンピレーション作品。英ロック／ポップの文脈で知られる彼のソロ活動を、まとめて追いやすい一枚になっている。2018年盤として流通しているが、作品そのものは2014年のリリースとして扱われる。

Colin Blunstoneという歌声

Colin Blunstoneは、The Zombiesのシンガーとして出発したイングランドの歌手、ソングライター、ミュージシャン。1960年代から活動を続け、ソロでは1971年の『One Year』で本格的に独立したキャリアを築いた人物だ。The Zombiesでの活動と並行して、ソロでも長く作品を重ねてきたことが、この『Collected』にもつながっている。

作品の輪郭

収録内容は、RockとPopを軸にしたソロ期の楽曲群。スタイルとしてはSoft Rock、Symphonic Rockの要素が見えやすい。バンド時代の緊張感よりも、声の柔らかさやメロディの運びが前に出るタイプで、楽器の厚みを持たせたアレンジと、落ち着いた歌唱が印象に残る構成になりやすい。

Colin Blunstoneの音楽は、同時代の英国ポップ／ロックの流れの中でも、The Zombiesや、近い質感を持つソフトロック系のアーティストと並べて語られることが多い。派手さよりも、旋律の流れと声の存在感で聴かせるタイプという見方がしやすい。

ソロ活動の位置づけ

この『Collected』は、The Zombiesのヴォーカリストという顔だけでなく、ソロ・アーティストとしてのColin Blunstoneを見渡すための編集盤という位置づけになりそうだ。1960年代のバンド活動、1970年代以降のソロ作品、そして後年の活動までを通して、彼の歌声がどのように機能してきたかを確認できる内容。

ひとこと

Colin Blunstoneの作品は、派手な主張を前面に出すというより、歌声とメロディの輪郭でじわりと聴かせるタイプ。『Collected』も、その持ち味をコンパクトに追える編集盤として位置づけられる一枚だ。

トラックリスト

• A1 She’s Not There
• A2 Tell Her No
• A3 Summertime
• A4 Time Of The Season
• A5 Say You Don’t Mind
• A6 Caroline Goodbye
• A7 Misty Roses
• A8 I Don’t Believe In Miracles
• B1 How Could We Dare To Be Wrong
• B2 Andorra
• B3 Keep The Curtains Closed Today
• B4 Exclusively For Me
• B5 Pianes
• B6 Ain’t It Funny
• B7 I Want Some More
• C1 What Becomes Of The Broken Hearted
• C2 Wonderful
• C3 The Tracks Of My Tears
• C4 Old And Wise
• C5 The Eagle Will Rise Again
• C6 Miles Away
• D1 Home
• D2 Sanctuary
• D3 In My Mind A Miracle
• D4 Any Other Way
• D5 The Ghost Of You And Me
• D6 Though You Are Far Away
• D7 So Much More

Birth Control『The Best Of Birthcontrol Vol. 2』について

Birth Controlは、1966年にベルリンで結成されたドイツのロック・バンドだ。
本作『The Best Of Birthcontrol Vol. 2』は1978年にドイツでリリースされた編集盤で、バンドの活動期を振り返る内容になっている。

バンドの輪郭

Birth Controlは、ドイツのプログレッシブ・ロック、クラウトロック、ジャズ・ロックの流れの中で語られることが多いグループだ。
電子的な質感、ロックの推進力、ジャズ寄りの演奏感が重なるタイプで、同時代のGerman Rockの中でも長く活動を続けたバンドのひとつとして知られている。

この作品も、そうしたバンドの歩みをまとめた一枚として位置づけられる。
代表的な楽曲群を通して、Birth Controlの持つリズムの強さや、演奏主体の組み立てが見えやすい編集盤といえる。

サウンドの印象

ジャンル表記にある通り、ここではロックを軸に、ジャズ・ロック的な展開やプログレッシブ・ロックの構成感が前面に出る。
音の質感としては、演奏の密度が高く、リズム隊が曲を引っ張る場面が多い。そこにキーボードやギターが絡み、電子的な要素も加わることで、70年代ドイツらしい硬質な手触りが出ている。

派手な装飾よりも、バンド全体のアンサンブルで聴かせるタイプの編集盤として捉えやすい。
Krautrock周辺の作品に見られる、反復と推進力の感覚も感じ取れる内容だ。

同時代の文脈

Birth Controlは、CanやAmon Düül II、Guru Guru、Epitaphといった同時代のドイツ・ロック勢と並べて語られることがある。
ただし、完全に実験寄りへ振り切るというより、ロックの骨格を保ちながらジャズやプログレの要素を取り込んでいる点が特徴になっている。

1970年代のドイツのロック・シーンでは、英米のハードロックやプログレとは別の流れが育っていたが、Birth Controlはその中で比較的わかりやすい推進力を持ったバンドとして存在感を示してきた。
その歩みをまとめたのが、この『The Best Of Birthcontrol Vol. 2』という見方ができる。

作品の位置づけ

オリジナル・リリースは1978年。
バンドにとっては、すでに活動の蓄積が十分にたまった時期の編集盤であり、初期から70年代後半までの流れを確認できる内容と考えやすい。

なお、Birth Controlはこの後も活動を続けていくが、1978年時点では、当時までの足跡を整理する意味合いの強い一枚として見えてくる。
バンドの全体像をつかむうえで、ディスコグラフィの中の節目になる編集盤だ。

メンバーについて

クレジットには、Zeus B. Held、Xaver Fischer、Sascha Kühn、Dirk Steffens、Hugo Egon Balder、Rolf “Rocco” Klein、Wolfgang Horn、Bernd Noske、Horst Stachelhaus、Manfred von Bohr、Bruno Frenzel、Peter Föller、Jürgen Goldschmidt、Hartmut Schölgens、Bernd Koschmidder、Reinhold Sobotta、Hannes Vesper、Wolfgang Neuser、Peter Engelhardt、Fritz Gröger、Rolf Gurra、Martin Ettrichらの名前が並ぶ。
長い活動歴を持つバンドらしく、複数の時期のメンバーが関わっていることがわかる。

まとめ

『The Best Of Birthcontrol Vol. 2』は、Birth Controlのロック、ジャズ、電子的な要素が交差する持ち味を、編集盤という形でまとめた1978年の作品だ。
ドイツのクラウトロック、ジャズ・ロック、プログレッシブ・ロックの文脈の中で、バンドの輪郭を確認しやすい一枚になっている。

トラックリスト

• A1 Gamma Ray (Live) (7:53)
• A2 My Mind (The Sad Man With The Third Ear) (6:49)
• A3 Back From Hell (8:08)
• B1 Trial Trip (The Ferry To The Isle) (6:41)
• B2 Mister Hero (6:42)
• B3 Buy! (7:10)

Siouxsie & The Banshees『Juju』

Siouxsie & The Bansheesの4作目にあたる『Juju』は、1981年6月にPolydorから発表されたアルバムです。日本盤も1981年のリリースで、同年の作品として流通しています。前作までで築いてきたポストパンクの土台をさらに押し進めた一枚で、ニュー・ウェイヴとゴシック・ロックの輪郭がはっきり見える時期の作品でもあります。

作品の位置づけ

Siouxsie & The Bansheesは1976年にロンドンで結成されたイギリスのバンドで、Siouxsie Siouxのボーカル、Steven Severinのベースを軸に活動してきました。『Juju』では、ギターにJohn McGeoch、ドラムにBudgieを迎えた編成。バンドとしてのまとまりが強く、サウンドの輪郭もかなり整理された印象があります。

この時期の彼らは、初期の鋭いポストパンク感覚を保ちながら、リフやリズムの反復で曲を組み立てていく方向に進んでいて、後のゴシック・ロックの文脈でも参照されることの多いアルバムです。The CureやJoy Division周辺と並べて語られることもある時期の空気感がある一枚です。

サウンドと雰囲気

録音はイギリスのSurrey Sound Studios。プロデュースはNigel Grayとバンド自身です。音の作りは比較的明瞭で、ベースとドラムが前に出て、そこにJohn McGeochのギターが細かなフレーズや鋭い響きを重ねていく形。Siouxsie Siouxの歌唱も、メロディを強く押し出すというより、言葉の切れ味や抑揚で曲を引っ張る場面が目立ちます。

全体としては、派手な装飾よりも、反復、間、リズムの緊張感で持っていくタイプのアルバムです。硬質な手触りと、少し冷えた空気が同居している感じ。ニュー・ウェイヴの整理された感覚と、ゴシック・ロックの暗さが同じ画面に収まっているような作品です。

代表曲とシングル

収録曲の中では「Spellbound」が特に知られた曲で、同時代のバンドの中でもバンドの代表曲として挙げられやすいナンバーです。ほかにもシングルとして「Arabian Knights」や「Halloween」が出ていて、アルバム全体の方向性をよく示しています。

• 「Spellbound」: 反復するギターと推進力のあるリズムが印象的
• 「Arabian Knights」: 端正なビートの上に緊張感を乗せた曲
• 「Halloween」: この時期のバンドらしい陰影の強い楽曲

ひとこと

『Juju』は、Siouxsie & The Bansheesがポストパンクからゴシック・ロックへと接続していく流れを、かなりはっきり形にしたアルバムとして語られることが多い作品です。演奏の細部、リズムの硬さ、ボーカルの存在感がきれいに揃っていて、1981年という時代の空気もよく残っています。

トラックリスト

• A1 Spellbound (3:16)
• A2 Into The Light (4:14)
• A3 Arabian Knights (3:08)
• A4 Halloween (3:43)
• A5 Monitor (5:35)
• B1 Night Shift (6:06)
• B2 Sin In My Heart (3:37)
• B3 Head Cut (4:23)
• B4 Voodoo Dolly (7:07)

関連動画

• Sin In My Heart
• Siouxsie And The Banshees – Spellbound
• Into The Light
• Siouxsie And The Banshees – Arabian Knights (Official Music Video)
• Halloween

The British Psychedelic Trip Vol. 2 1966-1969

「The British Psychedelic Trip Vol. 2 1966-1969」は、Various名義でまとめられた1966年から1969年の英国サイケデリック・ロックを切り取ったコンピレーション作品だ。オリジナルのリリースは1986年で、60年代後半の英国シーンを振り返る形の1枚になっている。

作品の輪郭

タイトルどおり、収録範囲は1966年から1969年。サイケデリック・ロックがロックの中で大きく広がっていった時期の音を、まとまった流れで追える構成と考えられる。単一アーティストの作品ではなく、当時の複数の音源を並べるタイプなので、時代の空気や音の変化が見えやすい。

サウンドの印象

英国のサイケデリック・ロックらしく、ギターのエフェクト処理や、少し揺れるような音像、当時特有の録音感が前に出るタイプの内容が想像しやすい。ロックの骨格を保ちながら、メロディやアレンジにひねりを加えた曲が並ぶ文脈だろう。ビート・バンド寄りの感触と、より実験的な方向性が同居するのも、この時代の英国サイケの特徴として語られやすい。

ジャンルの文脈

1960年代後半の英国では、The Beatles、The Rolling Stones、The Kinks、The Small Faces、Pink Floydといった名前が、ロックの表現を押し広げていった流れの中でしばしば参照される。このコンピレーションも、そうした時代の延長線上にある音をまとめたものとして捉えられる。ポップな感覚を残した曲から、より内省的で音響的な曲まで、幅のある時代像が見えてきそうだ。

1986年というリリース時期

作品としては1986年のリリースなので、60年代当時の音源を80年代に再編集・再提示した形になる。サイケデリック・ロックの初期シーンを、後年の視点から整理して聴ける点に意味がある1枚だと言えそうだ。

まとめ

「The British Psychedelic Trip Vol. 2 1966-1969」は、英国サイケデリック・ロックの1966年から1969年までを切り取ったコンピレーションで、時代の音の広がりをそのまま感じやすい内容だ。単独アーティストの代表作というより、60年代後半の英国ロック史を眺めるための資料性も持った作品として見ていける。

トラックリスト

• A1 My White Bicycle
• A2 Skeleton And The Roundabout
• A3 In The Land Of The Few
• A4 Kites
• A5 Mr Armageddan
• A6 You’ve Got A Habit Of Leaving
• A7 Excerpt From “A Teenage Opera”
• A8 Rumours
• A9 It’s So Nice To Come Home
• A10 Real Love Guaranteed
• B1 We Are The Moles (Part 1)
• B2 Friendly Man
• B3 S.F. Sorrow Is Born
• B4 I See
• B5 Lady On A Bicycle
• B6 On A Saturday
• B7 Worn Red Carpet
• B8 Strawberry Fields Forever
• B9 She Says Good Morning
• B10 Hey Bulldog

Ed Wynne『Shimmer Into Nature』について

『Shimmer Into Nature』は、Somerset, UK出身のギタリスト／シンセ奏者／コンポーザー、Ed Wynneによる2019年作。ElectronicとRockを軸にした、Space Rock寄りのソロ作品として位置づけられる1枚です。Ozric Tentaclesのリーダーとして知られる人物のソロ名義作でもあり、同系統のサイケデリック・ロックやスペース・ロックの流れを意識しながら、個人作ならではのまとまりを持った内容になっています。

作品の輪郭

Ed Wynneは1961年生まれ。Ozric TentaclesやNodens Ictusの中心人物として活動してきたミュージシャンで、ギターとシンセを行き来しながら、ロックのバンド感と電子音のレイヤーを組み合わせる作風で知られています。『Shimmer Into Nature』でも、その持ち味が前面に出ている印象です。

サウンドは、ギターのフレーズとシンセの音色が細かく重なっていくタイプ。リズムの推進力を保ちながら、音の粒が流れ込んでくるような構成で、Space Rockらしい浮遊感と、Electronic由来の機械的な質感が同居している作品といえます。派手に押し切るというより、音の層を積み上げていくタイプの作りです。

Ed Wynneのキャリアの中で

この作品は、Ozric Tentaclesの文脈を知る人には、Ed Wynneの個人的な音の組み立て方を追いやすいタイトルとして見えます。バンドでのサイケデリックな拡張感を保ちながら、ソロではより直線的に、本人のギターとシンセの感触が出やすい形です。ソロ作としては、活動の延長線上にある自然な一枚、という受け取り方ができそうです。

ジャンルの文脈

Space Rock、Electronic、Rockという並びからも分かる通り、70年代以降のサイケデリック・ロックやスペース・ロックの系譜に接続する作品です。音の作り方としては、長めのフレーズ展開や反復、シンセの厚みを使う点で、同系統のアーティストと並べて語られることがありそうです。

UK発のこの手の作品らしく、ロックのバンド感と電子音の処理が近い距離にあるのも特徴です。ジャンルの枠内で、Ed Wynneらしいギターの存在感がしっかり残っているところがポイントになっています。

まとめ

• アーティスト: Ed Wynne
• 作品: 『Shimmer Into Nature』
• リリース年: 2019年
• 国: UK
• ジャンル: Electronic, Rock
• スタイル: Space Rock

Ed Wynneのソロとして、『Shimmer Into Nature』はサイケデリック・ロックと電子音の接点をそのまま形にしたような作品です。Ozric Tentacles周辺の文脈を踏まえると、本人の音作りの感触が見えやすいタイトルとして捉えられる一枚です。

トラックリスト

• A1 Glass Staircase (7:55)
• A2 Travel Dust (9:15)
• A3 Oddplonk (8:00)
• B1 Shim (7:44)
• B2 Wherble (10:20)

関連動画

• Glass Staircase
• Travel Dust
• Oddplonk
• Shim
• Wherble

Karat『Über Sieben Brücken』

『Über Sieben Brücken』は、旧東ドイツのロック・バンド、Karatによる1979年の作品。ポップ・ロックを軸にした作りで、バンドの代表的な時期を示すアルバムのひとつとして知られている。

作品の位置づけ

Karatは1975年に活動を始めたバンドで、東ドイツのロック・シーンを語るうえでよく名前が挙がる存在だ。本作は、そうしたバンドの初期から中期にかけての流れの中に置ける作品で、のちに広く知られることになる楽曲「Über sieben Brücken musst du gehn」を含む時期のアルバムとしても重要だ。

サウンドの印象

内容は、ロックの骨格にメロディをしっかり乗せた作り。ギター、キーボード、ボーカルの組み合わせが前に出ていて、演奏は比較的端正な印象だ。派手に押し切るタイプというより、曲そのものの流れを大事にした組み立てで、当時の東欧ロックらしい整った質感がある。

代表曲について

この作品を語るうえでは、やはり「Über sieben Brücken musst du gehn」が中心になる。Karatを代表する楽曲として扱われることが多く、アルバム全体の印象を決める核にもなっている。タイトル曲としての存在感が強く、バンドのメロディ志向をはっきり示す1曲だ。

メンバーと編成

• Claudius Dreilich: Vocals
• Bernd Römer: Guitar
• Martin Becker: Keyboards

この時期のKaratは、ボーカル、ギター、キーボードを軸にした編成で、バンドとしてのまとまりが感じられる。過去のメンバーには Herbert Dreilich や Ulrich “Ed” Swillms など、後年まで名前が残る重要人物も多い。

同時代の文脈

1970年代後半のドイツ語圏ロックの中でも、Karatは英米ロックの影響を受けつつ、独自の歌ものとして整理された音作りを進めていたバンドといえる。ハードに寄せるというより、ポップ・ロックの形で曲を立てる方向性で、同時代のプログレッシブな要素を残すバンドと比べても、聴き口は比較的明快だ。

盤について

この盤は1983年のリリース。オリジナルの1979年盤から少し時間を置いた形で流通したもので、Karatの初期作品を追ううえでのひとつの版として見られることが多い。

東ドイツのロック史の中で、Karatがどのようにメロディとバンド・サウンドを結びつけていたかを示す、そういう位置の1枚だ。

トラックリスト

• A1 Introduktion (1:23)
• A2 He Mama (3:20)
• A3 Blues (2:42)
• A4 Wilder Mohn (4:10)
• A5 Musik Zu Einem Nicht Existierenden Film (2:50)
• A6 Auf Den Meeren (6:00)
• A7 Das Was Ich Will (1:00)
• B1 Gewitterregen (4:20)
• B2 Albatros (8:15)
• B3 Wenn Das Schweigen Bricht (5:10)
• B4 Über Sieben Brücken Mußt Du Gehn (3:10)

関連動画

• Introduktion
• He, Mama
• Blues
• Wilder Mohn
• Musik zu einem nichtexistierenden Film

Pink Floyd「The Wall」について

1979年にリリースされたPink Floydの11作目のスタジオ・アルバムが『The Wall』だ。ロンドン出身の英ロック・バンドとして出発した彼らが、プログレッシブ・ロックの文脈で大きな存在感を示していた時期の作品で、バンドの代表作としてよく挙げられる1枚でもある。

本作は、1978年12月から1979年11月にかけて録音され、1979年11月30日にUKで発売された。US盤は同年12月8日発売。いわゆるコンセプト・アルバムとして知られ、物語性のある構成と、楽曲ごとのつながりが強い作品になっている。

作品の位置づけ

『The Wall』は、Pink Floydの後期を代表するアルバムのひとつだ。『The Dark Side of the Moon』や『Wish You Were Here』で深めてきた構成力、音響処理、演出性が、この作品ではさらに前面に出ている。ロック・オペラ的な流れを持ち、個々の曲を並べるというより、全体でひとつの物語を形作るタイプのアルバムになっている。

バンドの中心人物だったRoger Watersの色が強く出た作品としても知られる。クレジット上でも、作曲・演奏・プロデュース面でWatersとDavid Gilmourの役割が大きく、Richard Wright、Nick Masonを含む編成でまとめられている。

サウンドの特徴

音の質感は、硬さのあるギター、厚みのあるコーラス、効果音の挿入が印象的だ。静かなパートと大きな音圧の場面がはっきり分かれ、曲ごとのダイナミクスが大きい。アコースティック楽器とエレクトリック楽器が交互に現れ、場面転換の多い作りになっている。

プログレッシブ・ロック、クラシック・ロック、アート・ロックの要素が重なり、同時代の大作志向の作品群の中でも存在感のある仕上がりだ。King CrimsonやGenesisなどと並べて語られることもあるが、Pink Floydの場合は実験性に加えて、歌詞と物語の比重が大きい点が特徴的だ。

代表曲とシングル

本作からは「Another Brick in the Wall, Part 2」がシングルとして発表され、UKチャートで1位を記録した。合唱パートのある構成がよく知られており、アルバムを代表する楽曲として広く認識されている。

そのほかにも、「Comfortably Numb」や「Hey You」など、アルバム全体の流れの中で強い印象を残す楽曲が並ぶ。曲単体でも耳に残るが、物語の進行と結びついている点がこの作品らしいところだ。

制作にまつわる話

録音はフランスで始まり、その後ロサンゼルスでも作業が行われた。制作期間が長く、複数の場所で段階的に進められたことが記録されている。アルバムの外装デザインも特徴的で、白い壁とレンガの意匠が作品の内容とつながっている。

初期のUK盤では、見開きジャケット内側のクレジット表記やレンガの配置などに違いがあることも知られている。こうした細部まで含めて、作品全体の完成度が高いアルバムだ。

まとめ

『The Wall』は、Pink Floydの音楽性が物語性と演出性の両面で結実した1979年の作品だ。重層的な構成、はっきりした音の対比、代表曲の強さがそろい、バンドの歴史の中でも大きな位置を占めるアルバムとして扱われている。

トラックリスト

• A1 In The Flesh?
• A2 The Thin Ice
• A3 Another Brick In The Wall Part 1
• A4 The Happiest Days Of Our Lives
• A5 Another Brick In The Wall Part 2
• A6 Mother
• B1 Goodbye Blue Sky
• B2 Empty Spaces
• B3 Young Lust
• B4 One Of My Turns
• B5 Don’t Leave Me Now
• B6 Another Brick In The Wall Part 3
• B7 Goodbye Cruel World
• C1 Hey You
• C2 Is There Anybody Out There?
• C3 Nobody Home
• C4 Vera
• C5 Bring The Boys Back Home
• C6 Comfortably Numb
• D1 The Show Must Go On
• D2 In The Flesh
• D3 Run Like Hell
• D4 Waiting For The Worms
• D5 Stop
• D6 The Trial
• D7 Outside The Wall

The Call『Modern Romans』について

The Callの『Modern Romans』は、1983年にアメリカでリリースされたロック作品。サンタクルーズで1980年に結成されたバンドが、80年代前半の空気の中で形にしたアルバムで、オルタナティヴ・ロックとニュー・ウェイヴの要素が交差する一枚です。

中心にいるのは、ヴォーカルとギターを担うMichael Been。そこにScott Musickのドラム、Greg Freemanのベース、Tom Ferrierのギターが重なり、The Callらしい骨太さと整った構成感を作っている印象です。後年の作品に比べても、バンドの輪郭がはっきり見えやすい時期のアルバムという位置づけでしょう。

サウンドの印象

サウンドは、ロックの直線的な押し出しに、当時らしいニュー・ウェイヴの整理された質感が加わるタイプ。ギターとリズム隊が前に出つつ、音の置き方には余白があり、派手さよりも曲の流れで聴かせる作りです。80年代初頭のUSロックの中でも、硬質さとポップな整理感の両方を持つ作品として受け取れそうです。

作品の位置づけ

The Callは、のちにより広く知られる時期へつながる前段階で、このアルバムではバンドの基本形が見えます。Michael Beenの歌と曲作りを軸に、演奏のまとまりで引っ張るタイプの作品で、デビュー期のバンドが自分たちの音を固めていく流れの中にある一枚です。

同時代の文脈

1983年という時期を考えると、USロックではニュー・ウェイヴやポストパンクの影響が広がりつつ、バンドごとの個性がより前面に出ていた頃です。The Callもその流れの中で、単なるギターロックではなく、リズムや音の配置に時代性を感じさせるバンドとして位置づけられます。

ジャケットの話題

この1983年盤のジャケットには、Cecil B. DeMille監督のサイレント映画『Manslaughter』（1922年）のスチルが使われている点も特徴です。音だけでなく、ビジュアル面でも映画的な参照が置かれているのが面白いところです。

まとめ

『Modern Romans』は、The Callの初期の輪郭を知るうえで重要な作品。80年代初頭のUSロックとニュー・ウェイヴの交差点に置けるアルバムで、Michael Beenを中心としたバンドの出発点としても見えてきます。演奏のまとまり、曲の構成、そして時代の質感が、きちんと一枚に収まっている作品です。

トラックリスト

• A1 The Walls Came Down (3:35)
• A2 Turn A Blind Eye (3:48)
• A3 Time Of Your Life (3:27)
• A4 Modern Romans (3:24)
• A5 Back From The Front (4:02)
• B1 Destination (4:32)
• B2 Violent Times (4:28)
• B3 Face To Face (4:05)
• B4 All About You (4:20)

関連動画

• The Call – The Walls Came Down
• The Call – Turn A Blind Eye
• The Call – Time Of Your Life
• The Call – Modern Romans
• The Call – Back From The Front